Divaldo – O Mensageiro da Paz

Cinebiografia do médium baiano fica à altura de sua obra ao tratar de temas como a sua atividade filantrópica, o suicídio e o que há após a morte

Texto por Janaina Monteiro

Foto: Fox/Divulgação

A ideia de que o ser humano é livre para optar pelo seu futuro e tomar decisões sobre seus atos sempre foi debatida pela filosofia e religião. Há quem diga, porém, que o livre-arbítrio é inverossímil, que nosso destino já está predefinido, escrito, seja por Deus, pelos astros ou pela entidade que for. Os budistas, pelo contrário, acreditam na lei da ação e reação, o “karma”, que diz que para toda decisão há uma consequência, boa ou ruim. A doutrina espírita também segue nesta linha, de que a evolução do ser humano depende de um constante aprendizado, o qual demanda esforço diário, pessoal e interpessoal. Nosso objetivo é alcançar a tal da perfeição, outro termo bastante complexo. Por isso, algumas almas precisam reencarnar tantas vezes quantas forem preciso até que essa transcendência moral e intelectual aconteça, por meio da caridade, da tolerância, do perdão, da fraternidade, do amor ao próximo como pregava os líderes espirituais Jesus Cristo ou Mahatma Gandhi.

Um desses seres que beiram a perfeição teve sua biografia transformada em longa-metragem. Divaldo – O Mensageiro da Paz (Brasil, 2019 – Fox) é um filme que retrata um ser humano exemplar que tem se dedicado de corpo e alma a acolher o próximo. Aos 92 anos, Divaldo Pereira Franco segue em atividade na Mansão do Caminho, a obra social do centro espírita Caminho da Redenção, erguido há 67 anos em Salvador e que presta diversos serviços além de ajuda espiritual a milhares de pessoas independentemente da religião. Hoje são 600 crianças acolhidas pela entidade filantrópica.

Ao contrário do popular Chico Xavier, o nome Divaldo é conhecido apenas entre os seguidores do espiritismo, mesmo tendo proferido dezenas de palestras ao redor do mundo e vendido mais de oito milhões de livros. Por isso, estava mais que na hora da cinebiografia sobre o médium entrar para o rol dos filmes espíritas.

O diretor Clovis Mello, que assina também o roteiro, conseguiu entregar uma obra correta e à altura do médium, tirando alguns tropeços perdoáveis. O longa foi baseado no livro Divaldo Franco: a Trajetória de um dos Maiores Médiuns de Todos os Tempos, de Ana Landi, e, assim como o filme Kardec (sobre o pai do espiritismo, lançado no primeiro semestre deste ano), também deveria ser visto por adeptos de qualquer doutrina ou religião. Primeiro por tratar de temas delicados, como o suicídio (lembrado neste mês pela campanha Setembro Amarelo), e pela visão que católicos e espíritas têm sobre a morte. Outro motivo está explícito no título do longa: a mensagem de Divaldo, que abdicou de uma vida tradicional para dedicar-se à filantropia, para levar um pouco de paz e amor àqueles que sofrem de carência, financeira ou afetiva.

O filme conta a trajetória do menino, nascido em Feira de Santana, Bahia, que desde os quatro anos de idade se comunica com os mortos e, por isso, precisa a aprender a conviver com o preconceito dos incrédulos. Pela mediunidade ter se manifestado cedo, conversar com a avó morta por exemplo era tão natural quanto bater um papo com um familiar de carne e osso.

Três atores interpretam o médium: João Bravo, na infância; na mocidade, Ghilherme Lobo; e pelo recifense Bruno Garcia, na fase adulta. A história é contada de forma linear e Mello mostra a evolução do caráter de Divaldo, com sua teimosia e orgulho presentes na juventude, até a aceitação da sua vocação e a posterior conquista da serenidade.

A escolha do elenco, aliás, foi decisiva para garantir coesão à trama e alcançar a empatia do espectador, principalmente em relação ao sotaque. Os pais de Divaldo, por exemplo, são interpretados por atores de teatro baianos. A mãe, dona Ana, é Laila Garin, que conduz sua personagem com uma doçura irresistível. Caco Monteiro é Seu Francisco, o pai severo, porém capaz de absorver ao longo do tempo as diferenças do filho.

Divaldo pertencia a uma família católica e, logo no início do filme, surgem várias críticas à igreja. Numa das cenas mais cômicas, o médium, na pele de Ghilherme, vê o espírito da mãe do padre com quem está se confessando. Curioso, o religioso pergunta como sua mãe está vestida e a resposta de Divaldo o faz se libertar de suas amarras.

O longa ainda mostra como o espírita recebeu apoio de pessoas queridas, verdadeiros “pontos de luz”: dona Ana é uma delas e representa a verdadeira mãe de sangue nordestino. Do início ao fim da sua vida, concede o apoio incondicional ao filho, quando, por exemplo, ele é convidado pela médium Laura (Ana Cecília Costa) ainda na adolescência a se mudar para Salvador para estudar a doutrina e trabalhar como datilógrafo. Outro que permaneceu ao lado do médium desde jovem foi o amigo Nilson.

Em sua jornada, Divaldo recebe orientações de sua guia espiritual, Joanna de Angelis, reencarnação de Santa Clara de Assis, a quem é atribuída a maior parte das mensagens psicografadas pelo baiano. A entidade é interpretada por Regiane Alves, que logo coloca os pingos nos is a Divaldo, alertando-o sobre as dificuldades, resistência e preconceito que enfrentaria. Por mais que a doutrina espírita evoque o livre-arbítrio, o filme nos leva a entender que Divaldo já estava predestinado e que ter filhos de sangue não estaria incluso na sua missão. Ele teria filhos de coração.

O contraponto de Joanna vem na forma do espírito obsessor incorporado pelo ator Marcos Veras, que soa um tanto caricato, vestido de preto, com maquiagem pesada e fantasmagórica. A alma assombra a mente de Divaldo, sempre atiçando-o para o lado negro. Outro ponto forçado é a trilha sonora, que parece ter sido escolhida a dedo para arrancar lágrimas dos olhos dos espectador mais sensível – como na cena em que Divaldo perde a sua mãe com “Ave Maria” ao fundo.

No geral, Mello preocupou-se em enfatizar a doutrina espírita em sua essência, de uma forma leve, graciosa e com diálogos bem-humorados. Porém, as falas de Regiane Alves, principalmente, fogem desse viés e soam um tanto cansativas, em tom de sermão. Em certas cenas, a atriz chega a perder o fôlego para dar conta do texto extenso.

Entre tantos ensinamentos transmitidos por Joanna a Divaldo, um deles é determinante para acolher em nosso cotidiano tão trivial, quando encarar alguns vivos chega a ser mais aterrorizante do que topar com uma alma penada. A melhor resposta para enfrentar a intolerância é o silêncio.

Yesterday

O consumo musical de hoje em dia é questionado com história costurada por canções dos Beatles em um mundo onde a banda não existiu

Texto por Janaina Monteiro

Foto: Universal Pictures

Talvez um mundo sem Rolling Stones seja possível. Sem Beatles, porém, jamais. Pelo menos essa é a visão de Yesterday (Reino Unido, 2019 – Universal Pictures), filme dirigido pelo aclamado Danny Boyle, do cult Trainspotting e do oscarizado Quem Quer Ser um Milionário?, que estreia no Brasil com dois meses de delay.

Em resumo, o longa é uma bela homenagem aos Fab Four, com críticas sutis ao showbiz frente ao mundo volátil de hoje e carregando uma mensagem totalmente John Lennon no final. Quem assina o roteiro é Richard Curtis, o neozelandês naturalizado britânico especialista em comédias românticas água com açúcar como Quatro Casamentos e um Funeral e Um Lugar Chamado Nothing Hill. Da dobradinha inglesa, quem se sobressai é o roteirista que imprime sua digital ao filme, abafando a direção de Boyle.

O longa conta a história de Jack Malik (interpretado pelo britânico filho de pais indianos Himesh Patel) que vive em Lowestoft, condado de Suffolk, Inglaterra, com sua vidinha de repositor num supermercado. Em paralelo, ele se apresenta em pubs e festivais, tocando as composições que compõe, às quais ninguém dá muita atenção. Pela decoração do quarto de Malik, dá pra perceber sua paixão por indie rock: há pôsteres da banda escocesa Fratellis; do álbum In Rainbows, dos ingleses do Radiohead; e dos americanos Killers. Além de cantar, Malik é multi-instrumentista (toca piano, violão e guitarra) e guarda uma supercoleção de discos de vinil dentro do armário.

Quem dá suporte à sua carreira são os amigos. Em especial Ellie Appleton (Lily James), parceira desde a infância e que se tornou uma espécie de manager de Malik. Lily é uma garota meiga e romântica, que dá aulas de matemática numa escola e, claro, nutre uma paixão platônica por Malik.  Quando, frustrado, o rapaz pensava seriamente em desistir do sonho de se tornar um cantor famoso, o inesperado acontece. Ao voltar para casa pedalando após um show praticamente às moscas, ele é atropelado por um ônibus durante um apagão planetário, como o bug que todos esperavam na virada do milênio. Jack vai parar no hospital e lá já percebe que há algo mais estranho do que ele ter ficado banguela. O rapaz cantarola trecho de uma canção dos Beatles e Ellie sequer reconhece. Ao receber alta, ganha um violão novo de presente e interpreta a canção que batiza o longa, “Yesterday”, que Paul McCartney compôs logo após lembrar-se de uma melodia vinda durante um sonho.

E então o mote do filme começa. Malik reage ao impacto de saber que é o único que se lembra de Beatles, num misto de indignação e nervosismo. Os amigos do protagonista chegam a comparar “Yesterday” com “Fix You”, do Coldplay – um dos momentos hilários do longa. O mundo, então, torna-se estranho, vazio e sem sentido para o rapaz que, por várias vezes, recorre ao Google para descobrir se algo mais desapareceu no fog. Será que o Oasis sequer existiu também?

Malik se vê na obrigação de mostrar ao mundo o que só ele lembra e, de quebra, consegue impulsionar sua carreira ao se apropriar da obra de Paul, John, George e Ringo, despertando, claro, curiosidade e desconfiança por conta de toda essa explosão criativa que surge da cabeça de quem compunha canções banais.

Conforme ele mergulha na memória para buscar cada palavra e cada acorde do repertório beatle, revela-se a trilha sonora do filme, repleta de “lados A” como “I Wanna Hold Your Hand”, “In My Life”, “Help!”, “Eleanor Rigby”, “I Saw Her Standing There”, “All You Need Is Love”, “Let It Be”, “Hey Jude”, “Here Comes The Sun” e “Ob-La Di Ob-La-Da”. Para relembrar a dificílima letra de “Eleanor Rigby”, precisa ir a Liverpool e visitar alguns lugares, por exemplo. E assim várias canções do quarteto vão dando um contorno ao filme, cada qual situada com um propósito definido.

Os “novos hits” passam a chamar atenção e Malik conhece Ed Sheeran, a grande surpresa do longa. O astro pop interpreta ele mesmo, como uma autocaricatura, um clown, e é responsável por arrancar boa parte das risadas do público (algo me diz que Sheeran teve aulas com Hugh Grant!). As obras-primas despertam também os olhares da manager de Sheeran, Debra Hammer (a comediante Kate McKinnon, que dá um show ao personificar a produtora sem escrúpulos).  De rapaz desconhecido, Malik vira ídolo pop. Alcança e conhece de perto a fama, primeiro abrindo shows do astro ruivo inglês que compôs “Shape Of You”, cujo refrão surge repetidamente no filme. Numa das cenas, os dois chegam a disputar quem faz a melhor música na hora (adivinhe quem ganha!).

A partir do momento que o protagonista começa a fazer sucesso com os hits dos Beatles – e obviamente desbanca Ed Sheeran – é possível perceber críticas implícitas sobre as mudanças sofridas na indústria do entretenimento nestas últimas décadas. Como a tecnologia transformou o processo de criação (quem é capaz de fazer uma letra como Eleanor Rigby hoje?) e facilitou o consumo de música pop requentada (porque a original Coca-Cola também desapareceu do mundo e só existe Pepsi?); e também como o marketing digital revolucionou a divulgação do trabalho dos artistas. A direção de Boyle, com seus efeitos visuais e ritmo dinâmico, nos faz mergulhar na era dos downloads, aplicativos e redes sociais e refletir sobre essas alterações tão impactantes na indústria cultural. Sgt Pepper’s Lonely Hearts Club Band perde o colorido e “Help!” se transforma num hardcore meia boca.

O eixo principal do filme, porém, é o relacionamento entre Malik e Ellie, que fica conturbado depois que o rapaz atinge o estrelato. Mas a tensão entre o casal só vem à tona nos minutos finais. Aliás, Yesterday desanda da metade para o fim (se perde assim como a série Lost) e a expectativa de um desfecho criativo é atropelada por um ônibus biarticulado.

Mesmo assim vale assistir a Yesterday pelo tributo, pelos covers bem executados por Patel, para rir de Ed Sheeran e, sobretudo, refletir sobre o modo como consumimos cultura e amor hoje em dia. Como já diziam os Beatles, bem fresquinho na memória: “in the end the love you take is equal to the love you make”.

Diário de Bordo: Autoramas – Alemanha, Inglaterra e Espanha (2019)

Todos os detalhes e curiosidades dos bastidores da décima sexta turnê feita pela banda por países europeus

Texto por Gabriel Thomaz

Fotos: Reprodução/Acervo Autoramas

Os Autoramas iniciaram sua carreira internacional no ano de 2002, quando fizeram uma turnê no Japão com a lendária banda nipônica Guitar Wolf. Desde então não pararam de fazer shows fora do Brasil, tendo tocado em 23 diferentes países do mundo, num total de 48 viagens internacionais. No final do mês de abril de 2019, os Autoramas partiram para uma nova turnê na Europa, passando por Alemanha, Inglaterra e Espanha. Essa foi a turnê europeia de número 16. O plano desta vez era fazer dez shows na Alemanha e Inglaterra, tirar uma semana de folga (ou turismo) e retomar as datas com oito apresentações na Espanha. Nesta turnê levaríamos a responsabilidade de tocar o repertório do nosso mais recente álbum, Libido, que saiu também na Europa (pela Soundflat Records) e recebeu críticas e resenhas extrememente elogiosas, o que rendeu convites para festivais como Surforama, Liverpool Sound City, Rock’n’Roll Butterfahrt e Hipsville A-Go-Go.

Érika tem uma irmã e um sobrinho que vivem na Alemanha e, por isso, viajou alguns dias antes para visitar sua família. Eu, Jairo e Fábio saímos do Brasil na correria e chegamos já no dia do primeiro show da turnê na linda cidade de Stuttgart, no sul da Alemanha, a duas horas de van do aeroporto de Frankfurt. Nossa querida booker e manager Sandra Billig estava lá com a van vermelha para nos buscar. Enchemo-la de presentes brasileiros e partimos felizes para Stuttgart, sem qualquer atraso (coisa inadmissível para os alemães!).

Já tocamos várias vezes em Stuttgart, sempre no Goldmarks. A primeira vez que tocamos lá abrimos para os lendários Dictators e temos um público muito divertido e que se esbalda de dançar, o que não é comum por lá. Todos os contratantes se impressionam como a gente consegue colocar os alemães pra chacoalhar o esqueleto. Como sempre, o show foi animal. A banda que foi escalada pra abrir não compareceu por motivo de saúde e quem acabou tocando foi a excelente atração local The Dahlits (recomendo!). Vendemos merchandising pra caramba (o que é fundamental para as contas da turnê) e nos mandamos para o hotel pra descansar bem pro dia seguinte, já que já chegamos na Alemanha e emendamos no primeiro show.

O segundo show foi em Köln (ou Colônia, em português), no Mongogo, cujo dono é o Traxman, também dono do nosso selo europeu Soundflat. Já chegamos com a notícia que nosso LP Libido estava esgotado e teríamos de fazer novas prensagens, Ki beleza! Novamente o povo dançou pra caramba e a toda hora Traxman nos trazia no palco novas rodadas da especialidade da casa, o Drink de Pepino, uma delícia refrescante. Traxman tem em sua residência um belíssimo Tiki Room, um quarto todo com motivos polinésios e tropicais. Por isso, levamos jarras, copos e saleiros com design de abacaxi, coco e outras frutas tropicais ao melhor estilo A Grande Família – comprados da Maravilhas do Lar – para embelezar ainda mais seu impecável Tiki Room. As novas aquisições foram prontamente aprovadas e encaixadas na decoração, com a promessa de que seriam os novos destaques no verão europeu que estava por chegar.

Compramos vários discos no escritório da Soundflat (incluindo nossas colegas da The Let’s Go’s, banda da Sakura, filha do Seiji, do Guitar Wolf, que conheci ainda criança em Tokyo), e de lá fomos para Hamburgo, onde vamos tocar num lugar chamado Menschenzoo (“zoológico humano”) com abertura da banda local The Beasts. Já havíamos tocados com eles. São um duo local de garagem trash que se veste de múmias, tipo os Mummies. O local estava entupido, muito cheio e o show foi alucinante, com todo mundo se jogando na plateia, um monte de alemães xingando o Bolsonaro, suadeira total e o povo feliz ao final do show. Mas uma surpresa nos aguardava: um jovem de estatura avantajada subiu doidaço no palco e acabou tropeçando e caindo em cima da minha pedaleira. Seu peso fez com que alguns cabos e plugss se amassassem ou rompessem, mas, germanicamente, o jovem resolveu o assunto me dando 100 euros para os reparos.

O dia seguinte seria o mais esperado da turnê por nós até então, pois acordamos bem cedo para irmos até o porto de Cuxhaven, onde pegaríamos um barco para a maravilhosa ilha de Helgoland, no Mar do Norte, onde é realizado o sensacional festival Rock’n’Roll Butterfahrt. Helgoland é uma ilha onde não entram carros, os produtos vendidos são tax-free e onde vivem focas e leões marinhos em suas praias geladas. Um paraíso do frio e um lugar lindíssimo. Helgoland foi bombardeada fortemente durante a Segunda Guerra, pois era um lugar estratégico no meio do mar e esses bombardeios estão todos documentados com placas pela ilha. Nessa ilha é feito o Rock’n’Roll Butterfahrt, festival mais pro lado punk rock com o povo super cabeça aberta. O palco é montado em cima da areia da praia e, como não choveu durante o festival, o clima ficou ainda mais alto astral. Ao chegar na ilha, já fomos recebidos com uma banda no cais do porto cantando “I don’t wanna holiday in the sun”, do Sex Pistols, e levados pela organização ao nosso bungalow. Cada banda tinha uma casinha linda cheia de rango e birita pra se alojar. Coisa maravilhosa! Fomos almoçar e ver as focas e o Fabsi, lenda punk alemã que organiza o festival. Foi ele próprio me ajudar a consertar o estrago na pedaleira do dia anterior. Entramos no placo com tudo consertado ainda de dia e o povo, formado por gente de todas as idades, foi à loucura. Rola por aí um vídeo que ilustra bem como foi esse show. Depois rolou uma festa no cais. Todo mundo muito bem, nos divertimos a valer com nosso barrilzinho de cerveja disponível no nosso bangalô, que levamos para a festa.

No outro dia, numa ressaca descomunal, fomos almoçar no centro da ilha. Fábio pediu um sanduíche e saiu andando e comendo quando uma gaivota, um pássaro com umas asas enormes, atacou diretamente seu sanduba levando-o para comê-lo em outro lugar. As pessoas que viram o assalto disseram que era normal acontecer isso e realmente lemos sobre isso antes. Ou seja, foi uma experiência maravilhosa. É um grande privilégio de ter uma banda e viajar pelo mundo. Nós jamais escolheríamos Helgoland como um destino turístico e estávamos lá desfrutando de tudo aquilo.

Ainda tocamos em Wilhelmshaven, com o lendário punk britânico Johnny Moped, e em Frankfurt, dessa vez muito na correria, pois iríamos de van para a Inglaterra. Chegamos em Liverpool depois de longa viagem, sem tempo pra parar, já que pegamos muitos engarrafamentos. Para chegarmos no horário, Érika até fez xixi num copo do Starbucks – segundo ela, a experiência mais hippie da sua vida. Em Liverpool, ainda na correria, ainda fizemos uma reunião no escritório da marca de guitarras Eastwood, conhecemos a galera da Ditto, nossa distribuidora digital que tem sede na cidade, e já fomos passar som para o show no Liverpool Sound City. Deu tudo certo e nossa primeira vez em Liverpool foi linda. Na madrugada, eu e Jairo ainda saímos a pé debaixo de chuva para conhecer o Cavern Club e a área lendária relativa aos Beatles. De lá mandei foto pra minha mamãe, uma verdadeira fã dos 4 de Liverpool. Foi emocionante de verdade, pois nunca fomos até lá como turistas. A música nos levou a Liverpool.

A próxima parada seria o festival Hipsville, em Margate, litoral da Inglaterra. Chegamos lá num tremendo vento frio. O lindo hotel vitoriano – cuidado por uma velhinha, parecia filme – era em frente ao mar. O festival é um dos mais legais e lendários da cena garage/surf/60s da Europa. Foi a segunda vez que fomos convidados pra tocar nesse festival, a primeira foi em 2015. Nesse festival, as pessoas vão fantasiadas de acordo com o tema de cada ano. Neste ano o tema foi o Soho, bairro de Londres famoso por suas sex shops e cinemas pornô. Portanto, havia várias mulheres com roupas de “mulher pelada”: seios e pelos pubianos costurados em cima de um macacão cor da pele. Uma mulher levava uma placa hilária com os dizeres “Semen Is Vegan”. Uma outra era um abajur ambulante, minha fantasia preferida, e a dona dançava muito bem. Tivemos também as famosíssimas Go-Go Girls, que já ficaram nossas amigas de tantos festivais que já fizemos juntos, assim como Ade, Andrew e Alexandra, maravilhosos organizadores do Hipsville Soho A-Go-Go. Antes de subirmos ao palco encontramos nosso querido Steve Worral, do lendário RetroMan Blog – que fez os melhores elogios ao nosso show – e sua esposa Mayumi. O show foi sensacional, rendeu algumas das melhores fotos da turnê e logo após sairmos do palco fomos convidados pela lendária Gwen Ever, de um dos melhores programas de rádio de Rock do mundo, A Low Life in High Heels  (se você não conhece, não perca mais seu tempo), para fazer uma entrevista atrás do palco do Winter Gardens, local onde se realizou o festival. Chegando lá vimos os cartazes de shows antigos que rolaram naquele palco e até os Beatles tocaram lá. Sim, tocamos na mesma casa que os caras. E só fui saber depois… Os shows foram animalescos, nos divertimos às pampas até a fome bater e irmos numa lanchonete turca junto com nosso amigo brasileiro Al Zioli, que tocou na mesma noite com o MFC Chicken. Daí caminhamos até o hotel sentindo o vento gélido do litoral inglês.

Era apenas a metade dos shows no Reino Unido. Acordamos e nos mandamos para Manchester para tocar no 0161, festival Antifascista. Ao chegarmos, vimos a quantidade de bandas de som pesado, o que nos fez pensar se o povo ia curtir o Autoramas… Mas o povo total cabeça aberta foi ao delírio com o show. Queremos muito voltar. No dia seguinte ao acordar ainda fomos tirar fotos na frente do Salford Lads Club, onde os Smiths fizeram a foto do encarte do The Queen Is Dead, antes de partirmos rumo a Londres para o último show dessa parte da turnê.

Em Londres, tocamos no Made In Brasil, bar e restaurante brasileiro comandado pelo nosso querido Renato, em plena Camden Town. Chegamos, fizemos um turismo no Camden Market e voltamos pra passar som. O local já estava lotado de brasileiros, muitos amigos que não víamos há anos e nem sabíamos que estavam morando lá. Encontramos nossos amigos da banda londrina King Salami and the Cumberland 3, com quem troquei um monte de vinis, e que me pediram uma música para o próximo disco deles (tomara que role!). Depois nos hospedamos na casa de nossos queridos amigos Juliana e Luis.
No dia seguinte, eu e Érika pegamos o EuroTunnel para nossa semana de descanso na Alemanha e Sandra voltava pra sua casa, enquanto Jairo e Fábio ficaram mais uns dias em Londres antes de partirem para encontrar amigos em Praga e Amsterdam. Foi ótimo descansar no meio da turnê. Estávamos revigorados para o restante na Espanha.

Eu e Érika voamos para Madrid e nosso querido manager espanhol Guiller nos buscou no aeroporto de Barajas. Jairo e Fabio já estavam lá curtindo bastante, hospedados na casa de nossos amigos Mila e Bono. Lá tínhamos vários compromissos. No primeiro dia fomos à lendária Rádio 3 espanhola, onde nos entrevistou o lendário Julio Ruiz, no seu programa Disco Grande, que está no ar há 50 anos! Pra nossa surpresa, Julio sabia TUDO da nossa carreira e nossa história. Foi lindo e emocionante e muito informativo. Depois de tantas turnês por países que falam espanhol, é muito bom poder soltar o sotaque brasileiro no rádio e ser compreendido. Muita gente ouviu o programa e fez muitos elogios em relação a isso. Também gravamos um programa em português na Rádio 3. Depois partimos para um pocket show na Delia Records, sensacional loja de discos e acessórios no centro da cidade. Só cinco musiquinhas, mas já foi muito alto astral. Pra completar, um divertidíssimo passeio pelos bares de Madrid com Guiller e sua namorada Irantzu.

No dia seguinte, nosso show principal em Madrid, na Fun House, com abertura de Granada Perro Mojado e dos Sacramentos, excelente banda de Barcelona formada só por argentinos. Foi a loucura de sempre. Eu e minha guitarra levamos um banho de cuba libre. O povo se se esbaldou e dançou loucamente.

No dia seguinte, entramos na van para o show em Cox, em Alicante, na casa TNT Blues, que estava fazendo aniversário de 27 anos. Pra comemorar, os Autoramas junto com o grande duo espanhol Los Bengala. Excelente banda (se eu fosse você, iria conferir os videos deles no YouTube!). O lugar estava entupido. Já começamos o show e o povo já foi à loucura. Caíam um monte de copos pelo chão – depois de tocar só íamos sentindo o vidro sendo pisado por nossos sapatos. Até Érika fez um crowdsurfing lendário. O povo a tirou do palco e quando vi ela já estava lá longe.

No domingo, partimos para belíssima cidade de Granada meio ressaqueados. O show foi no Planta Baja e mesmo num domingo o povo pirou. No dia seguinte, segunda-feira, fizemos turismo pela lindíssima Granada, fomos a Alhambra, castelos mouros, lugares onde o Joe Strummer frequentava. Só coisa linda. O hotel onde ficamos também merece menção especial, com decoração espanhola ultratradicional. Parecia coisa de filme. À noite partimos para Sevilla, onde também fomos tocar pela primeira vez. Nos hospedamos num hotel que fica dentro do alojamento das seleções espanholas de remo e canoagem. O restaurante também era destinado aos atletas, então aproveitamos a comida saudável da galera. Em Sevilla tocamos na Sala X e foi destruição total. Saiu uma resenha do show (cujo título era “Brasil, el país del Rock and Roll”) e recebemos elogios em que nos compararam aos Mutantes. Muita responsabilidade!

O antepenúltimo show foi na cidade de Valladolid, onde o merchandising que levamos começou a esgotar. Todos os LPs já tinham sido vendidos e as opções para o público começavam a ficar menores. É muito importante para as bandas em turnê na Europa levar e vender merchandising. No calor do final das apresentações, o povo compra mesmo. Em Valladolid, experimentei as clássicas Gambas com Gabardinas. Ki delícia! A comida na Espanha é um capítulo à parte.

Albacete era nosso penúltimo destino. Lá tocamos em uma casa chamada La Cachorra Ye-Yé. O técnico de som da casa também é dono de uma loja de instrumentos. Quando ele viu que estávamos vendendo minha série de pedais de efeito Vibratoramas e Fuzzoramas, nos chamou para ir até sua loja, comprou alguns pedais e eles passaram a ficar à venda em lojas na Espanha.

Nosso último show na turnê seria no festival Surforama. Chegamos em Valencia na sexta, mas tocaríamos apenas no sábado. Na sexta rolaria o show dos lendários The Cynics e não marcamos nada nessa data para vê-los e curtirmos o festival. Foi uma escolha acertadíssima. Ki noite e ki banda! Sabe-se lá quando se pode ter a oportunidade de ver uma lenda dessas em ação. No sábado, eu ainda estava louco pra ver os mexicanos do Matorralman, que arrebentaram, e os Bomboras, clássico californiano da surf music reunido especialmente para esse festival. Agradeço muito ao Diego, organizador do festival, pelo convite, pois foi uma noite memorável. Entramos depois do Matorralman e a galera respondeu já nos primeiros acordes. A energia foi tão intensa que ao final do show parecia que eu tinha corrido uma maratona. O vídeo do final ilustra bem como foi. Todos diziam que foi o melhor show do festival e vendemos TUDO que havia de merchandising. Voltamos com uma mala que só não veio vazia por causa das compras que fizemos nos dois dias de folga que tivemos em Madrid com nossos queridos Guiller e Irantzu.

Logo chegamos ao Brasil e no dia 15 de junho já arrebentamos no Cerrado Fuzz Festival, em Rondonópolis, Mato Grosso…

O Rei Leão

Clássico desenho da Disney ganha nova versão de deslumbrante animação realista com cenários e animais construídos digitalmente

Texto por Flavio St. Jayme (Pausa Dramática)

Foto: Disney/Buena Vista/Divulgação

Faz 25 anos que a Disney levou para as telas a sua versão da história de Hamlet, o príncipe atormentado pela morte do pai, exilado pelo tio e que, com a ajuda de dois fieis escudeiros e uma bela dama, tenta retomar seu rumo. Guardadas as devidas proporções, não dá pra negar as inspirações shakespeareanas de O Rei Leão, uma das melhores produções da história da animação.

Agora, com a nova tática do estúdio de transformar seus clássicos em versões em animação mais realistas, o que parecia impossível aconteceu: Simba, Nala, Timão e Pumba chegam às telas em versões “de carne e osso” digitais pra encantar uma nova geração de fãs em O Rei Leão (The Lion King, EUA, 2019 – Disney/Buena Vista). A história a gente já conhece: o leãozinho Simba é acusado da morte do pai, o rei Mufasa, e foge para um exílio autoimposto até voltar para retomar seu trono. Os personagens a gente também já conhece. Além dos já citados, reencontramos Scar, Rafiki, Sarabi, Shenzi e Zazu em um novo visual.

E chegamos no ponto principal desta nova versão de O Rei Leão: o visual. É absolutamente deslumbrante tudo o que vemos em cena. Se pensarmos que aqueles animais são todos digitais, o longa chega a ser inacreditável. Leões, hienas, antílopes, girafas, suricatos desfilam na tela em cenas incríveis de encher os olhos.

Se uma das reclamações dos trailers era a de que os animais eram menos “expressivos” que os da animação (afinal de contas, leões não sorriem enquanto cantam, né?), eles ainda conseguem ser mais expressivos que Kristen Stewart ou Keanu Reeves.

Nada, absolutamente nada no filme é ruim. Se em Mogli – O Menino Lobo o diretor Jon Favreau já tinha demonstrado o que poderia fazer com estes animais digitais, em O Rei Leão ele coroa o uso de sua tecnologia de forma espetacular.

Algumas mudanças, sim, são sentidas com relação à animação em 2D de 1994. A falta de uma ou outra cena (como Rafiki dando uma lição dolorida em Simba) ou modificações em outras (ah, meus amigos, a cena da hula ganhou um upgrade de aplaudir de pé), mas nada que afete a estrutura principal. Com um tom mais sério, o novo longa encanta crianças e os adultos saudosos do original. Chega para ser um novo clássico.

Festival Olhar de Cinema 2019

Documentário Diz a Ela que me Viu Chorar ganha o prêmio principal do evento internacional realizado em Curitiba

Texto por Leonardo Andreiko

Foto: Olhar de Cinema/Divulgação

Realizado entre os últimos dias 5 e 13 de junho com sessões no Espaço Itaú (Shopping Crystal), Cineplex Batel (Shopping Novo Batel) e Cine Passeio, o Festival Olhar de Cinema (Curitiba Int’l Film Festival), realizado pela primeira vez em 2012, de novo movimentou os amantes da sétima arte por vários dias nesta primeira quinzena do mês, entre exibições, oficinas, laboratórios e seminários.

O Mondo Bacana analisa abaixo alguns títulos incluídos na programação deste ano, que se dividiu em várias mostras: a infantil Pequenos Olhares; a experimental Outros Olhares; Olhares Clássicos, cujo nome é autoexplicativo; Olhar Retrospectivo, dedicada à primeira fase da carreira do diretor chileno Raúl Ruiz; Novos Olhares, com enfoque dado a cineastas contemporâneos em curta e longa-metragem; e a Competitiva, considerada a principal das seções do festival.

Diz a Ela que me Viu Chorar – Maíra Buhler

Um filme desoladoramente lindo. Esta é uma experiência calcada completamente na dura realidade social de um (extinto) programa habitacional de redução de danos, no qual usuários abusivos de drogas pesadas eram assistidos com um lar, comida, geração de trabalho e renda, segurança e saúde. Acompanhando múltiplos personagens, todos moradores deste “Hotel Social”, o longa abole as lentes grande-angulares, criando uma atmosfera fortemente documental e claustrofóbica. No entanto, a intensa rotina de gravação resulta numa cumplicidade tão grande com seus personagens, cujas histórias e conflitos pavimentam e contam toda a história do filme. Dessa forma, temos um vislumbre do universo assolador do vício em crack, em 85 minutos que nos fazem rir e chorar na mesma intensidade.

A montagem fluida do documentário faz com que este não perca seu dinamismo, mesmo sem ação ou quaisquer narrações – a diretora afirma não ter cogitado incluir-se como personagem nessa crua narrativa. Momentos se contrastam e complementam com tal naturalidade que, por diversas vezes, sente-se a arquitetura de um longa ficcional, ainda que a veracidade de seu gênero nunca se perca. Um grande aspecto, frequentemente rebaixado na história do cinema e sua crítica, é a edição de som e a gravação do som direto. Por exemplo, uma das sequências mais impactantes de todo o filme depende inteiramente de suas camadas e subcamadas sonoras. Funciona maravilhosamente.

Com um inerente discurso político de valorização do indivíduo, Diz A Ela Que Me Viu Chorar age como catalisador de críticas ao atual rumo dos governos brasileiros (Estado e seus estados) frente ao tráfico e abuso de drogas, provando o que a classe política nunca poderia ter esquecido: são pessoas, com seus desejos, conflitos, risos, amores e dores. Como bem ilustra um dos personagens, esse universo só precisa de amor. Só precisa de atenção.

No encerramento do evento, ganhou o prêmio oficial de melhor filme da mostra Competitiva deste ano.

MS Slavic 7 – Sofia Bohdanowicz e Deragh Campbell

Uma obra extremamente pessoal, MS Slavic 7 é um média-metragem focado na troca de cartas entre Zofia Bohdanowiczowa (bisavó de uma das diretoras) e Jósef Mittlin, dois poetas poloneses refugiados na América durante a segunda guerra mundial. Infelizmente, não há muito a adicionar. O grande problema do filme, além do aparente amadorismo na direção, é a falta de uma narrativa intrigante. Em outras palavras, faltam eventos para instigar conflito em seus 57 minutos. Além disso, a vagarosidade da obra é amplificada pela má montagem, confusa e estática, cujo ritmo picotado interrompe a naturalidade dos (poucos) diálogos do filme.

Outro ponto de ruptura da imersão do filme é uma das sequências que mais é salientada em tela: quando não está lendo as cartas, a protagonista explica sua interpretação em monólogos longuíssimos, cuja mise-en-scène imita o plano-contraplano comum de diálogos. Assim, o espectador fica à espera da resposta de um personagem, seja sonora ou um simples plano de sua reação, e frustra-se, é claro. A título de breve contextualização, toda a densidade laureada no filme anterior contrasta fortemente com a rasa progressão de MS Slavic 7.

A Vocação Suspensa – Raúl Ruiz

A linguagem do consagrado autor chileno se faz elemento principal de sua primeira parceria com o Instituto Nacional do Audiovisual Francês (INAM), que coproduziu filmes da Nouvelle Vague. Exilado, Ruiz conta aqui uma história bem política, que se passa num conflito eclesiástico sob dois pontos de vista. Mais especificamente, o diretor monta dois filmes em um. Dois lados opostos da disputa são pano de fundo para dois longas com os mesmos personagens – gravados em momentos diferentes, com estéticas conflitantes. Um deleite de semântica fílmica.

Ainda mais, os diálogos do filme são extremamente densos, repletos de camadas filosóficas. Agostinho de Hipona, Leibniz e demais metafísicos podem ser interpretados desde seu início. Como a própria projeção anuncia, A Vocação Suspensa depende de uma reflexão do ditado do santo católico, replicado por Stalin, “em uma cidade sitiada, qualquer dissidência é traição”.

Casa – Letícia Simões

Em uma narrativa extremamente intimista, a diretora carrega o espectador por entre os calos de sua família. Terno, o filme não tem interesse algum em mascarar estas dificuldades de convivências, escancarando-as. Assim, as discussões e diálogos subsequentes transformam-se em personagens de Casa. Em sua estreia mundial, ainda em corte duro (rough cut é o primeiro corte de um filme, do qual surgem as versões mais “refinadas”), o longa apresenta alguns problemas de montagem, cujo efeito arrasta um pouco a trama – completamente baseada em seus personagens. Ainda assim, momentos lindos são configurados pelo poder da mesma montagem. É confuso, mas os melhores momentos sobressaem muito aos piores, que não chegam a ser ruins.

Casa é um documentário poético, íntimo e voraz feito por Letícia. Com calma, vai abrindo camadas e feridas da história de suas protagonistas e, logo, de si mesma. As mágoas e conflitos das três mulheres ecoam as mágoas e conflitos de nós, o público.

No encerramento do evento, levou o prêmio da crítica de melhor longa-metragem da mostra Competitiva deste ano.

Naomi Campbel – Camila José Donoso e Nicolás Videla

Este misto de ficção e documentário desenvolve a narrativa de Yermén, uma mulher trans em busca de uma cirurgia de troca de sexo. Intercalando entre uma gravação profissional (em aspecto 21:9) e brutas filmagens feitas pela protagonista – que interpreta a si mesma – numa câmera amadora (essas em 16:9), Donoso, junto com Videla, consegue estabelecer uma linda intimidade entre a leitora de tarô e seu espectador. Em uma completa transgressão do que lhe fora ensinado (subvertendo regras clássicas de enquadramento ou roteiro, por exemplo), a diretora inicia a desenvolver seu particular estilo, que trafega nas transficções com delicadeza e, ao mesmo tempo, apresenta linguagem crua e natural.

O mais importante para entender a mensagem transmitida pelo filme, creio eu, é a frase que a própria autora me disse (em tradução livre): “Cinema é descobrimento. Não somente pela certeza, já que tudo é muito certo no cinema, mas também pela dúvida. A dúvida é o importante”. Naomi Campbel é um filme construído a várias mãos, ecoando seu processo em sua linguagem.

Tel Aviv em Chamas  – Sameh Zoabi

Num movimento inesperado da curadoria do festival, Tel Aviv em Chamas é uma comédia palestina, imensamente diferente dos já comentados documentários político-sociais. Ainda assim, não se abstrai da dimensão de comentário social na qual se instaura. Permeado de modo sutil por conflitos entre Israel e Palestina, o roteiro segue Salam, um desempregado que rapidamente se torna escritor de um grande seriado e, ao mesmo tempo, precisa lidar com um general que, enquanto o ajuda a escrever o roteiro, quer se intrometer demais nele. Simples, comum, mas eficaz. O grande mérito da obra é seu timing cômico, capaz de arrancar gargalhadas da plateia diversas vezes. Parte disso vem do texto, mas parte é realizada pela capacidade de seu elenco.

Descontraído e leve, o filme é uma opção melhor que a média de comédias para um domingo à tarde. Ainda assim, não chegou à altura dos melhores filmes da mostra Competitiva.

Nona – Se me Molham Eu os Queimo – Camila José Donoso

A cineasta chilena trouxe a Curitiba todos seus filmes a esta edição do festival. Assisti a seu debut, Naomi Campbel e ao mais recente lançamento. Radicalmente diferentes mas, ainda assim, ambos detentores do forte estilo de Donoso. Aqui, Camila acompanha sua avó num estranho misto de fantasia com um drama intimista. Josefina, a protagonista, muda-se para uma casa no interior após atear fogo num carro e, lá, não se contenta com a vida monótona enquanto, curiosamente, casas se incendeiam sem causa na região. Assim, ao contrário de seu primeiro filme, a diretora se atira no universo fílmico, trabalhando enquadramentos, eventos narrativos e poesia de maneira muito similar à empregada em ficções. No entanto, volta a trabalhar com múltiplas razões de aspecto e qualidades de imagem – o tradicional 21:9 em suas sequências explicitamente ficcionais e 4:3 em suas frações intimistas, nas quais a própria realizadora se expressa, atuando como personagem da trama.

Yermén, protagonista de Naomi Campbel, volta a interpretar uma grande amiga de Nona, que atuou em seu filme também. O longa conta, inclusive, com o brasileiro Eduardo Moscovis, que aparece rasamente. O grande problema, infelizmente, é a forma com a qual Camila Donoso constrói seu roteiro. Com pouca conexão entre as sequências e inúmeras pontas soltas, Nona – Se me Molham, Eu os Queimo se torna um filme que busca densidade sem mergulhar nela. “Pretensioso” é um adjetivo muito mal utilizado, mas chega próximo de se encaixar nessa projeção. Por mais que instigante visualmente, Nonanão desenvolve suas personagens suficientemente, a ponto de retratar um mero conjunto de eventos desconexos em tela. Por isso, torna-se entediante.