Pitty – ao vivo

Em show de aniversário do álbum de estreia, cantora se emociona com lembranças, se vê madura e poderosa e “ressignifica” o passado

Texto por Marcos Bragatto (Rock em Geral)

Foto de Amanda Respício (Rock em Geral)

Um riff de guitarra bem distorcido quebra o silêncio no palco. Um átimo de segundo depois, o mesmo riff e a mesma distorção que, com as luzes agora acesas, vê-se que vem de uma guitarra atravessada no tronco de uma garota. Não uma qualquer, mas A garota, dona da festa toda e de mais um pouco. Garotas com guitarras costumam seduzir aos borbotões e é assim que dois varões, um de cada lado, juntam-se a ela no meio do palco, ao passo que outro, atrás, espanca os tambores sem dó e assim se faz a mágica do riff no rock’n’roll, condutor principal da tal música. É assim que Pitty, a tal garota com guitarra, comanda o singelo começo de “O Lobo”, a tal música, na noite de 29 de abril, um sábado, em uma Fundição Progresso com gente jorrando pelo ladrão, no Rio de Janeiro.

É o show que marca o aniversário de 20 anos – olhe só, vejam vocês – do álbum de estreia da cantora, Admirável Chip Novo, e o plano é tocar todas as músicas dele e otras cositas mas. É uma turnê revivalista, sim, mas Pitty, dada a rebeldias e não é de hoje, trata logo de desfazer o conceito e dizer que a apresentação é “uma ressignificação, o Chip Novo hoje”. Olhando para o palco, com o cenário criado para essa turnê, dá pra entender. Passarelas laterais com uma outra atrás da bateria, um telão low profile com cortinas sobrepostas ao fundo que recebem efeitos de luz simples, mas bastante eficientes. No começo, a imagem da “garrinchinha de botas e pernas tortas” no telão dá lugar ao mulherão em que ela se converteu que surge já de guitarra em punho, atrás da banda, no alto, detonando em “Teto de Vidro”.

É a abertura do álbum com a tríade matadora que tem ainda “Admirável Chip Novo” e a entrada de bateria, agora conduzida por Jean Dolabella (do Ego Kill Talent e com o Sepultura no currículo), e “Máscara”, coisa de arrasar quarteirão. E é isso que acontece com o povaréu que não se incomoda nem um pouco em participar, em frenético pula-pula e cantando tudo a plenos pulmões. As músicas são intervaladas por trechos de conversas da pequena Pitty (em ligação a cobrar de Salvador para o Rio) para tratar do envio do material que se tornaria esse disco e ainda se impondo ante a interesses da gravadora, que não curtiu, à época, a vontade da cantora de que “Máscara” fosse o primeiro single do disco. O resto é história e é muita história que se passa na cabeça de quase todo mundo ali – há jovens e muitos jovens há 20 anos ou mais, quando Chip Novo saiu.

Assim Pitty se esforça para segurar o choro e suplantar e emoção em várias passagens. Honra seja feita, embora tenha saído dos cafundós de Salvador, foi no Rio, por força da sede da gravadora, que ela deu os primeiros passos na carreira, tocando em tudo o que é canto underground da cidade, muitas vezes para alguns gatos pingados e em condições bem acanhadas, para dizer o mínimo. Diferentemente do trio que a acompanha – além de Jean, tem o ótimo guitarrista Matin Mendonça e o baixista Paulo Kishimoto – ela viveu tudo isso, o que carrega o espetáculo com mais emoção ainda. Pena que, nesse show, não tenha entrado nenhuma citação aos guerreiros da época: o guitarrista Peu, falecido em 2013; o baixista Joe, desafeto depois de questões levadas à justiça trabalhista; e o batera Duda.

O show de íntegra do disco segue o desafio de tocar músicas que podem não ser tão conhecidas assim e que não eram executadas com frequência ao vivo nem na época em que foram lançadas. E também de tocar ou não todas elas na ordem em que foram gravadas – porque uma coisa é bolar uma sequência de disco, outra é de como apresentá-las no palco. É claro que Pitty foi na decisão corajosa de manter a ordem do CD, respaldada pelo fato de nada menos que cinco singles terem sido lançados na época, todos com boas execuções radiofônicas, em um tempo em que isso fazia a diferença. E, no fundo, no fundo, ela sabe que fã da Pitty – fã de rock – é quase sempre do tipo que conhece tudo. É o que acontece com a cantoria comendo solta em praticamente todas as músicas, em umas mais, noutras menos. E ainda tinha aqueles esperando justamente as menos tocadas ao longo da carreira.

Como por exemplo “Do Mesmo Lado”, rock enguitarrado dos bons, no qual Pitty canta “escondida” atrás de uma cortina branca e recebe focos de luzes coloridas, de modo que sua silhueta aparece distorcida e borrada, de acordo com os movimentos, em excelente efeito visual. Dá pra lembrar que “Só de Passagem” é uma pedrada nu metal das boas, e aí brilha Dolabella detonando na bateria; e a já citada “O Lobo” vira um rockão daqueles de obediência ao riff. Dentre os hits, vale destacar a lentinha “Equalize”, não pela música em si, mas por evidenciar uma Pitty bem resolvida com a sensualidade que parecia lhe incomodar. Se antes tinha dificuldade até para cantar uma letra mais de relacionamento/romântica, hoje desfila o corpo de modo soberano pelo palco e não só nessa música. E ainda recomenda ao público que “solte a pélvis”. É a tal da – repita-se – menininha convertida em mulherão.

O show é todo fechadinho em 1h40 e bolado para ser mesmo especial. É repartido em três blocos. Se o primeiro tem as 11 músicas do álbum Admirável Chip Novo, o segundo traz um complemento da época, com “Seu Mestre Mandou”, espécie de sobra, que se converte em nervoso hardcore dos tempos do Inkoma, e três covers, com destaque absoluto para “Love Buzz”, da banda holandesa Shocking Blue, eternizada na voz de Kurt Cobain, do Nirvana. No bis, é a hora da representatividade dos outros álbuns da cantora. Aí realçam “Memórias”, esticada com uma jam session em que cada músico é apresentado e sola em seu instrumento e tem Pitty refestelada no solo, e o arremate com “Me Adora”, a canção mais pop/colante dela e talvez a de maior sucesso, para terminar a altíssimo astral.

Em suma: o show é verdadeiro espetáculo planejado para uma ocasião especial e que tem vida própria. O que lhe dá, e antemão, o status de imperdível.

Set list: “Teto de Vidro”, “Admirável Chip Novo”, “Máscara”, “Equalize”, “O Lobo”, “Emboscada”, “Do Mesmo Lado”, “Temporal”, “Só de Passagem”, “I Wanna Be”, “Semana Que Vem”, “Seu Mestre Mandou”, “Sailin’ On”, “Love Buzz” e “Femme Fatale”. Bis: “Setevidas”, “Memórias”, “Na Sua Estante” e “Me Adora”.

Hoodoo Gurus – ao vivo

Apesar do repertório irregular, australianos se garantem no Rio de Janeiro com músicas novas, boas lembranças e performance bem ajustada

Dave Faulkner (Hoodoo Gurus)

Texto por Marcos Bragatto (Rock em Geral)

Fotos de Daniel Croce (Rock em Geral)

A noite é a do tipo “fadada a recordações”, diria o velho homem da imprensa, e o momento especial não poderia ser outro, mesmo porque é único. Sim, só aconteceria mesmo no Brasil (só no Rio?), onde a dobradinha de canções, que passaria batida em todo o mundo aqui tem um significado realmente especial e precisa ser tocada. Tem que por no contrato que tem que ser assim. Por isso, quando os primeiros acordes da primeira música aparecem, o público vem abaixo, piração total. E quando a segunda vem quase emendada, aí a loucura é generalizada. É assim que o excelente público que encheu o Metropolitan (ops, Qualistage), reage no auge do show do Hoodoo Gurus, na sexta 14 de março, no Rio de Janeiro.

Explica-se que tanto “Out That Door” – a primeira – quanto “What’s My Scene” – a segunda – cederam trechos para vinhetas para a programação da Rádio Fluminense FM, que marcou fortemente a derradeira passagem da emissora de Niterói pelo dial na primeira metade da década de 1990. Ou seja, motivo de emoção e saudades de um tempo marcante de verdade. Era a época em que a rádio cobria competições de surfe e as músicas que os surfistas brasileiros ouviam quando iam competir na Austrália rodavam forte na programação, ganhando a pecha de surf music, sem ter nada a ver com o subgênero criado por Dick Dale, Beach Boys e afins. A coisa cresceu tanto que todas essas bandas (parte da new wave/pós-punk/rock australiano oitentista) fizeram turnês concorridas nos anos subsequentes por aqui. A do Hoodoo Gurus, em 1997, por exemplo, lotou duas noites seguidas deste mesmo Metropolitan.

Dito isso – saudosismo uma ova! – o fato é que nesse meio tempão a banda acabou, voltou com discos pouco ouvidos e agora está na turnê do novo álbum, o bom Chariot Of The Gods, que saiu no ano passado. Dele são apresentadas quatro faixas: as boas “World Of Pain”, que abre a noite, e “Equinox”, “uma canção sobre boa sorte”, cantada pelo guitarrista Brad Shepherd; e as nem tão legais assim “Chariot Of The Gods”, a faixa-título, e “Answered Prayers”, que emula Echo & The Bunnymen e não esconde as origens 1980s da banda. Uma pena terem ficado de fora, desse disco novo, três das melhores músicas: “Get Out Of Dodge”, “My Imaginary Friend” e “Carry On”, dotada de um refrãozaço daqueles (procure saber!).

Montar set list, veremos, não chega a ser uma virtude desses aussies. Mas compor música boa, sim, e, vamos e venhamos, em mais de 40 anos de estrada, há um bocado delas pro público cantar do início ao fim. Caso de, por exemplo, “If Only…”, da época em que a banda circulou por aqui, com Dave Faulkner (vocal e guitarra) colocando a massa pra cantar; “Come Any Time”, na abertura do bis; e da deliciosamente pop colante “I Want You Back”. Além de Faulkner e Shepherd, estão na formação o baixista Richard Grossman, completando a trinca remanescente dos shows noventistas por aqui, e o batera Nik Rieth, novo na turma, mas cascudaço. É evidente em todo o show a performance bem ajustada do quarteto e os fabulosos backing vocals de Grossman e Brad Shepherd, inclusive nas músicas do disco novo, que se completam com a voz de Dave Faulkner – este, a propósito, com o falsete em dia.

O show só engrena da metade para o final, o que se explica, de certo modo, pela escolha do repertório. Músicas como “Tojo” e “Poison Pen”, por exemplo, poderiam tranquilamente ser limadas, e não é porque “Leilani” é a primeira música composta pela banda que tem que ser tocada em todos os shows. De outro lado, que falta fazem temas como “A Place In The Sun”, “Down On Me” e “In The Middle Of The Land”, só para citar três das grandes ausências. O que não invalida momentos lindos com em “Castles In The Air” e “1000 Miles Away”, no bis, além da piração total da dobradinha “Out That Door” e “What’s My Scene”, citada lá em cima. O que, no fim das contas, faz dessa passagem do Hoodoo Gurus pelo Rio uma noite e tanto. Que voltem sempre que tiverem um novo álbum pra mostrar!

Na abertura, a banda cover VAAR Surf Band comandou um bailão daqueles. O grupo parece especializado em tocar as músicas das bandas oitentistas australianas – a tal da surf music australiana, vá lá. E aí é um Gang Gajang aqui, um Midnight Oil acolá e outro Spy Vs Spy, tudo hit que todo mundo conhece e curte o tempo todo. O bom é que o quarteto se garante no palco e se esforça para tocar tudo igualzinho às versões originais, a ponto de o vocalista se dividir entre violão, harmônica e até um trompete. O ruim é a execução no final de um inacreditável medley que incluiu Red Hot Chili Peppers e REM juntos! Mas que animou a turma, isso animou.

Set list: “World Of Pain”, “Another World”, “The Right Time”, “The Other Side Of Paradise”, “I Was The One”, “Leilani”, “Answered Prayers”, “Night Must Fall”, “Tojo”, “If Only…”, “Chariot Of The Gods”, “I Want You Back”, “Poison Pen”, “Equinox”, “Castles In The Air”, “Out That Door”, “What’s My Scene”, “Bittersweet” e “I Was a Kamikaze Pilot”. Bis: “Come Anytime”, “1000 Miles Away” e “Like Wow – Wipeout”

Aftersun

Cineasta estreia com um dilacerante drama sobre amadurecimento e a relação da filha de 11 anos com o pai emocionalmente abalado

Textos por Leonardo Andreiko e Janaina Monteiro

Fotos: 02 Play/Mubi/Divulgação

Há filmes que desde o início prendem nossa atenção. Anunciam sua chegada e, com presença de espírito, nos catapultam para dentro de si e ocupam nossas mentes até o final. Não raro eles também sabem encerrar sua estadia, seja por meio de uma conclusão narrativa ou deixando-nos abertos à incerteza. Na vida, contudo, o fim de uma história raramente é anunciado. Nosso último encontro com alguém não vem acompanhado do letreiro onde vem escrito “fim”. Aftersun (Reino Unido/EUA, 2022 – O2 Play/Mubi), queridinho da crítica mundial e arrebatador de premiações deste ano (incluindo o Troféu Bandeira Paulista, para novos diretores na Mostra de São Paulo), consegue o feito de fazer os dois.

O longa-metragem, primeiro da diretora escocesa Charlotte Wells, retrata uma viagem de Calum (Paul Mescal) e Sophie (Frankie Corio), sua filha de 11 anos, para um resort no Mediterrâneo. Em meio às atividades de férias, mergulhos e jantares, acompanhamos o amadurecimento do olhar de Sophie sobre o mundo, a conflituosa relação de Calum consigo mesmo e o movimento de aproximação–distanciamento de pai e filha.

Wells tece um delicado véu que unifica os muitos percursos temáticos que Aftersun explora, de modo que consegue abordar questões socioeconômicas, melancólicas, psicológicas e até mesmo de coming of age mantendo um filme coeso e direcionado. É sob a decupagem simples (mas não minimalista) de suas cenas que a diretora projeta os diferentes estados de espírito que permeiam sua obra. É simples pela movimentação desperturbada: o interesse nos planos longos e nos detalhes em cena. O fora-de-campo cumpre uma função essencialmente especulativa (por imaginarmos o que se passa para além das câmeras), mas também de tensão – as elipses, omissões simbólicas e a subexposição esmagadora do mar à noite são aspectos constitutivos da forma da obra. Não somente floreiam o que se passa como discursam sobre ele, o expandem.

O resultado, primoroso de certo, é um filme que carrega consigo a complexidade de duas vidas, e não somente a superficialidade de uma trama, uma mera premissa. Enquanto Sophie descobre relações, modos de interação e o romance que permeia a vida, a operação emocional de Calum é praticamente oposta. A pré-adolescente se encontra num movimento de afastamento da magia do jogo, do karaokê e da infância, partindo ao mundo dos interesses românticos e das nuances adolescentes, que faz florescer seu próprio desejo ao mesmo tempo que descobre e se interessa pelo desejo do outro. Seu mundo é o hotel, suas piscinas e o fliperama. Em paralelo, seu pai não consegue desvencilhar-se do próprio passado, das próprias aspirações e da opressão do mundo à volta. Seu desejo é sempre presente, mas reprimido – fuma escondido de sua filha, projeta saídas de problemas materiais para além da viagem, preocupa-se com o dinheiro e rememora o passado sem noção certa do futuro.

Das muitas sequências memoráveis, vejo aquela em que Calum almeja o tapete sem poder comprá-lo como uma das mais potentes. Em um quadro repleto de tapetes, empilhados sobre os demais numa espécie de sótão/estoque, irrompem Calum, Sophie, o vendedor e um tapete estendido ao chão, no qual o protagonista finca o olhar. Não é o desejo pelo artefato que o interessa, mas a capacidade de carregar consigo as histórias daqueles que o teceram.

Em um jogo de cena entre esse plano conjunto e um tocante close-up de Paul Mescal (que desde Normal People, série que projetou o astro às telas mundiais, é uma marca de sua carreira), o delicado olhar da direção faz o papel de nos impor a realidade emotiva que vive o protagonista. Em crise por não ver no tempo presente cumpridos seus sonhos de criança e muito menos os próximos passos na vida adulta, Calum se deita num de muitos tapetes e respira – busca sentir a história, mas não é capaz de tê-la.

Pincelando sua narrativa com o recurso da filmagem caseira que marcou o final dos anos 1990 e o começo do novo milênio, Wells opera uma exploração vívida da psique de suas personagens e o poder cristalizador da matéria-prima do cinema: o vídeo. São muitas as instâncias em que as brincadeiras de Frankie segurando a câmera, bem como os registros mais aterrados e “documentais” de Calum, são monumentos da memória, revelando ao espectador um passado muito latente e carregado de afetos. Não à toa, em dado momento, a espectadora é a própria Frankie, já adulta, que ao assistir as filmagens rememora e reinterpreta sua história e relação com o próprio pai.

Aftersun é, sem dúvidas, um dos lançamentos mais potentes deste ano, um sopro de ar fresco sobre o claustrofóbico e agonizante cenário das franquias intermináveis e lançamentos decepcionantes. Esse é um filme que emociona ao ser assistido, mas também é um dos raros que emocionam ao escrever sobre. Charlotte Wells, ao trabalhar a partir de sua própria memória, parece recuperar uma constatação óbvia, mas não menos potente: não há letreiro de “fim” para anunciar o último encontro. E é isso que os torna especiais. (LA)

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Gatilhos mentais podem ser acionados de várias maneiras, fazendo revisitar memórias guardadas nas mais profundas gavetas e que trazem à tona calafrios e sensações nada agradáveis. Tem gente, por exemplo, que associa assistir a vídeos caseiros a uma certa melancolia. Talvez porque saiba que quando alguém querido, da família, se for, essa é uma das formas de se perpetuar as lembranças, sejam elas alegres ou não. 

Por isso, assim que a personagem Sophie (a estreante Frankie Corio) aperta o play no registro de suas férias na Turquia com o pai Callum (Paul Mescal) só tive uma certeza: a de que seria engolida por uma imensa onda gigante de nostalgia, chamada Aftersun (Reino Unido/EUA, 2022 – O2 Play/Mubi).

Quando este primeiro longa-metragem da escocesa Charlotte Wells terminou, fiquei atônita por alguns momentos na frente da tela. E mesmo que eu tentasse me desvencilhar de tudo aquilo que havia assistido nos últimos cem minutos não conseguia recuperar o fôlego de jeito nenhum. Não conseguia me soltar daqueles fragmentos de uma história avassaladora. 

Charlotte me deixou completamente hipnotizada pela narrativa desenhada de forma melancolicamente deslumbrante para mostrar o período em que um pai separado, de 30 e poucos anos, e sua filha pré-adolescente de 11 passam juntos.

Do início ao fim, a diretora nos proporciona um mergulho na relação entre os dois, mostrando a paternidade por um viés diferente daquele que costumamos ver no cinema. Podemos lembrar de vários longas, por exemplo, como o delicado O Mundo de Jack e Rose, protagonizado por Daniel Day-Lewis, mas dificilmente algum título supere Aftersun no quesito profundidade.

Em entrevistas à imprensa estrangeira, Charlotte revelou que concebeu o filme a partir do momento em que se deparou com álbuns de fotografias antigas da família. Portanto, existe muito de autobiográfico no roteiro assinado por ela. 

Ao passo que o espectador é apresentado aos protagonistas, é possível perceber também que Charlotte busca uma certa inspiração na sua compatriota Lynne Ramsay, também conhecida por dirigir filmes complexos sobre as fraquezas humanas de uma outra perspectiva, como fez com o também avassalador Precisamos Falar Sobre Kevin. 

Aftersun é muito mais que uma história sobre a conexão entre pai e filha. É sobre o vazio, o desespero. Sobre ter de sorrir e zelar pela vida de outra pessoa enquanto se está dilacerado por dentro. Para traduzir essa relação delicada de afeto e dar pistas do estado mental de Calum, Charlotte nos brinda com muito plano detalhe, como na cena em que mãos de pai e filha se unem, e movimentos de câmera sutis, quando enquadra os livros de meditação dispostos em cima de uma estante.

Em início de carreira, Paul Mescal (o galã de Normal People) se mostra gigante quando de costas consegue representar com seu choro desesperador toda a agonia da personagem. Frankie Corio é a personificação de toda pré-adolescente, que faz suas descobertas e não tem papas na língua ao falar as verdades para o pai. 

Para contextualizar a época, a cineasta recorre a objetos e outros artifícios: a filmadora de Sophie, o walkman de Callum, as canções que marcaram a época, como “Tender”, da banda de britpop Blur. Assim, pouco a pouco, vamos nos guiando por fragmentos dessa viagem registrada pelos olhos de Sophie. E nos dando conta do sofrimento de seu pai e a luta dele para sobreviver. Seja quando ele diz para a ex-mulher, numa cabine telefônica, que ainda a ama (“Por que você disse eu te amo pra mamãe?”, pergunta Sophie logo em seguida). Seja na cena do karaokê em que a filha, ao contrário de todas as outras vezes, canta sozinha. E uma das cenas mais arrebatadoras do filme é, sem dúvida, a “última dança” de Callum ao som de “Under Pressure”.

Depois de Aftersun, será difícil ouvir a canção de David Bowie com o Queen sem se lembrar dessa estreia arrebatadora de Charlotte Wells. (JM)

Michael Bublé – ao vivo

Em Curitiba, canadense mostra na voz toda a gratidão por ter superado as adversidades enfrentadas pela família desde um pouco antes da pandemia

Texto e foto: Janaina Monteiro

Existe uma fórmula simples para constatar o caminho da nossa evolução: traçar paralelos. Feche os olhos e assista à sua vida em retrospectiva. Eu, por exemplo, era tímida, com baixa autoestima e, ingênua, acreditava em príncipe encantado. Ou seja, bem diferente da minha versão atual. 

Portanto, se o tempo serve pra alguma coisa – além de nos botar rugas na cara – é nos permitir comparar o passado e o presente, sobretudo em relação ao modo como enfrentamos as adversidades, os furacões, os tsunamis da vida. Porque num piscar de olhos, o chão pode ruir. O cantor e compositor canadense, Michael Bublé, que esteve no Brasil recentemente com a turnê denominada An Evening With…, sabe muito bem como lidar com esse cenário apocalíptico e cair na fenda provocada por um terremoto.  

A vida de Bublé virou de cabeça para baixo antes mesmo da pandemia. Em 2016, seu primogênito Noah foi diagnosticado com câncer no fígado aos 3 anos de idade. Para ele, esta notícia significou muito mais que um soco no estômago. Abalou o contagiante bom humor e por pouco custou sua carreira. Tanto é que o artista prometeu a si mesmo que só retornaria aos palcos quando o menino se curasse. 

Depois dessa rasteira, ele afirmou que a pandemia foi capaz de unir ainda mais sua grande e linda família (hoje Michael tem quatro filhos com a atriz argentina Luisana Lopilato). Por isso, quem sobe ao palco hoje com a turnê baseada no álbum mais recente, Higher, não é mais aquele rapaz boa-pinta, capaz de arrancar suspiros de multigerações. Quem sobe ao palco não é um crooner, aquele sucessor dos clássicos natalinos eternizados por Frank Sinatra. É, nitidamente, um artista que evoluiu. E nenhuma canção seria mais apropriada para iniciar a apresentação em Curitiba, realizada em 8 de novembro último na Arena do Athlético Paranaense, do que “Feeling Good”. Bublé não só demonstra sentir-se bem consigo mesmo e com seus fãs cada vez mais apaixonados – muitos deles de longa data, aliás – como mostra encarar a vida de outro jeito.

A confiança e a gratidão transbordam da sua voz e da sua performance, acompanhada de uma animada orquestra (formada boa parte por jovens e músicos locais). Bublé entretém, dança, “se joga” na plateia, faz piadas e atende ao pedido de um fã para cantar um trechinho de “Me and Mrs. Jones”, faixa que, aliás, não estava no roteiro. “Ainda bem que você escolheu uma que eu sabia”, brincou. Humilde, agradece à plateia por ter pago ingressos caros e confessa: “Quando eu vou dormir, rezo e agradeço a Deus por ter essas pessoas lindas na minha vida. Sentirei falta de vocês”. 

 Entre o “hi” e o “goodbye”, emenda um clássico no outro, temperando o set list com suas composições autorais como “Haven´t met you yet”, “Everything”, “Home” e “Higher”. Essa última, além de batizar o disco mais novo, foi composta em parceria como filho Noah. Bublé mostra ainda completo domínio da voz, sem cometer excessos, sem ao menos tomar água para refrescar a garganta. Tirando o terno violeta (um pouco justo), tudo é sob medida em sua apresentação. Sua voz, seus passos de dança aprimorados por conta da participação no programa Dancing With The Stars. A sintonia também aparece na interação com a plateia, com os músicos e o maestro da orquestra. 

Entre o palco principal e o secundário, ele desfila na passarela, olhando nos olhos das fãs (inclusive tem um apelo enorme com o público masculino!), que arremessam seus lenços e echarpes, emulando um ritual ao estilo de Elvis. Do ídolo de Memphis, emociona ao interpretar “Always On My Mind” e “Can´t Help Falling In Love”, que surge no meio de um medley com “You´re The First, The Last, My Everything”, famosa na voz potente de Barry White, e “To Love Somebody”, clássico dos Bee Gees. Sua nova roupagem para “Smile”, de Charlie Chaplin, arrepia.

Enfim, esse canadense, romântico inveterado, é capaz de costurar um repertório eclético, com arranjos modernos e sofisticados, esbanjando nostalgia, como se nessa salada só existissem as melhores frutas da estação. Tanto é que em seus 20 anos de carreira, gravou versões que vão de Queen, George Michael, Eric Clapton, Marvin Gaye e Stevie Wonder a, claro, Frank Sinatra. 

Agora, observando a vida em retrospectiva: se este show fosse realizado há três anos, quando minha mãe pediu para que eu comprasse as entradas (bem lá na frente), provavelmente um outro Bublé subiria ao palco. Provavelmente uma outra eu assistiria ao espetáculo. Mesmo porque nós duas também enfrentamos nosso próprio câncer.

Por isso, quando vou dormir, rezo e agradeço a Deus por ter acompanhado a dona Silvia nesta noite. Um espetáculo de show.

Set list: “Feeling Good”, “Haven´t Met You Yet”, “L-O-V-E”, “Such a Night”, “Sway”, “When You´re Smiling”, “Home”, “Everything”, “Higher”, “To Love Somebody”, “Hold On”,“Smile”, “I´ll Never Not Love You”, “Fever”,  “One Night”, “All Shook Up”, “Can´t Help Falling In Love”, “You´re The First, The Last, My Everything”,  It´s a Beautiful Day”, “Cry Me a River”, “How Sweet It Is (To Be Loved By You)”, “Save The Last Dance For Me” e “You Are Always On My Mind”.

Interpol

Oito motivos (entre eles o novo álbum The Other Side Of Make-Believe) para não perder os shows do trio nova-iorquino no Brasil

Texto por Abonico Smith

Foto: Ebru Yildiz/Divulgação

Vinte anos atrás, em agosto de 2002, saia o primeiro álbum de uma das bandas mais sensacionais daquela efervescente cena que recolocava o underground de Nova York no destaque do mapa-múndi do rock. Turn On The Bright Lights apresentava o Interpol, com hits como “Untitled”, “PDA”, “Obstacle 1”, “NYC” e “Say Hello To Angels” fazendo uma das mais bombásticas sequências iniciais de um disco neste século 21 – ao lado de contemporâneos trabalhos de estreia de gente como Strokes, Yeah Yeah Yeahs e Arcade Fire. De lá para cá, o então quarteto (transformado em trio em 2010, após a saída do baixista original, Carlos Dengler) firmou-se como um dos grandes nomes do indie rock, gravando e lançando discos com constância e sendo atração de peso de festivais espalhados por todo o planeta.

Corta para 2022. Vinte anos depois da avassaladora estreia, o Interpol acaba de soltar um novo álbum, o sétimo de estúdio. Com onze faixas e lançado no útlimo mês de julho, The Other Side Of Make-Believe resgata a qualidade e a sonoridade lá do começo, também flertando com uma estética gráfica semelhante. Tudo foi gravado online durante a pandemia da covid-19, com cada integrante fazendo as coisas de sua casa, pontos diferentes do mundo. Entretanto, manteve-se o compromisso da criação conjunta, sem ter um integrante que necessariamente monte um esqueleto inicial de letra e música antes de trabalhar o arranjo com demais. Com o Interpol os rascunhos sempre são feitos de modo coletivo, o que, de certa firma, garante uma certa peculiaridade no seu som, que se reflete disco após disco. E chega neste mais recente com uma coesão e uma força igual àquela dos primeiros anos de estrada.

Para divulgar The Other Side Of Make-Believe, a turnê Lights, Camera, Factions teve início em 25 de agosto, nos Estaods Unidos e Canadá, com datas quase diárias que se estenderam até meados de setembro. Agora, depois de uma breve escala na Alemanha, o grupo chega ao Brasil para três apresentações. O pilar central é a primeira edição em verde e amarelo do Primavera Sound, em São Paulo, no Distrito Anhembi (outras informações sobre o festival você tem aqui). Na véspera (dia 4), fazem um dos sideshows do Primavera no Rio de Janeiro na Jeneusse Arena. O segundo compromisso (dia 8) será em Curitiba, na Pedreira Paulo Leminski. Em ambas as oportunidades, o Interpol também fará a abertura da noite para os Arctic Monkeys, também escalados como headliners do Primavera BR. Mais sobre os ingressos desses dois concertos paralelos você pode encontrar clicando aqui. Depois de passar pelo solo brasileiro, a banda vai ainda ao Paraguai, Chile, Argentina e Peru.

Como esquenta dessa nova vinda ao país de Paul Banks (guitarra, baixo e voz), Daniel Kessler (guitarra) e Sam Fogarino (bateria), o Mondo Bacana preparou oito motivos para você nem sequer pensar em perder a nova passagem deles por aqui.

Meet me in the bathroom

Lizy Goodman publicou em 2017 o livro Meet Me In The Bathroom. A publicação é uma história oral do indie rock de Nova York durante a primeira década deste século. Foi um tempo de glórias sonoras, com o surgimento e o crescimento de uma safra de bandas que recolocou o rock’n’roll, tão básico quanto vigoroso, tão sujo quanto envolvente, na ordem do dia das publicações voltadas à música. Então o mundo conheceu e se apaixonou por nomes como Strokes, Yeah Yeah Yeahs, LCD Soundsytem, Vampire Weekend, Walkmen e Interpol. Agora este livro virou um documentário, que irá estrear no próximo mês de janeiro, também com o depoimento de vários músicos e testemunhas oculares da história recente do underground nova-iorquino que se tornou um belo nicho de gente que gostava de descobrir novidades através das primeiras plataformas de divulgação de bandas e artistas da internet. Curiosidade: o título vem do nome de uma música dos Strokes e é um código muito utilizado pelos jovens daquela época para cheirar pó em locais públicos.

Pós-punk sombrio

Esta geração de ouro de NY em uma coisa se assemelhava à de Seattle, que no início da década anterior também saiu dos subterrâneos e circuitos alternativos para tomar conta de grandes festivais de rock e espalhar fãs pelo mundo todo. Assim como aquele pessoal grunge, também nunca existiu uma unidade sonora que agrupasse todo mundo em uma caixinha só. O Interpol, por exemplo, foi mais pela praia sombria do pós-punk britânico (Joy Division, Cure, Bauhaus). Algo dançante, porém com tintas que, de alguma forma, fossem representações sonoras entre o preto e o branco, no máximo com uma adição do vermelho – tal qual as capas do primeiro e do mais recente álbum, por exemplo. Nas letras, sentimentos exacerbados, dilacerações, No figurino, um preto estiloso e social dos pés à cabeça. Não à toa o vocalista Paul Banks é considerado sex symbol por muitas fãs.

Vocais com assinatura

A dramaticidade impressa por Banks nas músicas do Interpol não está somente em suas letras. Também reside na sua voz densa e de barítono. O curioso é que o Interpol nunca foi de explorar algo que fosse muito além do gogó de seu guitarrista. Quase não há backings, quase não há dobras. No começo, sobretudo, era tudo muito curto, grosso e direto. Banks e o microfone, o microfone e Banks e só. Muita gente pode considerar monótono e um tanto quanto monocórdio. Mas é uma assinatura que logo faz você reconhecer que aquela é uma música do Interpol. Pelo menos até pouco tempo atrás, já que pequenos efeitos, contracantos e dobras já podem ser notados em faixas mais recentes.

The Other Side Of Make-Believe

Sétimo álbum da carreira, agora com a produção assinada pelo experiente Flood (Depeche Mode, Nick Cave, PJ Harvey, Jesus & Mary Chain, Smashing Pumpkins, U2, Killers, Sigur Rós, New Order, Nine Inch Nails, Foals, Warpaint, entre outros), concebido integralmente durante o isolamento da pandemia, com os três integrantes espalhados em um país diferente (Escócia, Espanha, Estados Unidos). Neste novo trabalho, lançado no meio deste ano, o trio volta a flertar com os grande momentos apresentados nos três primeiros discos da carreira. Curiosamente, obras lançadas pelo selo nova-iorquino Matador, uma das marcas de excelência do indie rock dos anos 1990 para cá. Quando a banda resolveu trocar a antiga casa pela Capitol (uma das maiores empresas fonográficas norte-americanas, símbolo da música pop daquele país e com Frank Sinatra como o maior estandarte de seu catálogo), a criatividade decaiu e o Interpol não apresentou nada de muito novo ou excitante. Agora, parecem ter retomado a boa forma de outrora. Os dos títulos anteriores (O álbum Marauder e o EP A Fine Mess), ambos assinados pelo americano Dave Fridmann (outro experiente produtor do circuito indie e ex-baixista do Mercury Rev) foram um esboço para a volta do bom e velho Interpol, agora em sua segunda passagem pela Matador. Não à tôa quatro singles e três videoclipes já foram extraídos deste disco e mais ou menos metade dele costuma pintar no set list da atual turnê, tomando o lugar de muito clássico mais antigo. O que, se for levado em conta a carreira extensa da banda somado ao número de títulos na discografia, é algo difícil de acontecer com um artista de trajetória similar.

Toni

Tendo como explícitas referências a historia de West Side Story (tanto na Broadway quanto nas telas de cinema) e do clipe de Beat It, de Michael Jackson, o primeiro clipe feito para o novo álbum é uma história de amor e briga de gangue. Só que o cenário não é nada urbano. Aqui o diretor Van Alpert sai das ruas, bares e becos de uma grande cidade e vai para uma estrada, um campo aberto, de cores terrosas (combinando com as tonalidades do figurino do casal), com galpões. Homem e mulher, formando um par interracial, aparecem sempre apavorados. Eles tentam fugir de toda e qualquer maneira de uma gangue também jovem que os persegue com instrumentos prontos para serem usados em uma pancadaria (objetos como porretes e tchecos). Eles vestem roupas azuis, baseadas no jeans como material. Utilizam também maquiagem forte e por vezes berrante. Quando o cerco ao casal finalmente ocorre, tudo aquilo que seria porrada se transforma em dança, mas com uma coreografia estranha, longe de qualquer naturalismo nos movimentos. Pode parecer incongruente a princípio, mas logo tudo se encaixa no beat funky comandado por Sam Fogarino, algo não muito comum nos arranjos do Interpol. Em alguns momentos, vemos Paul Banks como um policial que nunca desgruda de seu velho carrão. De longe, ele observa tudo, passivamente, somente se preocupando em descascar e comer uma fruta. Quando toda a confusão parece estar resolvida, chega o anúncio de que a história terá uma continuação…

Someting Changed

Parte dois de uma espécie de curta criado por Van Alpert, este videoclipe dá seguimento à história de “Toni” do ponto exato onde ela parou. Reproduzindo as palavras escritas por Paul Banks, aqui realidade e devaneio convergem. Os dois personagens principais se encontram em uma espécie de estado de sonho, continuando a ser perseguidos inexoravelmente pela figura sinistra vivida pelo vocalista. O que, conjugado com a atmosfera jazzy da canção e algumas imagens estrategicamente borradas durante as cenas, dá um tom de mistério ao clipe. Banks ainda completa: “as vidas dos três estão entrelaçadas em uma nebulosa de medo, retribuição, desejo e desafio”. O final é enigmático e aberto a diferentes interpretações.

Gran Hotel

Quarto single do novo disco, terceiro videoclipe de excelente qualidade lançado em 2022. Apesar de ser somente a oitava das onze faixas de The Other Side Of Make Believe,  “Gran Hotel” é uma de se suas canções mais poderosas, justamente por se aproximar daquela sonoridade matadora revelada nos primeiros álbuns. Sob um riff pungente de sua guitarra distorcida e aquela irresistível batida pós-punk, Paul Banks conta, com um discreto sentimento de dilaceração em sua voz, “uma breve história de luto e dor-de-cotovelo de um personagem que ainda está processando uma perda”, como ele mesmo declarou recentemente a respeito da letra. Por isso, o clipe assinado pela cineasta Malia James (mais conhecida pelos fãs do indie rock por ser, desde 2011, a guitarrista da banda Dum Dum Girls) é tão visceral quanto os versos escritos por Banks. O audiovisual começa com uma cena de dor e desespero: a morte de uma mulher no quarto de um hotel e seu companheiro tentando encontrar alguém para lhe ajudar. Aos poucos, a trama vai sendo destrinchada de trás para frente e o espectador acompanha os eventos anteriores ao desfecho trágico para o casal, reservando ao final uma impactante surpresa como a mola propulsora para todo o resto. Dos três músicos, de novo, apenas o frontman aparece no clipe. Ele também está no hotel, acompanhando tudo o que ocorre com os dois protagonistas, porém sem nunca ser notado, tal qual um anjo flanando pelos aposentos. Mas há um certo estranhamento visual nas cenas com Banks, já que tudo parece estar ao reverso. O encerramento, entretanto, desvenda o mistério: foi tudo rodado com ele encenando e cantando a música tocada ao contrário no local, para que no momento da edição ficasse claro que ele, assim como a historinha contada pelas mãos de James, também ficasse de trás para frente.

Fables

Único single do novo disco que não ganhou um videoclipe, mas sim um lyric vídeo. O que também não deixa de ser algo interessante para ser ver/ouvir. Nas imagens, uma vastidão espacial com solo arenoso e crateras, algo que sugere ser a lua. No centro da tela, uma máquina eletrônica com design vintage, algo como um antigo terminal bancário. Tudo preto e branco e bastante hipnótico. A câmera vai pra um lado e pro outro, aproxima-se e distancia-se do objeto, tudo isso enquanto os versos, no canto superior esquerdo da tela, em um design gráfico muito do estiloso, rubro-negro, que lembra o Interpol do primeiro e mais famoso disco e ao mesmo tempo remete à capa do novo trabalho. Ela foi construída a partir de uma jam session feita online, durante o verão crítico da pandemia. Para quem acha que o Interpol sempre soa soturno e cinzento, “Fables” é um bom exemplo do quão alegre a banda também pode ser. Banks se diz muito orgulhoso de ter feito esta música por causa da combinação da letra otimista, a melodia jovial, os licks da guitarra de Daniel Kessler e a bateria de Sam Fogarino evocando o r&b clássico com ligeiros acenos ao hip hop