As Viúvas

Diretor Steve McQueen justapõe contornos dramáticos a empolgantes cenas de ação e perturba o espectador em seu novo filme

Texto por Abonico R. Smith

Foto: Fox/Divulgação

História de um grupo de assaltantes iniciantes que se reúne para executar aquele roubo à mão armada que vai salvar suas vidas de pendengas financeiras não é novidade no cinema. As Viúvas (Widows, Reino Unido/EUA, 2018 – Fox) , porém, traz uma diferença a esta premissa: junta nesta quadrilha sem experiência alguma no submundo do crime mulheres entre os trinta e cinquenta anos que acabaram de perder seus maridos, criminosos “assumidos” ou ainda “no armário” para a família, e receberam de “herança” dívidas que serão cobradas em breve por um cruel contraventor de uma região mais pobre da cidade de Chicago. Enquanto elas se decidem por botar a mão na massa para salvar as suas peles, duas raposas do cenário político local passam a se digladiar nos bastidores de uma eleição que em breve poderá lhes dar mais ainda mais poder em seu próprio território.

Adaptado para o cinema pela afiada dupla Steve McQueen (também assinando a direção deste longa) e Gillian Flynn (autora de Garota Exemplar e Lugares Escuros, ambos thrillers assustadores tanto nas páginas literárias quanto na grande tela) de uma série de TV escrita pela atriz, roteirista e escritora britânica Lynda La Plante, este longa-metragem prende o espectador com seus muitos contornos dramáticos permeando as cenas de ação. Se estas são de tirar o fôlego, aquelas são de levar as pessoas do compadecimento à revolta.

Ninguém é inteiramente vítima ou vilão na história. Nem os maridos assassinados pela polícia em uma ação onde tudo deu errado, nem as viúvas que decidem também se aventurar pelo crime. Nem o candidato representante da elite branca e rica, nem o rival negro e pastor de uma igreja evangélica frequentada pelos moradores pobres da área que domina. Nem o filho mimado e seu pai corrupto, nem o capanga sangue frio e seu irmão gângster. Chantagens, balas disparadas à queima-roupa, lobbies, trapaças, mentiras, intrigas, cinismo e ameaças à integridade física convivem com ações de sororidade, desesperos de mãe, a humilhação de passar por seguidos atos de abuso, o sentimento de solidão após o luto e o sofrimento de passar anos a fio pela manipulação da própria família. Discussões sobre gênero sexual, racismo, religião e abuso de poder e autoridade acabam ganhando quase o mesmo peso conforme a trama vai se desenvolvendo, fazendo com o que o tal assalto preparado pelas viúvas venha a ser apenas mais elemento dela, não o mote principal. Claro que reviravoltas acontecem durante este tempo, o que torna o filme ainda mais delicioso.

A hábil mão do diretor McQueen – que não ganhou o Oscar de sua categoria em 2014 mas viu seu 12 Anos de Escravidão levar o prêmio principal da noite – acrescenta sutis detalhes à história de La Plante. Recorre a linguagens distintas no tratamento da perspectiva pela qual o espectador vê homens e mulheres na tela. Abusa de bela fotografia, capaz também de apostar em planos-sequência matadores, e ainda brinca com a montagem desde o início da sessão, intercalando momentos de passado e presente, reflexão e ação. E, o principal de tudo, não leva seu filme a tomar partido de qualquer lado: deixa para que quem estiver vendo faça seus próprios julgamentos baseados em suas crenças, convicções e experiências de vida.

Não bastasse tudo isso, o elenco é de primeira. Viola Davis, mais uma vez, brilha nas telas na pele da protagonista Veronica, a chefe da nova quadrilha. Aos poucos, seja como personagens coadjuvantes ou ainda participações menores mas com importância em algum ponto da trama, surgem Liam Neeson, Michelle Rodriguez, Elizabeth Debicki, Carrie Coon, Cynthia Erivo, Robert DuVall, Colin Farrell, Bryan Tyree Henry e Daniel Kaluuya.

As Viúvas provoca impacto do começo ao fim, não deixa quem o vê sair levantar impassível da poltrona e, sobretudo, mostra que é possível, sim, fazer bom cinema baseado em uma sinopse que pede ação, muita ação. Chega aos cinemas já com cheirinho de várias indicações ao Oscar 2019 e outras importantes premiações da temporada.

Escambau

Criador da banda curitibana fala sobre o relançamento do álbum de estreia com dez faixas-bônus gravadas em 2007 no Paraguai e relembra o período

Texto por Abonico R. Smith a partir de depoimento de Giovanni Caruso

Fotos: Acervo Escambau

Em abril de 2007, depois de atuar dez anos à frente dos Faichecleres, sem muito explicar ele abandonou a banda que ajudou a fundar. No auge da carreira, fez as malas e se isolou durante quatro meses no interior do Paraguay. A cidade de San Bernardino, adornada pelo famoso Lago Azul de Ypacaraí, está localizada a cerca de 50 km ao sul da capital, Asunción. “O pequeno povoado é muito procurado no verão como destino de férias. Por outro lado, o misterioso balneário vira do avesso no inverno, tornando-se um local completamente silencioso, pacato e vazio. Um cenário perfeito para criar, meditar e também pra fazer filmes de terror. É uma cidade fantasma!”, conta Giovanni Caruso.

Nestas condições, foram idealizadas e gravadas em formato de demo As Gloriosas Esferas do Inconcebível Esplendor. Este é um conjunto de dez faixas registradas com vozes e violões, guitarras, baixos, percussões e até arranjos de sopro modulados em um antigo teclado. Tudo gravado por Giovanni e da maneira mais simples possível: com um velho microfone Shure SM58 e todos os instrumentos ligados em linha, plugados diretamente numa antiga mesa Yamaha de quatro canais. “Queria reciclar meu trabalho. Montar uma nova banda. Pra isso, precisava de material. Aproveitei meu autoexílio para isso. Compor, gravar, meditar. Enfim, reorganizar minha vida. Pra mim, de certa forma, era uma emergência. Queria voltar ao Brasil com algo encaminhado debaixo dos braços, trazendo algo sólido para buscar novos parceiros e cair na estrada para tocar novamente.”

De volta a Curitiba, no final daquele ano, fora surpreendido por uma notícia que teria forte impacto na sua vida. Maria Paraguaya, sua companheira havia pouco mais de dois anos e que em breve viria a integrar a formação original do Escambau, estava grávida. A gestação acabou retardando um pouco os planos de lançar o novo projeto ainda no ano de 2008. Neste ínterim, ainda sem banda, decidiu entrar em estúdio para valer e, com a colaboração técnica de Rodrigo Barros e Luiz Ferreira, ambos ex-integrantes da banda Beijo Aa Força, fazer um registro mais profissional das novas canções. Na bateria, teve o apoio mais do que bem-vindo do irmão Glauco Caruso. “Que, por sua vez, fez um excelente e marcante trabalho, diga-se de passagem, e que, aliás, entre outras joias, trazia em seu currículo as assombrosas baterias do álbum A Sétima Efervescência, do cultuado músico gaúcho Júpiter Maçã”, adiciona. O organista Moacyr Boff completou o time, temperando com seu virtuosismo e indefectível acento bluesy a estrutura vertebral do álbum. Enquanto isso, todos os outros instrumentos ficariam sob a sua responsabilidade.

Maria Paraguaya, Adriano Antunes (Syd Vinicius) e Oneide Diedrich (Pelebroi Não Sei) acrescentaram vocais no hit “Dos Amores Mais Vendidos”, que, pouco tempo depois, ganharia um videoclipe premiado em dois festivais nacionais. O disco ainda contou com a participação de Raul de Nadal em “A Prostituta Apaixonada”, tocando acordeon, e de um ótimo e bem arranjado naipe de sopros na canção “Kallandra’s Bar”. Faixas como “Desparafuso”, “Mônica e Suas Esculturas” e “Amor em Si Bemol” logo deixaram fortes impressões nos seguidores da banda e, ainda nos dias de hoje, são muito requisitadas nas apresentações.

Exatamente na virada para 2009, para a alegria dos fãs, o álbum Acontece nas Melhores Famílias foi disponibilizado gratuitamente na internet através da plataforma MySpace. A banda, já com formação definida e chamada Giovanni Caruso e o Escambau, estreou com casa lotada no dia 13 de março. Além de Giovanni, no baixo e nos vocais, estavam Maria Paraguaya, vozes e percussão; Moacyr Boff, teclados; Zo Escambau, guitarra; e Ivan Rodrigues, bateria. De lá pra cá, se vão dez anos, cinco discos, mudanças de nome e formação, shows pelo Brasil e exterior e vários videoclipes. Em 2019, para comemorar a simbólica data, o Escambau (que hoje conta com Caruso, Paraguaya, Zo, Yan Lemos no baixo e Yuri Vasselai na bateria) promete começar o ano com um explosivo lançamento que irá chacoalhar as estruturas de um carente e malfadado rock tupiniquim dos tempos atuais.

“Nosso sexto álbum já está pronto e foi gravado integralmente e ininterruptamente durante cinco dias, entre o fim de outubro e começo de novembro, dentro de uma locação do século XVIII, nas acomodações do luxuoso Hotel Camboa, na cidade histórica paranaense de Antonina”. Ainda em virtude da simbólica data comemorativa, o Escambau promete disponibilizar – o mais breve possível – todos os seus álbuns acrescidos de faixas-bônus e demo tapes inéditas nas principais plataformas de streaming. Agora é esperar para ouvir e deliciar-se, enquanto isso, com os raros sabores de um disco gravado e lançado antes da existência da própria banda.

Estranho isso, né? Pensando assim, permito-me imaginar que a alma do Escambau se encontra aqui. Neste primeiro sopro criativo intitulado Acontece nas Melhores Famílias. Nesta edição comemorativa, que se chama 10 Anos do Lançamento, conta ainda com dez faixas-bônus. Afinal são outtakes da pré-produção do álbum realizada em 2007 no Paraguay, onde o disco fora pré-concebido sob a curiosa alcunha de As Gloriosas Esferas do Inconcebível Esplendor.

>> Escute Acontece nas Melhores Famílias – 10 Anos do Lançamento nas plataformas iTunes, Spotify e Deezer. O CD também pode ser comprado pela Tratore.

Dado Villa-Lobos + Marcelo Bonfá + André Frateschi – ao vivo

Em Curitiba, trio relembra (quase) na íntegra as faixas dos álbuns Dois e Que País é Este 1978/1987, da Legião Urbana

Texto por Abonico R. Smith

Fotos de Igor Filus/Charme Chulo (Dado e Bonfá) e Abonico R. Smith (André Frateschi)

Nove de abril de 1988. Aquela não era uma noite qualquer. O cheiro de tensão já estava no ar desde antes de começar o show. Depois de um bom tempo de atraso, eis que sobem ao palco montado no Ginásio do Tarumã, em Curitiba, os quatro integrantes da Legião Urbana. Naquela época, a banda ainda era um quarteto, com Renato Rocha tocando o baixo e sem a presença de músicos de apoio nos teclados, violões e segunda guitarra.

Por pressão da gravadora, o terceiro álbum da banda, Que País É Este 1978/1987 tinha acabado de sair no final do ano passado. Foi algo montado às pressas, ainda para aproveitar a carona do extremo sucesso do anterior Dois, lançado em 1986, em um ano de extrema euforia econômica por causa do Plano Cruzado e que impulsionava a vendagem de discos. O novo repertório havia ficado no meio do caminho. Para completar o disco, a banda pegou antigas canções escritas por Renato Russo nos tempos de Aborto Elétrico ou Trovador Solitário, durante o final da adolescência em Brasília.

A banda vivia um período de intensas turbulências internas. Rocha, logo depois, seria desligado da formação por problemas de comportamento. Russo tentava driblar os problemas emocionais trazidos pela fama meteórica com abusos químicos e etílicos. E de certa forma comportamentais. O que viria a se refletir nesta apresentação no Tarumã. Na plateia, um séquito de fãs ensandecidos à espera de seu líder. Sim, porque um show da Legião Urbana com Renato Russo à frente do palco não era uma mera performance artística naquela ocasião. Parecia quase todo mundo ali um exército com o poder de ser comandado (ou sair do controle a qualquer instante) pelo seu grande chefe.

O que rolou dentro no Tarumã foi quase um barril de pólvora pronto para explodir. Russo, sempre imprevisível, improvisava e mandava seus pensamentos sobre vida e política e mais frases impactantes ao microfone entre cada música. A multidão se inflamava. Passou um bom tempo cantando se jogando e deitando no chão, como às vezes costumava fazer. A multidão se inflamava mais. Cantava os versos magnéticos e poderosos de suas músicas, muitas delas sobre revoluções pessoais e coletivas. A multidão se inflamava cada vez mais. Ao final do show, veio a sensação de alívio por nada de errado, estranho ou violento ter acontecido ali dentro. Entretanto, lá fora, quando as pessoas começaram a sair todas ao mesmo tempo por um mesmo portão, tudo explodiu. Policiais batiam em vários. Outros, a cavalo, tentavam conter a fúria ao mesmo tempo em que quase jogavam os animais em cima dos fãs. Algumas bombas de efeito moral explodiam aqui e ali. Eu, um garoto prestes a completar 16 anos de idade e acompanhado apenas por amigos da mesma faixa etária, tentava me proteger e sair são e salvo para um lugar mais distante e sem confusão.

Dois meses depois, em junho o que não havia saído do controle durante o show de Curitiba acabou saindo no fatídico retorno da banda a Brasília. Resultado foram cenas de tensão, horror e vandalismo que pôs em risco a integridade física dos próprios músicos, destruíram o estádio Mané Garrincha, e tomou as ruas da cidade que havia revelado a banda e não a mais queria nas redondezas. Fato que foi determinante para a suspensão das apresentações e viagens pelo país durante um bom tempo e marcou uma virada de página na carreira da banda. Depois disso ver assistir a um show da Legião Urbana tornou-se um fato ainda mais difícil de acontecer quando Russo, Dado e Bonfá decidiram por retomar as turnês.

>> Clique aqui para ouvir a gravação do show de 9 de abril de 1988 em Curitiba

Exatos trinta anos depois o repertório baseado nos discos que sustentavam aquela tensa e polêmica fase voltou a Curitiba. À meia-noite e meia da madrugada do último sábado, dia 24 de novembro de 2018, Dado e Bonfá, novamente acompanhados pelo vocalista André Frateschi e a mesma banda de apoio da turnê anterior (Lucas Vasconcellos nas guitarras e violões, Mauro Berman no baixo e direção musical e Roberto Pollo nos teclados e programações eletrônicas), que comemorava as três décadas de lançamento do álbum de estreia, agora estavam na Live Curitiba para tocar (quase) integralmente Dois e Que País É Este 1979/1988. Das 21 faixas, apenas uma, a vinheta instrumental “Central do Brasil” ficou de fora do set list do live project.

Em primeiro lugar devem ser feitas considerações a respeito da plateia que parecia que iria comparecer em bom número e, mais próximo ao início da apresentação, acabou enchendo a casa. Poucos eram os que tinham abaixo dos 30 anos de idade – ainda assim os teens estavam devidamente acompanhados por pais ou familiares. A maioria claramente era de gente que cresceu/adolesceu quando as músicas cantadas por Renato Russo povoavam a playlist da maioria das rádios FM e discos físicos – em vinil ou a laser – eram vendidos aos borbotões, os brasileiros não votavam para presidente baseados em fatos irreais do WhatsApp e a juventude ainda carrega uma certa esperança ingênua em um país que mal havia se libertado de duas décadas de ditadura militar. Portanto, não houve renovação do público da Legião Urbana. Apesar de suas canções mais antigas exalarem espírito juvenil, a garotada de hoje não se conecta mais com Renato, Dado e Bonfá. Nisso também ajudou – e muito – a interminável rusga com o herdeiro do vocalista, seu filho, detentor dos direitos sob o nome da banda e, que, segundo a dupla remanescente, impede o lançamento oficial de projetos novos e antigas gravações ainda inéditas.

Contudo, quando Dado e Bonfá sobem ao palco a coisa muda de figura. “Ah, mas não tem Renato Russo!”, muita gente pode  tentar argumentar. Bom, não tem mesmo. Infelizmente Renato morreu em 1996, o que não pode ser revertido e ainda determinou o fim oficial da banda. Portanto este não é um show da Legião Urbana em si, mas uma celebração de dois artistas que compuseram e gravaram com o amigo as canções que construíram a carreira de todos eles. E também André Frateschi se transformou em um grande achado para compensar as saudades do vocalista. O ator e cantor – com respeitável carreira solo no underground brasileiro – não quer substituir, muito menos imitar o seu também ídolo. Não faz os mesmos trejeitos e coreografias, não tem o mesmo timbre vocal, mas está cada vez mais solto e acostumado à condição de estar à frente do guitarrista e baterista. Sua performance é própria, ele toca instrumentos (bateria e harmônica) e tudo é tão energético quanto as músicas que canta. Sem falar que, em determinados momentos, é um dos dois que assume a função de bandleader.

“Ah, mas não tem coisa inédita!”, outros tantos podem disparar. Não tem mesmo e ainda bem. Banda brasileira não sabe acabar após uma longa carreira e fica se arrastando ao tocar pelo país quase sempre o mesmo repertório, com os mesmos hits que já foram executas outras 35 mil vezes ao vivo. Quando aparecem faixas novas, elas são bem poucas e estão aquém de distância na qualidade se comparada aos velhos clássicos. Com Dado e Bonfá não tem isso. Velhos sucessos, sim, podem muito bem sumir do set list e a intenção destas duas últimas turnês é executar os discos no palco, de cabo a rabo. Por isso ouvir pérolas escondidas dos álbuns (como “Depois do Começo”, “Metrópole”, “Música Urbana 2”, “Química”, “Mais do Mesmo”, “Conexão Amazônica”, “Acrilic on Canvas”, “Plantas Embaixo do Aquário” e “Fábrica”) é muito mais importante, neste momento, do que ficar relembrando “Quando o Sol Bater na Janela do Seu Quarto”, “Monte Castelo”, “Meninos e Meninas”, “Geração Coca-Cola”, “Ainda é Cedo” ou “Por Enquanto”.

O set é temático e brinda as canções gravadas entre 1986 e 1987. Portanto, o tom das canções vai do folk (soberano em Dois, gravado com muitos instrumentos acústicos de corda) ao punk (herança deixada pelo Aborto Elétrico absorvida em Que País É Este 1978/1987), abandonando as nuances pós-punk da estreia (1985) e ainda sem soar tão pop ou progressivo quanto os vindouros quarto e quinto álbum As Quatro Estações (1989) e V (1991). Ainda era uma época em que as palavras bem trabalhadas valiam em letras de música neste país. O discurso era virulento ao mesmo tempo em que tentava buscar a tomada de consciência para um amanhã melhor. Buscava sintonia com os jovens da mesma época, empolgados por uma suposta mudança dos rumos que estaria por vir. Os fãs respondiam à altura, com ardor e devoção jamais vistas até então no rock brasileiro, alçado à condição de megagênero naquele momento do mercado fonográfico nacional.

Hoje a graça está mais em cima do palco do que do lado de cá dele. É bom ver como muitos versos (“Fábrica”, “Que País é Este”, “Faroeste Caboclo”, “Angra dos Reis”, “’Índios’”, “Mais do mesmo”, “Conexão Amazônica”) até hoje dizem muito a respeito de nosso universo cotidiano ao redor. E que quem as interpreta ali, na frente de muitos (e isso inclui os três músicos de apoio) parece que está se divertindo tanto quanto em quase duas horas e meia de show. Tudo passa longe de ser um relógio-ponto burocrata que funciona com base em harmonias e melodias. O que, por sinal, a Legião Urbana sempre foi. Uma banda movida apenas pelo compromisso consigo mesma e a sua necessidade de expressão e não pelo o que os outros pensam ou querem dela. Dado e Bonfá já passaram dos 50 anos de idade mas parecem ter alma muito mais jovem do que a maioria do público que foi vê-los na Live Curitiba. Estes, sim, parecem eternamente satisfeitos em ter sempre mais do mesmo.

PS: Para o bis, foi escolhido um minirrepertório pinçando, de brinde aos fãs, uma faixa representativa de cada um dos outros quatro álbuns executados ao vivo em turnês pelo trio. No caso do sexto, O Descobrimento do Brasil (1993), ainda houve uma “música-bônus”: “Giz” (anunciada como a preferida entre todas as da banda pelo vocalista) e “Perfeição” (o sempre indispensável “Hino Nacional Brasileiro” alternativo).

Set list: “Daniel na Cova dos Leões”, “Quase Sem Querer”, “Eu Sei”, “‘Índios’”, Acrilic on Canvas”, “Tédio (Com um T Bem Grande Pra Você)”,  “Mais do Mesmo”, “Metrópole”, “Química”, “Plantas Embaixo do Aquário”, “Depois do Começo”, “Conexão Amazônica”, “Música Urbana 2”, “Eduardo e Mônica”, “Faroeste Caboclo”, “Que País é Este”, “Angra dos Reis”, “Andrea Doria”, “Fábrica” e “Tempo Perdido”. Bis: “Vento no Litoral”, “Giz”, “Há Tempos”, “Será” e “Perfeição”.

Lorde + Blondie + MGMT + Death Cab For Cutie + At The Drive-In + Mallu Magalhães e Tim Bernardes + Letrux – ao vivo

Encontro de divas com meio século de diferença na idade marca a sexta edição do Popload Festival

Blondie

Texto por Janaina Monteiro

Fotos: Fabricio Vianna/Popload Festival/Divulgação

Um autêntico encontro de divas marcou o Popload Festival, que em sua mais recente edição trouxe um monte atrações nacionais e estrangeiras para o palco montado no Memorial da América Latina, no bairro da Barra Funda, em São Paulo, em pleno feriado da Proclamação da República. Os nomes principais eram o Blondie, da loiríssima Debbie Harry, debutando no Brasil aos 73 anos, e Lorde, meio século mais nova que a musa da new wavee do punk rock (a neozelandesa tem apenas 22 anos), foram os destaques da escalação e mostraram o empoderamento feminino na música pop mundial para uma plateia de quase 14 mil pessoas. 

Esculturas que antes estavam expostas a céu aberto no Memorial deram espaço aos fãs do rock e seus subgêneros, como o indie e o pós-hardcore. Além de Blondie e Lorde, outras duas mulheres integraram o line up: a carioca Letícia Novaes, vocalista do projeto Letrux, foi a primeira a pisar no palco. Em seguida, veio a parceria inédita de Mallu Magalhães e Tim Bernardes, integrante da banda o Terno e atualmente também desenvolvendo carreira solo. O duo concebeu o show especialmente para o Popload e destoou das demais bandas com seu indiemeio MPB, tocando debaixo de chuva grossa.

 

Tim Bernardes e Mallu Magalhães

A chuva, aliás, foi uma constante durante todo o dia, mas não suficiente para apagar o brilho do público LGBT que via ali uma de suas musas. Esta, inclusive, pode ter sido a primeira e a última vez que Debbie vem se apresentar no Brasil depois de 40 anos da formação de uma banda que vivenciou o punk nova-iorquino na segunda metade dos anos 70, numa metrópole então bastante barra-pesada e que testemunhava a violência urbana e o conflito de gerações. Portanto, assistir a um show da Blondie é reviver a história do rock.

A banda foi contemporânea de David Bowie, Iggy Pop e Lou Reed e se apresentava no clube CBGB (Country, Bluegrass and Blues and Other Music For Uplifting Gormandizers – estas duas palavras podem ser traduzidas como “colocar os gordos para suar”), na Bowery Street, ao lado de nomes como Ramones e Talking Heads, por exemplo. Debbie ainda foi imortalizada pela pop art de Andy Warhol.“Por que demorou tanto?”, perguntou a musa no palco da Barra Funda, que foi garçonete e até coelhinha da Playboy até se tornar vocalista da banda Angel And The Snakes. Mas os gritos de “hey blondie” durante as apresentações eram tantos que a banda foi rebatizada como “Blondie” e Debbie virou o maior ícone feminino da história do pop rock. Na sua idade, talvez apenas Patti Smith tenha o mesmo fôlego.

Poderosa, a loira entrou como uma rainha às 19h30, usando óculos escuros brilhantes e um traje fluorescente nas cores pink e laranja, uma saia de tule (que ela tirou no decorrer do show) e uma capa branca com uns mosquitos estampados. A tal capa, com frase “stop fucking the planet” (parem de ferrar com o planeta), foi um dos primeiros recados da ativista Debbie. E já de cara o hit “One Way Or Another” colocou o público para pular.

O que veio na sequência foi um show de vitalidade e elegância. Debbie cantou boa parte das músicas (um pouco “desaceleradas” pela banda) acompanhada pelo baterista Clem Burke (que vestia a camiseta do CBGB), o único remanescente, ao lado dela, da formação original. Completavam a formação o baixista Leigh Foxx, Tommy Kessler na guitarra e Matt Katz-Bohen nos teclados. A ausência sentida foi do guitarrista Chris Stein, também fundador da Blondie e ex-marido de Debbie (que dedicou “Heart of Glass” a ele, sem explicar o motivo). Sabe-se apenas que Chris sofre de uma doença autoimune. 

“Doom Or Destiny” veio na sequência, acompanhada de mensagens políticas à extrema direita. O público ovacionou a frase “Punch a nazi” (“Soque um nazista”) no telão e em “Fun” quando um casal de homens aparece se beijando. “Maria”, lançada em 1999, dois anos após a bandar voltar à ativa reformulada, foi dedicada a todas as mulheres que ali estavam e “para todos que querem ser mulheres”.

A musa loira também falou sobre sua vontade em conhecer a Amazônia. Melhor correr, diziam alguns na plateia. E contou que havia comido “formigas” por aqui. “Foi muito gostoso. De verdade”. Ela só não disse onde. Então, o show histórico terminou com “Dreaming” e seu refrão “Dreaming is free” (“sonhar é de graça”). Ainda é!

Lorde

Por ser a estreia do Blondie no Brasil, a banda merecia ser a headliner. Mas coube a Lorde fechar o Popload Festival desta vez. Houve então um grande revezamento na plateia. Os mais velhos deram espaço à garotada que curte a neozelandesa, que estava em sua segunda visita ao Brasil (a primeira fora em 2014, em outro festival de grandes proporções).

Assim como as cores quentes do figurino de Letícia e Debbie, Lorde vestia uma saia vermelha, como se fosse uma cigana, e uma blusa de tule por cima de um sutiã, também vermelhos. E tênis vermelho, claro. O público vibrou em todas as músicas, desde a fila do gargarejo até aqueles que assistiram ao show no fundão.

Com apenas dois álbuns no currículo, Lorde soma milhares de fãs mundo afora. Mais confiante do que sua primeira apresentação, a popstar mostrava uma presença de palco incrível, principalmente quando acompanhava os passos de seus dançarinos. No entanto, a sonoridade da banda deixa a desejar se comparada ao Blondie. Lorde tem uma grande potência vocal, mas há muito uso de bases pré-gravadas para facilitar.

Na metade do show,  a plateia gritava “Lorde eu te amo” e a cantora discursou emocionada, elogiando os brasileiros, antes da balada ao piano “Liability”. “Muitos de vocês sentem que há pessoas tentando diminuir vocês, mas nós amamos vocês exatamente do jeito que vocês são”. Gritos de #EleNão vieram. O megahit “Royals” foi cantado em coro e no telão um isqueiro aceso. A neozelandesa ainda chegou a balançar bandeiras do Brasil e LGBT e pulou do palco para cair nos braços dos fãs, encerrando o show com o megahit “Green Light” com direito a chuva de papel.

At The Drive-In

O festival também trouxe outras estreias em terras brasileiras. O caso da banda Death Cab for Cutie e dos nervosos do At The Drive In, que comandaram o primeiro show internacional do festival.

O veterano Cedric Bixler-Zavala (também fundador do Mars Volta), surgiu com sua indefectível cabeleira preta por volta das 15h e levou uma performance alucinada aos fãs da banda de pós-hardcore. Também debutando no país, Cedric, guitarrista Omar Rodriguez-Lopez e o baterista Tony Hajjar levaram sua ira a palco. o vocalista foi logo jogando o microfone no chão na primeira música. O gran finale veio com a sequência “Pattern Against User” e “One Armed Scissor”, do disco Relationship Of Command, de 2000. 

Durante o show, Cedric foi visto xingando fãs da Lorde o tempo todo na grade. Talvez por isso, no sábado, antes de embarcar no aeroporto de Congonhas, o vocalista estava sentado num cantinho, com sua malinha de mão da Adidas, provavelmente com medo de ser hostilizado subitamente por algum fã da garota…

Death Cab For Cutie

Do post-hardcore de El Paso ao emocore do quarteto de Seattle. O “Táxi mortal para a fofa”, numa tradução literal, estourou lá atrás, em 2006, contemporâneo de bandas como Yeah Yeah Yeahs e Clap Your Hands And Say Yeah. Desde essa época o DCFC era cotado para se apresentar no Brasil e nunca veio. Agora foi por um triz que o show não aconteceu. Pouco antes da apresentação, Ben Gibbard (que também tocava o projeto paralelo Postal Service) sofreu um acidente no hotel e machucou as costas, conforme a banda explicou em seu Instagram. Tomou injeções de analgésicos e entrou carregado, mancando, num momento raro e de muita comoção. Tudo para não perder o show.

Durante toda a apresentação Ben tocou sentado, alternando guitarra e violão com o piano. Depois do susto, explicou ao público que “muitas primeiras vezes estavam acontecendo”. A primeira vez no Brasil e “a primeira vez que tenho que abaixar as calças cinco minutos antes do show para levar duas injeções na bunda”. Pouco antes das 17h, o momento mais comovente foi quando a plateia cantou em coro a balada cutie “I Will Follow You Until The Dark”, na versão voz e violão. Ben sorriu e pareceu ter abstraído a dor naquele instante. “Até a próxima. Eu prometo que estarei de pé”, despediu-se o vocalista. No Insta, a banda agradeceu o público de São Paulo. “Nunca vamos esquecer a energia e o amor que vocês nos devolveram. Desculpe por ter demorado tanto tempo para estarmos aqui”.

MGMT

Saiu um Ben do palco e logo entrou outro. O duo de indie-electro-pop MGMT foi outra atração internacional. Ben Goldwasser e Andrew VanWyngarden trouxeram pela quarta vez ao Brasil seus sintetizadores. São quatro discos lançados até então, mas ainda os hitsdo primeiro álbum Oracular Spetacular(2007) que mais empolgam a plateia como “Time To Pretend” (a segunda do set)  “Kids” e “Electric Feel”, mais para o final do show.

No palco, os integrantes da banda circulavam despojados entre vasos com palmeiras e colunas gregas, principalmente o guitarrista, James Richardson, trajando chapéu pontudo de mago e uma cueca boxer preta. A banda não é de vibrar e se apresenta num tom sereno, fazendo poucas intervenções com a plateia que curte “viajando” no som. Andrew foi o que mais movimentou no palco e chegou a pedir para que o público batesse palmas. Do trabalho lançado neste ano, Little Dark Age, tocaram a faixa que dá nome ao álbum mais “When You Die”, “James” e “Me and Michael”.

E no intervalo dos shows principais, atrações nacionais se apresentavam no Palco Jukebox. O Terno, Liniker, Tropkillaz mais Céu e Superbanda tocavam as músicas escolhidas pelo público. Sem dúvida, a mais interpretada foi “The Less I Know the Better” da “banda-sensação” do público do festival, o Tame Impala.

Liniker

Set list Letrux: “Vai Render”, “Ninguém Perguntou Por Você”, “Puro Disfarce”, “Coisa Banho de Mar”, “Amoruim”, “Ex-Factor”, “5 Years Old”, “Hypnotized”, “Que Estrago”, “Além de Cavalos”, “Flerte Revival” e “Noite Estranha, Geral Sentiu”.

Set list Mallu Magalhães e Tim Bernardes: “Cais”, “A História Mais Velha do Mundo”, “Recomeçar”, “Navegador”, “Quis Mudar”, “It’s All Over Now, Baby Blue/Negro Amor”, “Volta”, “Olha Só, Moreno”, “Nó”, “Ela”, “Não”, “Por Que Você Faz Assim Comigo?”, “Melhor do Que Parece”, “Velha e Louca”, “Culpa”, “Mais Ninguém” e “Será Que Um Dia”.

Set list At the Drive-In: “Arcarsenal”, “Governed By Contagious”, “Sleepwalk Capsules”, “Hostage Stamps”, “Invalid Litter Dept”, “Enfilade”, “No Wolf Like Present”, “Pattern Against User” e “One Armed Scissor”.

Set list Death Cab For Cutie: “I Dreamt We Spoke Again”, “Summer Years”, “The Ghosts Of Beverly Drive”, “Photobooth”, “Title And Registration”, “Gold Rush”, “Crooked Teeth”, “I Will Follow You Into The Dark”, “Black Sun”, “Northern Lights”, “Cath…”, “Soul Meets Body” e “Transatlanticism”.

Set List MGMT: “When You Die”, “Time To Pretend”, “Alien Days”, “Little Dark Age”, “James”, “Flash Delirium”, “Me And Michael”, “Kids”, “Electric Feel” e “The Youth”.

Set list Blondie: “”One Way Or Another”, “Doom Or Destiny”, “Fun”, “Call Me”, “Rapture”, “Maria”, “The Tide Is High”, “Long Time”, “Atomic”, “Heart Of Glass” e “Dreaming”.

Set list Lorde: “Sober”, “Homemade Dynamite”, “Tennis Court”, “Magnets”, “Buzzcut Season”, “Hard Feelings”, “Ribs”, “The Louvre”, “Writer In The Dark”, “Liability”, “Sober II (Melodrama)”, “Supercut”, “Royals”, “Perfect Places”, “Team” e “Green Light”.

Letrux

 

L7

Oito motivos para você não perder a volta da banda ao Brasil depois de um intervalo de vinte e cinco anos

Texto por Abonico R. Smith

Foto: Divulgação

Vinte e cinco anos separam a histórica passagem do L7 pelo Brasil, em pleno auge do rock alternativo, da segunda vinda da banda ao país. Foi preciso esperar um quarto de século para ver de novo por aqui Donita Sparks (guitarra e voz), Suzi Gardner (guitarra e voz), Jennifer Finch (baixo e voz) e Dee Plakas (bateria), ícones daquela época áurea em que vocais berrados, guitarras sujas e distorcidas e uma estética que cruzava informações vindas do punk rock e do heavy metal saíram do subterrâneo para tomar de assalto o mainstream, a imprensa corporativa, as grandes gravadoras, as filiais da MTV e o gosto das pessoas espalhadas ao redor do planeta.

Depois de um longo tempo em inatividade, a banda voltou à ativa em 2015 com sua formação clássica. Ainda é esperado um disco novo, com faixas inéditas. Mas enquanto isso não acontece, as quatro “gurias” (hoje na faixa entre os 50 e 60 anos) estão volta às turnês, tocando aqui, ali e em todo lugar. Na primeira semana de dezembro será a vez do Brasil recebê-las, com cinco datas em cinco capitais diferentes. O giro começa pelo Rio de Janeiro no dia 1 de dezembro (mais infos aqui). Depois segue para São Paulo no dia 2 (mais infos aqui). No dia 4, a escala será em Porto Alegre (mais infos aqui). No dia 5, em Curitiba (mais infos aqui). Por fim, no dia 6, em Belo Horizonte (mais infos aqui).

Para celebrar o retorno do L7 ao país, o Mondo Bacana preparou uma relação com oito motivos para você não perder a nova passagem da banda por aqui.

Documentário

Dirigido pela cineasta Sarah Price, o documentário L7: Pretend We’re Dead foi lançado em 2016, depois de uma campanha de crowdfunding que arrecadou fundos para a sua realização. O filme conta a história da banda do underground ao estrelato e, então, de volta ao underground até o fim das atividades em 2001. São muitas imagens de arquivo e acervo pessoal com trechos de shows e festivais, curiosidades de bastidores e depoimentos de Donita, Suzi, Jennifer e Dee em off. Por enquanto, a obra pode ser vista em streaming nos Estados Unidos através da Amazon. Em breve deverá estar disponível aqui no Brasil também.

Nada de girl band

Se existe uma coisa que elas deixam claro logo nos primeiros minutos de L7: Pretend We’re Dead é para não chamá-las de “banda de garotas”. Afinal, essa questão da diferenciação pelo gênero – e sempre através de um modo tão comparativo quanto negativo, diga-se de passagem – já é uma coisa tão batida, sem noção e sem sentido que elas já disparam que estão enojadas e cansadas de que usem isso a respeito do grupo. Donita afirma que rejeita toda a imagem criada ao longo destes anos pelo fato do L7 nunca ter sido algo que a pessoas pudessem esperar delas, sobretudo pela questão de não se encaixar no que se chama de estereótipo da beleza feminina.

Punk porém também heavy

O L7 foi formado na esteira de um cenário punk e hardcore criado por jovens que não se encaixavam com a apatia de seus semelhantes durante o governo Ronald Reagan nos 1980. Paralelamente a isso, na cidade em que as musicistas viviam (Los Angeles), o rock era tomado pelo mainstream de bandas glam metal, mais preocupadas com o visual andrógino e a estética da cosmética, levada aos extremos comerciais através dos videoclipes em alta rotação na MTV norte-americana. Entretanto, o heavy clássico, mais sujo e poderoso, também faz parte da formação delas. Isso pode ser facilmente notado em diversas faixas de álbuns como Smell The Magic (lançado pela Sub Pop em 1990) ou Bricks Are Heavy (de 1992, quando a banda era contratada do selo Slash, então ligado às gravadoras major Warner nos Estados Unidos e PolyGram no resto do mundo). São muitos riffs, pedais de efeito e power chords – sem falar que Donita leva uma guitarra Flying V a tiracolo ao subir em um palco. A vocalista também se ressente do fato do grupo nunca ter sido convidado até hoje para participar de um festival dedicado a bandas heavy metal nos Estados Unidos. “Ne Europa nos aceitam muito bem e volta e meia participamos destes eventos. Mas em nosso país isso nunca aconteceu.”

Bricks Are Heavy

Responsável pela sonoridade assumidamente pop (porém sem negar as origens alternativas) de vários discos de sucesso da época – como Dirty (Sonic Youth), Nevermind (Nirvana) e Siamese Dream (Smashing Pumpkins) – o produtor Butch Vig também conseguiu fazer o mesmo com o L7 em Bricks Are Heavy. Deixou toda a sujeira sonora lá, mas conseguiu aparar as arestas e arredondar as músicas compostas e cantadas por Donita, Suzi e Jennifer, inclusive fazendo os mesmos com seus vocais. O resultado foram três grandes hits (“Pretend We’re Dead”, “Monster” e “Everglade”), indispensáveis em qualquer set list do L7 até o final dos tempos da banda. Mais o repertório dos atuais shows da banda não se sustenta apenas nessas faixas do disco. Outras menos conhecidas na época continuam bastante poderosas quando tocadas ao vivo. É o caso de “Scrap”, “Slide”, “One More Thing” e “Shitlist”. Os versos desta última, que sempre encerra todo bis, permanecem atualíssimos como um grito de guerra feminista.

Agent Orange

Na volta para o bis de cada show, a banda rende sua homenagem a uma histórica banda dos primórdios do punk rock oitentista americano. Primeiro single lançado em 1979 pelo trio Agent Orange, a música “Bloodstrains” é um petardo que não dura sequer dois minutos. Seus versos tratam da rejeição completa ao american way of life, onde a felicidade parece sempre rimar com estabilidade financeira, família e aquela vida bem baunilha. A gravação oficial do L7 para esta música está no álbum-compilação Teriyaki Asthma Vols 1-5, lançado em 1992 pelo microsselo independente C/Z, criado pelo casal Chris Hanzsek e Tina Casale em Seattle em 1985. Deste disco também fazem parte gravações raras de outras bandas de suma importância naquele momento do rock alternativo, como Nirvana, Babes In Toyland e Gas Huffer. Todas ainda em fase pré-fama, fazendo seus shows em pequenas casas e viajando pelos Estados Unidos em carros e vans.

Brasil, janeiro de 1993

O festival Hollywood Rock de 1993, realizado no segundo e no terceiro final de semana de janeiro, respectivamente em São Paulo e no Rio de Janeiro, trouxe uma escalação memorável. Duas das três noites eram reservadas a bandas internacionais que estavam, naquele momento, no auge de suas carreiras mundiais, fato até hoje não superado por qualquer outro evento do tipo em solo brasileiro. Uma das noites trazia o Alice In Chains e, como headliner, o Red Hot Chili Peppers. A outra, no mesmo esquema, era composta por L7 e Nirvana. E o show do L7 acabou sendo tão memorável quanto o de Kurt Cobain, Krist Novoselic e Dave Grohl. O estádio do Morumbi (onde este que aqui escreve estava presente) chacoalhava na noite do sábado 15 com a multidão pulando sem parar no gramado, cadeiras e arquibancada. Não foi bem um aquecimento para o trio principal, já disparado no topo das paradas mundiais, mas sim um show de primeira e que deixou todo mundo tão suado quanto. No Rio de Janeiro, sete dias depois, foi tudo igualzinho (conforme você pode checar aqui, assistindo à gravação da apresentação de mais de uma hora na íntegra).

Tampax em direção à plateia

A edição de 1992 do Reading Festival, na Inglaterra, entrou para a História pela trolagem do Nirvana. Havia uma expectativa negativa em relação ao show do trio porque Kurt Cobain estava entrando e saindo de períodos na rehab e muito se falava sobre a possibilidade da gig no evento ser cancelada. Sem qualquer aviso, Dave Grohl entrou no palco empurrando Kurt sentado em uma cadeira de rodas e com roupa hospitalar. O vocalista simulou uns espasmos e jogou-se ao chão, assustando e arregalando os olhos de todos. Posteriormente levantou-se e fez um puta show à frente de sua banda. Mas o L7 também deu sua bela contribuição para fazer aquele verão ser inesquecível para quem estava lá no festival. A apresentação do quarteto foi um grande caos. A tensão já era grande no início, quando começou a haver problemas técnicos no som. A plateia ensandecida e à espera do Nirvana, reagia contra o grupo. A banda chegou a trolar todo mundo que queria mainstream começando a tocar o riff de “Enter The Sandman”, do Metallica, para depois parar tudo e xingar ao microfone. Depois, muita gente passou a arremessar lama em direção às integrantes. Irritadíssima, Donita não pensou duas vezes. Pôs a mão dentro da calcinha, arrancou o tampax, mostrou-o a todo mundo e arremessou-o em direção às pessoas, provocando reações de espanto e nojo em muitos. Apesar da gravação tosca e cheia de problemas, este fatídico show do L7 também está registrado no YouTube (veja aqui). O “incidente” do tampax – que chegou a ser incluído entre os cem melhores momentos de toda a História do heavy metal pelo canal de TV VH1 (veja aqui) – ocorre quase no final, aos 40 minutos e 24 segundos, assim que acaba a penúltima música do set list.

#Resist

Em entrevistas já publicadas por veículos brasileiros, Donita já deixou clara a sua total antipatia pelo próximo presidente que está por assumir nosso país. Só que, ao contrário do que muita gente estúpida poderá (e deverá) afirmar, a vinda do L7 não tem nada a ver com financiamento da Lei Rouanet, nem a banda não precisa de promover de qualquer forma ou deve manifestar interesse em ir à Polícia Federal em Curitiba para visitar o ex-presidente Lula. As quatro integrantes do grupo começaram a tocar durante o governo neoliberal de Ronald Reagan, que ocupou a Casa Branca entre 1981 e 1989. Depois, quando anunciaram o hiato das atividades em 2001, aguentaram mais oito anos de George W. Bush até 2009. Atualmente ela não perde a chance de dizer que adoraria jogar em Donald Trump seu tampax. “Parece que quando esses imbecis estão no poder, o punk se reaviva. A resistência dos artistas também. A música ajudou a derrubar o apartheid nos anos 1980. Ajudou os movimentos sindicais nos EUA dos anos 1930. O folk e a música de protesto ajudaram nas manifestações contra a Guerra do Vietnam. Eu acho muito importante os artistas e as pessoas em geral resistirem a toda essa merda, fazendo qualquer coisa que elas façam de melhor”, declarou Sparks ao site WikiMetal (leia toda a entrevista aqui).