The Who’s Tommy – ao vivo

Montagem britânica recria a clássica ópera-rock pela segunda vez no palco do Teatro Guaíra, em Curitiba

Texto e foto por Abonico R. Smith

O Who encontrava-se num grande dilema no final dos anos 1960. Depois de emplacar uma série de hits em singles e transformar-se numa poderosa banda para ser vista ao vivo, ainda faltava um grande disco, uma respeitável coleção de canções compondo uma mesma obra. Afinal, era o tempo dos álbuns que traziam um conceito costurando as faixas mais capa, contracapa e toda o resto da programação visual da obra. Em dezembro de 1967, fechando um ano glorioso para álbuns temáticos, o quarteto lançou The Who Sell Out, no qual brincava com a relação entre a música e a comunicação e toda a questão do consumo a ela associado, inclusive com propagandas fictícias estampando as fotos e preenchendo os intervalos entre as músicas. Apesar das críticas positivas da imprensa, as vendas não decolaram, frustrando, assim, mais uma vez, as expectativas de emplacar um álbum.

Foi então que caiu nas mãos de Pete Townshend um livro do guru Meher Baba e ele se interessou pelas obras e a mensagem do indiano que passou seus últimos 44 anos de vida sem quebrar o voto de silêncio feito em 1925 e para quem o uso de drogas alucinógenas – intenso naquela época de explosão contracultural – não servia para fins espirituais. Provocado pelo empresário e produtor artístico das gravações da banda, Kit Lambert, o guitarrista topou compor uma ópera-rock para o próximo álbum da banda. O formato já não era novidade para o Who, que havia feito o mesmo – porém com menor duração – em “A Quick One, While He’s Away” (com nove minutos de duração e seis atos), última faixa do segundo álbum, A Quick One (1966). Então, recluso em seu estúdio caseiro, Pete compôs as demos que viriam a ser as músicas de Tommy, o tão esperado álbum de sucesso comercial do Who, lançado em 23 de maio de 1969.

O álbum duplo contava a história de um garoto inglês que, diante de uma série de abusos na infância (sexuais e psicológicos, sobretudo), fecha-se num mundo de introspecção e perde o contato sensitivo com o mundo humano, tornando-se, sugestiva e convenientemente, cego, surdo e mudo. Depois de descobertas como o prazer sexual (simbolizado pelas drogas sintéticas) e o poder (o jogo de fliperama), recobra os sentidos já adulto, ao enxergar o seu reflexo em um espelho, e acaba se convertendo em uma espécie de messias em um acampamento jovem (religiões e seitas). Entretanto, sua mão pesada contra os seguidores provoca uma rebelião que o destitui. O final é aberto, mas muitos fãs sugerem que Tommy teria se fechado de novo ao mundo, voltando às fantasias desenvolvidas em sua mente.

Para compor a trama, o guitarrista utilizou diversas referências autobiográficas, inseridas nos personagens em maior ou menor grau de veracidade com as suas próprias experiências de vida. Mas o fato é que Tommy, enfim, teve o seu reconhecimento popular traduzido em vendas (número dois nas paradas britânicas e quatro nas americanas), emplacou um hit nas rádios mundiais (“Pinball Wizard”), deu início a uma grande turnê que reproduzia o repertório na íntegra e ainda inaugurou uma nova fase do Who, menos pop e bem mais pesada, com grandes álbuns na sequência e shows concorridos no mercado americano, onde a performance explosiva de cada um dos quatro integrantes eram os grandes destaques. Em 1972 o disco ganhou versão orquestral e em uma estreou celebrada versão cinematográfica com direção do britânico Ken Russell com elenco encabeçado pelo próprio vocalista Roger Daltrey e as participações dos atores Ann-Margret, Oliver Reed e Jack Nicholson mais outros ídolos do rock como Elton John, Tina Turner, Eric Clapton, o próprio Townshend e mais John Entwistle e Keith Moon (respectivamente, o baixista e o baterista da banda). Em 1993, veio um musical da Broadway com a adição de canções inéditas assinadas por Townshend. Com o passar dos anos as vendas ultrapassaram a marca de 20 milhões de exemplares físicos, o que garantiu que a obra entrasse para o Hall da Fama do Grammy.

Ainda na década de 1990, a montagem da Broadway circulou pelo nosso país, sendo Curitiba umas das escalas. Agora, na noite do último dia 23 de março de 2019, mais de duas décadas depois, o mesmo Teatro Guaíra recebeu uma outra montagem de Tommy, desta vez britânica, que também passou por outras cidades brasileiras (Belo Horizonte, Florianópolis, Porto Alegre, Rio de Janeiro, São Paulo) e países sul-americanos (Chile, Paraguai, Peru). Encenado há 24 anos em Londres, o musical The Who’s Tommy trouxe seu elenco atual formado por uma banda de cinco músicos altamente técnicos (alguns assumindo os vocais na hora da entrada em cena de personagens secundários) e seis cantores-atores (inclusive um mirim, representando o protagonista ainda na infância). Toda e qualquer informação adicional vinha do telão disposto ao fundo do palco, que trazia muita referência visual ao filme de Russell e ainda uma alteração temporária significativa na história: o nascimento de Tommy Walker é transferido para depois da Segunda Guerra (mais precisamente em 1951, não mais em 1921), fazendo, assim, com que ele acabe por completar 18 anos justamente quando o álbum original fora lançado.

Por falar na obra de 1969, o set list da montagem inglesa respeita integralmente a ordem das faixas disposta pela banda no álbum duplo, ignorando a sequência e as novidades levadas ao cinema. Gary Brown solta o gogó como o Tommy adulto e conquista qualquer plateia com seu carisma e potência vocal. Contudo, quem rouba a noite é Joanna Male, cantora oriunda da cidade de Liverpool, que se divide entre a mãe Nora e a cafetina cigana Acid Queen. Na apresentação realizada em Curitiba não foi diferente, por sinal. Programada inicialmente para dois atos, a ópera-rock foi executada sem intervalos no Teatro Guaíra, fazendo com que os 75 minutos das canções passassem voando.

E quem não foi apressadinho e saiu do local nos momentos finais da canção de encerramento do musical ainda ganhou um belo brinde. Banda e cantores se uniram no palco para um bis especial, formado por cinco outras composições do Who, todas lançadas nos anos subsequentes ao sucesso mundial de Tommy. Com direito a show de iluminação em laser e clássicos como “Won’t Get Fooled Again”, “Baba O ‘Riley” e “Behind Blue Eyes”.

A capital paranaense já assistiu às montagens de Tommy vindas dos dois lados do Oceano Atlântico. Agora só faltam os originais Daltrey e Townshend. Tomara que isto ainda seja possível ainda um dia.

Set List: “Overture”, “It’s a Boy”, “1951”, “Amazing Journey”, “Sparks”, “The Hawker”, “Christmas”, “Cousin Kevin”, “The Acid Queen”, “Underture”, “Do You Think It’s Alright?”, “Fiddle About”, “Pinball Wizard”, “There’s a Doctor”, “Go To The Mirror!”, “Tommy, Can You Hear Me?”, “Smash The Mirror”, “Sensation”, “Miracle Cure”, “Sally Simpson”, “I’m Free”, “Welcome”, “Tommy’s Holiday Camp” e “We’re Not Gonna Take It”. Bis: “Won’t Get Fooled Again”, “Baba O’Riley”, “Behind Blue Eyes”, “Who Are You” e “Join Together”.

Homecoming: A Film By Beyoncé

Concerto grandiloquente apresentado no ano passado no Coachella vira filme recheado por comentários e cenas de bastidores

Texto por Abonico R. Smith

Foto: Netflix/Divulgação

Vinte e oito anos atrás Madonna abriu as portas do cinema para as divas da música pop. Seu documentário Na Cama Com Madonna arrastou uma legião de fãs às salas de projeção para assistir aos bastidores de sua então bem sucedida megaturnê mundial Blond Ambition. Isso consolidou em definitivo o nome dela no panteão das maiores artistas femininas do Século 20. Tanto que nas décadas seguintes o mercado fonográfico viu se enfileirarem uma série de discípulas que trilharam, cada qual com seu carisma, talento, competência e peculiaridade, o mesmo nicho de mercado. Vieram então Britney Spears, Christina Aguilera, Pink, Lady Gaga, Katy Perry, Amy Winehouse, Rihanna, Adele, Ariana Grande, Beyoncé. Sem falar na própria Madonna, que continuou na ativa, sempre gravando, lançando discos e fazendo shows.

Com o passar do tempo a lista tornou-se grande e a concorrência também. Com as evoluções e consequentes mudanças no mercado musical. Com a velocidade da comunicação e do cotidiano, está cada vez mais difícil fazer um trabalho não só que se sobressaia perante o resto mas também que fique gravado para sempre na memória dos fãs, tal qual o documentário lançado em 1991 por Madonna permanece até hoje. E é exatamente isso o que Beyoncé quis fazer com o projeto Homecoming, elaborado para ser o show de encerramento de um dos três dias do festival Coachella na edição do ano passado. Além de ter sido exibida ao vivo pelo YouTube foi apresentação foi registrada na íntegra, em áudio e vídeo, para virar um filme e um disco ao vivo. Na verdade, um misto de musical com documentário, já que todo o processo de elaboração do show, que levou quatro meses de intensos ensaios, também foi filmado.

Homecoming: A Film By Beyoncé (EUA, 2019 – Netflix) não foi parar nos cinemas, mas está disponível para o mundo inteiro através de streaming desde poucos dias atrás. O que significa que será visto por milhões de pessoas, tal qual Na Cama Com Madonna foi – mesmo que a Netflix tenha como conduta o fato de nunca divulgar o número de acessos a seu conteúdo, isso é óbvio que vai acontecer já nas primeiras semanas. Entretanto, o que separa a Blond Ambition Tour de Homecoming é exatamente a grandiloquência da concepção do espetáculo apresentado ao vivo para o público in loco. A plateia do Coachella era de 125 mil pessoas. Estavam no palco durante o show de Beyoncé mais de duzentas pessoas. Sim, mais de duzentas pessoas. Talvez o mais alto número de artistas já reunidos durante um concerto de música pop. Com certeza, a jogada mais arriscada de toda a carreira da cantora. Por isso, o tempo extenso de preparação do espetáculo para poder coordenar músicos, dançarinos, cantores e convidados especiais (o marido Jay-Z, a irmã Solange, as ex-companheiras de Destiny’s Child, Kelly Rowland e Michelle Williams).

Junto à sua equipe de criadores, Beyoncé concebeu um espetáculo conceitual para se apresentar no Coachella, sobretudo porque tivera de desmarcar a apresentação do ano anterior em virtude de uma gravidez inesperada. Então quis fazer uma homenagem à sua origem negra e à cultura da celebração de música e dança instituída nas universidades norte-americanas através das bandas de fanfarra e suas coreografia através das balizas e dos instrumentistas. Para caber tudo em um palco, verticalizou tudo e fez, a laPaulo barros no Sambódromo do Rio de Janeiro, os próprios músicos e bailarinos transformarem-se em um cenário vivo, vibrante e contagiante. Através de uma pirâmide com vários degraus, todos interagem milimetricamente ensaiados, provocando um efeito visual que dispensa cenografia artística e principalmente o já confortável telão de ledali no fundão de tudo.

O filme vai intercalando pedaços do set list de 33 músicas (todas mostradas na íntegra) com imagens granuladas captadas no imenso galpão onde toda a equipe se reunia diariamente para ensaiar e compor o espetáculo. Enquanto os bastidores são mostrados, uma voz em off, um tanto abafada intencionalmente (talvez para combinar com a sujeira visual), mostra Beyoncé fazendo observações aleatórias sobre sentimentos, sensações e intenções diante de toda esta pirotecnia visual e musical. Ela fala sobre suas certezas, suas inseguranças, sua família (sobretudo os filhos gêmeos recém-nascidos e a filha mais velha), sua posição feminista e opiniões a respeito do valor às tradições da cultura universitária que formam o conceito da empreitada. Já no microfone em cima do palco, ela provoca a audiência falando sobre empoderamento feminino e o sentimento de pertencimento e identificação com o que está sendo mostrado ali no palco. De vez em quando, frases filosóficas ou motivacionais também são mostradas, dividindo a narrativa entre ensaios e concerto.

A única coisa sobre a qual Beyoncé não fala durante os 137 minutos de duração de Homecoming é sobre o que estaria, de fato, por trás de toda a grandiloquência do projeto, do qual também assina a direção, o roteiro e a produção executiva do filme. E também já se sabe que este é apenas o primeiro de três lançamentos que ela irá fazer pela Netflix nos próximos anos. De fato, para ser diva da música pop neste final de segunda década do Século 21 não é preciso só cantar e ficar divando nos palcos e bastidores. É necessário ser mega, giga, tera. Passar feito um rolo compressor por cima das emoções descontroladas da horda mundial de fãs e seguidores na internet. E, sobretudo, deixar a concorrência comendo poeira lá atrás.

Cópias – De Volta à Vida

Keanu Reeves fabrica clones humanos em longa-metragem que peca no roteiro, nas interpretações e na ação

Texto por Leonardo Andreiko

Foto: Paris Filmes/Divulgação

O limiar entre o humano e o sintético é pano de fundo para diversas produções nos últimos anos. Eu, Robô, Transcendence e a série Altered Carbon são exemplos disso. Cópias – De Volta à Vida (Replicas, EUA/Reino Unido/China/Porto Rico, 2018), estrelando Keanu Reeves, se coloca confortavelmente neste nicho.

A história de Stephen Hamel, que escreveu Passageiros, gira em torno de Bill (Reeves), um cientista cujo projeto é o transplante de consciências humanas em corpos sintéticos. A caminho de suas férias num barco, ele e sua família envolvem-se num acidente. Sua esposa, Mona (Alice Eve), e seus três filhos morrem. Desesperado, o cientista pede a ajuda de seu colega, Ed (Thomas Middleditch), para cloná-los e implantar suas memórias nos novos corpos.

Esta é, de fato, uma história sem rodeios, confortável em seu subgênero. Ao tentar pincelar profundidade em temas morais, como o sofrimento das cobaias e a existência da alma (tema de debates desde o início da Filosofia), torna-se superficial e rapidamente esquece este esforço. O mesmo ocorre com as reações emotivas de Reeves, que duram, em média, pouco mais de uma cena. É frustrante assistir a inconsistência da atuação de Cópias, vista tanto no protagonista quanto nos coadjuvantes, por mais unidimensionais que sejam. O vilão, Sr. Jones, oscila entre uma tentativa falha de tom ameaçador e um homem de negócios irritado com seu empregado – responsabilidade não só do elenco, mas principalmente do roteiro de Chad St John em cima da história de Stephen Hamel.

Talvez o maior problema do filme, o roteiro soa desestruturado, resolvendo e criando mal suas tensões e dependendo de diálogos fracos e expositivos. Por isso, Cópias soa confuso e tem dificuldades em imergir seu espectador. Em momento algum, tanto nas sequências de suspense quanto no terceiro ato, repleto de ação, a obra produz inquietude ou quaisquer angústias. Este, inclusive, é o ato onde tudo que fora construído se desmantela. Se antes o ritmo era vagaroso e entediante, torna-se energético e entediante, com sequências bem montadas e eventual violência.

Os efeitos visuais, especialmente o desenvolvimento do Robô, caem por terra. Este personagem, que toma desproporcional importância na conclusão da narrativa, é tosco – por falta de palavra melhor. Sua animação parece anos atrasada, principalmente na velocidade e na ergonomia de seu movimento.

Desta forma, Cópias – De Volta a Vida tenta ser muitas coisas, mas não atinge qualquer objetivo satisfatoriamente. A atuação de Reeves e o sofrível roteiro estragam qualquer emoção que o filme tenta passar, enquanto a ação soa completamente deslocada e não empolga.

O Recital da Onça

Regina Casé volta ao teatro após 25 anos refletindo sobre a identidade brasileira e retoma parceria do Asdrúbal Trouxe o Trombone

Texto, entrevista e foto por Abonico R. Smith

Quase meio século atrás uma turma de jovens revolucionava o teatro brasileiro aproveitando o clima de abertura política que, junto com a gradual despedida do governo ditatorial militar, trazia a oportunidade para a turma dos vinte e poucos anos de se ver ali refletida no palco em atores que expressavam as esperanças, angústias, medos e alegrias da geração que cresceu sob o medo e o tolhimento da liberdade. Sob o complexo porém não menos inventivo nome de Asdrúbal Trouxe o Trombone, a trupe tornou-se sinônimo de sucesso, com direito a uma legião de fãs de voltava inúmeras vezes para ver as suas peças, e tentáculos posteriores na música e na televisão que consolidariam a influência para quem veio depois.

Corta para o início de 2019. Regina Casé, nome mais famoso revelado pelo Asdrúbal em suas montagens, está de volta ao teatro, depois de 25 anos afastada, fazendo trabalhos apenas no cinema e na TV. Sua reconciliação com os palcos vem com a companhia do velho parceiro da profissão, o mentor do Asdrúbal, o diretor Hamilton Vaz Pereira, o mesmo com quem trabalhou na mais recente estada nas coxias, Nardja Zulpério. De quebra, a atriz ainda traz mais dois nomes que a acompanham nas últimas três décadas na telinha: o atual marido Estevão Ciavatta (também na direção) e Hermano Vianna (assinando boa parte da concepção textual do espetáculo). Depois de uma pequena temporada experimental durante o verão de Salvador numa igrejinha baiana adaptada para a função de centro cultural, O Recital da Onça ganhou, enfim, os teatros brasileiros. A primeira escala foi realizada na capital paranaense, na semana inicial do Festival de Teatro de Curitiba (28 e 29 de março), no mesmo Teatro Guaíra onde já havia se apresentado com a peça anterior.

Apesar de ser um monólogo, O Recital da Onça, no fundo, é uma atualização do espírito verborrágico e libertário levado pelo Asdrúbal. É todo esquematizado em cima de impressões e experiências pessoais da artista, tendo como costura a leitura de trechos de importantes autores da literatura brasileira. Obras estas que, de alguma forma, têm conexão com o que Casé vai relatando à plateia.

A história tem como base um pouco das angústias vividas por Regina alguns anos atrás, após o sucesso do filme Que Horas Ela Volta?, filme no qual é a protagonista e cuja trama critica as desigualdades gritantes da sociedade brasileira através do cotidiano de uma família da classe A e a sua empregada doméstica. Quando convidada para dar uma palestra na Universidade de Harvard, ela acabou tendo contratempos com o departamento de imigração dos EUA. Estes momentos vividos pela atriz são a mola propulsora do espetáculo, que parte da premissa das diferenças culturais para propor reflexões a respeito de alma e da identidade brasileira.

Por isso o texto escalado para o encerramento, Meu Tio, o Iauaretê, de Guimarães Rosa, vai direto ao coração do Brasil. Mais precisamente ao Pantanal, à selva, à onça, à mestiçagem que sempre foi uma das grandes bandeiras culturais de Regina Casé nos programas de TV que apresenta. A parte final do conto, que conta a história de um caçador de onças que acaba por se identificar com o animal que deveria abater, dá o tom sério e dramático do espetáculo, a ponto dela se despedir do palco mandando um papo reto e sincero, bastante propício para os dias de hoje (“Não tenham medo! Coragem!”). E é justamente nela que reside – para muitos – a maior surpresa do espetáculo, Afinal, mais identificada como atriz de comédias, Regina dá um show de interpretação (com a ajuda de um telemprompter, claro, porque ninguém conseguiria decorar um trecho gigante de um livro em tão pouco tempo para reproduzi-lo ao vivo) e deixa muita gente se perguntando o porquê dela não ter se dedicado mais ao teatro neste último quarto de século.

A transição entre o deliciosamente engraçado e o inegavelmente contundente se dá pelo quatro trecho literário lido na peça (também com a ajuda do TP). Em A Mineira Calada, ela retorna ao universo de diferenças extremas entre patroa e empregada. Para ser mais preciso, entre Clarice Lispector, a autora deste conto, e Aninha, a “doméstica que gosta de ler livros complicados e dispensa histórias água-com-açúcar”. A forma com que Clarice se refere a Aninha pode até soar agressiva e presunçosa para alguns espectadores, entretanto revela uma das facetas mais duras dos grandes centros urbanos do país. Não é preciso nenhum exercício mais puxado de imaginação para estender o narrado na relação para outros vínculos empregatícios quaisquer. Assim como o texto anterior, mais atual impossível, mesmo tendo sido escrito décadas atrás.

Já a primeira metade do espetáculo é reservada àqueles textos que poderão variar de cidade em cidade. Em Curitiba, o início se deu com O Turista Aprendiz e o relato de viagem do modernista Mário de Andrade a Natal, quando passou por várias capitais nordestinas entre novembro de 1928 e fevereiro de 1929 para pesquisar as culturas populares da região. Para brindar os espectadores paranaenses, foram escolhidos Dalton Trevisan e Paulo Leminski para o cardápio do Festival de Teatro. Do primeiro, o conto escolhido foi Moreno Ingrato, que parece não ter agradado a uma boa parcela da plateia (também, o que esperar da republiqueta diante da aspereza e das sacanagens típicas do autor?). Do segundo, um trecho do romance Agora é Que São Elas (“muita gente diz que esse é o pior livro que ele escreveu, mas eu vou ler assim mesmo”, desafiou Regina antes de pegar a edição e abrir na página previamente marcada. A homenagem à terra dos polacos e polaquinhas terminou com um monte de gente branquela subindo ao palco a convite da atriz para sambar ao som do Maxixe Machine.

Não é de agora que a narrativa transmídia bate ponto em peças teatrais. Contudo, pode se dizer que Regina e sua trupe fiel ousam ao escolher levar a literatura brasileira de qualidade aos palcos em O Recital da Onça. Funciona tanto na intimidade de uma igrejinha baiana, quanto no tradicional palco de um dos maiores teatros brasileiros como o Guaíra. Funciona também em qualquer lugar do país, sempre com a artimanha de aproximar o público de seus autores conterrâneos também (em Salvador, por exemplo, leu-se Jorge Amado). Funciona sempre tendo o viés pessoal da artista, que inclui ali um pouco de sua pessoalidade e assim consegue criar maior intimidade com quem está ali lhe vendo no conforto da poltrona. Funciona também pela ligação com um ou outro interlúdio musical, cuja temática acaba se conectando com o que está sendo dito ali em cena. Funciona por sair do quadrado, tal qual era feito lá atrás, sempre com muito humor, com o Asdrúbal Trombone o Trombone.

Três perguntas

Em tempos sombrios, com tantas brigas e falta de entendimento entre as pessoas, qual é o papel do humor?

Hamilton Vaz Pereira: Lá em 1974, no comecinho do Asdrúbal, compositores como Chico Buarque e Gonzaguinha falavam em suas letras que o importante é ser feliz neste momento. O que vale é a alegria de viver, a inteligência, a certeza da beleza da vida. Melhor do que o humor só a morte e isso não a teremos. A vontade é sempre a de dizer que não importa qualquer situação que estejamos vivendo. A vida é maior do que tudo.

Como está a juventude de hoje em relação à juventude de quatro décadas atrás, do tempo do Asdrúbal Trouxe o Trombone?

Hamilton Vaz Pereira: Acho que posso falar com propriedade sobre isso. Afinal tenho um filho de 25 anos. Ele se chama Iuri, é um garotão classe média e um excelente exemplar de como são os novos brasileiros. Eu já tenho 67 anos e percebo como eles são melhores em tudo em relação à nossa juventude. São mais finos, mais educados, mais inteligentes. Possuem um grau imenso de sensibilidade, uma referencia bem maior de cidadania. Veem beleza física em absolutamente tudo. São o inverso daquele valor de beleza dos gregos antigos. Também faço um trabalho com o grupo Teatro da Laje. Eles são da Vila Cruzeiro, um lugar bastante barra-pesada no Rio de Janeiro. Lá eu vejo como o teatro serve como exercício de cidadania. Vivem me contando tudo o que aprenderam com o teatro, sobretudo a ter respeito aos pais e professores, embora na hora do tiroteio eles se joguem no chão ou pulem pela janela porque o mais importante é se manter vivo. Lá também é arma contra o bullying. Esses meninos falam que ninguém mexe mais com eles depois que começaram a fazer teatro. Sabe, não foi a academia, não foram as artes marciais, foi o teatro. Este é o encanto. A arte salva e dá moral para todo mundo.

Qual o principal objetivo de O Recital do Onça?

Regina Casé:É muito saudável acabar com a barreira que divide o que chamam de alta e baixa cultura. Fazer uma ponte high-low social, econômica e cultural. Unir o high, que, em tese, é do branco, com dinheiro e que tem acesso aos estudos, e o low, que, também em tese, vem dos pobres, negros e analfabetos. Como falar do Brasil hoje sem que se brigue com o amigo ou alguém da família? Não vamos chegar a lugar algum ao nos antagonizarmos. É necessário que se estabeleça uma relação da gente com os nossos valores, identidades e a biodiversidade. É resgatar o verdadeiro sentido da palavra popular, seja na literatura, na música ou qualquer outra área. Não se pode ficar em um pedestal, preso em uma torre de marfim. O Brasil precisa se reconhecer nas coisas suas. O melhor meio para isso é através do amor e do afeto. Para isso existe a arte. Cito como um grande exemplo disso o meu amigo Zeca Pagodinho. Para começar, ele ir ao teatro já é um fenômeno. Não vai, não gosta de ir, mas foi me ver uma noite lá na temporada inicial em Salvador. Ele comentava junto com as minhas falas igual a uma criança na plateia de um espetáculo infantil. Sem contar o fato de que ele fazia isso justamente porque não sabia que a peça já havia começado. Achava que eu estava ali perto da plateia sei lá o quê, conversando, batendo papo com as pessoas.

Gang 90 – ao vivo

Taciana Barros reúne músicos da banda e chama convidados especiais em apresentação para celebrar a aura do fundador Júlio Barroso

Taciana Barros

Texto por Fábio Soares

Fotos por Edouard Fraipont

No final da tarde do domingo de Carnaval, 24 de fevereiro, dezenas de blocos ainda agitavam os quatro cantos da capital paulista. Porém, na Zona Oeste, um carnaval particular prometia agitar o Sesc Pompeia: a Gang 90 estava de volta! Capitaneado pela multi-instrumentista Taciana Barros, o projeto A Nossa Onda de Amor Não Há Quem Corte, que acompanhou o lançamento do livro de mesmo nome – compilação de poemas, letras e textos escritos por Julio Barroso (1953 – 1984) – revisitou o universo idealizado por ele em duas noites que misturaram os formatos de show, peça teatral e sarau.

A apresentação no Sesc Pompeia imergiu a audiência numa viagem áudio-literária. Na banda principal, veteranos consagrados como Paulo Le Petit (baixo), Beto Firmino (teclados e voz) e Herman Torres (guitarras) além do reforço de peso de Edgard Scandurra (Ira!) nas guitarras e bateria. Nos vocais de apoio, Bianca Jhordão (Leela) e a cantora e atriz Eloiza Paixão, encarnaram as Absurdettes acompanhando Taciana nas coreografias oitentistas.

Eloiza Paixão , Edgard Scandurra, Taciana Barros e Bianca Jordão

Na abertura, o swing de “Palavras Não Bastam” (do álbum Pedra 90, de 1987) deu o tom, seguido de “Rosas & Tigres” (do álbum homônimo, de 1985) e “Marginal Conservador”, do aclamado álbum de 1983, com seus acachapantes versos “Já me sentindo dopado pelo álcool/ A correr pelas veias/ Com meu ciúme e amor/ Eu teci varias teias”. Nos interlúdios, intervenções poéticas de Ian Uviedo, Natália Barros e do vocalista dos Mickey Junkies, Rodrigo Carneiro. Trechos de poemas beat, escritos de Júlio e o Manifesto Modernista eram o ingrediente a mais na apresentação, que teve, é claro, seus pontos altos nos clássicos radiofônicos e televisivos do grupo.

“Nosso Louco Amor” foi a responsável pela viagem no tempo à abertura da novela global de Gilberto Braga, de 1983. Já em “Telefone”, Taciana convidou o público a entoar o refrão sem parar, deixando bem claro que só uma “onda de amor” é capaz de nos fazer passar incólumes nestes atuais tempos conturbados que vivemos.

Coube a Filipe Catto, a provável participação mais visceral da noite. Sua emocionada interpretação de “Do Fundo do Coração”, do álbum Rosas & Tigres fez com que o cantor se declarasse à timoneira do projeto: “Taciana não sabe, mas escreveu esta canção para mim, muito antes de eu nascer”.

Filipe Catto e Taciana Barros

No fim, a catarse teve seu epílogo com a reprise de “Perdidos na Selva”. O eterno hit lá do comecinho dos anos 1980, apresentado ao país durante uma performance no festival MPB Shell 81, transmitido pela Globo, pôs todo mundo pra dançar no Sesc Pompeia. De ponto onde eu estava, poderia apostar que na cabeça de Taciana Barros passou-se a sensação de alívio pelo dever cumprido com maestria. Onde estiver, Júlio Barroso deve ter aberto um “sorrisão Colgate” com tamanha homenagem. Ele pode. Ele merece.

Set List: “Palavras Não Bastam”, “Qualquer Gesto”, “Rosas & Tigres”, “Marginal Conservador”, “Nosso Louco Amor”, “Jack Kerouac”, “Românticos A Go-Go”, “Noite e Dia”, “Do Fundo do Coração”, “Perdidos na Selva”, “Quero Sonhar Com Você”, “Cara Pálida”, “Convite Ao Prazer”, “Telefone”, “Eu Sei Mas Eu Não Sei”. Bis: “Perdidos na Selva”.