Pearl Jam

Quinteto alivia os fãs ao esquecer a sonoridade moderada do último trabalho e lançar um novo disco com notas de nostalgia e inovação

Texto por Ana Clara Braga

Fotos: Divulgação

O auge do grunge foi há quase trinta anos. Enquanto isso, o Pearl Jam, um dos maiores nomes do subgênero, não parou de produzir música, para a alegria dos seus fãs. Conhecidos por um som sujo e tido como rebelde pelo mainstream, o grupo preocupou seguidores em sua última obra de estúdio, Lightning Bolt (2013), que continha músicas mais moderadas, algo como um rock de meia idade. Mas o alívio chegou. Lançado há poucos dias, o novo Gigaton traz notas de nostalgia… e inovação!

O disco abre com “Who Ever Said”, música de base muito bem construída e que remete aos tempos áureos do grupo. Na sequência, “Superblood Wolfmoon”, apropria-se de um fenômeno natural para expressar sensação de angústia. A faixa já nasce com potencial de ser sucesso em shows e festivais de grande porte. As duas músicas iniciais são, portanto, uma prova de que o velho PJ não morreu: apenas se adaptou.

Fãs mais conservadores podem torcer o nariz para alguns dos sons eletrônicos incorporados ao longo deste álbum. De forma alguma eles estragam ou tiram o vigor das músicas. Pelo contrário: os artifícios ajudam a amplificar a experiência proposta pela banda. Talvez esses mesmos fãs conservadores prefiram que a “inovação” venha como em “Comes Then Goes”. O problema? Sonoridade dissonante não significa algo novo, visto que Eddie Vedder já andou por esses terrenos em suas aventuras solo.

Gigaton pode nunca virar unanimidade entre os admiradores da banda, mas é preciso reconhecer ser um trabalho de qualidade. Em tempos em que o rock não é mais a estética sonora dominante, o PJ mostra não ter medo de experimentar, sem perder a essência, para que não fique obsoleto.

Ao contrário da rebeldia um tanto inconsequente, a revolta agora é amarga e dolorida. A vitalidade juvenil deu lugar a introspecção adulta. “River Cross” é a música que resume bem esse novo modo de pensar, em um tipo de comentário social melodioso. “While the government thrives on discontent and there’s no such thing as clear”, canta Eddie Vedder.

Em seu novo álbum, o Pearl Jam reencontra diferentes versões de si mesmo, sempre apontando para o futuro. Gigaton é um meio-termo entre os jovens inconformados dos anos 1990 e os já tranquilos e maduros músicos, que permanecem juntos até hoje.

Midsommar: O Mal Não Espera a Noite

Diretor de Hereditário traz inovação para o gênero do horror ao apostar em rituais, traumas e uma trama clara e impactante como o sol da meia-noite

Texto por Ana Clara Braga

Foto: Paris Filmes/Divulgação

O desconhecido e o diferente podem ser aterrorizantes sem muito esforço. Juntando esses fatores a um relacionamento arruinado e férias frustradas o aumento da adrenalina parece justo. Midsommar: O Mal Não Espera a Noite (Midsommar, EUA, 2019 – Paris Filmes), o novo filme do jovem diretor Ari Aster é um conto de horror em que o medo não se esconde atrás de portas esperando para dar um susto. Ele é claro e impactante como o sol da meia-noite.

Quando cinco jovens viajam para a Suécia para participar de um festival local de verão, inicialmente o mais estranho parece ser o sol que nunca se põe e os hábitos da pequena comunidade. Com o decorrer da história, os rituais, os maneirismos e tudo o que é desconhecido passa a ser temido. Florence Pugh vive o papel de Dani, uma jovem com uma carga de traumas passados, que embarca de última hora na viagem para acompanhar seu namorado (Jack Reynor).

O relacionamento dos dois personagens já está fadado ao fracasso e isso fica cada vez mais evidente a cada interação. Os atores conseguem passar o desconforto de duas pessoas que ainda estão juntas, mas já não se amam ou confiam uma na outra. A crise no namoro é um ponto central para o desenvolvimento da trama e alguns de seus pontos mais tensos.

O visual de Midsommar é atípico para um longa de terror. A claridade conflita com a violência gráfica, deixando tudo mais absurdo e difícil de digerir. É um filme ambicioso que se apropria de diversos elementos que se desenrolam lentamente nas quase duas horas e meia de duração. Aster já havia determinado padrão diferenciado com seu filme de estreia e agora impõe algo novo. Enquanto Hereditário (2018) continha truques tradicionais do gênero, seu mais novo trabalho distancia-se da maioria dos outros títulos, confundindo quem foi ao cinema esperando por uma história linear e recheada de momentos intensos.

A transição de Dani da sala para o banheiro do avião é um rápido e bom resumo do sentimento que o filme traz: o de confusão. Nunca dá para saber exatamente o que está acontecendo. Por partes pelo uso de alucinógenos pelos personagens e por nunca se saber quais os limites dos rituais do até então desconhecido vilarejo sueco. As belas paisagens, as lindas roupas, as flores coloridas, a estética contrasta a todo momento com os horrores vividos pelos personagens.

O terror é um gênero que costuma colocar mulheres em evidência. Aqui não é diferente. Na reta final, Midsommar surpreende (ainda mais) ao escolher um caminho diferente e catártico para sua personagem principal. Dani assume um papel de relevância no local e tem uma epifania, talvez o desconhecido não seja tão esquisito assim, até sueco descobre que consegue falar. Esse inédito sentimento de pertencimento guia a personagem a cena final do longa.

A ambição de Ari Aster é valiosa. Midsommar, que acaba de ser disponiblizado em streaming pela Amazon Prime Video, não é sua melhor obra, mas tem grande importância ao tentar quebrar barreiras de um gênero que implora por novos ares. Com seu segundo filme, o diretor consegue estabelecer um tipo de horror que amedronta. Não por dar sustos, mas, sim, por lidar com sentimentos.

Bacurau

Misturando gêneros e colecionando prêmios e boas críticas, mistura de passado e presente do eterno país do futuro chega ao DVD e ao streaming

Texto por Janaina Monteiro

Foto: Vitrine /Divulgação

Distopia é a antítese da utopia. Este é um termo que vem bem a calhar nesse novo cenário mundial promovido pela pandemia do covid-19. Nossa realidade parece até roteiro adaptado de um livro de Aldous Houxley ou George Orwell ou mesmo algo criado por Stanley Kubrick. Mentes aptas a imaginar um ataque de um vírus mutante que condicionaria o ser humano a privar-se de sua liberdade e ser impedido de sair de suas casas e ter contato físico com as pessoas.

Futuros distópicos, em regra pós-apocalípticos, onde a paranoia se instaura, originaram uma série de filmes de ficção, muitos baseados na literatura de autores citados acima. Entre eles está Bacurau (Brasil/França, 2019 – Vitrine) , coprodução premiadíssima mundo afora, que levou o prêmio do júri em Cannes cinco meses antes de entrar nas salas dos cinemas no Brasil no ano passado.

O longa é uma ótima pedida para assistir nesse recesso forçado. Já pode ser encontrado em DVD (com venda exclusiva pela Livraria Cultura, aliás) com o plus de um making of mostrando os bastidores da filmagem realizada no sertão do Seridó, no Rio Grande do Norte. Mas se você não pretende mandar vir pelo correio (já que devemos todos ficar em casa), pode ainda ver o filme pelos canais Play e Premium do Telecine, atualmente com sinal aberto para não assinantes.

Bacurau é o terceiro longa-metragem dirigido e escrito por Kleber Mendonça Filho e Juliano Dornelles depois de Aquarius e O Som ao Redor (o primeiro, no catálogo do Telecine; o segundo, disponível na Netflix). Além da conquista de Cannes e outros prêmios, foi eleito o melhor filme de 2019 pela Associação Paulista de Críticas de Arte (APCA). O reflexo disso pode ser conferido nas críticas positivas nacionais e estrangeiras, como dos jornais The New York Times, que teceu elogios à obra, e The Guardian, que a chancelou com quatro estrelas. Esse fascínio por Bacurau se deve muito por conta da ótima performance do elenco, com atores experientes como Sônia Braga e o alemão Udo Kier à frente da escalação predominantemente nordestina.

Tanto sucesso é explicado principalmente pela originalidade do roteiro capaz de tecer uma crítica sociopolítica complexa, sem cair no lugar-comum da maioria dos filmes brasileiros a que costumamos assistir nos cinemas, principalmente na abordagem que faz sobre a violência. Como já dito, a trama se passa num futuro distópico, fato que fica evidente na introdução e a beleza futurística da abertura embalada ao som de “Não Identificado”, composta por Caetano Veloso e eternizada na voz de Gal Costa.  Bacurau é o nome de um povoado fictício que está fora do mapa. Ao descobrirem que não existem oficialmente, moradores percebem uma série de eventos estranhos que vão culminar num verdadeiro bangue-bangue propiciado por um grupo de estrangeiros – americanos liderados por um alemão – que se apropria dessa terra de ninguém a fim de exterminar os moradores como num jogo de videogame.

Os moradores de Bacurau são, literalmente, presas dos gringos. Por isso, precisam lutar com unhas, dentes e armas, bem ao estilo de Lampião, para sobreviver ao domínio dos inimigos. No filme, assim como a figura do cangaceiro, os vilões se transformam em heróis, interpretados de forma magistral por Silvero Pereira (Lunga) e Acácio (Thomas Aquino).

Costurada de forma sui generis, a trama mescla diferentes gêneros como western, comédia, drama e suspense (com uma clara homenagem ao cinema do americano John Carpenter, do qual Mendonça Filho é fã declarado). Numa leitura abrangente, o filme corresponde a uma alegoria do Brasil, sendo capaz de, em 130 minutos, dialogar sobre passado e presente do eterno país do futuro.

De Quem é o Sutiã?

Diretor alemão aposta em ritmo dinâmico, bela fotografia e críticas sociais nas entrelinhas desta trama sem diálogos

Texto por Janaina Monteiro

Foto: Pandora/Divulgação

Prender a atenção do público na poltrona do cinema para assistir a um filme falado já é tarefa que exige criatividade. Imagine, então, se for uma história sem diálogos. Além de trama engenhosa, é preciso, sobretudo, expressividade do elenco, trilha sonora empolgante e um ritmo dinâmico na montagem. De Quem é o Sutiã? (Vom Lokführer, der die Liebe suchte…, Alemanha/Azerbaijão, 2018 – Pandora) consegue reunir alguns desses requisitos, mas exige uma certa dose de paciência por parte do espectador.

O filme é uma verdadeira torre de babel: trata-se de uma produção alemã, rodada no Azerbaijão (ex-república soviética na Ásia Ocidental que tem a tradição do cinema azeri) e com um time de atores e atrizes de países como Bósnia, Geórgia, Sérvia, Rússia, Espanha (de onde vem Paz Vega, numa curta aparição aqui) e França (representada por Denis Lavant). Alguns espectadores – que não costumam ler críticas antes de assistir ao filme – chegam ao cinema surpresos com o fato de a história ser muda. Pensam até em desistir, mas você, que veio até aqui neste texto, nem pense em fazer isso! O diretor alemão Veit Helmer, esforçadamente, consegue segurar o público na poltrona aproveitando a bela fotografia (que mostra as montanhas do Cáucaso), trilha sonora que lembra a de O Fabuloso Destino de Amelie Poulain e um enredo que nos remete a filmes do cineasta francês Jacques Tati.

O protagonista é o maquinista interpretado pelo sérvio Predrag “Miki” Manojlović. Prestes a se aposentar e passar o bastão para seu sucessor Kamal (Lavant), Nurlan realiza suas últimas viagens pela capital Baku. O trem passa por vielas que ficam a centímetros dos trilhos e, por isso, vive arrancando uma peça de roupa do varal. Sempre ao final do expediente, Nurlan cumpre o ritual de devolver o objeto para o morador, seja um lençol ou uma bola de uma criança que ficou presa no veículo, e caminha como um príncipe à procura de sua Cinderela.

Na primeira parte do filme, o espectador se familiariza com a rotina de Nurlan, um homem solitário, que tenta pedir em vão a mão de uma jovem moradora da região. Para isso é preciso pagar o dote da noiva, mas ele não consegue por não ter força suficiente, não o dinheiro.

Numa de suas últimas viagens, o trem fisga um sutiã azul e branco. Nurlan fica obcecado pela imagem da mulher, dona da lingerie. Como se trata de uma peça íntima, no início, ele tenta se desfazer do acessório por pudor, mas o dever de devolvê-lo fala mais alto. Depois de um prólogo arrastado, pode-se dizer, então, que a saga de Nurlan começa e o protagonista, lembrando Walter Matthau, bate de porta em porta no vilarejo para encontrar a dona dos seios que se encaixam na numeração do sutiã. Obviamente, a ousadia é vista com desconfiança por todos. Afinal, onde já se viu um idoso entrar na casa de mulheres, viúvas, mães de família com filhos pequenos para criar, mulheres da vida, idosas, adolescentes e entregar a peça íntima para que elas o provem? Para piorar, ninguém fala no filme, seja pra gritar “socorro” ou dizer “seja bem-vindo”. Por isso, os gestos abertos e principalmente as expressões, como sorriso largo e olhos arregalados, são os condutores da performance narrativa.

Até então, o filme parece se tratar de uma fábula encantadora, singela e sutil. Contudo, o roteiro vem acompanhado de um recheio que não lembra a doçura de um manjar turco. A começar por um menino cuja função é avisar os moradores quando o trem se aproxima. O garoto, a grande surpresa da trama, sai correndo com um apito a tiracolo sempre que escuta o outro apito, o do trem. O menino, que também ”trabalha” de garçom num bar, sendo tratado como um cachorro pelo dono, ajuda Nurlan a encontrar o sutiã. Nas entrelinhas da história, também é possível perceber a crítica ao machismo. Volta e meia o maquinista é expulso da casa das donzelas pelo marido barbudo que trata a esposa como propriedade.

A história até chega a arrancar alguns risos da plateia, mas não gargalhadas. Quando se aproxima do final, o mesmo flashback repetido uma série de vezes torna a narrativa um pouco cansativa. Só que vale a pena esperar pelo desfecho poético, emocionante e digno até de provocar lágrimas.

O Melhor Está Por Vir

Relação entre dois grandes amigos de infância desconstrói a ideia de que o fim da vida precisa ser apenas triste

Texto de Ana Clara Braga

Foto: Paris Filmes/Divulgação

Morte não é um tema simples de ser tratado, nem na vida real e nem no cinema. Um exagero e o filme pode tornar-se triste demais ou escrachado demais. O novo filme da dupla de diretores e roteiristas Matthieu Delaporte e Alexandre de la Patellière, O Melhor Está Por Vir  (Le Meilleur Reste à Venir, França/Bélgica, 2019 – Paris Filmes) acaba sendo uma boa balança entre o comédia e o drama.

Cesar (Patrick Bruel) e Arthur (Fabrice Luchini) são melhores amigos desde a infância. Um dia são impactados ao saberem que um está muito doente e vai morrer em breve. A notícia, fruto de uma grande confusão, leva os dois a realizarem seus maiores desejos. Com momentos cômicos que só poderiam ser proporcionados pelo humor francês, o filme navega pelo doce e o amargo de uma evidente despedida.

Com ótimas atuações dos atores principais, o longa tem roteiro simples e leve. A tristeza da história não é sufocante. Pelo contrário, é esperançosa. Enquanto de um lado existe um Cesar radiante, bem-humorado e enérgico, seu melhor amigo, Arthur, é o oposto: tenso, pessimista, nebuloso. Essa relação em forma de antítese ajuda a história a construir-se sozinha, sem necessitar grandes intervenções. Os dois protagonistas são muito bem construídos, fascinantes de acordo com suas peculiaridades.

Se em uma breve sinopse pode parecer que o tema principal do filme seja a morte (ou a vida), a amizade talvez seja o elemento mais rico e belo dessa narrativa. Além dos desejos exóticos e extravagantes, os dois também desejam melhorias na vida do outro antes do final. Mesmo que o ato de se meter na vida do outro cause conflito na história, eles estão sempre dispostos a ouvir e a seguir os conselhos do amigo. Uma frase que poderia ser a síntese da história é “a amizade tem o que falta no amor: a certeza”. Cesar e Arthur ensinam que apesar das adversidades, separações, reconciliações e doenças a amizade permanece.

O Melhor Está Por Vir desconstrói a ideia de que o encerramento da vida precisa ser apenas triste. A bela montagem ajuda a criar um clima nostálgico em que as quase duas horas de filme passem rápido. Lágrimas podem ser inevitáveis no final, mas, ao contrário de outros dramalhões, essa comédia dramática deixa espaço para um sorriso.