Aumenta que é Rock’n’Roll

Longa sobre a revolucionária atuação da Fluminense FM na cultura jovem brasileira dos fica muito aquém daquilo que deveria realmente ser

Texto por Carlos Eduardo Lima (Célula Pop)

Foto: H2O/Divulgação

Esta resenha promete ter muito boa vontade com Aumenta que é Rock’n’Roll (Brasil, 2024 – H2O), longa de Tomas Portella, que estreou nos cinemas do país em 25 de abril. Não se trata de fazer vista grossa para eventuais falhas (e elas existem), mas de procurar privilegiar o fato de que é uma obra que faz justiça a um evento muito importante: o surgimento da rádio Fluminense FM em 1982, no Rio de Janeiro. A Maldita, como foi rebatizada logo após ir ao ar, foi parte importante da engrenagem que divulgou e difundiu a produção de bandas e artistas brasileiros daquela década de 1980, identificados com novos idiomas do rock e do pop.

Baseado no livro do criador da rádio, o jornalista Luiz Antonio Mello, A Onda Maldita, o filme procura os fatos ocorridos entre o momento anterior à fundação da emissora, indo até o primeiro Rock In Rio – ou seja, um total de pouco menos de três anos. Não existe, porém, um rigor neste recorte. Ele fica por conta do público e vai variar de acordo com o envolvimento de quem assiste ao longa. Se você é um ex-ouvinte da Flu FM (e há muitos por aí), os fatos e as imagens o atingirão em cheio no peito.

Há uma preocupação evidente com a ambientação de época, mostrando externas em Niterói, onde a rádio existiu, além de cenários bem convincentes dos estúdios da emissora, cheios de pôsteres de bandas, capas de discos e tudo mais, dando conta da identificação primordial da Maldita com o rock’n’roll. Seu surgimento, a partir de 1 de março de 1982, quando Luiz Antonio a colocou no ar com um célebre discurso de abertura. E a figura do jornalista será a responsável por conduzir a trama que rege o roteiro. Sua angústia em relação à importância do rock, seu desejo de “fazer diferente”, suas aspirações e convicções. O roteiro falha em dar profundidade ao personagem, mostrando apenas uma pessoa que gosta do gênero, sem explicar exatamente o motivo ou alguma referência pregressa. Ao longo do filme, a atuação de Johnny Massaro, responsável por interpretar LAM para o público, torna-se exagerada, histriônica, quase irritante.

A Fluminense foi famosa por apresentar inovações importantes no dial carioca. O uso de locutoras foi uma delas e o elenco traz várias atrizes, como a ótima Bella Camero, em atuações reduzidas e subvalorizadas. Seus nomes importam pouco. Ou melhor, não importam tanto quanto poderiam se os originais fossem mantidos. Profissionais como Selma Boiron, Mylena Ceribelli, Liliane Yusim, Edna Mayo, Monica Venerabile, entre outras, foram importantes e tiveram trajetórias próprias e ricas, que, certamente dariam mais força ao roteiro. Em seu lugar, optou-se por uma solução arriscada: criar uma personagem fictícia, que “representasse” o time feminino da rádio. Daí veio Alice, vivida por Marina Provenzzano, que acaba vivendo um romance com Luiz Antonio, numa distorção séria dos eventos. Tudo bem, é uma adaptação, mas muito infeliz. A atriz ainda se esforça em dar contornos reais para a personagem, só que uma revelação feita em certo momento torna tudo impossível. Erro sério.

Se a Fluminense FM teve identificação direta com o rock, não significa que sua identificação com o novo tenha sido imediata ou natural. Enquanto a maioria da programação tocava bandas na ativa já nos anos 1970 (Who, Yes, Rolling Stones, Led Zeppelin) e todas já meio datadas em 1982, a novidade viria por conta de um programa específico da emissora. Pilotado pelo fotógrafo e DJ Maurício Valadares, que abriu as portas da programação para ska, reggae, eletrônico, post-punk, o Rock Alive, simplesmente, não existe no roteiro. Se o filme finca posição no caráter de inovação da Maldita para além das locuções e promoções, precisa entrar na questão de que bandas e artistas atuais em 1982 eram veiculados. O envio de fitas cassete para a produção da rádio, mencionado com riqueza de detalhes no longa, não era uniforme e as bandas estreantes adentravam a programação em sua maioria, pelo programa de Valadares. Aliás, não é exagero dizer que a postura dele marcou a emissora muito além de sua real atuação, identificando a Maldita com o novo, ainda que bandas como Style Council, Cure, UB40, Duran Duran e similares não tocassem na programação fora dos domínios do Rock Alive. Mas tudo bem!

O elenco de apoio é regular, as sequências são ok – lembram um pouco o ritmo do finado programa global Armação Ilimitada e optam por mostrar Luiz Antonio como o protagonista solitário da epopeia de criação da Maldita. Sabemos (incluindo o próprio LAM) que tratou-se de um esforço conjunto e altamente “descoordenado”, que deu espaço para momentos de criatividade total e improvisos heroicos. No fim das contas, a famosa “consultoria” que a Fluminense teria prestado ao Rock in Rio surge muito rápida na tela e vai embora do mesmo jeito, com a solução óbvia de um romance totalmente careta e sem sentido, entre Luiz Antonio e Alice.

Três meses depois do Rock In Rio, em abril de 1985, LAM deixaria a emissora e partiria para uma carreira de muito sucesso no meio musical, atuando em gravadoras, emissoras, escrevendo roteiros para a TV e solidificando sua marca como um dos grandes pioneiros do jornalismo cultural do estado do Rio. É justo que seu feito com a Maldita seja lembrado e saudado além de sua geração e este é o mérito que justifica a existência de Aumenta que é Rock’n’Roll. Sua chegada é saudada, mas, cá entre nós, o filme poderia ser muito melhor.

Wandinha

Série centrada na primogênita da Família Addams traz a estreia de Tim Burton nas telas menores e Jenna Ortega brilhando sem piscar os olhos

Texto por Taís Zago

Fotos: MGM/Netflix/Divulgação

Muito aguardada pelos fãs, a série sobre a primogênita da Família Addams estreou no último dia 23 de novembro com toda pompa e circunstância no streaming. Criados por Alfred Gough e Miler Millar, os oito episódios da primeira temporada de Wandinha(Wednesday, EUA, 2022 – MGM/Netflix) trazem nada menos que o diretor Tim Burton em sua estreia nas pequenas telas – ele assina a direção de quatro capítulos além de participar da produção executiva.

O coming of age que mistura terror, suspense e mistério nos pega pela mão e nos conduz por um caminho parecido já trilhado pela série Chilling Adventures of Sabrina, também da Netflix. Qual a diferença entre elas, então? Na origem, tanto Sabrina quanto a Família Addams surgiram nos quadrinhos. Em 1938, Charles Addams criou a trupe dos amados freaks que passaram a estampar as páginas das edições do The New Yorker e que, em virtude de seu imenso sucesso, virou a série de TV cult nos anos 1960 e desenho animado de Hanna-Barbera nos 1970. Já Sabrina apareceu pela primeira vez mais ou menos na mesma época, final dos anos 1930, mas como integrante da patota da revista Archie Comics. Mas também há divergências em ambas adaptações recentes: As Aventuras de Sabrina são direcionadas aos adolescentes e jovens adultos, enquanto as de Wandinha (como a personagem é conhecida no Brasil, agora mantendo o W de sua inicial em inglês) procura abranger um maior público, pegando um pouco mais leve no gore ou na complexidade das relações interpessoais.

O roteiro não é incrivelmente criativo, seu desenvolvimento e diálogos nos são familiares de outras obras de terror teen: Wednesday apronta na escola e é transferida pelos pais para um internato, que ambos, em sua juventude, frequentaram. Ali ela faz amigos e aliados, desvenda crimes e até resolve algumas questões familiares. Um drama de praxe, portanto. O grande diferencial aqui, está, na minha humilde opinião, no dedo magico de Tim Burton. Ele é o mestre do macabro gótico sem apelar para cachoeiras de sangue e vísceras. Tim é afeito aos “monstrinhos camaradas”, os personagens de coração de ouro por trás de uma aparência ameaçadora. O ar melancólico de suas produções permeia Wandinha do começo ao fim e, nisso, acertou precisamente o gosto de quem admira seu trabalho. A escolha me pareceu tão acertada que agora se tornou impossível imaginar outra interpretação para o universo Addams. Uma questão de um daqueles casamentos que estavam há muito tempo para acontecer.

Os personagens da Família Addams já foram explorados de todas as formas possíveis ao longo das décadas – de videogames a musicais. Mas a referência que as gerações atuais têm em mente foi a implantada com o filme The Addams Family (1991), que conseguiu reunir um elenco brilhante com atores como Anjelica Huston (no papel de Mortícia), Raul Julia (o sedutor Gomez), Christopher Lloyd (o histriônico Tio Fester) e, principalmente, Christina Ricci (a própria Wednesday). Após tentativas falhas de “reanimar” a franquia da familia nos últimos anos (sem muito sucesso, aliás), a aposta na personagem teenager parecia a menos arriscada, tendo em vista a popularidade intergeracional da personagem de Ricci. Portanto, a decisão mais difícil e crucial da produção foi encontrar alguém que preenchesse o enorme espaço quer ocupava o talento de Ricci.

Jenna Ortega trouxe para o papel exatamente o que precisávamos – o niilismo, a frieza de emoções, a inconformidade e a revolta com as convenções sociais que Wednesday sempre transpirou. O seu mundo é bicolor, sem meio-termo, sem a empolgação hormonal adolescente. Ortega, inclusive, não piscava em cena – o que tornou a personagem ainda mais distante e insensível em momentos de grande tensão ou emoção. A idéia foi da atriz e Burton adorou. 

Para o segundo papel feminino mais importante dos Addams foi escolhida Catherine Zeta-Jones. Ela cumpre bem sua tarefa como Mortícia, mas de forma alguma com a intensidade magnética de Anjelica Huston. Já Luis Guzmán como Gomez não foi uma decisão acertada, já que o tom goofy de sua interpretação não deixa espaço para o perigo e o mistério que faziam parte do sabor subliminar dado ao personagem por Raul Julia. Fred Armisen também não se destaca como o Tio Fester, que deveria ser uma mistura bem equilibrada de psicopatia e ingenuidade. Armisen fica apagado no papel e dá ao careca um tom demasiadamente bobo. Também fazem parte do elenco Gwendoline Christie (de Game of Thrones) e a própria Christina Ricci como parte dos docentes da Nevermore Academy. No elenco ,jovem também merecem destaque Hunter Doohan como o “bom moço” Tyler Galpin, Joy Sunday como a siren Bianca Barclay, Moosa Mostafa como o fiel amigo Eugene Otinger e, principalmente, Emma Myers como Enid Sinclair, a companheira de quarto e autointitulada melhor amiga de Wednesday. Ennid e Wednesday, por sinal, complementam-se de uma forma comovente e nos lembram do valor de uma verdadeira amizade e como muitas delas iniciam em nossa adolescência.

Reforçando o ar gótico e a fotografia fria e escura, as filmagens da série foram realizadas na Romênia, em 2021. Os cenários são impecáveis; os efeitos especiais, satisfatórios; as caracterizações, perfeitas. Temos aqui tudo que esperamos de uma obra com alto orçamento e saída das mãos de uma produtora com as dimensões da MGM. O único ponto mais fraco, a meu ver, acaba sendo o roteiro. A história é bastante previsível, assim como os próximos passos de cada personagem. Muito disso, imagino, deve-se também à classificação etária para 12 anos, o que limita um pouco a ousadia dos escritores. Para quem estava esperando uma mudança de estilo, ousadia ou inovação vindos da casa Burton, portanto, pode ser decepcionante – o Tim gótico é o mesmo Tim de Edward Mãos-de Tesoura (1990) ou Sombras da Noite (2012). Vemos um imenso contraste entre o mundo em preto e branco, pálido e frio dos Addams e o mundo de cores pasteis e estridentes do resto das pessoas ao seu redor. Sempre, claro, com uma forte influência da estética dos anos 1950 e 1960, tanto nos figurinos como nos cenários.

Wandinha acaba sendo – mais uma – perfeita diversão para toda a família. Contém todas as mensagens positivas necessárias, lições morais, mesmo que sutis, e, finalmente, uma diversidade maior entre os atores, algo que não era muito observado nas obras de Tim Burton. O diretor já sofrera críticas por escalar elencos quase que inteiramente brancos para seus filmes. Pelo menos nesse ponto, podemos enxergar uma boa mudança em suas escolhas, já que, apesar de toda a estética retrô tão cultuada por ele, Wednesday é uma adolescente do século 21.

O Cavaleiro da Lua

Personagem do Universo Marvel com mais de uma personalidade ganha série com sensacional interpretação de Oscar Isaac

Texto por Tais Zago

Foto: Disney+/Divulgação

O Cavaleiro da Lua apareceu pela primeira vez em HQs da Marvel em 1975, criado por Doug Moench e o artista Don Perlin. Na época, Marc Spector era o filho de um rabino e ex–marine americano que trabalhava como mercenário. Em um ataque que resulta na morte do arqueólogo Dr. Alraune na frente de sua filha e também arqueóloga Marlene, Marc é traído e gravemente ferido pelo seu companheiro Raoul Bushman. Abandonado para morrer no deserto, ele adentra a tumba do deus egípcio Khonshu, onde acaba morrendo. Khonshu resolve ressuscitá-lo com a promessa de Spector de passar a defender e vingar apenas os inocentes. Spector se torna assim “o punho de Khonshu”, servindo às vontades e aos interesses da divindade vestindo sua armadura lunar. 

É a partir desse momento Marc assume a pecha de Moon Knight (seu nome na HQ original) e recebe uma armadura que dá a ele poderes e força extraordinários. Com o passar dos anos e de suas aparições nos comics, Marc foi assumindo outras personalidades (uma delas é o nerd Steven Grant) até ser oficialmente diagnosticado com transtorno dissociativo de identidade – o outrora chamado transtorno de múltiplas identidades. No universo Marvel, o Cavaleiro da Lua sempre foi um personagem secundário, aparecendo apenas eventualmente, algumas vezes como vilão e outras como mocinho. Essa contradição faz com que ele seja uma figura pouco conhecida, porém bastante interessante. Marc/Steven não sabe quem de fato é. Orbita entre múltiplas realidades (e localidades), assim como na dimensão dos deuses egípcios. A lua é seu símbolo e sua força. Assim como essa muda de fases, o cavaleiro muda de poderes e atitudes.

Com esse material em mãos, chegamos à versão da Disney + em mais uma empreitada do MCU. Quando achamos que o estoque de super (anti-)heróis se esgotou eis que tiram mais uma carta da manga – ou melhor, um underdog do arquivo de personagens. A primeira temporada de The Moon Knight (EUA, 2022) tem no total seis horas de duração. Pessoalmente, achei pouco. Fazia bastante tempo que um personagem não me empolgava tanto e arrancava boas risadas. Jeremy Slater (também da série The Umbrella Academy) foi escolhido como o showrunner e chamou para a direção dos episódios o egípcio Mohamed Diab e a dupla de cineastas de terror Justin Benson e Aaron Moorhead. Para o papel de Marc/Steven, foi chamado o ator Oscar Isaac, que entrega um cavaleiro impecável. Isaac parece claramente estar se divertindo muito com a dualidade do papel. Ele acerta em cheio o tom no peso e na violência do americano Marc e na leveza e no humor do inglês Steven. Um festival de sotaques de um grande ator para um papel complexo.

O primeiro capítulo já inicia nos jogando na centrífuga – ora Steven se encontra no trabalho, no souvenir shop de um museu, ora acorda todo ensanguentado no interior da Alemanha sendo perseguido por um grupo de seguidores de Arthur Harrow (Ethan Hawke). Nós nos sentimos tão perdidos quanto o personagem de Steven que, acreditando sofrer de sonambulismo, dorme acorrentado à sua cama; que marca encontros e não se lembra com quem; que recebe ligações de pessoas que não lembra conhecer e encontra coisas escondidas em seu apartamento que não lhe pertencem. Para alguns, a série pode tropeçar aqui no absoluto nonsense, mas para quem já conhece o trabalho de Jeremy Slater a certeza é que, em algum momento, (quase) tudo terá uma explicação plausível dentro da ficção.

Acompanhando o tema do personagem – a Lua – os cenários são sombrios, o tênue azul do luar é a luz quase constante, assim como a areia tem protagonismo. Visualmente pensamos em A Múmia ou os filmes de Indiana Jones. Para os fãs (aos quais pertenço), finalmente chegou a hora de juntar superpoderes, arqueologia, deuses e seres fantásticos da mitologia egípcia em uma única série. E o resultado é muito satisfatório. Mas o que seria de qualquer produção do MCU sem um(a) mocinho (a) como interesse romântico do herói? É aqui que entra a arqueóloga Layla (May Calamawy). Para salvar Steven e ser salva por Marc. 

Dados todos esses elementos, não tem como dar errado, certo? Talvez não para todo mundo. Por vezes a narrativa se arrasta além do necessário: algumas cenas ficaram confusas e o Arthur de Ethan Hawke é bastante canastrão. Mas Oscar Isaac está sensacional e carrega a obra nas costas, fazendo valer o nosso tempo. O show é todo dele. Assim como a armadura do cavaleiro, Isaac modela a forma do personagem de acordo com a personalidade assumida. Marc? Steven? Mais alguém? Saberemos isso na segunda temporada…

O Pintassilgo

O amadurecimento de um menino que perdeu sua mãe em um atentado no museu e a sua paixão por uma pintura holandesa

Texto por Leonardo Andreiko

Foto: Warner/Divulgação

John Crowley propõe, baseado no livro homônimo por Donna Tartt, a derivar seu filme em torno de Theo, um rapaz cuja mãe faleceu num atentado terrorista a um museu e que, como forma de lidar com o luto, rouba a lendária pintura O Pintassilgo, do holandês Carel Fabritius. Acompanhando seu crescimento a partir do evento traumático, o roteiro almeja estabelecer a transição entre as personagens de Oakes Fegley e Ansel Elgort, respectivamente Theo criança e adulto.

Com uma narrativa alinear, o filme oscila seu foco entre a adaptação de seu protagonista quando criança a uma série de eventos, iniciando pelo acolhimento por uma abastada família e o impacto que esta parte de sua vida, que se desenrola com o passar do tempo, teve quando ele entra em sua maturidade. Neste sentido, tanto o roteiro de Peter Straughan quanto a direção de Crowley desenvolvem um paralelo interessante, iniciando o filme num bem-vindo suspense. No entanto, o enfoque de sua história muda drasticamente com a chegada do segundo ato, por assim dizer.

Assim, acompanhamos Theo, já adaptado à primeira grande dificuldade, vivendo sua vida, de forma que o filme abandona sua premissa inicial e, despindo-se de todo mistério, passa a abordar a relação do personagem, interpretado aqui por Fegley, com seus amigos e parentes. O infeliz resultado é uma narrativa empacada, um filme que parece esquecer-se da história que quer contar. As constantes cenas cotidianas de Theo esfriam gradualmente o ritmo de O Pintassilgo – problema que poderia facilmente ser resolvido com a supressão de algumas cenas que adicionam pouco (ou nada) à trama.

No fim, isso não é de todo mal, sobretudo para fãs da fotografia de Roger Deakins, que transforma cada plano do longa-metragem em uma obra de arte à parte. Peca-se um pouco, no entanto, na construção da identidade estética desta fotografia, afinal Crowley decide “reaproveitar” composições que imortalizaram o trabalho de seu diretor de fotografia – uma interessante e válida homenagem, porém, ao mesmo tempo, uma indicação de preguiça da produção, ou até de dedo podre da produtora.

É importante ressaltar a qualidade da atuação de grande parte do elenco, principalmente da dupla de protagonistas. Oakes Fegley tem uma sensibilidade muito bonita ao conduzir Theo por seu coming of age traumático, enquanto Ansel Elgort consegue, sem que o roteiro o obrigue a explicitar tudo, transmitir perfeitamente a ansiedade causada por seu passado. Nicole Kidman, Jeffrey Wright e Luke Wilson também interpretam extremamente bem as figuras paternais que seus personagens representam a Theo, para bem ou para mal. O elo fraco, no entanto, é a atuação de Finn Wolfhard como o melhor amigo de Fegley. Seu adolescente russo é caricato e (mais de uma vez) o ator esquece de seu sotaque e pronuncia uma ou outra palavra com sua fonética canadense. Sua contraparte adulta, Aneurin Barnard, também entrega uma atuação caricata – o que pode indicar que o problema jaz no roteiro ou na direção que Crowley decidiu levar os personagens.

Ainda que tenha pontos bons, principalmente técnicos, O Pintassilgo vence sua plateia por nocaute, cansando-a com seu desenvolvimento, despido do conflito que, a princípio, regeria a trama que constrói. Tecido por boas atuações e uma fotografia completamente dentro do que se espera de um diretor consagrado, o filme é um tropeço de John Crowley muito menor do que, levando em conta seu problema de ritmo, poderia ter sido.

Diário de Bordo: Autoramas – Alemanha, Inglaterra e Espanha (2019)

Todos os detalhes e curiosidades dos bastidores da décima sexta turnê feita pela banda por países europeus

Texto por Gabriel Thomaz

Fotos: Reprodução/Acervo Autoramas

Os Autoramas iniciaram sua carreira internacional no ano de 2002, quando fizeram uma turnê no Japão com a lendária banda nipônica Guitar Wolf. Desde então não pararam de fazer shows fora do Brasil, tendo tocado em 23 diferentes países do mundo, num total de 48 viagens internacionais. No final do mês de abril de 2019, os Autoramas partiram para uma nova turnê na Europa, passando por Alemanha, Inglaterra e Espanha. Essa foi a turnê europeia de número 16. O plano desta vez era fazer dez shows na Alemanha e Inglaterra, tirar uma semana de folga (ou turismo) e retomar as datas com oito apresentações na Espanha. Nesta turnê levaríamos a responsabilidade de tocar o repertório do nosso mais recente álbum, Libido, que saiu também na Europa (pela Soundflat Records) e recebeu críticas e resenhas extrememente elogiosas, o que rendeu convites para festivais como Surforama, Liverpool Sound City, Rock’n’Roll Butterfahrt e Hipsville A-Go-Go.

Érika tem uma irmã e um sobrinho que vivem na Alemanha e, por isso, viajou alguns dias antes para visitar sua família. Eu, Jairo e Fábio saímos do Brasil na correria e chegamos já no dia do primeiro show da turnê na linda cidade de Stuttgart, no sul da Alemanha, a duas horas de van do aeroporto de Frankfurt. Nossa querida booker e manager Sandra Billig estava lá com a van vermelha para nos buscar. Enchemo-la de presentes brasileiros e partimos felizes para Stuttgart, sem qualquer atraso (coisa inadmissível para os alemães!).

Já tocamos várias vezes em Stuttgart, sempre no Goldmarks. A primeira vez que tocamos lá abrimos para os lendários Dictators e temos um público muito divertido e que se esbalda de dançar, o que não é comum por lá. Todos os contratantes se impressionam como a gente consegue colocar os alemães pra chacoalhar o esqueleto. Como sempre, o show foi animal. A banda que foi escalada pra abrir não compareceu por motivo de saúde e quem acabou tocando foi a excelente atração local The Dahlits (recomendo!). Vendemos merchandising pra caramba (o que é fundamental para as contas da turnê) e nos mandamos para o hotel pra descansar bem pro dia seguinte, já que já chegamos na Alemanha e emendamos no primeiro show.

O segundo show foi em Köln (ou Colônia, em português), no Mongogo, cujo dono é o Traxman, também dono do nosso selo europeu Soundflat. Já chegamos com a notícia que nosso LP Libido estava esgotado e teríamos de fazer novas prensagens, Ki beleza! Novamente o povo dançou pra caramba e a toda hora Traxman nos trazia no palco novas rodadas da especialidade da casa, o Drink de Pepino, uma delícia refrescante. Traxman tem em sua residência um belíssimo Tiki Room, um quarto todo com motivos polinésios e tropicais. Por isso, levamos jarras, copos e saleiros com design de abacaxi, coco e outras frutas tropicais ao melhor estilo A Grande Família – comprados da Maravilhas do Lar – para embelezar ainda mais seu impecável Tiki Room. As novas aquisições foram prontamente aprovadas e encaixadas na decoração, com a promessa de que seriam os novos destaques no verão europeu que estava por chegar.

Compramos vários discos no escritório da Soundflat (incluindo nossas colegas da The Let’s Go’s, banda da Sakura, filha do Seiji, do Guitar Wolf, que conheci ainda criança em Tokyo), e de lá fomos para Hamburgo, onde vamos tocar num lugar chamado Menschenzoo (“zoológico humano”) com abertura da banda local The Beasts. Já havíamos tocados com eles. São um duo local de garagem trash que se veste de múmias, tipo os Mummies. O local estava entupido, muito cheio e o show foi alucinante, com todo mundo se jogando na plateia, um monte de alemães xingando o Bolsonaro, suadeira total e o povo feliz ao final do show. Mas uma surpresa nos aguardava: um jovem de estatura avantajada subiu doidaço no palco e acabou tropeçando e caindo em cima da minha pedaleira. Seu peso fez com que alguns cabos e plugss se amassassem ou rompessem, mas, germanicamente, o jovem resolveu o assunto me dando 100 euros para os reparos.

O dia seguinte seria o mais esperado da turnê por nós até então, pois acordamos bem cedo para irmos até o porto de Cuxhaven, onde pegaríamos um barco para a maravilhosa ilha de Helgoland, no Mar do Norte, onde é realizado o sensacional festival Rock’n’Roll Butterfahrt. Helgoland é uma ilha onde não entram carros, os produtos vendidos são tax-free e onde vivem focas e leões marinhos em suas praias geladas. Um paraíso do frio e um lugar lindíssimo. Helgoland foi bombardeada fortemente durante a Segunda Guerra, pois era um lugar estratégico no meio do mar e esses bombardeios estão todos documentados com placas pela ilha. Nessa ilha é feito o Rock’n’Roll Butterfahrt, festival mais pro lado punk rock com o povo super cabeça aberta. O palco é montado em cima da areia da praia e, como não choveu durante o festival, o clima ficou ainda mais alto astral. Ao chegar na ilha, já fomos recebidos com uma banda no cais do porto cantando “I don’t wanna holiday in the sun”, do Sex Pistols, e levados pela organização ao nosso bungalow. Cada banda tinha uma casinha linda cheia de rango e birita pra se alojar. Coisa maravilhosa! Fomos almoçar e ver as focas e o Fabsi, lenda punk alemã que organiza o festival. Foi ele próprio me ajudar a consertar o estrago na pedaleira do dia anterior. Entramos no placo com tudo consertado ainda de dia e o povo, formado por gente de todas as idades, foi à loucura. Rola por aí um vídeo que ilustra bem como foi esse show. Depois rolou uma festa no cais. Todo mundo muito bem, nos divertimos a valer com nosso barrilzinho de cerveja disponível no nosso bangalô, que levamos para a festa.

No outro dia, numa ressaca descomunal, fomos almoçar no centro da ilha. Fábio pediu um sanduíche e saiu andando e comendo quando uma gaivota, um pássaro com umas asas enormes, atacou diretamente seu sanduba levando-o para comê-lo em outro lugar. As pessoas que viram o assalto disseram que era normal acontecer isso e realmente lemos sobre isso antes. Ou seja, foi uma experiência maravilhosa. É um grande privilégio de ter uma banda e viajar pelo mundo. Nós jamais escolheríamos Helgoland como um destino turístico e estávamos lá desfrutando de tudo aquilo.

Ainda tocamos em Wilhelmshaven, com o lendário punk britânico Johnny Moped, e em Frankfurt, dessa vez muito na correria, pois iríamos de van para a Inglaterra. Chegamos em Liverpool depois de longa viagem, sem tempo pra parar, já que pegamos muitos engarrafamentos. Para chegarmos no horário, Érika até fez xixi num copo do Starbucks – segundo ela, a experiência mais hippie da sua vida. Em Liverpool, ainda na correria, ainda fizemos uma reunião no escritório da marca de guitarras Eastwood, conhecemos a galera da Ditto, nossa distribuidora digital que tem sede na cidade, e já fomos passar som para o show no Liverpool Sound City. Deu tudo certo e nossa primeira vez em Liverpool foi linda. Na madrugada, eu e Jairo ainda saímos a pé debaixo de chuva para conhecer o Cavern Club e a área lendária relativa aos Beatles. De lá mandei foto pra minha mamãe, uma verdadeira fã dos 4 de Liverpool. Foi emocionante de verdade, pois nunca fomos até lá como turistas. A música nos levou a Liverpool.

A próxima parada seria o festival Hipsville, em Margate, litoral da Inglaterra. Chegamos lá num tremendo vento frio. O lindo hotel vitoriano – cuidado por uma velhinha, parecia filme – era em frente ao mar. O festival é um dos mais legais e lendários da cena garage/surf/60s da Europa. Foi a segunda vez que fomos convidados pra tocar nesse festival, a primeira foi em 2015. Nesse festival, as pessoas vão fantasiadas de acordo com o tema de cada ano. Neste ano o tema foi o Soho, bairro de Londres famoso por suas sex shops e cinemas pornô. Portanto, havia várias mulheres com roupas de “mulher pelada”: seios e pelos pubianos costurados em cima de um macacão cor da pele. Uma mulher levava uma placa hilária com os dizeres “Semen Is Vegan”. Uma outra era um abajur ambulante, minha fantasia preferida, e a dona dançava muito bem. Tivemos também as famosíssimas Go-Go Girls, que já ficaram nossas amigas de tantos festivais que já fizemos juntos, assim como Ade, Andrew e Alexandra, maravilhosos organizadores do Hipsville Soho A-Go-Go. Antes de subirmos ao palco encontramos nosso querido Steve Worral, do lendário RetroMan Blog – que fez os melhores elogios ao nosso show – e sua esposa Mayumi. O show foi sensacional, rendeu algumas das melhores fotos da turnê e logo após sairmos do palco fomos convidados pela lendária Gwen Ever, de um dos melhores programas de rádio de Rock do mundo, A Low Life in High Heels  (se você não conhece, não perca mais seu tempo), para fazer uma entrevista atrás do palco do Winter Gardens, local onde se realizou o festival. Chegando lá vimos os cartazes de shows antigos que rolaram naquele palco e até os Beatles tocaram lá. Sim, tocamos na mesma casa que os caras. E só fui saber depois… Os shows foram animalescos, nos divertimos às pampas até a fome bater e irmos numa lanchonete turca junto com nosso amigo brasileiro Al Zioli, que tocou na mesma noite com o MFC Chicken. Daí caminhamos até o hotel sentindo o vento gélido do litoral inglês.

Era apenas a metade dos shows no Reino Unido. Acordamos e nos mandamos para Manchester para tocar no 0161, festival Antifascista. Ao chegarmos, vimos a quantidade de bandas de som pesado, o que nos fez pensar se o povo ia curtir o Autoramas… Mas o povo total cabeça aberta foi ao delírio com o show. Queremos muito voltar. No dia seguinte ao acordar ainda fomos tirar fotos na frente do Salford Lads Club, onde os Smiths fizeram a foto do encarte do The Queen Is Dead, antes de partirmos rumo a Londres para o último show dessa parte da turnê.

Em Londres, tocamos no Made In Brasil, bar e restaurante brasileiro comandado pelo nosso querido Renato, em plena Camden Town. Chegamos, fizemos um turismo no Camden Market e voltamos pra passar som. O local já estava lotado de brasileiros, muitos amigos que não víamos há anos e nem sabíamos que estavam morando lá. Encontramos nossos amigos da banda londrina King Salami and the Cumberland 3, com quem troquei um monte de vinis, e que me pediram uma música para o próximo disco deles (tomara que role!). Depois nos hospedamos na casa de nossos queridos amigos Juliana e Luis.
No dia seguinte, eu e Érika pegamos o EuroTunnel para nossa semana de descanso na Alemanha e Sandra voltava pra sua casa, enquanto Jairo e Fábio ficaram mais uns dias em Londres antes de partirem para encontrar amigos em Praga e Amsterdam. Foi ótimo descansar no meio da turnê. Estávamos revigorados para o restante na Espanha.

Eu e Érika voamos para Madrid e nosso querido manager espanhol Guiller nos buscou no aeroporto de Barajas. Jairo e Fabio já estavam lá curtindo bastante, hospedados na casa de nossos amigos Mila e Bono. Lá tínhamos vários compromissos. No primeiro dia fomos à lendária Rádio 3 espanhola, onde nos entrevistou o lendário Julio Ruiz, no seu programa Disco Grande, que está no ar há 50 anos! Pra nossa surpresa, Julio sabia TUDO da nossa carreira e nossa história. Foi lindo e emocionante e muito informativo. Depois de tantas turnês por países que falam espanhol, é muito bom poder soltar o sotaque brasileiro no rádio e ser compreendido. Muita gente ouviu o programa e fez muitos elogios em relação a isso. Também gravamos um programa em português na Rádio 3. Depois partimos para um pocket show na Delia Records, sensacional loja de discos e acessórios no centro da cidade. Só cinco musiquinhas, mas já foi muito alto astral. Pra completar, um divertidíssimo passeio pelos bares de Madrid com Guiller e sua namorada Irantzu.

No dia seguinte, nosso show principal em Madrid, na Fun House, com abertura de Granada Perro Mojado e dos Sacramentos, excelente banda de Barcelona formada só por argentinos. Foi a loucura de sempre. Eu e minha guitarra levamos um banho de cuba libre. O povo se se esbaldou e dançou loucamente.

No dia seguinte, entramos na van para o show em Cox, em Alicante, na casa TNT Blues, que estava fazendo aniversário de 27 anos. Pra comemorar, os Autoramas junto com o grande duo espanhol Los Bengala. Excelente banda (se eu fosse você, iria conferir os videos deles no YouTube!). O lugar estava entupido. Já começamos o show e o povo já foi à loucura. Caíam um monte de copos pelo chão – depois de tocar só íamos sentindo o vidro sendo pisado por nossos sapatos. Até Érika fez um crowdsurfing lendário. O povo a tirou do palco e quando vi ela já estava lá longe.

No domingo, partimos para belíssima cidade de Granada meio ressaqueados. O show foi no Planta Baja e mesmo num domingo o povo pirou. No dia seguinte, segunda-feira, fizemos turismo pela lindíssima Granada, fomos a Alhambra, castelos mouros, lugares onde o Joe Strummer frequentava. Só coisa linda. O hotel onde ficamos também merece menção especial, com decoração espanhola ultratradicional. Parecia coisa de filme. À noite partimos para Sevilla, onde também fomos tocar pela primeira vez. Nos hospedamos num hotel que fica dentro do alojamento das seleções espanholas de remo e canoagem. O restaurante também era destinado aos atletas, então aproveitamos a comida saudável da galera. Em Sevilla tocamos na Sala X e foi destruição total. Saiu uma resenha do show (cujo título era “Brasil, el país del Rock and Roll”) e recebemos elogios em que nos compararam aos Mutantes. Muita responsabilidade!

O antepenúltimo show foi na cidade de Valladolid, onde o merchandising que levamos começou a esgotar. Todos os LPs já tinham sido vendidos e as opções para o público começavam a ficar menores. É muito importante para as bandas em turnê na Europa levar e vender merchandising. No calor do final das apresentações, o povo compra mesmo. Em Valladolid, experimentei as clássicas Gambas com Gabardinas. Ki delícia! A comida na Espanha é um capítulo à parte.

Albacete era nosso penúltimo destino. Lá tocamos em uma casa chamada La Cachorra Ye-Yé. O técnico de som da casa também é dono de uma loja de instrumentos. Quando ele viu que estávamos vendendo minha série de pedais de efeito Vibratoramas e Fuzzoramas, nos chamou para ir até sua loja, comprou alguns pedais e eles passaram a ficar à venda em lojas na Espanha.

Nosso último show na turnê seria no festival Surforama. Chegamos em Valencia na sexta, mas tocaríamos apenas no sábado. Na sexta rolaria o show dos lendários The Cynics e não marcamos nada nessa data para vê-los e curtirmos o festival. Foi uma escolha acertadíssima. Ki noite e ki banda! Sabe-se lá quando se pode ter a oportunidade de ver uma lenda dessas em ação. No sábado, eu ainda estava louco pra ver os mexicanos do Matorralman, que arrebentaram, e os Bomboras, clássico californiano da surf music reunido especialmente para esse festival. Agradeço muito ao Diego, organizador do festival, pelo convite, pois foi uma noite memorável. Entramos depois do Matorralman e a galera respondeu já nos primeiros acordes. A energia foi tão intensa que ao final do show parecia que eu tinha corrido uma maratona. O vídeo do final ilustra bem como foi. Todos diziam que foi o melhor show do festival e vendemos TUDO que havia de merchandising. Voltamos com uma mala que só não veio vazia por causa das compras que fizemos nos dois dias de folga que tivemos em Madrid com nossos queridos Guiller e Irantzu.

Logo chegamos ao Brasil e no dia 15 de junho já arrebentamos no Cerrado Fuzz Festival, em Rondonópolis, Mato Grosso…