Movies

Ford vs Ferrari

Personalidades contrastantes dos personagens de Matt Damon e Christian Bale dão o tom à história que opõe duas gigantes do automobilismo

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Texto por Leonardo Andreiko

Foto: Fox/Divulgação

O nicho de filmes de corrida é um daqueles bastante complicados de disseminar ao público. Com o advento de Rush, em 2013, esse subgênero ganhou um respiro para fora de sua bolha. Nesse caminho, Ford vs Ferrari – que chega agora ao circuito nacional – é muito mais que uma obra de nicho.

Ford vs Ferrari (Ford v. Ferrari, EUA/França, 2019 – Fox) prende a atenção do espectador desde seu primeiro plano. A direção de James Mangold, que já fez títulos como Logan, Garota, Interrompida e Johnny & June, é perspicaz e configura um estilo próprio ao tratar suas cenas de ação. A cobertura fotográfica e o ritmo dessas cenas são um show à parte. O filme ainda tem a capacidade não somente de prender o espectador, mas entretê-lo com algo bem além de carros, barulhos de motor e planos velozes. A trama gira em torno do relacionamento de Ken Miles e Carroll Shelby – uma dinâmica conturbada desde seu início, parte por conta do forte temperamento de Miles, brilhantemente interpretado por Christian Bale. A briga corporativa que ocorre entre as gigantes autmobilísticas Ford e Ferrari em meados dos anos 1960 é mero plano de fundo, por sorte.

Bale dá vida a um esquentado, teimoso e persistente mecânico, cuja paixão é pilotar carros de corrida. Sua personalidade contrasta muito com a do ex-piloto e agora empresário do ramo que Matt Damon retrata de forma muito mais serena, ainda persistente. Shelby, hoje, é um negociador. Miles é tudo, menos um negociador. Essa dualidade torna-se o ponto alto do relacionamento que se desenvolve, com muita química entre os personagens, que por sua vez são o ponto alto do filme. Ford vs Ferrari prefere não assumir como protagonistas os magnatas, homens corporativos em guerra por capital. Ao contrário, é um roteiro, até certo ponto, bastante intimista em seu desenvolvimento. Carros não são o fim, muito menos Ford tampouco Ferrari. E isso torna o filme muito melhor do que poderia ser caso não o fosse.

Essa relação é muito bem retratada pela fotografia de Phedon Papamichael, que traz dramaticidade a cada cena, apostando em altos contrastes e uma diminuição quase inexistente de sombras nos rostos de seus personagens. A fotografia é bastante estilizada e dinâmica, com diversos movimentos e distinções de ângulos entre planos, porém não arrisca o anticonvencional, mantendo-se na zona de conforto do espectador comum ao mesmo tempo que atiça a atenção daquele outro espectador ávido e interessado nos detalhes técnicos da sétima arte.

Nesse mesmo sentido, a montagem do trio Buckland-McCusker-Westervelt merece os holofotes e premiações que tem recebido – afinal é dela a responsabilidade de manter o ritmo dos 152 minutos de projeção. Além disso, o ritmo entre sequências não é prejudicado. Ao mesmo tempo que temos velocidade, pulso e, até, ritmo na parte de corridas, os montadores não se apressam nas cenas que mais requerem sua calma.

Ainda, vale mencionar que Ford vs Ferrari não deixa de trazer um importante ritmo cômico para a telona. Grande parte de suas piadas funciona, principalmente por sua função complementar à narrativa. Aqui, as piadas não são o objetivo final da cena, mas o meio para incitar um subtexto ainda maior. Deve-se, por exemplo, prestar atenção nas provocações entre as equipes Ford e Ferrari no ato final do longa.

Divertido e instigante, o filme de Mangold consegue providenciar bom entretenimento até mesmo àqueles que detestam o nicho no qual se insere, sem perder o estímulo dos apaixonados por corrida. Destaca-se a atuação de Matt Damon e, em especial, Christian Bale para tal. Mas não há como negar o evidente esforço que preenche o todo de Ford vs Ferrari, refinando direção, fotografia e edição num filme que, à primeira vista, pode não parecer florescer tão bem.

Music

Odair José e Thunderbird – ao vivo

Ao lado do ex-VJ da MTV Brasil, cantor resgata na Virada Cultural de SP disco que ficou marcado como maldito durante a ditadura militar

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Texto e foto por Fábio Soares

Mais uma vez, um dos mais interessantes palcos da Virada Cultural é aquele dedicado à execução, na íntegra, de clássicos álbuns brasileiros. Às nove da noite do último dia 18 de maio, foi a vez de Odair José tocar sua ópera-rock lancada em 1977, O Filho de José e Maria, clássico “maldito” do septuagenário cantor e compositor que tardiamente alcançou o status de cult. Antes tarde do que nunca.

Esqueça a pecha de “brega” que Odair carregou por quase toda a carreira. Seu show é de um bom gosto e elegância acima da média com um excelente quinteto de asseclas – naipe de metais incluso. E para contar a história de O Filho de José e Maria, a apresentação no palco Barão de Limeira teve algo a mais: a participação de Thunderbird, eterno ex-VJ da MTV Brasil com o qual Odair cultiva uma recente e sólida amizade.

A belíssima “O Casamento” abriu os trabalhos com Thunder incorporando a fúria de um pastor-ditador que questiona um casal que carrega a culpa por estar esperando um filho antes da consumação do matrimônio. Qualquer crítica à Bíblia não é mera coincidência e entende-se aí o porquê do disco ter sido execrado pela censura na época. Meter o dedo em feridas religiosas, prostituição, consumo de drogas e pais separados em plena ditadura militar foi, no mínimo, um ato de coragem.

Resignado, discreto mas muito concentrado, Odair conduzia o espetáculo com a calma e parcimônia de um veterano meio-campista que cola a bola em seu pé, aguardando o momento exato em deixar o companheiro na cara do gol. Executou “Não Me Venda Grilos” com o carinho de quem carrega um filho no colo e o trecho da canção “viver já pesa muitos quilos” já não lhe pesa tanto. A letra de “Só Pra Mim, Pra Mais Ninguém” trouxe o medo de levar um chifre, da possessão, do ciúme doentio. Não “aprovável” mas “entendível” na cabeça de um retirante de 35 anos de idade, inexperiente e frequentador de bordeis no Rio 1970.

Polaróide à parte O Filho de José e Maria é um dos discos mais injustiçados da história da MPB. Injustiçado como o seu criador. Injustiçado por uma sociedade preconceituosa do eixo Rio-São Paulo que julgou Odair somente pela sua aparência, rotulando-o pura e simplesmente como brega em detrimento ao seu enorme talento.

“Que loucura” encerrou o espetáculo com uma audiência ensandecida e implorando por um bis que não viria. Leonino e elegante, agradeceu timidamente à plateia. Não foi efusivo na despedida (ainda bem!) e soltou um curto “até o próximo show” aos presentes. A impressão que ficou foi a de que Odair ainda sente muita raiva e tristeza por ter sido escanteado pela mídia há quarenta e tantos anos. Contudo, sabe também que a vida anda para frente. Setenta anos de idade com um público fiel. Setenta anos de idade com uma obra gigantesca. Setenta anos de idade com muita lenha pra queimar (ainda bem!).

Até o próximo show!

Music

Silva – ao vivo

De volta à capital paranaense depois de quatro anos, o tímido capixaba mostrou uma fase menos pop e mais próxima à música brasileira

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Texto por Kevin Grenzel

Foto de Jocastha Conceição

Com um notável amadurecimento lírico, Silva voltou à capital paranaense após quatro anos. Era a turnê de seu novo álbum, Brasileiro, no qual abraça a musicalidade de nosso país e oferece conforto ao ouvinte que se perde nos sentimentos íntimos do compositor. E conforto pode ser muito bem a palavra que define o novo trabalho do cantor capixaba. Diferentemente de seu último trabalho autoral, Júpiter, Silva traz um refresco com faixas mais coesas e maior renovação, distanciando-se da essência pop e comercial do álbum de 2015.

A abertura foi realizada pelo Cidrais. O grupo curitibano é formado por três irmãos, possui letras sentimentais e aquela musicalidade minimalista nos recebia de braços abertos e fazia esquecer da imensidão da Ópera de Arame, trazendo uma tranquilidade singular e aquecendo os corações para a apresentação a seguir. Ao fim de cada uma das três musicas tocadas pelo trio, uma mensagem de amor e esperança, um recado necessário em um momento de polarização e insatisfação política. “Amar em tempos de ódio é um ato revolucionário”: foi com esse recado que o Cidrais abandona o palco, em um clima levemente melancólico mas de aconchego. Serviu para distrair de toda agitação que habita fora os portões do teatro.

Dando continuidade a essa mensagem de amor e empatia, Silva subiu ao palco com “Nada Será Mais Como era Antes”, primeira música de seu novo álbum. O ambiente se transformou. A melancolia se esvaiu e a euforia tomou conta do público, que cantava os versos com paixão. O primeiro ato foi conduzido com calma, sem grandes variações de ritmo, para que o publico degustasse cada nuance dos acordes e fosse criada uma atmosfera tranquila para a agitação que viria a seguir. A mudança veio com “Ela Voa”, que combinou o efeito oscilante da música a uma variação da iluminação que remetia ao efeito ondulatório do mar. No fim desta música ele se aproximou do publico com uma breve conversa, relembrando a ultima vinda a Curitiba, em 2014.

Era possível notar certa timidez no cantor, fosse pelas poucas palavras trocadas com o público ou o fato de recitar suas poesias de olhos fechados. Silva já confessou sua timidez e ansiedade antes dos shows –  ele mesmo disse “não ser muito bom com as palavras”. Mas nem precisava: sua música fala por ele e desvendar a particularidade de seus versos é um exercício gratificante ao espectador.

Após essa conversa, o show se tornou ainda mais minimalista, com arranjos formados apenas por violão e bateria. Destaque para a performance de “Milhões de Vozes”. A composição colaborativa entre Silva e Arnaldo Antunes é um grito de protesto discreto aos acontecimentos recentes. Conforme citado pelo artista, “essa música poderia se chamar “#EleNão” se fosse escrita atualmente”.

Essa parte da apresentação foi destinada principalmente a homenagens a influencias musicais e pessoas próximas ao artista, com elogios a Caetano Veloso, Arnaldo Antunes e Gal Costa. Silva apresentou aos curitibanos os dois músicos de sua banda (Lucas Arruda no baixo e Hugo Coutinho na percussão e programações). O cantor ainda interpretou a canção “Prova dos Nove” de autoria de seu sogro, Dé Santos, e sucintamente contou a relação estreante de Dé com a música, bem como rasgou alguns elogios a ele.

Próximo ao encerramento da performance, tivemos o momento de maior interação do publico durante a apresentação de “Duas da Tarde”, momento em que os fãs do capixaba ligaram as lanternas de seus celulares, transformando o teto do teatro em um céu estrelado.

Ao fim do show, Silva pediu para que todos ficassem em pé e tivessem a liberdade para dançar a última música da noite, “Guerra de Amor”, canção do novo álbum em que pode se notar as maiores influencias do samba e musica brasileira. Com um sorriso tímido, o musico se despediu e rapidamente fugiu dos holofotes.

Após os eufóricos gritos de “mais um”, Silva retornou ao palco, com ânimo e folego renovados. Apresentou aos fãs não apenas uma música, mas mais três canções, para então sim se retirar da Ópera de Arame, com uma despedida não com tanta pressa assim quanto a anterior.

Set list: “Nada Será Mais Como Era Antes”, “Let Me Say”, “Caju”, “Claridão/Janeiro”, “Guerra de Amor”, “Feliz e Ponto”, “Que Maravilha”, “Palavras no Corpo”,  “Ela Voa”, “Mais Cedo”, “Milhões de Vozes”, “(There Is) No Greater Love”, “Júpiter”, “Menino do Rio”, “Eu Sempre Quis”, “Beija Eu”, “Prova dos Nove”, “Duas da Tarde” e“A Cor é Rosa”. Bis: “O Show Tem Que Continuar”, “Fica Tudo Bem” e “Brasil, Brasil”.