Charlie Watts

Conhecido por suas batidas precisas e a paixão paralela pelo jazz, integrante original dos Rolling Stones morreu hoje aos 80 anos

Textos por Marden Machado (Cinemarden) e Fábio Soares

Foto: Reprodução

Começo a escrever ao som de “Emotional Rescue”, minha canção favorita dos Rolling Stones, para falar sobre Charlie Watts, meu rolling stone favorito e baterista da banda de rock mais antiga do mundo ainda em atividade. A abertura dessa música, a oitava do álbum de mesmo nome, com o baixo de Bill Wyman e a batida precisa de Watts, sempre produziram em mim um efeito hipnótico.

Sei que a maioria das pessoas tem no vocalista ou no guitarrista a figura favorita de um grupo musical. Nada errado nisso. Talvez eu esteja errado. Afinal, meu beatle favorito é George Harrison. No Who é John Entwistle. No Yes, o Chris Squire. No Led Zeppelin, o John Paul Jones. A exceção que não foge à regra talvez seja Robert Fripp, guitarrista do King Crimson.

Charlie começou sua carreira tocando na Blues Incorporated, que sempre tocava no Ealing Club de Londres, que era frequentado por Mick Jagger, Keith Richards e Brian Jones. O trio que viria a formar os Stones convidou o baterista para integrar a banda e o resto é história.

De 1963, sua entrada oficial no grupo, até o dia de sua morte foram 58 anos de excepcionais serviços prestados ao rock’n roll. Paralelo a esse trabalho, que ele considerava o melhor do mundo, tinha uma outra banda, Charlie Watts Quintet, de jazz. O álbum Long Ago and Far Away, lançado em 1996, traz ele na capa, de terno e sobretudo, do jeito que gostaria de tocar nos Stones.

Watts foi diagnosticado com um câncer na garganta em 2004. Chegou a fazer um tratamento rádio e quimioterápico e, segundo anunciado na época, ficou curado. Recentemente, prestes a iniciar os ensaios para uma megaturnê mundial pós pandemia dos Rolling Stones, sua família anunciou que o baterista não participaria por razões médicas. O anúncio de sua morte – provavelmente ligado a esta questão de saúde – ocorreu nesta terça-feira, 24 de agosto, aos 80 anos de idade.

Vá em paz, Charlie Watts. E obrigado pelas inesquecíveis batidas, sempre rítmicas e precisas, de sua bateria. John Entwistle, George Harrison e Johnny Cash te aguardam para fazer parte de uma nova banda. (MM)

***

Rolling Stones ao vivo é sempre a mesma coisa? Sim, claro! Mas visitar a Mona Lisa no Louvre, o Guernica no Reina Sofia e o Cristo Redentor também são e ninguém questiona. Minha primeira aventura stoneana foi também o début de muitos brasileiros. A banda mais icônica da história, na praia mais icônica do planeta e de graça? Tô dentro! E lá rumei de São Paulo para o Rio em 18 de fevereiro de 2006 para aquele que seria o maior público da história desta instituição do rock. Um milhão de pessoas esperadas, um milhão de pessoas comparecidas, praia abarrotada, tudo para uma noite incrível, exceto por um detalhe.

Após o show de abertura dos Titãs, uma série de arrastões aconteceu na areia com vários espectadores lesados (eu, incluso). Mas não havia tempo para lamentações. Os Stones subiriam ao palco pontualmente às 21h30 e teríamos que assistir. Assistir? Bem, isso é um modo de dizer porque uma famigerada área VIP lotada de famosos que sequer sabiam dizer o título de três canções da banda separaram a realeza dos plebeus. Restava aos reles mortais contemplar a apresentação através de diversos telões instalados ao longo da orla. Fiquei tão longe do palco que devo ter visto o show lá no bairro de Madureira. Mas, tudo bem, eram os Stones, enfim!

Poderia discorrer agora sobre a performance de Jagger, Richards e Wood mas é sobre Charlie Watts que devemos falar tendo em vista que o lendário baterista faleceu na último dia 24 de agosto em Londres, aos 80 anos de idade. Vestindo calça clara e camiseta verde-limão, a lenda viva iniciou os trabalhos conduzindo a cozinha em “Jumpin’ Jack Flash”, “It’s Only Rock’n’Roll (But I Like It)” e “You Got Me Rocking”. Nas parcas vezes em que as câmeras o focalizaram, sua frieza era de assustar. Nem parecia que exercia seu ofício diante de dois milhões de olhos. Sua postura deveria ser a mesma num esfumaçado clube em Londres.

Aceleração? Iniciou-se na então recém-lançada “Oh, No, Not You Again” com Watts mais preciso que um relógio. Sua discrição era assombrosa e ditava o ritmo de jogo. Mais parecia um piloto de automóveis sabendo exatamente o momento de acelerar e praticar o contrário.

Em “The Place Is Empty”, sob os vocais de Keith Richards, sua minimalista “cama” foi fundamental para o momento “isqueiros acesos”, fato que repetiu-se em “Happy”, ainda sob a voz do guitarrista. Mas foi em “Rough Justice” que a monstruosidade entrou em campo. Suas batidas marciais adquiriram ares de rolo compressor, que se seguiria em “Get Off Of My Cloud”, antes da catarse catapultada pela trinca “Start Me Up”, “Brown Sugar” e “(I Can’t Get No) Satisfaction”.

No fim, sabe-se lá como Me. Watts conseguiu vestir uma JAQUETA debaixo de calor senegalês do verão carioca para cumprimentar o público. Esses ingleses! Cada louco com sua mania…

Corta pra 2016. A quarta-feira de 24 de fevereiro amanheceu e permaneceu carrancuda pela maior parte do tempo. A turnê Olé, que percorreria estádios de futebol pelo mundo todo, desembarcava no Morumbi como uma itinerante atração turística. E chuva torrencial que caiu na zona sul paulistana permaneceu a encharcar o estádio até os indefectíveis acordes de “Jumpin’ Jack Flash”. O arrasa-quarteirão stoneano de abertura de shows jamais perdera seu punch ao longo dos anos servindo como contraponto à elegância de Charlie Watts. Como baterista de jazz, sabiamente conduzia seu carro alegórico de forma discreta, deixando a efusividade do palco a cargo de rebolado dos quadris de Mick Jagger e do desleixado modo da dupla Keith Richards e Ron Wood.

É inexato tentar chegar a um consenso sobre o que se passaria na cabeça de um discreto baterista como Watts em meio ao pandemônio do dia a dia de uma banda de rock. Talvez porque toda casa de baixo meretrício necessita de um porteiro sóbrio. Talvez porque toda “gaiola das loucas” necessita de seu porto seguro.

Ao final daquela apresentação encharcada, voltei para casa feliz. Havia visto os Stones pela segunda vez. Só não sabia que não haveria outra vez de contemplar Charlie Watts em ação. Ficam minha admiração e sua eterna timidez, protegida sob o alicerce de suas baquetas.

Sua elegância foi suprema para mim, num intervalo de uma década (2006-2016). Foram dez anos resumidos em um, aliás. Gracias, Mr. Watts! (FS)

Loucos Por Justiça

Premissa da vingança deixa a violência de lado e aposta em cenas que exploram reflexões e abordagens psicológicas

Texto por Ana Clara Braga

Foto: Synapse/Divulgação

O pôster acinzentado com um Mads Mikkelsen trajando roupas escuras e armas pesadas remete a filmes de vingança e perseguição, como Busca Implacável. Erro gravíssimo. Loucos Por Justiça (Retfærdighedens Ryttere, Dinamarca/ Suécia/ Finlândia, 2020 – Synapse) é um thriller dramático que aborda o tema trauma de diversas maneiras diferentes permeando a comédia e a seriedade sem apelar para tropos batidos ou humor cafona.

Markus (Mads Mikkelsen) é um militar de poucas palavras que é levado ao extremo quando sua mulher morre em um trágico acidente de trem. Vendo-se sozinho com sua filha adolescente, Mathilde (Andrea Heick Gadeberg) e sem saber lidar com os sentimentos naufragantes do luto, embarca de cabeça em uma trama de vingança. 

Acompanhado dos nerds Otto (Nikolaj Lie Kaas), Lennart (Lars Brygmann) e  Emmenthaler (Nicolas Bro), Markus tenta buscar justiça pela falecida esposa. O improvável grupo tem algo em comum: traumas e feridas mal resolvidos. O objetivo em comum deles é catártico: todos podem se enxergar na dor do outro e a sede por justiça passa a ser sede por mudança.

A audiência está cansada de filmes violentos sobre vingança. Os tiros e a pancadaria gratuita nas telas se repetem de maneira cansativa e a ponto de que fica fácil adivinhar o roteiro. Loucos por Justiça vai na contramão desse subgênero de ação e prefere abordar o psicológico da tragédia, mas, claro, sem deixar de lado boas cenas de intensidade.

O filme surpreende a cada minuto, como se a cada acontecimento uma nova camada fosse desbloqueada. A maioria das informações vem apresentada sem rodeios, surpreendendo e adicionando mais complexidade para cada personagem. Todos eles são muito bem trabalhados e tem arcos bem definidos, o que para um filme de ação é bem incomum. 

A dinâmica na casa de Markus é a melhor parte do filme. Os diálogos e as ações que ocorrem no cenário limitado apresentam-se ricos, ora profundos, ora divertidos. O filme sabe dosar o que os momentos reflexivos e a descontração sem deixar um clima pesado ou fazer o espectador esquecer do que trata o enredo. As cenas de ação também são bem pontuadas e de fato agregam a história. 

Loucos por Justiça revela-se uma agulha em um imenso palheiro. A premissa vingança, tão desgastada nas últimas duas décadas, ganha ares maduros. O tema família é discutido para além da honra em uma trama interessante que prende a atenção. Se ao ver o pôster automaticamente é formada uma ideia, ao final do filme esse paradigma é quebrado por completo. 

Clipe: Charme Chulo – Nem a Saudade

Artista: Charme Chulo

Música: Nem a Saudade

Álbum: O Negócio é o Seguinte (2021)

Por que assistir: Lá se vão longos sete anos sem lançar um disco, mas a espera está para acabar em breve. Em meados de setembro, enfim, sai o quarto álbum da carreira do quarteto curitibano, puxado pela faixa de abertura, também eleita para ser o primeiro single disponibilizado em plataformas de streaming e ganhar o primeiro videoclipe deste trabalho nesta sexta-feira 13 de agosto. “Nem a Saudade” é uma faixa direta e objetiva, não apenas na duração (pouco mais de três minutos e uma letra estruturada com poucas estrofes e a repetição de um refrão que gruda no cérebro logo à primeira audição). A carta de intenções da dupla de compositores e vocalistas da banda, os primos Igor Filus e Leandro Delmonico (também responsável pelas violas e guitarras) é explícita: “este é o disco mais pop do Charme Chulo”, escancara o último em conversa com o Mondo Bacana. De uma certa forma, a faixa dá continuidade à nova fase da banda, inaugurada há três anos pelo single “Mais Além” (ouça, veja e leia sobre isso aqui), gravado em parceria com as conterrâneas irmãs do Tuyo – alias, a canção, agora regravada sem Lio e Lay, reaparecerá entre as dez faixas de O Negócio é o Seguinte. “São canções que lembram muito a essência do sertanejo”, explica Leandro. Mas é bom que o leitor não entenda o termo “sertanejo” com o universo massificado do sertanejo universitário, que na última década reinou soberano em popularidade na música brasileira. Este “sertanejo” do Charme Chulo é o caipira do interior e que, musicalmente, dialoga mais com o folk de sanfonas, violões e violas. A ideia central do disco, aliás, veio depois que os primos leram o livro Cowboys do Asfalto:  Música Sertaneja e Modernização Brasileira. (Nota do editor: Leandro entrou em contato com esta obra por meio do Mondo Bacana, que encomendou a ele uma resenha e uma entrevista com o autor, o biógrafo Gustavo Alonso, à época do lançamento, em 2015.) Igor diz que “Nem a Saudade” é, ao mesmo tempo, uma forte bandeira do lado mais de refrães pop e conceitual do grupo. “Os versos se encaixam muito bem no contexto atual, claro. Essa coisa de todo mundo ficar isolado e não se ver. É bastante adequada para o momento. Mas ela, além de ter sido começada a ser composta antes da pandemia parar o mundo, fala muito sobre o passado da banda”, entrega o vocalista. “Significa que quando a gente envelhece é obrigado a ter de aceitar as mudanças que vêm com o passar do tempo. Chegamos ou estamos para chegar na faixa dos 40 anos, tivemos filhos, o mundo mudou. Não era mais como antes, quando os sites de música eram legais”, completa Leandro, a respeito desta carta escrita pelos “novos quarentões” para aqueles jovens de vinte e poucos, cheios de arroubos de ousadia, que pavimentaram os primeiros tijolos na estrada de quase duas décadas de carreira do Charme Chulo. Carreira esta, aliás, que ressurge agora com vigor, brilhantismo e modificações que em breve chegarão aos ouvidos dos fãs mais antigos e também dos novos, arregimentados entre os millennials que estavam aprendendo a andar lá nos primórdios da banda. O segundo single de O Negócio é o Seguinte será com a faixa “Rabo de Foguete” e será disponibilizado no final de agosto. “Esse será o lado ‘festa’ que a gente também sempre teve. Fala sobre o amor brega e o amor carnal. É o retorno ao nosso eterno lado Dalton Trevisan. Mas dá uma boa atualizada na sonoridade também. Estamos mais próximos do brega eletrônico, dos elementos musicais do Pará, por exemplo. É o Charme Chulo flertando com gente como Duda Beat e Jaloo, que, de uma certa forma, acabaram levando o indie brasileiro para um lado bem brasileiro mesmo, completamente distante daquele indie rock com o qual a gente convivia lá no início da banda, cheio de referências vindas do exterior e letras em inglês”, adianta Leandro. Se O Negócio é o Seguinte, ele que leve pra longe não só a tristeza, a melancolia e a nostalgia do Jeca Tatu, mas também esses próprios Jeca Tatus. Porque agora, mais do que nunca, eles conseguem chegar perto do sotaque verdadeiramente popular da musica brasileira.

Texto por Antonio Carlos Florenzano

Paulo José

Oito filmes fundamentais para relembrar a carreira deste grande nome da dramaturgia nacional, que faleceu aos 84 aos de idade

Textos por Abonico Smith e Marden Machado (Cinemarden)

Fotos: Divulgação

Foi anunciada no começo da noite de 11 de agosto de 2021, uma quarta-feira, a morte do ator, diretor e roteirista Paulo José, um dos mais importantes nomes da dramaturgia brasileira das últimas décadas. Com 84 anos de idade, o gaúcho estava internado havia 20 dias em um hospital do Rio de Janeiro e não resistiu a uma pneumonia.

Em 1993 ele foi diagnosticado com o Mal de Parkinson, doença degenerativa que afeta o sistema nervoso central e não possui cura. Mesmo com a gradativa debilitação da saúde, Paulo José seguiu trabalhando normalmente até quando pôde. Em 2014, inclusive, interpretou na novela Em Família, da Rede Globo, um personagem que também tinha Parkinson. Há três anos foi lançado o documentário Todos os Paulos do Mundo, que revê a sua carreira a partir dos filmes dos quais fora o protagonista.

Sua trajetória artística começou em meados dos anos 1950 em Porto Alegre. Na capital gaúcha, foi um dos criadores do Teatro de Equipe, ao lado de nomes como Paulo César Pereio, Lilian Lemmertz e Ítala Nandi. Como ator e diretor, participou de montagens de peças baseados em tetos de Maquiavel, Sartre, Molière, Brecht e Gianfrancesco Guarnieri. Também dirigiu e atuou na montagem carioca do clássico musical Arena Conta Zumbi. Na televisão, participou de muitas séries, minisséries e novelas de sucesso da Rede Globo. Eis alguns dos títulos que contaram com o nome de Paulo José no elenco: Véu de Noiva (1969); Assim na Terra Como No Céu (1970); O Primeiro Amor (1972); Shazan, Xerife & Cia (1972); Super Manoela (1974); Gabriela (1975); O Casarão (1976); O Tempo e o Vento (1985); Armação Ilimitada (1985); Roda de Fogo (1986); Tieta (1989); Vamp (1991); Engraçadinha, Seus Amores e Seus Pecados (1995); Por Amor (1997); A Muralha (2000); Senhora do Destino (2004); Um Só Coração (2004); JK (2006); Capitu (2008); Caminho das Índias (2009); Morde e Assopra (2011); e Em Família (2014).

Nas telas de cinema, a partir de 1966, traçou também um caminho de glórias, acumulando fascinantes interpretações como protagonista de diversas histórias e ainda arrebatando prêmios em vários festivais por sua atuação. Quando não aparecia no ofício de ator, abrilhantava algumas produções com sua voz guiando fortes e peculiares narrações. Abaixo, o Mondo Bacana destaca oito filmes fundamentais da carreira Paulo José Gómez de Sousa. (ARS)

Todas as Mulheres do Mundo (1966)

Ator, dramaturgo e diretor de teatro, cinema e televisão, o carioca Domingos de Oliveira se formou em Engenharia e nunca exerceu a profissão. O Brasil perdeu um engenheiro, mas, em seu lugar, ganhou um cronista de olhar apurado e sensível. Seu primeiro longa parte de uma experiência real de relacionamento. No caso, a do casamento do próprio Domingos, que também escreveu o roteiro, com sua ex-mulher e atriz maior do filme, Leila Diniz. Aqui, acompanhamos a personagem de Paulo, vivido pelo ator Paulo José. Ele passa os dias a paquerar belas mulheres na zona sul do Rio de Janeiro. Até conhecer a professora Maria Alice, papel de Leila Diniz. A narrativa se estrutura em flashbacks resultantes de uma conversa entre Paulo e seu melhor amigo, Edu (Flávio Migliaccio). Retrato preciso da vida carioca na segunda metade dos anos 1960, Todas as Mulheres do Mundo é, antes de tudo, uma comédia de costumes sem igual na cinematografia brasileira. Isso já torna obrigatória uma conferida no filme. No entanto, existe um motivo ainda mais importante para justificar essa obrigatoriedade: Leila Diniz. Atriz de carisma incontestável e espírito livre, ela morreu prematuramente em um acidente aéreo no ano de 1972. (MM)

Macunaíma (1969)

Primeiro veio o livro, Macunaíma – O Herói Sem Caráter, escrito por Mário Andrade, em 1928. Quatro décadas depois, o cineasta Joaquim Pedro de Andrade (nenhum parentesco com o escritor!) resolveu adaptar a obra e transformá-la em filme. Estávamos no auge do movimento do Cinema Novo e Andrade queria explorar um texto que fosse genuinamente brasileiro e que lidasse com nossa mitologia e nosso folclore. Encontrou tudo isso em Macunaíma. Seria ele realmente a encarnação de um autêntico herói brasileiro? Uma pessoa preguiçosa, safada e sem caráter algum. A personagem é interpretada por dois atores: Grande Otelo e Paulo José. Ele nasce negro no meio do mato e desde pequeno revela seus “talentos” para a vagabundagem. Quando vai embora e chega na cidade grande, de repente, fica branco. Mas os talentos continuam os mesmos. Macunaíma talvez seja o filme mais popular do Cinema Novo. Diferente dos outros trabalhos realizados no período, Andrade conseguiu dialogar com o público através da exagerada alegoria de sua personagem principal. Não por acaso, muitos estudiosos defendem existir diversos paralelos entre os movimentos do Modernismo e do Cinema Novo. Há aqui a preocupação de se fazer uma obra verdadeiramente nacional, sem ligação ou influência alguma do exterior. O culto que se criou em torno do filme é prova incontestável de que este objetivo foi alcançado. (MM)

O Rei da Noite (1975)

O argentino naturalizado brasileiro Hector Babenco já morava em São Paulo havia quase dez anos quando decidiu fazer um filme. Até aí, tudo bem. Afinal, ele já havia dirigido um documentário, O Fabuloso Fittipaldi, em 1973. Fora isso, sabia muito pouco sobre cinema. Apesar de iniciante, com a ajuda do amigo Orlando Senna, escreveu o roteiro e com ele em mãos, conseguiu reunir um elenco respeitável. Este filme, lançado em 1975, é O Rei da Noite. A história começa em 1920, quando o jovem Tezinho (Paulo José) tem de se afastar de seu grande amor por conta de um sério problema de saúde. Tempos depois, ele se envolve com três Marias: das Dores (Cristina Pereira), do Socorro (Isadora de Freitas) e das Graças (Vic Militello). Tezinho também é um homem que sempre teve tudo o que quis. Porém, tomou alguns caminhos não tão corretos. Isso o fez abraçar a noite. Foi quando conheceu Pupe (Marília Pêra), uma cantora de tango. Na verdade, tudo isso são lembranças de um homem de passado glorioso que no tempo presente da narrativa sobrevive como vendedor de loterias. O ritmo do filme é episódico e, às vezes, falha em sua estrutura narrativa. Babenco, realmente, ainda não dominava o ofício. No entanto, é visível a vontade dele em acertar e conseguir contar uma história. E como é bom ver um grande artista nascer. (MM)

Eles Não Usam Black-Tie (1981)

Escrita por Gianfracesco Guarnieri e encenada em 1958 com grande sucesso de bilheteria para a época, a peça teatral trazia reflexões sobre problemas universais do ser humano transportadas a uma história centrada no duro cotidiano do operariado brasileiro. A trama é centrada no jovem Tião, que se vê, rapidamente, entre greves, piquetes, assembleias da classe trabalhadora, a gravidez inesperada da namorada também operária, a violência desmedida da polícia e o descontentamento profundo provocado em seu pai líder sindical e ex-preso político. O alto teor social foi mantido na versão cinematográfica de 1981, dirigida por Leon Hirszman, levando o filme a receber prêmios em alguns festivais internacionais, inclusive o de Veneza. O autor do texto, Gianfrancesco Guarnieri encabeça um elenco de poder dramatúrgico supremo, que conta ainda com Fernanda Montenegro, Lélia Abramo, Carlos Alberto Riccelli, Milton Gonçalves, Bete Mendes, Nelson Xavier, Francisco Milani e Paulo José (no papel do padre). (ARS)

Faca de Dois Gumes (1989)

O cineasta carioca Murilo Salles começou sua carreira no final dos anos 1960, quando dirigiu seu primeiro curta. No início dos 1970, ele se consolidou como diretor de fotografia, até estrear na direção de um longa, em 1984, com Nunca Fomos Tão Felizes. Sua segunda obra, Faca de Dois Gumes, foi feita dois anos depois. Baseado no livro homônimo de Fernando Sabino, o roteiro foi escrito pelo próprio diretor, junto com Leopoldo Serran e Alcione Araújo. Neste drama policial, algo raro na cinematografia brasileira, acompanhamos a história de Jorge Bragança (Paulo José), um advogado famoso. Ele descobre que sua amada esposa o está traindo com seu sócio e melhor amigo e planeja, então, vingar-se dos dois e arma um plano perfeito. Porém, não há como se prever o imprevisível. Faca de Dois Gumes prova que existem boas tramas policiais faladas em português e Salles conduz sua narrativa com muito suspense e uma tensão constante. Destaque especial para o excepcional Paulo José, um ator sutil e inteligente que consegue transmitir todo o conflito interior de sua personagem. (MM)

Ilha das Flores (1989)

Inspirado pelos filmes de Alain Resnais e os livros de Kurt Vonnegut, o gaúcho Jorge Furtado lançou mão de muito humor ácido e linguagem quase científica para contar neste pseudodocumentário uma breve história que mostra como a economia gera relacionamentos desiguais entre os homens. Com a rapidez e a fragmentação da edição típica de um videoclipe, este curta-metragem relaciona conflitos não apenas econômicos, mas também sociais, ambientais e culturais para mostrar como os efeitos do capitalismo na sociedade podem ser díspares quando o poder provocado pelo dinheiro aparece como peso principal na busca pela liberdade tão sonhada pelas pessoas. Em seus treze minutos, o filme provoca ainda reflexões sobre individualidade, sonho, opressão, desperdício e exagero. Com a locução de Paulo José comandando a narrativa extremamente dinâmica, Ilha das Flores é um dos marcos do cinema brasileiro. Item sempre presente em todos os cursos acadêmicos de Comunicação e Cinema espalhados por todo o país, a obra de Furtado foi eleita em 2019 pela Abraccine (Associação Brasileira de Críticos de Cinema) o melhor curta brasileiro de todos os tempos. Quatro anos antes, a mesma entidade a listou entre os cem melhores títulos da história do cinema nacional. (ARS)

Benjamim (2003)

Muitos conhecem apenas a carreira musical de Chico Buarque e não sabem que ele também é autor de romances. Alguns deles foram adaptados para o cinema. Benjamim, publicado em 1995, virou filme em 2003 sob a direção de Monique Gardenberg, autora também do roteiro, junto com Jorge Furtado e Glênio Póvoas. Tudo gira em torno de Benjamim Zambraia, vivido pelos atores Paulo José (presente) e Danton Mello (passado). Ele viveu em meados dos anos 1960 um intenso romance com Castana Beatriz. Nos dias atuais, trabalhando como modelo fotográfico, conhece casualmente a corretora de imóveis Ariela Masé (Cléo Pires), que parece ser a reencarnação de seu grande amor. Talvez até seja a filha desaparecida dela. O Benjamim do filme, assim como o Benjamim do livro, parece viver preso a um tempo que não existe mais e enxerga o tempo que passou de uma maneira só sua. Gardenberg conduz sua narrativa às vezes errática, às vezes brilhante. Algumas escolhas de figurino, música e elenco não funcionam muito bem. O grande destaque fica mesmo para o sempre eficiente Paulo José e, principalmente, para a então estreante em longas Cléo Pires. Antes, ela havia feito apenas uma pequena participação na minissérie Memorial de Maria Moura, na qual interpretou a versão jovem de Glória Pires, sua mãe. (MM)

O Palhaço (2011)

Selton Mello é um dos mais talentosos e versáteis atores de sua geração. Começou a carreira ainda menino, junto com o irmão Danton, trabalhando em novelas. Quando adulto, se aproximou mais do cinema e na TV passou a ser cada vez mais criterioso na escolha dos papéis. Em 2008, escreveu e dirigiu seu primeiro longa, Feliz Natal, um intenso drama familiar. O Palhaço é seu segundo filme como diretor. O roteiro, que ele escreveu junto com Marcelo Vindicato, conta a história de Benjamin (interpretado por ele) e seu pai Valdemar (Paulo José). Os dois formam a dupla de palhaços Pangaré e Puro Sangue, do fabuloso Circo Esperança. A ação acontece no início dos anos 1970 e carrega um forte sentimento de nostalgia e melancolia. Benjamin é o responsável pela manutenção do circo, que antes era administrado por Valdemar. Ele enfrenta alguns problemas bem concretos: precisa comprar um ventilador e um sutiã novo para uma das artistas. Além disso, existe um problema maior ainda: ele acredita ter perdido a graça e decide começar uma vida normal, com identidade, CPF, comprovante de residência e emprego fixo. O Palhaço é um filme que vai te pegando aos poucos. Com personagens bem construídas, encontra na dupla Selton Mello/Paulo José uma química rara. Sem contar as hilárias, bem colocadas e surpreendentes participações especiais, com destaque para Moacyr Franco, que faz um delegado preocupado com o destino de seu gato Lincoln. Drama e humor se misturam aqui nas doses certas e fazem de O Palhaço um espetáculo delicado e especial que retrata uma cultura popular circense que vem se perdendo. Preste atenção no plano-seqüência (uma cena sem cortes) que fecha o filme. (MM)