Jethro Tull

Oito motivos para não perder a apresentação da icônica banda liderada por Ian Anderson em sua nova passagem pelo Brasil

Texto por Daniela Farah

Foto: Divulgação

Seven Decades é o nome oficial da nova turnê. Pode parecer muito. E, de fato, é. Pode parecer erro de cálculo, já que o vocalista e fundador, o escocês Ian Anderson, vai completar 77 anos de vida no próximo mês de agosto. Mas, de fato, não é. O Jethro Tull foi fundado em 1967, quando o músico ainda estava saindo da adolescência. Portanto, o período em atividade compreende justamente sete décadas, dos anos 1960 aos anos 2020. Mesmo com alguns pequenos períodos de pausa, provocada por afastamento entre os principais integrantes e remanescentes, certo é que a carreira permanece seguindo em frente.

A boa notícia para os fãs brasileiros é que esta turnê volta a trazer Anderson e seus músicos para o Brasil. Serão quatro apresentações nesta semana e a rota de escalas compreende Belo Horizonte (dia 9 – para compra de ingressos e ter mais informações, clique aqui), Porto Alegre (dia 10 – para compra de ingressos e ter mais informações, clique aqui), Curitiba (dia 12 – para compra de ingressos e ter mais informações, clique aqui) e São Paulo (dia 13 – para compra de ingressos e ter mais informações, clique aqui). O repertório trará grandes sucessos espalhados pela longeva trajetória com a adição de faixas do mais recente álbum de estúdio, RökFlöte, lançado há exatamente um ano.

Para celebrar a nova vinda de Anderson e seus asseclas para cá, o Mondo Bacana discorre sobre oito motivos para você não deixar de ver a banda em ação novamente aqui.

Raiz folk

Ainda que Ian Anderson tenha passado boa parte da sua vida na Inglaterra (mudou-se aos 12 anos), ele nunca deixou de lado suas raízes escocesas. Isso reverberou na sonoridade do Jethro Tull. Anderson achava que faltava algo que desse uma cara mais europeia para o seu som e foi buscar isso em suas raízes inglesas e escocesas. Vem daí, dessa vontade de ter seu ambiente representado na sua arte, que surgiu a pitada celta que faltava para completar o Jethro Tull. Diga-se de passagem, aliás, que essa proposta bucólica até combina muito bem com o nome, inspirado em um agricultor famoso. A banda ficou conhecida por levar essa representatividade da musicalidade celta para o mundo. Ou seja, é a possibilidade de assistir cara a cara o folk britânico em sua mais pura raiz criativa. E de uma maneira bem divertida!

Performance de palco

Ian Anderson é, por si só, uma figura controversa. Um escocês, apaixonado por blues, que resolveu fazer rock tocando flauta. E fez isso tão bem que em 1989, o Jethro Tull abocanhou o Grammy de Melhor Performance Hard Rock/Metal, tirando-o das mãos do Metallica e seu aclamado álbum … And Justice For All. Ian tem uma presença de palco cativante. Entrega tudo e um pouco mais, seja através de seus olhos que parecem interpretar cada nota da flauta, por suas danças peculiares, tocando em uma perna só ou dando pequenos pulos enquanto canta.

Idade avançada

Para os fãs é sempre uma benção ter a oportunidade de seguir acompanhando seus ídolos lançando novidades e realizando concertos e turnês. Entretanto, também chega a ser cruel pensar que a cada temporada que se vai, menos tempo resta para aproveitar as suas presenças neste plano. Para quem mora no Brasil, então, chega a ser pior quando o assunto são os grandes deuses do rock de todos os tempos. Já são bem menores as chances de todas as turnês chegarem à América do Sul por questões financeiras, de logística e de maior percurso territorial a ser enfrentando sobretudo para quem mora longe dos grandes centros urbanos para onde as datas dos concertos acabam sendo marcadas. Ian Anderson está com 76 anos e é um poucos pilares do rock dos anos 1960 e 1970 ainda em plena atividade, compondo, criando, gravando, tocando ao vivo, correndo o mundo.

Confusão de gêneros

É hard rock, heavy metal ou rock progressivo? Qualquer fórum de discussão sobre música na internet (os melhores!) possui um tópico sobre a sonoridade do Jethro Tull. A diversidade é tanta que fica difícil encaixar em uma só gavetinha. Mesmo que os mais xiitas (ou troo) concordem que o grupo não entra na categoria metal, é uníssono que o Jethro Tull é uma das bandas que exerceu uma influência muito forte nas principais bandas do gênero que vieram depois. A experimentação foi tanta (hard rock, blues, folk, clássico, etc) e deu tudo tão certo que estamos aqui falando deles em pleno ano de 2024. A questão é que vale a pena sair de casa por uma lenda como essa, que transformou, inspirou tantos músicos (dos quais você provavelmente é muito fã!) a seguir suas carreiras. Inclusive, Ian Anderson participa em quatro músicas do novo álbum do Opeth. Então, nada como beber diretamente da fonte, não é mesmo?

“Aqualung” (a música)

Se você acha que não conhece Jethro Tull, pare tudo o que está fazendo neste momento e coloque os primeiros minutos da música “Aqualung”. Ela soa familiar? A indústria do entretenimento usou e abusou bastante dessa introdução dos Simpsons aos Sopranos. E com razão: ela é genial. “Aqualung” fazia parte do álbum homônimo lançado pelo Jethro Tull em 1971. Nada convencional, como tudo que remete à banda. A letra, repleta de realismo, fala de um homem que é morador de rua e observa o mundo a partir de um banco de parque. “Aqualung”, tocada e cantada pelo próprio Ian Anderson, é o tipo de coisa que faz a gente querer sair de casa. Sempre.

“Locomotive Breath”

“Locomotive Breath” também faz parte do histórico álbum Aqualung e que também faz parte do repertório da atual turnê. A letra é pura loucura filosófica. Segundo Ian, lá em 1971, estávamos num trem de crescimento populacional e ninguém sabia onde ele iria parar. Mas a sonoridade, essa é para aplaudir de pé. As guitarras criadas de Martin Barre são um espetáculo à parte, provavelmente para descrever a velocidade do trem e a pressão contidas na narrativa. Não é à toa que bandas de metal como WASP e Helloween lançaram suas versões para essa música.

RökFlöte

Após ficar anos e anos  sem lançar material novo, Jethro Tull tem um novo álbum, seu 23º. Ian Anderson criou a sua versão sobre o Ragnarok, da mitologia nórdica, em RökFlöte. Desta vez ele contou com David Goodier (baixo), John O’Hara (teclados), Scott Hammond (bateria) and Joe Parrish James (guitarra). Mesma banda que vem com ele ao Brasil, exceto o guitarrista Joe, substituído por Jack Clark. E, sim, eles vão tocar músicas do novo trabalho ao vivo.

Sete décadas em um concerto

Sete é rico em simbolismos. Sete são as notas musicais e as figuras de tempo na música. O número também é o símbolo da vida eterna no Antigo Egito; e, se a numerologia considera um número divino, a aritmética o considera feliz. Mas sete décadas é um número absurdo. Chega a ser até impensável o quanto o mundo mudou nesse tempo. Só para citar os suportes do mercado fonográfico: vinil, fita cassete, compact disc, DVD, MP3 player, pendrive, streaming… E o Jethro Tull tem a árdua missão de trazer um pouco dessas décadas de criação e ação em um só show. A vantagem é que suas músicas continuam a fazer sentido mesmo com toda a passagem de tempo. Por isso é excepcional quando uma banda que atravessou todo este período se apresenta nos dias de hoje. Não é só música, é História.

Ferrari

Cinebiografia do criador da escuderia mais cultuada do automobilismo traz empolgantes cenas de corrida mas derrapa na parte dramática

Texto por Abonico Smith

Foto: Diamond Films/Divulgação

Mesmo que não seja assim tão fã de Fórmula 1, todo brasileiro sabe muito bem que o sobrenome Ferrari carrega há décadas o status de símbolo máximo de grife ligada ao automobilismo. Todo piloto quer dirigir uma. Todo milionário sonha em ter uma. Alguns jogadores de futebol que já passaram temporadas em campos europeus já dirigiram uma. Seu fundador e proprietário, Enzo Ferrari, declarou, inclusive, que enquanto outras escuderias participavam de corridas para vender automóveis ele fazia exatamente o contrário: virou empresário para continuar pisando fundo no acelerador. Mesmo que nos bastidores, por trás de tudo, comandando tudo com mão de ferro em boxes, oficinas e escritórios.

Por isso, a chegada de um longa-metragem como Ferrari (EUA/Reino Unido/Itália/China, 2023 – Diamond Films) aos cinemas pode causar bastante alvoroço em tanta gente que ama a velocidade dentro de algum bólido de motor possante e quatro rodas. A assinatura de Michael Mann, então, veterano diretor especializado personagens bastante obcecados por suas atividades, tornava-se um atrativo a mais.

Eis que, com o foco ligado sempre em um Adam Driver completamente transfigurado para se assemelhar ao protagonista, o filme se mostra uma obra dividida entre o drama e a ação. Neste último quesito, a mão de Mann – que havia três décadas tentava levar às telas esta adaptação de uma biografia publicada em 1991 – mostra-se perfeita. As muitas cenas de corrida, seja em circuitos fechados ou pelas ruas e estradas da região da Emilia-Romagna, são de encher os olhos, ainda mais na grande tela. Só que nem só disso vive um bom filme e justamente na outra parte que este Ferrari derrapa.

O arco dramático, que no roteiro acaba de sobressaindo e tendo mais destaque do que as provas em si, começa em 1957, alguns anos depois que o piloto Enzo Ferrari decidiu abandonar de vez o volante depois de ver dois grandes amigos perderem a vida em acidentes ocorridos em um mesmo dia de corrida. Contudo, em uma Itália ainda se recuperando economicamente e juntando os cacos provocados pela Segunda Guerra Mundial, o futuro da escuderia que leva o seu nome parece incerto. O agora entrepeneur busca espantar de vez a assombração da falência tentando levantar dinheiro por meio da família e de empréstimos bancários. Para poder decolar e se manter profissionalmente, entretanto, era necessário se obter vitórias, sobretudo na Mile Miglia, percurso de longa distância (mil milhas, com dizia o nome) que passava por várias cidades italianas que fora retomado naquele pós-guerra. Como Enzo tinha grandes adversários nas pistas sua obsessão por chegar em primeiro aumentava a cada ano, custasse o que custasse, inclusive a vida de vários pilotos da Ferrari.

Aliás, a vida pessoal do protagonista é bastante devassada nas telas. A constante luta contra a morte aparece do início ao fim do filme. Além da perda dos pilotos da escuderia – motivo pelo qual era constantemente atacado pela imprensa esportiva local – também havia o sentimento perene na família. Ainda na adolescência, em 1916, ele já perdera pai e irmão mais velho para um surto de gripe que se espalhara por todo o país. Contudo o abalo maior ficou por conta do falecimento em 1956 de Dino, o único filho com a esposa Laura e por isso seu sucessor, aos 24 anos de idade, vitimado por uma distrofia muscular. Aliás, o nascimento de Dino também havia sido um outro forte motivo para que Enzo fizesse a transição definitiva de piloto para empresário em 1932.

O casamento com Laura, que já não vinha bem desde o período da guerra, já havia virado um leite derramado. Tanto que Enzo mantinha vida dupla com outra mulher e criando um outro filho, mesmo não podendo ser reconhecido legalmente por ele por conta da então ainda inexistente lei do divórcio em território italiano. O que quase todo mundo já sabia veladamente nos bastidores Laura acaba descobrindo, dificultando ainda mais o entendimento entre os dois “sócios” da escuderia.

Aqui, portanto, reside o grande problema de Ferrari, que é a sua parte dramática. Adam Driver termina o filme como começou: quase escondido, não apenas pelo disfarce da caracterização e os quilos de maquiagem. Fala bem pouco em cena, muitas vezes resmungando e lacônico, com a cara fechada, pisando em seus trabalhadores e interlocutores. Pode-se até argumentar que esta seria de fato a personalidade rude do “comendador”, mas também acaba jogando contra a mise-en-scène do protagonista. Penélope Cruz, por sua vez, dá vida, viço e sangue a uma Laura ofendida e impulsiva, capaz de atirar à queima-roupa no marido em casa ou ser tão grossa quanto ele nas ligações da imprensa e de financiadores. Já Shailene Woodley (a sempre resignada Lina Lardi, a amante e mãe do filho bastardo) não diz muito a que veio em seu pouco tempo de tela.

Além do desnível das interpretações, Ferrari também “sai da pista” e “bate na mureta” ao cometer o grande erro de muitas produções hollywoodianas ambientadas na Europa continental e com personagens reais que, em seu cotidiano, falam em idioma natal. Este é mais um filme de italianos, de história bem italiana, de característica italiana falado em inglês! (Detalhe: Adam Driver também estava no elenco de Casa Gucci, que chafurdou em críticas e bilheteria por este motivo.) E o que faz ali o competente ator brasileiro Gabriel Leone, fazendo um piloto espanhol (Alfonso de Portago), conversando com o patrão italiano, em inglês?

Ao final da sessão fica aquela lembrança histórica do maior momento de narração de Cleber Machado na F1 – aliás, uma enorme polêmica protagonizada justamente pelos dois competidores da Ferrari na temporada de 2002. Na volta derradeira do GP da Áustria, Rubens Barrichello estava bem à frente do companheiro de escuderia, Michael Schumacher e iria cruzar a linha de chegada e receber a bandeirada da vitória. Contudo, sua equipe obrigou o brasileiro a desacelerar e ceder, nos metros finais, a frente para Schumacher, já que isso contabilizaria mais pontos para que o alemão pudesse vencer o campeonato de pilotos. Ferrari, o filme, faz ecoar na mente o futuro bordão com a empolgação sendo subitamente trocada pelo tom de decepção. Hoje não, hoje não… hoje sim!

MC5

Oito motivos da extrema importância para a história do rock do recém-falecido guitarrista Wayne Kramer e sua banda de Detroit

Texto por Abonico Smith

Fotos: Reprodução

No último dia 2 de fevereiro a notícia correu rápido pelo underground do rock. Foi noticiada a partida de uma de suas figuras históricas. O guitarrista e vocalista Wayne Kramer morreu aos 75 anos, em consequência de um câncer pancreático. Sua biografia é uma das mais incríveis da história do gênero. Contém elementos comuns a astros – como a fama conturbada, o ocaso, a ressureição artística, muitas polêmicas e um tempo na cadeia envolvendo consumo e venda de drogas. Entretanto, traz uma particularidade que o diferencia dos demais: ter pertencido e de certa forma ter sido o membro mais importante, musical e performaticamente, de uma das mais proeminentes formações que viriam não somente a influenciar nomes dos mais importantes e populares de gerações subsequentes.

O Mondo Bacana, então, faz sua homenagem a Kramer e ao MC5 dizendo em oito motivos a suma importância desta poderosa sigla para a história do rock.

Nada de paz e amor

O MC5 foi formado em 1963, em plena adolescência de seus integrantes. Só que esses moleques não estavam interessados na contracultura iria tomar conta do rock americano nos anos seguintes. Então, enquanto os hippies protestavam contra a guerra com pedidos de paz e amor e muita alteração do estado de consciência, esse quinteto de Detroit colocava o dedo direto na ferida da política nacional se unindo à militância de esquerda, aos Panteras Negras e ao partido Democrata. Na sonoridade, uma mistura poderosa de ritmos, que incluía também o garage, o soul e o jazz, mas sempre com duas guitarras muito altas, afiadas e para lá de distorcidas.

Barulho local

O som explosivo do MC5 tinha muito a ver com a sua origem geográfica. O grupo se formou em Detroit, o principal centro automotivo dos EUA por quase todo o século 20. Não a toa o apelido de Motor City acabaria sendo incorporado  no nome do quinteto). O ronco dos carros produzidos nas fábricas situadas nos arredores da metrópole ajudou a movimentar econômica e culturalmente a cidade. Durante o pós-guerra foi estabelecido um grande circuito musical, que incluía também a gravodra Motown, que não tardou a se transformar em uma fábrica de hits radiofônicos exportados para o mundo todo. Com a explosão do rock nos anos 1960, Stooges e MC5 ficaram conhecidos na região e logo passaram a transitar pelo efervescente underground nova-iorquino do final da década, ajudando a criar uma cena que, alguns anos depois, iria desembocar no punk. Bandas do circuito alternativo criado no país a partir dos anos 1980 (como Sonic Youth, Mudhoney, Rage Against The Machine e Nirvana) também devem muito ao MC5.

Discurso de esquerda

A trajetória do MC5 certamente não teria sido a mesma que a banda não topasse com o professor universitário John Sinclair, que fora de suas atividades acadêmicas mantinha uma comunidade formada por artistas alternativos da região, chamada Trans-Love Energies e que seria o embrião do que viria a ser tornar o partido político White Panther (um paralelo aos Panteras Negras, mas sem conotações raciais e que pregava o comportamento libertário extremo, incluindo a tríade sexo, drogas e rock’n’roll elevada a potências bem maiores). Sinclair, agitador sociopolítico nato, tornou-se empresário e guru espiritual do grupo

Tomando porrada

As performances, claro, eram de altíssima combustão provocativa. Uma apresentação que ficou famosa ocorreu em 1968, em Chicago, durante o período em que ocorria a convenção nacional do Partido Democrata. O grupo queria fazer o seu protesto ao ar livre contra a Guerra do Vietnã e não se abalou com a descabida violência policial local que reprimiu muitas manifestações pacifistas pelas ruas. Mesmo com toda a porrada comendo solta, foi a única atração a ter culhão de subir ao palco e mandou publicamente seu recado. Afinal, os músicos já estavam cascudos depois de enfrentarem alguns entreveros com os homens de farda de Detroit em vários shows locais anteriores. Depois de algumas músicas, tudo terminou com a fuga desenfreada de Sinclair e banda da cidade para não amargarem um período atrás das grades.

Kick Out The Jams

Foi justamente essa corajosa investida nas ruas de Chicago que chamou a atenção da Elektra para a assinatura do contrato para o primeiro álbum. A gravadora, que vinha de uma bem sucedida experiência de ter tirado o Doors do underground de Los Angeles e levado a banda rumo ao sucesso de vendas e execuções radiofônicas. Em virtude do poderoso apelo do grupo em cima dos palcos, o disco não poderia ter sido feito de outra forma a não ser com uma gravação ao vivo – o que também ajudou bastante a baratear os custos, já que a aposta era vista internamente na companhia como uma mera experiência sem muitas chances de dar certo. Oito faixas foram gravadas e a que deu nome à obra, escolhida para ser a música de trabalho e apresentação do MC5 às rádios, acabou provocando polêmica. Não bastasse o modo desbocado e provocativo da letra (algo que, em português, pode ser livremente traduzido como “botando o pau pra fora” ), o vocalista, sem avisar o restante da banda, berrou um motherfucker (filho da puta”) logo na introdução. Lógico que o disco, lançado em 1969, acabou sendo boicotado e se transformou em um fracasso de vendas, mesmo tendo ido bem na Billboard na semana do lançamento.

Carreira fugaz

Entre 1969 e 1971 o MC5 lançou três álbuns. O primeiro entrou para a História como um trabalho bastante influente para as gerações posteriores. O segundo (já por outra gravadora, a Atlantic), ficou uma coisa só para iniciados. O último passou completamente em brancas nuvens e assim permanece até hoje. Pudera. Cada vez mais os músicos exageravam nas dorgas diariamente, o que prejudicou de modo perceptível a capacidade criativa. Não bastasse, o FBI ainda ficou com o MC5 na mira. Os músicos saíram ilesos de prisões e questões judiciais. Entretanto, Sinclair acabou pegando pena de dez anos, sob a acusação de tráfico. Foi o que bastou para que a trajetória do quinteto fosse interrompida em 1972.

Ressurreição

Depois de enfrentar um longo ocaso após a debandada do grupo, que levou Kramer a amargar quatro anos na prisão (após oferecer drogas a policias disfarçados) e intercalar trabalhos de menor expressão com serviços de carpintaria para poder se sustentar, Kramer voltou com tudo à música na primeira metade dos anos 1990, graças ao estouro do Nirvana e a onda do alternativo invadindo as praias do mainstream aqui, ali e acolá. O selo independente Epitaph, tocado pelo guitarrista do Bad Religion Brett Gurevitz, contratou-o guitarrista e vocalista e lançou, entre 1995 e 1997, três álbuns solo seus. Por aparecer em clipes na MTV e ser incensado por uma legião de discípulos famosos, Wayne teve, enfim, o reconhecimento que lhe faltara lá atrás, nos áureos tempos de MC5.

Show em Goiânia

O vocalista Rob Tyner morreu aos 46 anos, em 1991, após ter um ataque cardíaco. O guitarrista Fred “Sonic” Smith (que se casara com Patti Smith em 1980 e emprestara seu apelido para batizar o Sonic Youth) foi-se com a mesma idade em 1994, também por causas naturais (aceleradas pelos excessos de outrora, claro). Em 2005, os três membros remanescentes (Wayne, o baterista Dennis Thompson e o baixista Michael Davis) reativaram a banda, desta vez com um adendo de suas iniciais à sigla (DKT-MC5). A primeira turnê mundial contou com dois integrantes extras de respeito (Handsome Dick Manitoba, vocalista dos Dictators, e Gilby Clarke, ex-Guns N’Roses, nas bases das seis cordas) e foi curiosamente encerrada com um concerto único no Brasil, dentro da programação do festival independente Goiânia Noise, reduto do rock guitarreiro em uma capital brasileira de produção musical essencialmente sertaneja. O trio manteve-se junto até a morte de Davis em 2012. Ainda deu tempo para Kramer reviver o repertório do MC5 em duas pequenas iniciativas (em 2018 e 2022) antes dele começar a gravar, com Thompson, algumas canções para um disco que ainda permanece inédito.

A Sociedade da Neve

O drama dos sobreviventes da queda de um avião uruguaio no inferno gelado da Cordilheira dos Andes no começo dos anos 1970

Texto por Tais Zago

Foto: Netflix/Divulgação

A jornada hercúlea dos uruguaios sobreviventes desse desastre aéreo foi uma das primeiras histórias a receber simultaneamente atenção global por ter ocorrido, coincidentemente, na época em que foi lançado na atmosfera um dos primeiros satélites de transmissão mundial. Isso e a peculiaridade dos fatos envolvidos (dos 45 passageiros 29 sobreviveram à queda, mas apenas 16 foram resgatados vivos) fez a saga dos passageiros do voo fretado Air Force Fairchild 571 do Uruguai para Santiago no Chile em outubro de 1972, se tornar uma parte do folclore de quedas espetaculares na aviação e de sobrevivência em ambientes inóspitos.

A primeira dramatização da inacreditável história dos jogadores amadores de rugby do time chamado Old Christians Club foi contada em nível hollywoodiano em Alive, dirigido por Frank Marshall e lançado em 1993, tendo Ethan Hawk no papel de Nando Parrado e base no livro homônimo do jornalista inglês Piers Paul Read, de 1974. Alive tinha o foco quase que inteiramente nos fatos chocantes e violentos do acidente – e tanto livro como filme foram muito criticados por sobreviventes e familiares por se aterem apenas aos fatos externos da tragédia. No geral, os envolvidos, direta ou indiretamente, nunca ficaram satisfeitos com obras que se concentraram apenas nos fatos externos e tétricos do acidente ignorando os depoimentos das vítimas e suas histórias pessoais.

Já no caso de A Sociedade da Neve (La Sociedad de la Nieve, Espanha/Chile/Uruguai/EUA, 2023 – Netflix) foi aberto um espaço para os pensamentos das vítimas da queda do avião instigando, como nenhuma outra obra até então, discussões sobre questões morais e filosóficas que dão ao filme drama e profundidade emocional muito maior. Baseado no livro homônimo de 2009 do jornalista uruguaio Pablo Vierci (quem, por coincidência ou não, estudou junto com alguns dos passageiros do fatídico voo na infância e adolescência), A Sociedade da Neve se concentrou exatamente nisso: nas vivências dos rapazes que sobreviveram à queda do avião – mas não necessariamente às agruras das montanhas geladas. Alguns deles deixaram depoimentos em cartas antes de morrerem nos 72 dias que se seguiram enquanto permaneceram perdidos em meio aos Andes.

A história adaptada pelo diretor espanhol Juan Antonio Bayona é conhecida tanto como o milagre e a tragédia da cordilheira dos Andes. No caso, dependendo se familiares estivessem do lado dos mortos ou dos que sobreviveram. Bayona já nutria havia tempos uma fascinação pela história e admite a ter utilizado como inspiração para seu filme The Impossible, de 2012, no qual contava sobre uma família que sobreviveu ao tsunami de 2004 no sudoeste asiático. Apesar da direção espanhola, o elenco é quase que completamente formado por atores uruguaios e argentinos e a narração é feita de forma fictícia por Numa Turcatti, interpretado pelo também uruguaio Enzo Vogrincic, um sobrevivente da queda do avião mas que pereceu apenas poucos dias antes que Nando Parrado (Agustín Pardella) e Roberto Canessa (Matías Recalt) retornassem ao local das ferragens do avião com um time de resgate para buscar o restante das vítimas.

Nando e Roberto assumiram uma busca kamikaze e solitária como método desesperado para encontrar ajuda. Eles saíram do acampamento no dia 61 após o acidente e, apenas com uma barraca precária e mantimentos escassos, percorreram 60 quilômetros pelas montanhas vertiginosas até chegarem a um vale e uma planície, onde conseguiram ajuda de trabalhadores rurais da região. Era o dia 71 após o desastre, mas todos estariam a salvo somente ao final do dia seguinte, depois de uma complicada operação de resgate por helicóptero.

Bayona teve a difícil tarefa de tratar com respeito e cuidado temas espinhosos como a forma de alimentação dos sobreviventes. Fato este que mais surtiu efeito nas mídias sensacionalistas da época e foi usado muitas vezes para desumanizar os sobreviventes. Logo após o salvamento, em dezembro de 1972, foi pedido que não se revelasse o fato de terem se alimentado dos cadáveres dos mortos, por medo da reação que isso causaria nas pessoas, principalmente na Igreja Católica (da qual os jogadores de rugby eram fervorosos membros). Sem alternativa para se alimentarem diante de montanhas de pura neve, gelo e pedras, foi essencial um mecanismo de compartimentalização para que as vítimas conseguissem lidar com o fato de comer os mortos. Apenas pequenos grupos tinham a tarefa de cortar a carne e a procedência (qual corpo se tratava) foi mantida em segredo até hoje. Assim como a oferta dos moribundos de suas carnes para alimentar os que sobreviviam mais tempo. Uma amostra incrível de um pacto de solidariedade, união e amizade. Assim, sendo impossível esconder o fato dada as circunstâncias e localização do acidente, a forma de se alimentar dos sobreviventes foi considerada como extrema porém inevitável – e eles receberam o “perdão” da igreja e da população em geral.

Bayona contorna a polêmica, assim como evita um prólogo estendido sobre os passageiros do voo. Sua obra se concentra de forma intimista nos sentimentos, pensamentos e ações dos personagens durante os 72 dias de calvário pelo qual passaram e, em pequena parte, no tratamento imediato das vítimas após o resgate. É uma homenagem e um acerto de contas. Ele dá voz aos que morreram e permite um leque grande de divagações dos que sobreviveram.

As percepções dos sobreviventes de toda a experiência são muitas e mostradas de formas variadas. Alguns se apegaram à religião, outros à nobreza de atos desesperados e ao espírito de partilha. Mas também temos os que, como Pedro Algorta (Luciano Chatton) e Nando Parrado, optaram pelo ceticismo contando suas vivências de forma bem menos romantizada. Esse ponto de vista nos aproxima mais do reino animal ao qual pertencemos e que ,muitas vezes, movidos pelo superego, insistimos em ignorar. No filme vemos, mesmo que de forma mais sutil, nuances dessa visão mais concreta e menos espiritualizada, como no monologo de Arturo Nogueira (Fernando Contingiani) sobre não acreditar em uma força suprema nas sim na força real e palpável dos que estavam ali naquele momento. Pedro, diferentemente de muitos dos outros companheiros, passou a maior parte do tempo após o resgate em silêncio, sem dar palestras ou entrevistas. Abriu uma rara exceção para o livro de Vierci e deu a sua perspectiva do homem que anula o intelecto e assume o instinto de sobrevivência.

A participação das famílias das vítimas do acidente foi parte essencial à realização do filme. Isso incluiu entrevistas que auxiliaram no roteiro, e vários cameos de sobreviventes como Nando Parrado, Roberto Canessa e Carlitos Paez. Para quem já conhecia a tragédia em seus detalhes, como o fato de Carlitos ser filho do artista uruguaio Carlos Páez Vilaró, o filme é um emocionante deleite. Para quem não conhecia essa espetacular história, o longa é uma perfeita introdução para ser seguida pela leitura da obra de Pablo Vierci.

Já disponível na Netflix brasileira, A Sociedade da Neve foi eleito o representante oficial da Espanha para concorrer ao Oscar de melhor filme estrangeiro deste ano e acabou ficando entre os cinco finalistas indicados para o prêmio. Confesso: tem a minha torcida!

Tetris

Longa-metragem aborda a corrida de russos, americanos e ingleses pela patente de uma das criações mais famosas da história do videogame

Texto por Tais Zago

Foto: Apple TV+/Divulgação

Mais um filme sobre espionagem e Guerra Fria? Já não temos histórias suficientes, do ponto de vista ocidental, sobre como a URSS era a malvada anticapitalista a e os EUA os mocinhos do planeta? Poderia ser, mas Tetris (Reino Unido/EUA, 2023 – Apple TV+) se trata, em regra, de um jogo de gato e rato onde o pote de ouro no final do arco-íris são os direitos sobre um dos jogos mais famosos da história do videogame.

Alexey Pajitnov (Nikita Yefremov) é um programador russo, apaixonado por jogos e puzzles, servidor da ELORG (Elektronorgtechnica) estatal russa de tecnologia. Nas horas vagas, Alexey, usando o hardware e software disponíveis em seu trabalho, criou o que chamou de Tetris, baseado em um jogo de tabuleiro de origem grega chamado Pentominoes, no início dos anos 1980.

Henk Rogers (Taron Egerton) é um homem multifacetado. Nasceu na Holanda, tem ascendência indonésia e cidadania americana. Estudou no Havaí, onde conheceu a futura esposa Akemi (Ayane Nagabuchi), e passou a viver e trabalhar em Tóquio, no Japão. Henk era apaixonado por jogos e era programador. Após alguns tiros saírem pela culatra, decidiu concentrar os esforços em encontrar jogos ainda pouco conhecidos, comprar seus direitos e repassar para as grandes do mercado como a Nintendo.

Nessa área, Robert Stein (Toby Jones) já era um especialista. Ele revirava as salas de programação no leste europeu, principalmente na Hungria, na busca de novos sucessos para patentear. Ao ver uma versão pirata de Tetris, imediatamente entrou em contato com a empresa britânica Mirrorsoft, do magnata de mídia Robert Maxwell (Roger Allam), para quem ofereceu a intermediação com os russos pela sua patente. 

A partir daí vemos uma guerra de negociações, trapaças, fraudes e promessas não cumpridas entre russos, americanos e ingleses. Em 1988, no finalzinho da União Soviética, pouco antes da queda do Muro de Berlim em 1989, sob o governo de Mikhail Gorbachev (Matthew Marsh) e com resistência de políticos corruptos russos em busca de propina, um acordo é fechado para a distribuição mundial de Tetris.

Quem venceu a batalha? Para quem leu o livro The Tetris Effect (2016), do jornalista de tecnologia Dan Ackerman, a resposta já é sabida. Para o resto, temos essa produção do canal de streaming Apple TV+, dirigida por Jon S. Baird. Os verdadeiros Henk e Alexey leram previamente o roteiro de Noah Pink e afirmaram que é a versão hollywoodiana de sua história, mas bastante baseada nos fatos. Um exemplo de ficção é a personagem Sasha (Sofia Lebedeva), que trabalha como intérprete para Rogers. Ela nunca existiu na história oficial.

Baird nos apresenta o enredo em capítulos que mimetizam fases de jogos de videogame. Imagens pixeladas em 8 e 16bit e sonoplastia de sintetizadores se mesclam às imagens que dão o toque saudosista, junto, claro, à estética oitentista de gamers, nerds, consoles, arcades e do revolucionário Game Boy. E, como não poderia faltar, do lado soviético temos a estética comunista pelo filtro ocidental – frieza, pragmatismo, tecnologia obsoleta e perseguição. Adentramos um filme cheio de clichês, que poderia constar na longa lista de filmes norte-americanos que já trataram do tema Guerra Fria. Porém, também é uma obra repleta de referências para saudosistas que acompanharam desde cedo o mundo dos jogos, dos PCs e da evolução rasante na área de TI que ocorreu entre os anos 1980 a 2000.

Tetris é uma diversão – de alta resolução – para todas as idades. Mas, sobretudo, é um filme para agradar os fãs da história dos jogos eletrônicos. Aborda o primeiro programa que gerou hordas de pessoas completamente viciadas em seus elementos geométricos e bidimensionais, caindo em velocidade acelerada e que chegavam a nos acompanhar em sonhos. Ao soar da musiquinha baseada no clássico do folclore russo Korobeiniki (a palavra russa para “mascate”), que é oriunda de um poema de 1861 de Nikolay Nekrasov, já mergulhamos em lembranças da infância e adolescência.

Tetris nos acompanhou no console, no computador e hoje ainda é muito popular em aplicativos para smartphones. Suas inúmeras representações, inclusive as tridimensionais, foram o pontapé inicial para jogos como Candy Crush, que viraram mania em todas as faixas etárias. Eis o alívio da ansiedade por meio do pensamento lógico-matemático.