Books, Comics

José Aguiar

Autor curitibano proporciona uma rara e peculiar experiência de ler uma HQ em livro no qual faz bela declaração de amor pela sua CWB

Texto e entrevista por Abonico Smith

Fotos: Divulgação (capas e páginas) e acervo pessoal (José Aguiar)

Fazer declaração de amor a uma determinada cidade é algo comum em versos da música pop desde os primórdios do século 20. No cinema também é uma temática frequente nas últimas décadas, sobretudo na obra de realizadores mais autorais. Nos quadrinhos, a cidade pode também aparecer bastante aqui e ali, mas também entra mais como um cenário do que propriamente como um personagem de destaque nas histórias.

É justamente esse o grande diferencial de CWB, o mais recente título de José Aguiar pelo seu selo Quadrinhofilia. Lançado no final do ano passado, o livro é fruto de um projeto aprovado pela lei municipal de incentivo à cultura de Curitiba. Em suas páginas correm não só uma mas duas histórias que revelam todo o amor e o envolvimento do ilustrador e roteirista com a capital paranaense. Sob as três letrinhas do título – que compõem a sigla aérea utilizada para Curitiba – estão percepções individuais, experiências pessoais e fantasia, como ele mesmo faz questão de ressaltar no prefácio. Só que o protagonismo está exercido justamente pela cidade.

No total são duas histórias que correm em paralelo, uma lida de trás para a frente e a outra de frente para trás. Ambas com sua respectiva capa, ambas envolvendo uma maleta misteriosa. Naquela que corre em sentido tradicional ocidental, acompanhamos a aventura de um homem que sai de casa para enfrentar intempéries de todos os jeitos e tipos, sempre tendo como base a paleta de cores que vai do vermelho para o amarelo (o que passa a impressão de ser algo mais quente). No sentido inverso, como um mangá, uma mulher faz quase a mesma coisa, só que indo do vermelho ao azul (algo mais frio). Seriam um casal? O que há guardado dentro dessa mala? Estas histórias acabam por cruzar as narrativas no decorrer das páginas? E sem estabelecer aquela divisão tradicional dos quadrinhos em uma página, Aguiar troca o tradicional traço preto pelas nuances das tintas da aquarela para ressaltar um espaço povoado por lugares, ícones, símbolos, história, arte e arquitetura curitibana. Sempre de modo inusitado, inovador e, o principal, tão empolgante que põe o leitor no lugar de quem está de posse da mala. Todos estes ingredientes acabam fazendo deste caldeirão chamado CWB uma experiência única para quem é fã e admirador da arte sequencial.

O detalhe mais curioso, porém, é o fato de José Aguiar, apesar de toda a sua relação com sua cidade natal, dentro e fora da área dos quadrinhos, sofreu um golpe do destino e do acaso e não pode concluir nela esta sua obra. Pouco tempo depois de viajar para Leipzig com a família, para passar um tempo de aprimoramento como artista e educador, veio a pandemia da covid-19, o que impossibilitou qualquer chance de retorno para casa e o fez ter de terminar as artes todas em aquarela na cidade situada ao leste da Alemanha. Sequer conseguiu também estar presente no dia do lançamento de CWB em Curitiba (mais precisamente da Itiban Comic Shop, para onde foram destinados os exemplares à venda – aqui estão mais informações sobre como adquirir o livro). Até o último mês de fevereiro, aliás, ele permaneceu em território germânico diante de tantas incertezas e lockdowns promovidos de março de 2020 para cá.

Aguiar conversou com o Mondo Bacana sobre o novo trabalho, a sua Curitiba, a pandemia da covid-19 e o seu exílio involuntário ocorrido até o começo deste ano.

As duas capas/contracapas de CWB

Como surgiu a ideia de contar duas histórias diferentes e possibilitam duas leituras paralelas, nos sentidos de uma HQ tradicional e dos mangás?

Foi durante o processo de roteiro. Eu estava pensando sobre formas de narrar capazes de valorizar graficamente o espaço da cidade. Durante minha pesquisa consultei livros de imagens infantis, quadrinhos mudos, coisas que saíssem do lugar-comum em termos de narrativa. Quando percebi que o objeto livro era a cidade nas mãos do leitor, decidi situar cada protagonista num lugar diferente desse “mapa”. Assim seria possível que cada sentido de leitura marcasse um possível ponto de partida, o que permite que o livro possa ser lido tanto no sentido ocidental como oriental. Uma experiência que me desafiou muito.

Qual o significado do predomínio das cores em ambas as histórias? Uma é mais “quente”, com amarelos, laranjas e vermelhos. Outra é mais “fria”, com azuis, roxos e rosas.

As cores que ditam a paleta do livro vêm das folhas das árvores ipês que desabrocham no outono: rosa e amarelo. Por isso essas folhas estão sempre presentes. Como o projeto é algo que rompe com convenções, foi natural associar o rosa ao protagonista masculino e o amarelo a protagonista feminina. Fugir de estereótipos de gênero assim como a representação dos curitibanos brancos sem o clichê do descendente europeu sempre foram preocupações minhas. Também não queria fazer um livro de cartões-postais. Queria uma história que fosse viva de muitas formas.

O fato de ter utilizado a aquarela como técnica de desenho e colorização também influiu na questão das cores citada acima? Por que decidiu usar a aquarela?

Nos últimos anos tenho andado cansado da cor digital. É uma ferramenta incrível, porém perde na espontaneidade. A aquarela tem muito ruído e texturas que fogem ao controle e acrescentam espontaneidade no resultado final. Como CWB se trata de um trabalho mais subjetivo, acredito que não ficaria bom se fosse finalizado em outra técnica. A cada livro eu busco soluções adequadas ao conceito. Não gosto de ficar numa zona de conforto. Seja no tema, seja na forma com que executo minhas obras.

Em muitos momentos, quando postas lado a lado nas respectivas páginas de leituras, as duas histórias se cruzam em desenhos e referências. Foi fácil arquitetar isso? Houve alguma dificuldade?

Foi difícil no todo, prazeroso em cada parte. Eu precisei ilustrar já em formato livro para visualizar as viradas de página, espelhamentos, paralelos e invasões que a história proporcionava. Depois passei tudo a limpo e colori. Em resumo, fiz o livro duas vezes.

Aproveitando a pergunta anterior como foi o processo de desenho de ambas as histórias? Elas foram sendo feitas simultaneamente ou você construiu uma para depois realizar a outra?

As narrativas surgiram juntas. Minha ideia sempre foi que elas se somassem numa trama maior. O desenho veio de muita pesquisa de campo e bibliográfica. Durante mais de um ano fotografei locais que faziam parte da minha vivência na cidade. Depois fui ler a respeito deles e procurar outros ângulos para ilustrar. Quando chegou a hora de desenhar, eu já tinha um percurso mais ou menos bem traçado de quais lugares precisavam ser representados. Mas muito da trama se fechou nesse processo final.

Além da não linearidade na narrativa espacial do livro, muitas de suas páginas possuem uma não linearidade na forma de disposição dos quadrinhos, com muitas das ações de um deles interferindo no desenho de outro. Há inclusive o sumiço do espaço em branco tradicional que os separa e serve como apoio ao leitor para fazer pequenas elipses temporais no seu cérebro durante a leitura…

Sim, busquei quebrar com o máximo de convenções de leitura na busca de construções de páginas inusitadas. É um trabalho experimental. Uma oportunidade única de fazer algo que somente como autor independente seria possível. Até porque não consigo me ver convencendo um editor a investir num livro assim sem ver a obra pronta. Agora ela está aí para provocar e mostrar como são ilimitados os potenciais dos quadrinhos como linguagem e arte.

Na história do protagonista masculino há diversas referências sobre as histórias em quadrinhos de Curitiba de várias décadas. Qual foi o critério de escolha dos personagens e qual sua relação pessoal com eles?

Minha relação pessoal com a maioria deles é a de um descendente distante quando descobre um parente famoso até então desconhecido. Todos aqueles personagens antigos são, de certa forma, antepassados dos meus. Eu sou fruto de um momento histórico particular, quando o único espaço para veicular quadrinhos na cidade eram as tiras de jornal. Eles são parte de outras histórias que tornaram a minha e a de muitos outros artistas também possível. São todos personagens que representam não só suas épocas, mas a “alma” local, seja por meio de estereótipos, questionamentos ao status quo ou pelo espírito de entretenimento puro e simples presente em revistas, livros e jornais dos mais variados formatos. Esses personagens refletem um aspecto negligenciado de nossa memória cultural que é a importância da história gráfica e da imprensa local, que vem desde o século 19. Num dos textos que complementam CWB eu pincelo um pouco a respeito do contexto de cada personagem. Essas participações especiais são em grande parte fruto da pesquisa que realizei para o livro Narrativas Gráficas Curitiba – 210 Anos de Charges, Cartuns e Quadrinhos. O livro já foi impresso pela Biblioteca Pública do Paraná, mas que até o momento desta entrevista, ainda não teve lançamento por causa das limitações impostas pela pandemia da covid-19.

Como você se sentiu revistando vários de personagens seus mais de tiras e produções mais antigas, inclusive voltando a desenhar o Gralha?

Trazer o Boi, meu primeiro personagem publicado, para contracenar com a Malu, minha mais antiga ainda em atividade (o último livro dela saiu ano passado!) foi muito divertido. O Gralha é um projeto importante na minha formação pessoal. Mas ele é uma criação coletiva e que meus colegas mantêm viva. Não desenho uma HQ dele desde 2001. Então foi gratificante colocá-lo e também o Capitão Gralha na Gibiteca. Cena onde pude homenagear outros personagens locais criados dos anos 1980 até o presente.

O uso de certos personagens fantásticos, que você explica em um dos textos como sendo uma grande influência do animador Ray Harryhausen, caíram como uma luva para deixar a sua Curitiba deste livro com uma cara um tanto mais esquisita e estranha?

É uma história afetiva. Então convoquei meus afetos mais primais. Minhas fantasias mais queridas. Entre elas está o trabalho de Harryhausen, Jack Kirby, Moebius, Luis Gê, Juarez Machado… Quanto mais penso no assunto mais nomes que não citei no livro me ocorrem. É um trabalho sobre o qual ainda tenho muito o que pensar.

Páginas internas de CWB

As diversas referências gráficas de Curitiba foram desenhadas de cabeça através de memórias e lembranças ou você usou fotografias para procurar recriar tudo com o máximo de realismo possível?

Realismo é uma palavra forte. Eu diria verossimilhança, a ponto de conseguirmos reconhecer os monumentos e locais. Infelizmente não tenho memória fotográfica. Tudo que lembro e imagino é simplificado, cartunizado. Acho que é problema de pouco espaço no HD.

Em uma época como esta, quando desde o ano passado a capital paranaense sofre com a falta de chuvas e meses com rodízio de água nas residências, não teria sido mesmo uma ótima ideia ter provocado um tsunami pelas ruas do centro e do centro cívico?

Foi uma coincidência, como outras que podem trazer leituras diferentes para a obra. A escultura Maria Lata D´águaé a figura de alguém que provém a água para quem é carente desse item básico. Esculpida pro Erbo Stenzel, seu nome original é Água pro Morro. Para mim, ao deflagrar a enxurrada (ou tsunami) ela liberta os oprimidos e lava da cidade de quem a oprime. Quem leu o livro e conhece a cidade sabe contra quem a onda gigante se choca.

Em um dos dois textos que você assina no livro você fala de certas peculiaridades de comportamento e atitudes em relação a outras grandes cidades brasileiras…

Minha visão de Curitiba não é ufanista. Eu amo minha cidade mesmo sabendo de todos os seus defeitos. Reconheço nela um potencial de ser verdadeiramente mais justa, limpa e cosmopolita. Os elementos que uso na minha CWBnão deixam de ser críticas a nossa memória construída na omissão, por exemplo, do reconhecimento do papel da população negra e feminina. Creio que a metáfora adequada para CWB é a de que Curitiba deveria acreditar menos em sonhos formatados e ser ela mesma o sonho que sua população precisa.

Você também optou por não fazer histórias fechadas, com aquele final mais explícito concluindo as narrativas. Isso seria uma brecha para um possível segundo livro da “série”? Alguma vez você pensou em fazer mais livros enquanto estava produzindo este, seja com a sequência destas duas histórias ou até mesmo outras diferentes?

Essa história é um looping infinito. Não precisa continuar. É possível? Claro. Entretnto, não vejo necessidade. Se for para ramificar. que seja migrando para outra mídia, como animação, onde ela precisaria ser reimaginada. Seria um desafio mais interessante para todos. Curitiba pode ter infinitas histórias. Minha série da Malu e o livro Coisas de Adornar Paredes são ambientadas nela e completamente diferentes entre si. Outros autores locais também estão usando seu cenário, o que é muito bom. O mais importante é não ter vergonha de explorar nosso sotaque em novas ficções. Feitas sem ufanismo, sem deslumbre, mas com senso crítico e boas histórias.

Como foi concluir um livro com histórias sobre a sua memória afeitva de Curitiba justamente estando longe da cidade por causa da pandemia? Qual a porcentagem dele você produziu estando na Alemanha?

Eu cheguei com minha família na cidade de Leipzig, na região da Saxônia, em outubro de 2019. Na bagagem, as referências e primeiros estudos. Aqui concluí o roteiro e desenho. A ideia era ficarmos uma temporada, mas a covid-19 e cancelamentos de voos nos fez adiar um pouco o retorno. Minha esposa veio lecionar na Universidade de Leipzig e eu vim participar de eventos que foram cancelados pela pandemia. Antes de viajar, a ideia do distanciamento de meu lar parecia uma boa ideia para fazer CWB. Mas a pandemia deixou o processo mais doloroso, pois estávamos em isolamento e eu lá, só de corpo presente, com a mente e coração apertado no Brasil.

O que Leipzig tem que Curitiba não tem e vice-versa?

Eu acho ambas as cidades bem próximas, descontando a escala menor da Alemanha. Numa comparação bem superficial, dá para dizer que Berlim está para São Paulo e Leipzig está para Curitiba. Até no clima. Mas Leipzig tem a vantagem de um sistema de transporte muito mais integrado, inclusive com outras cidades. Curitiba tem o defeito de se achar europeia, quando deveria entender que é muito mais mista do que foi ensinada a acreditar. E Curitiba tem pinhão. Pinhão é vida! 

Como foi justamente lançar um livro sobre Curitiba sem poder estar presencialmente na cidade e fazer festas e eventos de lançamento?

Frustrante. Mas todos nós passamos por frustrações neste ano de 2020. 

De que forma você imagina Curitiba inserida no mundo pós-pandemia?Ela precisa se firmar como polo cultural alternativo e competitivo em relação ao eixo Rio-São Paulo. Durante a pandemia, um dos setores que mais sofreram, mas que mais trouxeram alento às pessoas, foi o setor cultural. Também gostaria de uma cidade que valorizasse mais os transportes alternativos e não poluentes, que fosse de fato um modelo de ideias e que não vivesse de nostalgia de realizações passadas que não dialogam com nossas necessidades presentes ou futuras. Mas isso é mais um desejo do que a imagem que projeto para o futuro próximo. Que, para mim, segue nebuloso enquanto o curitibano não aprender que é parte do Brasil.

Página dupla de CWB
Movies

Mulher-Maravilha 1984

A amazona Diana retorna às telas em história bastante fraca e confusa, o que acaba por ameaçar as expectativas para o próximo filme da trilogia

Texto por Ana Clara Braga

Foto: Warner/Divugação

Em 2017, Patty Jenkins apresentou ao mundo o primeiro filme solo da Mulher-Maravilha. O longa agradou público e crítica e criou altas expectativas para sua sequência. Depois de boatos e adiamentos, Mulher-Maravilha 1984 (Wonder Woman 1984, EUA/Reino Unido/Espanha, 2020 – Warner) estreou e, ao contrário do primeiro, passou longe de um consenso entre fãs e imprensa. O segundo filme da franquia é fraco, confuso e repete os mesmos erros do primeiro, mas sem o principal que fez o título de três anos antes gerar uma boa experiência: o carisma. 

A primeira cena do filme é um flashback da infância da protagonista, quando ainda vivia em Themyscira, em que ela trapaceia em um jogo com outras amazonas. Com isso, aprende a importância da verdade. É isso? Sim, é isso. Os visuais são muito bonitos e a ação entretém, mas o formato sermão é meio esquisito. A segunda cena mostra Diana (Gal Gadot) já adulta, nos anos 1980, salvando pessoas de ladrões em um shopping center. A amazona esconde sua identidade heróica e torna-se uma espécie de justiceira silenciosa. Sem uniforme, trabalha lidando com antiguidades.

Se não tivesse 1984 no título, seria difícil precisar em que época a história está situada. Tirando alguns momentos como a cena do shopping ou quando o personagem de Chris Pine prova roupas, a ambientação é genérica. Aliás, continuando o tópico do visual, os pôsteres podem ter contribuído muito para a decepção com o filme. O novo uniforme, dourado, grandioso, com asas, é extremamente mal utilizado. Aparece por tão pouco tempo que não dá para entender porque foi parte tão importante da divulgação. 

Steve (Pine) é um dos personagens principais do longa de 2017. A escolha para trazê-lo novamente ao elenco é difícil de justificar. Ele é divertido, mas a forma como seu personagem “volta” não é convincente. Se no primeiro filme tínhamos uma Mulher-Maravilha que discursou sobre não precisar de homens, na sequência temos outra que está disposta a sacrificar a vida de uma pessoa e prejudicar o destino da humanidade por outro. Confuso, não é? A mudança repentina de personalidade da personagem é difícil de engolir, é abrupta. O sentimento de luto de Diana deveria ter sido tratado de maneira diferente.

O grande vilão do filme é o ambicioso Maxwell Lorenzano (Pedro Pascal), que encontra uma pedra realizadora de desejos. A relíquia é chamada neste filme como “pata do macaco” – o que significa que na mesma medida que ela dá, ela tira algo. É nessa lógica que os grandes acontecimentos do filme se desenrolam. Por mais que seja interessante, torna-se forçado. Ver Maxwell induzindo as pessoas a dizerem o que desejam não é sutil nem para uma ficção.

Falando em sutileza, Patty Jenkins teve zero disso ao conduzir uma cena da Mulher-Maravilha salvando crianças em um Egito oitentista e fruto do imaginário racista estadunidense. Gal Gadot nasceu em Israel e nunca escondeu suas posições a respeito da Palestina. Colocá-la falando árabe, tirando crianças da estrada para que não fossem atropeladas por outros “egípcios sem coração” é falta de noção. A escolha por um ator e um personagem latinos para emular a megalomania de Trump também é uma falta de tato sem tamanho. A sorte é que Pedro Pascal é ótimo ator. 

A primeira parte de WW84 (como o longa foi apelidado na internet) é muito abaixo do esperado. A química entre Pine e Gadot não se repete, a história ainda está se desenvolvendo e Pascal e Kristen Wiig acabam roubando a cena. A comediante, que manteve sua audição para o filme em segredo, interpreta a cientista Barbara Minerva, que torna-se a vilã Cheetah. Inicialmente tímida e desengonçada, após desejar a pedra mágica para ser mais igual a Diana adquire superpoderes. Como filmes de herói com dois vilões precisam balancear a história para não desperdiçar um destes personagens, infelizmente Cheetah é desperdiçada. Sua transformação chega tarde, dura pouco, não impressiona e deixa o desejo dela ter aparecido em outra obra. 

A Mulher-Maravilha de 2017 encantou por mostrar a amazona conhecendo um mundo novo e se apaixonando por um humano. A narrativa da vilania humana era um bom caminho, um bom espelho – uma pena que, no final, o roteiro escolheu transformar o vilão em um deus. A mudança repentina de tom se repete na sequência de 2020. Quando o clímax do filme chega, somos surpreendidos com mais um sermão. Lutas? Estratégias? Uso da nova armadura? Não, conversa-clichê com o público. Essa é a grande arma usada pela heroína. Ela palestra sobre a importância da verdade. Isso já seria questionável, considerando que o principal defeito do vilão não era mentir e sim ser ambicioso e inescrupuloso. Contudo, o papo meia-boca para salvar o mundo se parece mais com Gal Gadot cantando “Imagine” com outros artistas do que uma heroína salvando o mundo.

Jenkins é uma boa diretora, mas precisa aprender a editar suas ideias. Um filme menor, mais contido, seria certeiro. A história expõe fraquezas de roteiro, de atuação, de edição e de efeitos especiais (a cena do laço da verdade repelindo tiros é muito mal feita!). Quem sabe se o enredo fosse a busca pela amazona perdida Asteria o resultado seria mais empolgante. Na era dos filmes de super-heróis, o melhor pode ser mirar em tramas simples e que encantem pelo desenvolvimento.

Não é injusto dizer que Mulher-Maravilha 1984 é decepcionante – pode-se falar muito de um filme quando sua melhor cena é a que vem após créditos. E mais um título já está confirmado, criando novas esperanças de uma história como a de 2017, mas mantendo o medo de uma como a de 2020. Fica a expectativa de uma aventura digna da heroína e que explique o porquê, em Batman Vs Super Homem, dela não ter qualquer lembrança de seu passado. 

Movies

A Mesma Parte de um Homem

Filme paranaense oscila entre o bom suspense da rápida mudança de uma dinâmica de uma família e o fraco desenvolvimento de seus personagens

Texto por Leonardo Andreiko

Foto: Olhar/Divulgação

A Mesma Parte de um Homem (Brasil, 2021 – Olhar) fez parte da programação da 24a Mostra de Cinema de Tiradentes, realizada no fim de janeiro de forma online e gratuita. O filme foi uma das oito produções paranaenses selecionadas para as diversas mostras do festival.

Nele, acompanhamos o desenvolvimento misterioso da história de Renata (Clarissa Kiste), que vive com a filha Luana (Laís Cristina) e o esposo Miguel (Otávio Linhares), até a morte deste. A partir daí, no entanto, o roteiro assinado pela diretora Ana Johann e por Alana Rodrigues aposta no mistério por omissão e pouco se estabelece como dado. Com a chegada de um novo “marido” (Irandhir Santos), que substitui Miguel quase instantaneamente e é aceito de imediato, a dinâmica da casa muda. Com ela, as personagens se transformam.

Nossa visão enquanto espectadores é limitada a planos claustrofóbicos, com forte enfoque nos rostos do elenco. A narrativa, portanto, é reflexo de sua atuação, com poucas nuances apresentadas pela totalidade da mise-en-scène. A direção de Johann, que assina seu primeiro longa, busca arquitetar uma atmosfera de tensão e mistério. De fato, ela consegue concretizá-la, a despeito do desenvolvimento de suas personagens.

Por ser um filme vago, isto é, que não explica seus pressupostos muito menos busca explicitar seus conflitos, A Mesma Parte de um Homem é naturalmente ambíguo, sendo que se possa entendê-lo sob diversas óticas. Acredito não ser a melhor abordagem a apresentação de possíveis interpretações (mas você, que lê esse texto, pode ter uma impressão radicalmente diferente da minha, que trabalharei agora). A falta de desenvolvimento do casal original (que conta somente com uma interação antes da morte de Miguel), aliada ao imediato reconhecimento e adoção de Lui (Santos) como “pai” e “marido”, dá a entender que este é uma extensão daquele. Lui aparece na pequena fazenda de Renata sem memórias de seu passado recente, mas se lembra de sua esposa e sua filha. Isso, que por si só causaria estranhamento, é dado sem desconfiança ou resistência por parte de Renata e Luana. 

Assim, a trama se desenvolveria por meio de um retrato psicológico de Renata, uma mulher oprimida pelo medo que encontra libertação com a chegada de seu novo marido. Estranho, não? A utilização do sexo como veículo para a emancipação de sua protagonista torna o filme raso e o tempo investido nas dinâmicas sexuais do novo casal subtrai a capacidade de desenvolvê-la em si mesma. É difícil trabalhar outra descrição para a personagem de Renata, que embora seja a protagonista e carregue consigo grande parte do peso emocional do longa, é apresentada ao espectador apenas pela lente patriarcal que o longa, em uma interpretação política, buscaria problematizar. Não nos é certo se Lui ou Miguel são a mesma pessoa ou aquele é um mero substituto desse. Ainda assim temos mais consciência de sua personalidade e história que de Renata ou Luana – outra personagem que sofre da mesma caracterização plana que enfraquece a compreensão de seu arco. 

A falta de um conflito convencional, de um desenvolvimento padronizado na dinâmica de heroína e vilão, é um ponto alto do suspense palpável que inunda a tela com perguntas e nenhuma resposta. No entanto, as questões que o filme levanta, em muito, resultam em uma compreensão problemática de si mesmo. A suposta emancipação feminina precisa passar pela introdução de uma nova figura masculina? Renata só se desvencilha de seu medo dentro do esquema patriarcal que a sufoca?

Embora A Mesma Parte de um Homem seja tecnicamente interessante, seu discurso se enfraquece quanto mais é confrontado. Se o suspense é palpável e pesa no ar, o desenvolvimento é raso e problemático. Se as atuações são convincentes e sinérgicas, somente seu peso não é suficiente para carregar a emoção da trama.

Movies

Origens Secretas

Produção espanhola surpreende ao misturar verve de história de quadrinhos de super-heróis com comédia e trama de policial noir

Texto por Flavio Jayme (Pausa Dramática)

Foto: Netflix/Divulgação

Um assassino em série ataca Madri. Nos corpos, ele deixa pistas que indicam que seus crimes são cometidos inspirados em histórias de origem de personagens de quadrinhos. Será preciso um super-herói para descobrir quem é o assassino? Ou um policial que acha que heróis são coisas para crianças conseguirá resolver a trama misteriosa?

E assim, misturando policial, comédia e filme de super-herói somos presenteados com um dos filmes mais bacanas dos últimos tempos: Origens Secretas (Origenes Secretos, Espanha/Argentina, 2020 – Netflix) que estreou dia 29 de agosto na plataforma de streaming aqui no Brasil. A produção espanhola mistura os gêneros para nos entregar uma história que pode até cheirar a Corpo Fechado, mas que traz um ar de originalidade não muito visto no cinema.

Adaptado do livro de mesmo nome do escritor espanhol David Galán Galindo, o filme entretém sem emburrecer e ainda levanta algumas questões com relação ao preconceito contra os fãs de comic books e personagens de roupas justas. Um dos detalhes mais divertidos aqui é pescar as referências que saltam na tela todo o tempo. Mesmo se você for daqueles que “nunca leu uma revista em quadrinhos e só viu os filmes” vai entender totalmente do que se trata quando alguém disser que alguém teve os pais assassinados em um beco quando criança ao saírem do cinema.

Existem diversas formas de se assistir a Origens Secretas. Você pode ver como uma comédia que retrata um geek excluído socialmente; como um daqueles policiais de dupla improvável; pode ver ainda como um filme de origem de super-herói; ou como um policial investigativo meio noir. O difícil mesmo é não se divertir com o filme e não pensar “Se Seven: Os Sete Pecados Capitais e Kick Ass: Quebrando Tudo tivessem um filho seria exatamente assim que ele sairia”. Entretanto, esta é uma das produções à qual a Netflix Brasil não se dá nem ao trabalho de divulgar ou por um trailer em seu canal oficial no YouTube e que é muito melhor que muitas coisas que fazem questão de enfiar goela abaixo do seu público.