Suspiria – A Dança do Medo

Clássico filme do diretor Dario Argentino é recriado com simbolismo macabro e sangrento do universo místico das bruxas

Texto por Leonardo Andreiko

Foto: PlayArte/Divulgação

Dario Argento é um cineasta do horror italiano. Sua obra foi eternizada pelo clássico Suspiria, de 1977. Em 2018, o também italiano Luca Guadagnino (que disputou no mesmo ano o Oscar por Me Chame Pelo Seu Nome) lançou sua versão de Suspiria. Mas que insiste não ser remake. Estrelado por Dakota Johnson e Tilda Swinton, Suspiria – A Dança do Medo (Suspiria, Itália/EUA, 2019 – PlayArte), a nova “versão”, é mais extensa e esteticamente divergente do original. Sendo assim, faço meus esforços pra analisar Suspiria (daqui em frente, como chamarei apenas a produção do ano passado, que entrará em cartaz nos cinemas brasileiros no próximo dia 11 de abril) sem quaisquer comparações com o filme original – como irei me referir ao clássico de Argento.

A trama, dividida em seis atos e um epílogo, gira em torno de Susie Bannion (Johnson), aspirante que acaba de ingressar na companhia de dança de Helena Markos, e de Patricia (Chloë Grace Moretz), uma ex-dançarina dessa companhia, convencida de que as mulheres que a comandam – um grupo de senhoras das mais variadas idades – são bruxas. Se existe alguma incerteza a respeito da veracidade da afirmação de Patricia, ela é esmagada pelo trailer e pelo horroroso subtítulo brasileiro, que omito com muito prazer. Ainda assim, se você escapou destes, pode enxergar uma personagem delirante, tal como seu psicólogo, Dr. Klemperer (Lutz Ebersdorf), acredita. O misticismo bruxo da companhia gira em torno de sua principal figura, Madame Markos, e de sua contraposição, Madame Blanc (Swinton).

Enquanto certos diálogos, roteirizados por David Kajganich, são superficiais, buscando a sensação de uma obra profunda e autorreferencial, outros acertam seu simbolismo da melhor maneira possível. As melhores passagens do filme, quando não visuais, são as falas de Susie com Madame Blanc. Não obstante, é inegável que certos fragmentos do roteiro são obscuros até demais. Pouco acrescenta à trama o subtexto político – o filme se passa em 1977, durante o sequestro do avião Lufthansa 181, que culminou no chamado Outubro Alemão –, que Guadagnino tanto insistiu em retratar. Desta forma, todo o ato dedicado a Patricia – ponto fundamental da trama por sua relação com Sara (Mia Goth), amiga de Susie – é nada mais que mera exposição sobre as nefastas bruxas.

Ainda assim, é inegável que Moretz entregue uma boa atuação. O ponto alto, porém, é a dupla Swinton e Johnson. Pouco há para acrescentar a Tilda, cujo nome já é sinônimo de boas atuações, mas Dakota vem como uma ótima surpresa. A protagonista é capaz de atuar não só com o rosto, mas com todo seu corpo, em belíssimas cenas de dança. Todas as demais retratam suas personagens competentemente, em especial Mia Goth, cuja importância aumenta na parte final do filme.

O mais debatido aspecto de Suspiria é, no entanto, sua direção. Alguns afirmam que Guadagnino nada acrescentou, estética ou semanticamente, ao filme original. Como afirmei antes, não entrarei nesse mérito. A referência à obra de Argento se apresenta, como esperado. A direção do italiano imerge seu filme nos anos 1970, tanto em história quanto em estilo. A impressão de que o filme é, de fato, setentista é recorrente. Ainda assim, é contemporâneo em seus efeitos visuais e especiais – que configuram uma das mais fortes cenas –, bem como em sua fotografia – comandada por Sayombhu Mukdeeprom (que trabalhou como diretor em Me Chame Pelo Seu Nome). Esta é preenchida por seus tons pasteis, criando um filme constantemente bege. Desta forma, é surpreendente quando, em seu sexto ato, o quadro é completamente banhado de vermelho. No entanto, a mais surpreendente adição é a sequência em longa exposição (mais detalhes não podem ser dados a seu respeito). Por sua fotografia escura e desenho de som vital, Suspiria é um longa obrigatoriamente de telas de cinema.

A montagem funciona organicamente, sem deixar que as duas horas e trinta e dois minutos do filme tornem-se vagarosas. O ponto mais confuso dos aspectos técnicos é, infelizmente, a música de Thom Yorke. Nos momentos em que o vocalista do Radiohead canta, o aspecto setentista de Suspiria e perde completamente, chutando seu espectador para o presente. Por outro lado, é na música que se formam os momentos mais emblemáticos da obra – os quais apelidei de cenas Volk e Unmade. É ótimo, porém, ouvir a voz de Yorke em caixas de som de qualidade.

Sendo assim, aquém de seu original, Suspiria funciona como um pós-horror, imerso no simbolismo macabro e sangrento do universo místico das bruxas, alçado pela dança. Porém, ao tentar traçar suas obscuridades com maestria, cai por terra em superficialidade indigesta. Sem expectativas de um novo clássico, o filme de Guadagnino pode resultar em uma boa experiência a seu espectador. É difícil que chegue a encher salas, já que estará disputando a atenção com blockbusters como Capitã Marvel, Shazam!e Nós, de Jordan Peele – outro grande lançamento do horror.

OBS: O primeiro nome a quem a produção agradece, nos créditos finais, é Paul Thomas Anderson. Me intriga o porquê.

Free Solo

Documentário mostra o lado humano de Alex Honnold no desafio de escalar sem cordas uma altura de 900 metros

Texto por Leonardo Andreiko

Foto: National Geographic Films/Divulgação

Esta é, para mim, uma resenha difícil de ser feita. Free Solo (EUA, 2018 – National Geographic Films) requer um nível de afastamento do objeto de crítica maior que os demais filmes. Veja, a emocionante história de Alex Honnold completando uma escalada – sem cordas – de pouco mais de 900 metros já me é íntima. Falta muito para considerar-me um escalador, mas não há como negar que eu escalo.

O documentário, dirigido pelo casal de escaladores Jimmy Chin e Elisabeth Chai Vasarhelyi, narra o percurso de Honnold em seu projeto mais ambicioso: escalar, em free solo, o mitológico El Capitán. Alternando entre depoimentos de amigos e familiares do profissional e suas sessões de treinamento, a produção permite que o espectador não só sinta a magnitude de seu desafio, mas também conheça seu protagonista intimamente. Alex é metódico, frio e não teme a morte, mas isso tudo não o faz menos humano.

Dito isso, partimos a algumas considerações técnicas. A estrutura narrativa é simples, mas funcional. A definição dos atos beira a obviedade, mas não perde seu impacto. Aqui reside o grande acerto da direção de Vasarhelyi e Chin, que apostam em estruturar o filme a partir do conflito interno de seu protagonista ao invés do externo. O caminho mais óbvio é apresentar as infindáveis sessões de treinos de Alex, suas quedas e o risco de escalar sem quaisquer proteções, porém a trama explora o que se passa na mente do escalador e todos seus amigos, incluindo a equipe de filmagem, cientes de todo o risco externo sem deixar que ele inunde Free Solo.

Trechos em que amigos próximos de Alex questionam sua própria participação na produção são frequentes. Alguns depoimentos impactam mais que outros, como um arrasador momento em que Tommy Caldwell (que protagoniza outro grande lançamento do cinema de escalada, Dawn Wall) descreve o sonho que tivera na madrugada em que Honnold decide escalar o El Capitán e os diversos momentos de conflito da namorada/esposa de Alex, que teme pela vida de seu companheiro.

A edição, por outro lado, oscila entre momentos satisfatórios e uma NatGeo-zação da edição. Ora documentário de Oscar, ora vídeo que poderia estar no Canal Off enquanto você come um açaí na esquina de casa, o longa arrisca perder o peso de seu clímax com o estilo televisivo de sua montagem.

Dessa forma, Free Solo é uma interessante experiência fílmica para os não-escaladores, que têm acesso a um bom tanto da dura rotina dos profissionais do esporte, bem como seus medos e desafios. O filme é ainda mais recomendável, porém, para aqueles íntimos da escalada, meio no qual a história de Alex Honnold é mitológica – e vai muito além do encadenamento do El Cap. Imergir no mundo de grandes escaladores e entender suas motivações – e a compreensão do risco que tomam – é uma vivência inspiradora. Minhas mãos suaram e tremi muito mais do que esperava.

Paul McCartney – ao vivo

Pela terceira vez no país em cinco anos, o eterno beatle pilota seu “carro automático” mais uma vez e leva ao delírio o público em São Paulo

Texto e foto por Fábio Soares

>> O Mondo Bacana negou-se a cobrir o show de Paul McCartney em Curitiba pelo fato de ter sido negado o seu credenciamento para fotografia, em detrimento de outros veículos menores, bem mais recentes e com muito menos importância para o jornalismo cultural produzido na capital paranaense. Sem mais.

Você presencia o show de um beatle pela terceira vez e o que mais lhe chama a atenção? Ele está mais leve, absorto e sereno. Com mais de três quartos de século de idade nas costas sabe que, a esta altura da vida, caminhar por atalhos é o melhor caminho a se fazer. Paul McCartney desembarcou mais uma vez no Brasil, para começar em São Paulo com sua Freshen Up Tour, que em quase nada se difere de suas co-irmãs anteriores mostradas recentemente por aqui (One On One, em 2017, e Out There!, de 2014). E o que faz de seu show, praticamente imutável há décadas, ser sucesso de público e crítica mesmo sem praticamente apresentar novidades?

Simples: a espinha dorsal de seu repertório. Paul sabe dar exatamente aquilo que sua audiência espera. É aquele dono de restaurante que, de tão renomado que é, pode se dar ao luxo de cometer um erro aqui e outro ali em algum prato. E sabe que, praticamente, ninguém perceberá. A noite de 27 de março de 2019 teve clima de um jogo de volta em torneio mata-mata no Allianz Parque, com o time da casa podendo perder por oito gols de diferença que, mesmo assim, se classificaria. E com o triunfo garantido, o anfitrião deu-se o direito de fazer algumas (pequenas) alterações no set list em relação à noite anterior, no mesmo estádio: sai “Save Us”, entra “Junior’s Farm”; sai “All My Loving” entra “Can’t Buy Me Love”. A plateia, entregue, parecia gritar em uníssono à lenda septuagenária: “Toque qualquer coisa, Paul! Aceitamos até ‘Parabéns a Você'”.

Mas não foi por isso… E teve mesmo! Na data em que seu tecladista, Paul Wickens, completava mais uma primavera de vida, um “Happy Birthday To You” ecoou pela audiência (compreendendo todas as faixas etárias) de mais de 40 mil pessoas. Clichê? Lógico! Alguém reclamou? Claro que não!

Com relação à banda de apoio, Paul tem a sorte (e privilégio) de ter fiéis escudeiros dignos de nota há um par de dezenas de anos: Rusty Anderson (guitarras), Brian Ray (violão e contrabaixo), Abe Laboriel Jr (bateria) e o já citado Wickens formam um time de funcionários que jamais trará dores de cabeça ao patrão. O baterista, aliás, é carismático à enésima potência e consegue transformar a execução da insossa “Dance Tonight” num show à parte com sua performance de dançarino, sendo humamente impossível não se deixar envolver com sua onipresente performance nos telões da arena. Diversão garantida nas três recentes turnês por aqui. Mudar pra quê?

A grande novidade em relação aos shows de 2014 e 2017 foi a presença de um naipe de metais, o que deu às execuções de “Letting Go”, dos Wings; “Let Me Roll It” com citação de “Foxy Lady”, de Jimi Hendrix e em “Let’Em In”, um frescor suingado muito bem vindo às novas (porém, nem tanto) roupagens destas canções. Os “coringas” do set listtambém cumpriram seu papel com maestria. “I’ve Got A Feeling”, “From Me To You” e a levanta-defunto “Lady Madonna” carregaram o piano sem deixar a peteca cair, preparando o terreno para o leque de arrasa-quarteiroēs obrigatório e incontestável. “Eleanor Rigby” não perde sua monstruosidade mesmo com uma tentativa de simplificar seu arranjo. Com “Something” foi o mesmo: introdução com ukulele e restante da execução transformado num tsunami emocional capaz de derreter o mais duro coração de pedra presente. Fechando a primeira parte, a tríade que ninguém no mundo pode se dar ao luxo de possuir: “Let It Be”, “Live And Let Die” (com sua indefectível pirotecnia no palco) e “Hey Jude”, que nem a irritante distribuição de cartazes com a inscrição “Na Na” promovida pela marca de cerveja patrocinadora da apresentação foi capaz de derrubar.

No “bis”, peso para fechar a noite. A pouco inspirada “Back In Brazil”, tocada na noite anterior, felizmente (e para a alegria do “escrevinhador” aqui) não foi executada, até porque não teria espaço numa sequência com “Sgt Peppers…”, “Helter Skelter” e o “mix” de “Golden Slumbers”, “Carry That Wheight” e “The End”.

Após três horas que passaram numa rapidez atroz, a angustiante pergunta nos vem à cabeça: será que Macca nos visitará de novo? Possivelmente. Caso novamente venha, o repertório trará novidades? Dificilmente. Será mais do mesmo? Praticamente. Alguém torcerá o nariz para este fato? Com certeza, não. E vamos combinar que a esta altura do campeonato, ter Paul McCartney tão frequentemente e presente entre nós é mais que um acontecimento. É uma dádiva. E presentes sagrados como este não se recusa, muito pelo contrário: faz com que peçamos sempre “bis” substituindo o “adeus” por um “até logo” cruzando os dedos para que o tempo seja um bólido voador até o próximo encontro.

Assim seja!

Set List: “A Hard Day’s Night”, “Junior’s Farm”, “Can’t Buy Me Love”, “Letting Go”,  “Who Cares”, “Got To Get You Into My Life”, “Come On To Me”, “Let Me Roll It”, “I’ve Got a Feeling”, “Let ‘Em In”, “My Valentine”, “Nineteen Hundred And Eighty-Five”, “Maybe I’m Amazed”, “We Can Work It Out”, “In Spite Of All The Danger”, “From Me To You”, “Dance Tonght”, “Love Me Do”, “Blackbird”, “Here Today”, “Queenie Eye”, “Lady Madonna”, “Eleanor Rigby”, “Fuh You”, “Being For The Benefit Of Mr. Kite!”, “Something”, “Ob-La-Di, Ob-La-da”, “Band On The Run”, “Back In The USSR”, “Let It Be”, “Live And Let Die” e “Hey Jude”. Bis: “Happy Birthday To You”, “Birthday”, “Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band”, “Helter Skelter”, “Golden Slumbers”, “Carry That Weight” e “The End”.

Happy Hour – Verdades e Consequências

Coprodução entre Brasil e Argentina aborda a superficialidade da vida quando passamos a dar vazão aos nossos desejos

Texto por Janaina Monteiro

Foto: Imovision/Divulgação

Horácio é o nome do poeta romano autor da ode 1.11, com a célebre fase em latim carpe diem quam minimum crédula postero (aproveite o dia de hoje e confie o mínimo possível no amanhã). E é esse conselho que Horácio, protagonista da comédia dramática Happy Hour – Verdades e Consequências (Happy Hour – Dale Espacio a Tu Desejo, Argentina/Brasil, 2017 – Imovision) decide adotar: desfrutar a vida, sem se preocupar com o destino e suas consequências. A coprodução estreou nesta quinta-feira (28) e foi o primeiro longa rodado na sala que homenageia o Cine Luz, do recém-inaugurado Cine Passeio, da Fundação Cultural de Curitiba.

O ator argentino Pablo Echarri interpreta um escritor frustrado que ganha a vida como professor universitário no Rio de Janeiro. Casado há 15 anos com Vera (Leticia Sabatella), uma mulher belíssima, deputada estadual e candidata à prefeita, Horácio se vê diante de uma crise existencial e procura dar sentido à sua vida. O casal, então, “despacha” o filho para a casa dos avós em Buenos Aires, numa clara tentativa de esquentar o relacionamento.

Mas sua persona de sotaque castellano, cabelo grisalho e experiência de vida, suas aulas com citações a Borges e Shakespeare (como aparece no quadro negro em uma das cenas na sala da universidade), transformam-no num tipo sedutor que atrai as alunas. E a insistência de uma delas faz Horácio repensar seu sentido de liberdade. Depois de tanto martelar durante a aula que é preciso dar vazão ao desejo (dale espacio a tu deseo), o professor decide aproveitar o momento e propõe à mulher um relacionamento aberto, assim como viviam o pai do existencialismo, o filósofo Jean Paul Sartre e da mãe do feminismo, a escritora Simone de Beauvoir. E Happy Hour segue nessa linha existencialista: pretende discutir o fim do romantismo diante do desejo de experimentar amores contingentes, mas se perde com subtramas que acabam por deixar a história confusa.

Crises representam momentos de transformação, como a busca pelo autoconhecimento. E no longa, a reviravolta na vida de Horácio acontece quando o bandido conhecido como Homem-Aranha (que escala prédios e residências para assaltar) despenca de um dos andares e cai em cheio no capô de seu carro. E é como se o escritor se visse preso na teia do bandido. Horácio se torna o herói da Zona Sul e passa a ser perseguido pela mídia sensacionalista e assediado na rua, quase pondo em xeque a carreira política da esposa. Vera precisa manter as aparências – a imagem da família estruturada – durante sua campanha à prefeitura.

A vida do casal, então, mergulha na melancolia de um tango de Piazzolla (“Balada Para um Louco” está na trilha sonora) e num mundo absurdo tipo samba do crioulo doido. O que é ficção e o que é realidade? Horácio já não sabe mais se quer trair a mulher. Depois de ser surpreendida pela sinceridade do marido, Vera, por sua vez, tem dúvidas se quer continuar casada com ele.

O longa prende a atenção do espectador mas peca pelo excesso de elementos narrativos e os saltos radicais entre comédia e drama. Percebe-se também a tentativa dos roteiristas Eduardo Albergaria (que dirige a trama), Fernando Velasco e Carlos Artur Thiré em abordar temas filosóficos profundos (Horácio faz uma rasa referência ao eterno retorno de Nietzsche e a Albert Camus, quando fala em sentir-se estrangeiro) e que soam superficiais. Esse viés dramático muitas vezes não faz sentido e contrasta com cenas que satirizam programas policialescos (dos quais Horácio se torna personagem principal) e referências ao cenário político brasileiro, por exemplo. Em determinada cena, Vera diz “a luta continua”, como se fosse uma interferência da própria atriz petista no roteiro. Aliás, a beleza de Letícia Sabatella impressiona mais (aparece em close quase sem maquiagem) do que sua própria atuação.

Os roteiristas também se atropelam ao simplesmente esquecer o filho do casal no desenrolar da trama. Aparentemente passam-se semanas e o garoto continua na casa dos avós. Seria muito mais trabalhoso se o casal discutisse a relação com o filho presente no dia a dia. E só perto do final é que Horácio e Vera conversam com o menino via chamada de vídeo. Ou tentam conversar, porque o garoto mal abre a boca e a cena não emociona.

Personagens secundários poderiam ter sido melhor exploradas, como o de Chico Diaz e de Marcos Winter (ambos interpretam políticos). Mas quem rouba o filme é Ricardo, interpretado por Luciano Cáceres. Ele surpreende quando interpreta parte da canção “Fala”, do grupo Secos e Molhados (“Eu não sei dizer, nada por dizer, então eu escuto”) durante um “momento fossa” de Vera.

Se a personagem de Horácio busca encontrar um sentido para a vida, a dificuldade é a mesma para quem assiste a Happy Hour. É difícil costurar os significados com tantas subtramas, com tantas teias de aranha. Mas talvez a intenção seja justamente esta: a superficialidade da vida quando damos vazão aos nossos desejos, assim como num happy hour com duração de 105 minutos.

Nós

Oito motivos para você não deixar de assistir nos cinemas ao novo longa com a assinatura do celebrado diretor e roteirista Jordan Peele

Texto por Abonico R. Smith

Foto: Universal Pictures/Divulgação

Nós (Us, EUA, 2019 – Universal Pictures) acaba de estrear nas salas de projeção de todo país. Este é o segundo filme escrito e dirigido por Jordan Peele, sensação do cinema norte-americano, e tão surpreendente e criativo quanto o anterior, Corra!. Eis oito motivos para você não deixar de sair de casa para assistir a esta novidade.

Jordan Peele

Já faz umas boas décadas que novos diretores – muitos deles acumulando também a função de roteiristas de suas obas – têm trazido a Hollywood um frescor não só de ideias como também de assinaturas bem peculiares. E Peele, antes apenas um comediante de sucesso na TV a cabo, tornou-se também um dos cineastas mais festejados pela imprensa desde que Corra! chegou às grandes telas dois anos atrás. Agora, em seu tão esperado segundo filme, Jordan mostra que não só soube manter o elevado nível da estreia como também mostra ter fôlego para muito mais. Com uma cara autoral que pouco se vê em produções com orçamento de indústria mainstream, Nós é atrevidamente delicioso, misturando cultura pop com filmes B sem subjugar o espectador em momento algum e, ainda pelo contrário, oferecer a ele saídas da obviedade de costume dos cinemas de shopping centers. Tudo isso mantendo uma linha autoral claramente destacada, tangenciando autorreferências a detalhes do longa anterior e ainda oferecendo um caminho de evolução. Não à tôa ele foi o nome escolhido para comandar a futura nova temporada da série Além da Imaginação, um dos maiores nomes do audiovisual de ficção científica do Século XX.

Críticas mordazes

Jordan Peele vem do território do humor, mais precisamente do stand up. No cinema, enveredou pela trilha prioritária do terror, mas até agora não abriu mão de soltar críticas contundentes no decorrer de suas histórias. Foi assim em Corra! e é assim novamente em Nós. Seus protagonistas são negros, com problemas referentes aos negros e tendo os brancos como coadjuvantes perversos ou abobalhados da trama. Neste segundo filme, chega ao requinte de colocar toda uma família negra (dois adultos, duas crianças) em uma casa de veraneio de uma abastada praia californiana. Também dá destaque de sobra ao gênero feminino, fazendo sempre a mãe e a primogênita parecerem mil vezes mais inteligentes, perspicazes e interessantes que o pai e o caçula. As alfinetadas não ficam por aí em Nós e, do começo ao fim (literalmente!), alguns detalhes que preenchem a narrativa promovem o deleite do espectador mais atento a este tipo de observação sociocultural, que, desta vez, não poupa nem a tradição hippie criada pela contracultura norte-americana lá nos já longínquos anos 1960. Tudo isso sem falar na sutileza do título original, já que Us quer dizer “nós” português mas serve também como uma ligeira metáfora para a sigla de uns Estados Unidos (isto é, United States) nem tão unidos assim em seus objetivos sobretudo humanitários. É o “nós” do “eu” em primeiro lugar.

Duplo

Um motes de Nós é a existência do famigerado duplo. E mais do que isso: como ser humano é bem despreparado para agir quando se depara com ele. O que acontece na região da praia de Santa Cruz ilustra bem a situação. Primeiro é com a família Wilson, surpreendida por quatro modelos idênticos fisicamente, mas com atitudes, comportamentos e necessidades completamente diferentes. É a aparição deles que dá início a uma espécie de segundo ato, quando o terror sai da zona psicológica e parte para o deleite slasher. Só que a coisa fica melhor ainda quando mais duplos aparecem para começar a amarrar todas as pontas aparentemente soltas no filme. Contar mais sobre isso estragará o prazer da descoberta de quem não assistiu a Nós.

Prólogo

Mal o filme começa e o espectador já é bombardeado com dados aleatórios escritos na tela preta. Depois entra a primeira cena, também cheia de outras informações sendo exibidas por um canal de televisão lá no ano de 1986. Depois, a menina que assiste a tudo sai de casa e aparece com o pai no parque de diversões à beira da praia em Santa Cruz. Lá ela vai viver uma experiência da qual nunca mais vai se esquecer. Este é o prólogo de Nós, que tem conexão com todo o resto do filme, claro. O interessante é que, assim como fizera em Corra! ele vai marcando uma assinatura em seus filmes: a de antecipar dados importantes para o que virá em seguida sem, contudo, deixar claro o que é.

Lupita Nyong’o

Se existe um nome no elenco que, sozinha, já faz valer o ingresso do cinema esta é Lupita. Na pele de Adelaide, a esposa do fanfarrão Gabe (Winston Duke, astro de Pantera Negra), sempre zelosa com os filhos e aterrorizada pelos fantasmas do passado, ela já dá um show de interpretação. Quando aparece em cena na pele do duplo Red, então, arrebenta de vez mostrando toda a sua força tanto em expressões faciais quanto nos limites do uso de sua voz em timbres e ruídos indecifráveis.

Elizabeth Moss

OK que Lupita Nyong’o rouba o filme pra ela, mas há no elenco coadjuvante outra grande força da natureza dramática chamada Elizabeth Moss. Revelada ao estrelato pela série The Handmaid’s Tale, aqui ela é a esposa completamente sem noção da família nouveau riche branquela e amiga dos Wilson. Faz com maestria papel da típica lôraburra, que só enche seu tempo com coisas fúteis e se preocupando em mostrar o resultado de suas operações plásticas ou mostrar como já cresceram e estão belas as filhas adolescentes (interpretadas pelas mesmas gêmeas que, quando pequenas, dividiam o tempo em cena como a filhinha pequena dos personagens Rachel e Ross na série Friends).

Trilha sonora incidental

Produzida em conjunto por Jordan Peele e o compositor Micahel Abels, a trilha incidental de Nósfoi criada tendo como base o trabalho sonoro feito para o icônico filme de terror A Hora do Pesadelo. Algumas faixas são muito percussivas, para acentuar a dramaticidade de certas cenas e deixa-las ainda mais assustadoras. Vale lembrar que esta não é a primeira experiência conjunta deles. Abels fez também a trilha de Corra!, contribuindo da mesma forma para deixar a história ainda mais tensa. Por ter background erudito, Abels é capaz de fazer obras-primas como “Anthem”, a “música de abertura” do longa, com direito a vocais operísticos femininos em stacatto e melodia que gruda na hora na cabeça e nunca mais sai dela, mesmo quando você já se libertou de todos os duplos vistos na tela do cinema.

Trilha sonora pop

Imagine você ver um belo massacre de uma família, feito por assassinos cruéis e com sangue espirrando para tudo quanto é lado, ao som de “Good Vibrations”, dos Beach Boys. Pois é, só Jordan Peele para ter criatividade e ousadia suficiente para bancar isso em um filme feito para a grande indústria do cinema. E agora imagine esta cena tendo o hit supremo dos Beach Boys emendado, com extremo bom humor e maestria, com a sempre contundente “Fuck The Police”, do grupo de rap NWA. Esta é apenas uma das cenas que nunca mais vão sair da sua memória depois de ver Nós. A parte pop apresenta ainda mais duas cantoras bastante representativas da black music do presente e do passado (Janelle Monáe e Minnie Riperton, respectivamente). E também refaz o rap “I Got 5 On It!”, música cuja discussão no carro a respeito de sua letra também é outro pico de bom humor no roteiro.