Céu – ao vivo

Cantora e compositora traz ao palco uma evolução sonora do trabalho anterior junto a leituras intimistas sobre as relações afetivas

 

Texto e foto por Janaina Monteiro

O nome é de batismo. Céu vem de Maria do Céu Whitaker Poças. O sobrenome é do pai famoso Edgard Poças, músico, compositor, produtor musical, nome-chave por trás das faixas dos discos da Turma do Balão Mágico (incluindo o megasucesso “Superfantástico”), além de hits pop e jingles que marcaram os anos 1980. Por isso, não é de se admirar que a jovem que respirou música desde o berço tenha se transformado em uma das mais talentosas representantes da chamada Nova MPB, que transita por gêneros deveras distintos (ou mesmo antagônicos) como jazz, reggae, samba e afrobeat.

No mês passado, Céu trouxe a Curitiba a turnê de seu quinto álbum APKÁ! – o nome vem interjeição criada por seu filho caçula Antonino. O show do disco lançado em setembro foi uma das atraçõies do primeiro Goat Fest – Música e Artes, evento de música e outras artes realizado na Ópera e Arame no último dia 16 de novembro. Das treze músicas do set list, nove são do álbum, que foi tomando forma durante a gestação do segundo filho da cantora com o produtor e baterista Pupillo, que pilotou o trabalho ao lado do francês Hervé Salters (da banda General Elektriks e parceiro de Céu em algumas composições).

O nome do mais recente trabalho só poderia ter sido batizado em homenagem ao guri. APKÁ! (assim mesmo em maiúscula e com ponto de exclamação) representa, segundo a cantora e compositora, uma expressão de satisfação plena e felicidade do bebê. Musicalmente, traz o contraste do novo com o som do passado, da sonoridade sintética com a organicidade das letras de Céu, leituras intimistas sobre relações afetivas, desde o sólido e incondicional amor materno até o fugaz amor conjugal na era digital e todos os sentimentos resultantes, como saudade, desilusão e rejeição. Os arranjos minimalistas e sofisticados que dão base a canções dançantes têm um quê de Tropix, o álbum anterior. Em APKÁ!, entretanto, ela se mostra uma artista versátil ao pinçar influências de toda sua carreira reconhecida nacional e internacionalmente, com um punhado de prêmios Grammy – tanto é que uma de suas músicas recebeu uma versão lá fora sem permissão.

De mansinho, Céu entrou no palco e se concentrou em frente ao microfone, estática, diante de uma plateia de fãs. Não tantos, mas fieis. Era como se ela estivesse em “Off”, primeira canção do show, também batizada de “Sad Siri”. O start se deu sob uma luz azulada que combinava com o vestido da artista, que, então, interpreta a irônica canção de abertura sobre a assistente pessoal do iPhone e iPad abandonada pelo seu interlocutor (“Olá, como vai você?/ No dia de sol, cores tão reais/ Pra quê luzes artificiais?/ Preparei comandos sagazes para lhe trazer pra mim/ Mas você foi tão chinfrim/ E pagou tão caro para me esquecer”). A segunda, “Coreto”, é uma balada romântica psicodélica. Letra curta, direta e metafórica, composta com “Gal Costa na cabeça”. Aliás, a cantora lembra muito a Gal da era tropicalista, seja pelo timbre da voz ou pelo visual com cabelos curtos negros e cacheados. A terceira do set foi “Pardo”, encomenda feita para Caetano Veloso. Ela contou que sua coragem e “cara de pau” surtiram efeito.

Durante todo a apresentação, Céu mostrava que tem ginga, dialogava com o público e dançava ao som da banda que a acompanha. Já perto do fim do

show, ela cantou “Ocitocina”, canção que leva no título o nome do hormônio responsável pelo parto e traduz a atmosfera do nascimento do seu filho e do álbum.

A crítica política com uma roupagem de pista de dança surgiu em “Forçar o Verão” (“Uma nuvem se aproxima do cartão postal/ Feito um convidado que ninguém quer receber/ Mas quando ele vem, não quer mais sair/ No sorriso debochado, estaciona ali). Do primeiro disco, homônimo (2005), foi resgatada “Malemolência”. “Cangote” veio de Vagarosa (2009). Do aclamado Tropix (2016), “Perfume” e “Varanda Suspensa”. Esta destacou-se como a despedida que tirou o público pra dançar.

Set List: “Off (Sad Siri)”, “Coreto”, “Pardo”, “Perfume”, “Nada Irreal”, “Corpocontinente”, “Rotação”, “Ocitocina (Charged)”, “Cangote”, “Malemolência”, “Fênix do Amor”, “Forçar o Verão” e “Varanda Suspensa”.

Erykah Badu – ao vivo

No particular “duelo” com Lauryn Hill, texana vence por goleada ao se apresentar neste fim de ano em SP

Texto e foto por Fábio Soares

Particularmente para o público paulistano, o ano de 2019 ficará marcado pelas apresentações de dois expoentes femininos do hip hop coligado ao soul e ao r&b. No primeiro semestre, Lauryn Hill decepcionava os fãs com sua tradicional irregularidade em cima do palco, aliada a seu eterno mau humor. Meio ano depois, sua contemporânea Erykah Badu também aterrissou por aqui para um show na cidade. Em comum entre as duas, dois fatores: nenhuma delas trazia novo repertório e ambas se apresentaram no mesmo local, o Espaço das Américas.

Se o show de Hill teve seus ingressos esgotados sete meses antes de sua realização, a venda de tickets para a performance de Badu demorou a engrenar, sendo “turbinada” por uma promoção de 50% de desconto a uma semana da apresentação. Sendo assim, na noite de 21 de novembro, cerca de 80% da totalidade da casa estava ocupado e apresentava um público das mais diferentes faixas etárias. Nos camarotes, famosos como Caetano Veloso, Jorge Benjor e Mano Brown eram vistos enquanto a expectativa só aumentava em meio ao atraso do início do concerto. Às 22h50, a incidental (e demasiadamente longa) “But You Caint Use My Phone” foi executada com a cantora surgindo ao palco com pesado figurino e seu inconfundível chapéu a cobrir seu rosto. “Hello” deu continuidade à lentidão da faixa de abertura. Para completar a trilogia da modorrice, “Out My Mind, Just In Time” veio mais para confundir que para explicar. Somadas, as três canções “comeram” quinze minutos da apresentação, dando a impressão de que o repeteco do fracasso da apresentação de Lauryn Hill se materializaria.

Foi somente com “I Want You” faixa do álbum Worldwide Underground (de 2003) que o freio de mão deixou de ser puxado e a engrenagem começou a girar. Com o apoio de um competentíssimo trio de backing vocals e outro trio na percussão, a execução do medley de “On & On”/ “…& On” finalmente ofereceu o consagrador r&b de seu repertório à plateia. A primeira do clássico álbum Baduizm (1997), com seu indefectível refrão “my cypher keeps moving like a rollin’ stone”, e a segunda, como um complemento à sua faixa irmã, lançada três anos depois no seminal álbum Mama’s Gun. O ponto alto da primeira parte foi a trinca de ases formada por “Appletree” (com desacelerado andamento no início para depois explodir em sua execução original), “No Love” (com Erykah baixando o tom de sua voz e deixando de lado descartáveis agudos potencializados por efeitos no microfone) e a sempre MARAVILHOSA “Next Lifetime”. A obra-prima de Badu continua a emocionar audiências mundo afora, mesmo após 22 anos de seu lançamento.

Nem a descartável “Danger” (do irregular Worldwide Underground) deixou a peteca cair devido a mais um momento de brilho dos backing vocals. O proposital efeito contraluz da iluminação, evidenciou ainda mais o talento do trio que escudou a cantora com maestria em “The Healer”, modificada com muito mais peso em relação à sua original versão. Era o epílogo da primeira parte que já passava de uma hora e meia de duração.

Mas o melhor estava por vir. “Didn’t Cha Know” iniciou um “bis” totalmente aberto a improvisos da banda. A mais conhecida faixa de Mama’s Gun foi cantada em uníssono pelo público presente. A cantora interagiu de vez com a plateia nós vinte minutos finais: contou de sua experiência como doula, lembrou os 22 anos de lançamento de Baduizm, ofereceu o microfone à primeira fila da pista premium durante “Tyrone”. Enfim, sentiu-se como no Texas.

Para o fim, improvisou no teclado Hammond um prelúdio qualquer de um medley para ninguém botar defeito: “Bag Lady” (predileta deste que vos escreve e que fez sete mil corações dispararem no recinto), “Honey”, transformando o ambiente num gigantesco baile black (saudades do Chic Show!) e a surpreendente e bem-vinda citação a “Windows Seat” deram números finais a uma apresentação que, se não foi impecável em sua totalidade, ficará na memória do público como a passagem de uma gigante do r&b sua plenitude. Afinal, quem precisa de repertório novo com dois álbuns como Baduizm e Mama’s Gun no currículo? Ah, já ia esquecendo: no meu particular embate entre os shows Badu versus Hill, a texana goleou inapelavelmente a mal-humorada de New Jersey. Por quanto? Uns 8 a 2…

Set List: “Intro/But You Caint Use My Phone”, “Hello”, “Out Of Mind, Just In Time”, “I Want You/Don’t Stop The Music”, “On & On/ …& On”, “Love Of My Life (An Ode To Hip Hop)”, “Appletree”, “No Love”, “Net Lifetime”, “Time’s a Wastin”, “Otherside Of The Game”, “Annie (Don’t Wear No Panties)”, “Danger”, “The Healer”. Bis: “Didn’t Cha Know”, “Tyrone” e “Bag Lady/Honey/Window Seat”.

O Caso Richard Jewell

Clint Eastwood segue na zona de conforto dirigindo mais um longa que aposta a temática do heroísmo americano

Texto por Ana Clara Braga

Foto: Warner/Divulgação

A ideia do heroísmo americano é trabalhada exaustivamente em diversas produções cinematográficas. Clint Eastwood fez toma uma carreira interpretando papéis e dirigindo filmes que abordam o tema, como, mais recentemente, Sully – O Herói do Rio Hudson e Sniper Americano. Seu mais novo longa não foge a regra.

Contando a história real do segurança que consegue identificar uma bomba durante as Olimpíadas de Atlanta em 1996 e evitar uma tragédia maior, O Caso Richard Jewell (Richard Jewell, EUA, 2019 – Warner) traça uma narrativa rica sobre a construção e destruição de ídolos pela mídia. Em um primeiro momento, o protagonista é considerado um herói. Contudo, após a imprensa divulgar que ele está sob investigação, sua imagem é drasticamente transformada na do vilão.

Essa seria uma ótima reflexão, se o rumo escolhido pelo diretor não fosse tão tortuoso. Olivia Wilde interpreta a ambiciosa jornalista Kathy Scruggs, retratada no filme como uma mulher implacável, sem empatia e disposta a oferecer favores sexuais para conseguir um furo. A empresa de mídia Cox Enterprises, dona do Atlanta Journal-Constitution, jornal em que a verdadeira Kathy trabalhava, levantou acusações contra a produção por conta da retratação errônea e difamatória da jornalista. Segundo o The New York Times, não existem relatos de que a jornalista agia de tal maneira. Considerando em que vive-se a época do movimento #MeToo, é absurda a direção escolhida para a personagem de Wilde.

Richard Jewell (Paul Walker Hauser) é apresentado como um cidadão comum, que só quer servir e fazer o bem. Exageradamente ingênuo, Jewell tem fascinação por policiais e sua maior meta é tornar-se um. A empatia que deveria ser dedicada a ele é quase toda destinada a sua mãe Bobi, em uma bela atuação da sempre incrível Kathy Bates.

O filme é mais um conto americano em que “qualquer um pode ser tornar um herói”. Porém, com críticas à máquina da mídia e ao governo, que usam seus poderes para interferir na vida de pessoas comuns.

Clint Eastwood, hoje com 89 anos de idade, certamente sabe produzir dentro de sua zona de conforto. O Caso Richard Jewell é uma obra que não poderia ser feita por outro diretor e isso não é nem uma crítica tampouco um elogio. Sem ousar mas certamente causando polêmica, o diretor alcançou aqui um filme mediano e 100% americano.

Frozen 2

Princesas que se tornaram o símbolo do empoderamento feminino nas animações da Disney voltam em história de encher os olhos

Texto por Flavio St Jayme (Pausa Dramática)

Foto: Disney/Divulgação

Seis anos atrás a Disney lançou aquele que seria um marco entre suas animações. Frozen trazia duas princesas protagonistas (nenhuma delas buscando seu príncipe encantado!) e uma mensagem atual de poder feminino que até então não tinha sido mostrada em suas produções. Anna e Elsa se tornaram ícones, Olaf derreteu corações pelo mundo e a canção “Let It Go” torturou pais e virou hino de libertação.

Agora, depois de muita especulação e espera, chega aos cinemas Frozen 2 (Frozen II, EUA, 2019 – Disney), que vai além de ser uma mera continuação da história das irmãs. Este segundo filme ressignifica muito do que aprendemos no primeiro e se torna, por diversas razões, melhor que o longa de 2013. Desta vez, Anna e Elsa precisam partir para um lugar desconhecido em busca de um segredo do passado que pode salvar ou condenar a todos no reino de Arendelle. Ao seu lado, Kristoff, Olaf e Sven acabam formando praticamente uma equipe de super-heróis em um filme dos Vingadores, onde cada um tem sua habilidade e seu momento de brilhar. Com muito mais aventura e mais momentos dramáticos, Frozen 2 potencializa o primeiro filme. Mas também nos mostra um novo mundo e mais sobre quem são na verdade Anna e Elsa.

Se alguns anos atrás criar água em animação era um desafio, o longa deixa bastante claro que isto foi superado. As sequências envolvendo o mar são de encher os olhos, tecnicamente perfeitas. Também mostram o poder de elevar o primeiro filme. Tudo aqui tem mais brilho, mais textura, mais movimento.

Anna e Elsa vão de meras princesas a super-heroínas de botas e calças, cavalgando e enfrentando sozinhas perigos até então desconhecidos. Novos números musicais pontuam o filme carregando na emoção e o “momento Let It Go” não decepciona. Algumas cenas incríveis de Frozen 2 ficam por conta de seus coadjuvantes: a sequência em que Olaf faz um recap do primeiro longa é impagável e o momento boy band de Kristoff, com direito até a referências a “Bohemian Rhapsody”, do Queen, merece ser visto e revisto (além de deixar a música grudada na cabeça!).

O novo longa estreia no dia 2 de janeiro no Brasil, após já ter quebrado recordes de bilheteria nos EUA e como fortíssimo candidato ao Oscar de melhor animação. Ainda que a briga seja dura entre ele, Toy Story 4 e Como Treinar Seu Dragão 3, que nosso amor por Woody, Buzz e Banguela seja imenso e ainda que todos eles tragam histórias emocionantes, Frozen 2 está algumas cavalgadas à frente de seus concorrentes.

Minha Mãe é Uma Peça 3

Paulo Gustavo volta a interpretar Dona Hermínia em filme que parece não ter sido feito para ser exibido nos cinemas

Texto por Leonardo Andreiko

Foto: Downtown Filmes/Divulgação

Há certos tipos de filme que não têm seu lugar no cinema. Não me entenda mal, este não é um juízo de valor – um filme não é feito para o cinema simplesmente por ser ruim (ou é ruim e, portanto, não é adequado para os cinemas). Este, inclusive, é o caso de Minha Mãe É Uma Peça 3 (Brasil, 2019 – Downtown). Um filme que não é ruim, porém nem por um segundo é adequado para as telonas.

O longa dirigido por Susana Garcia é uma série de esquetes, escritas e protagonizadas por Paulo Gustavo. Interpretando uma personagem fortemente inspirada em sua mãe, ele encarna uma desbocada e desaforada senhora, mãe de três, que descobre que será avó e, ainda por cima, seu filho gay (que, por sua vez, é inspirado no próprio protagonista) irá se casar. É uma série de esquetes que, de fato, acabam por estruturar-se desta forma. Classifico desta maneira pela falta de coesão na passagem de uma cena a outra. Não há “cola” que una o filme, além de um fiapo de história que se estende demais.

Desta forma, tal como seus antecessores, Minha Mãe É Uma Peça 3 é um compilado de eventos cômicos de Dona Hermínia. Logo, é evidente que o longa depende fortemente da atuação de Paulo Gustavo, que entrega muito bem suas melhores piadas. Há, no entanto, momentos fracos, e até mesmo entediantes, sequências inteiras que poderiam ser descartadas e, com isso, nada na trama mudaria.

Só que Minha Mãe É Uma Peça 3 é completamente desinteressado em sua trama. Sua intenção é, e isto está claro desde o início, o puro entretenimento esquetista e barato. Os punchlines. Este é um fator importantíssimo ao analisar um filme como este. Dentro do que se propõe, o longa opera contundentemente. É ciente de suas lacunas mais cinemáticas, por assim dizer, mas traz consigo uma vontade (do público) completamente diferente da de um filme “comum”. O espectador deste longa está interessado em encontrar as semelhanças de suas mães e avós com Dona Hermínia e suas colegas.

Outro ponto que deixa clara a inaptidão deste filme para as telonas é a fotografia. Dante Belluti, fotógrafo da série Coisa Mais Linda, entrega um quadro completamente plano na maioria das vezes. Utilizando clássicas estratégias de iluminação novelesca, ele, aqui, anula todo o potencial de linguagem que a fotografia fílmica carrega. Adiciona-se a isto a mais cafona das trilhas sonoras, que entra nos momentos mais telegrafáveis possíveis, para construir um perfeito filme de fim de tarde de domingo – mas um desastre para os cinemas.

Minha Mãe É Uma Peça 3 entretem o público, tira boas risadas, até mesmo gargalhadas. Contudo, não traz consigo nenhum valor além do mais barato entretenimento, esquecível. Por tudo isso, é mais adequado à telinha que à telona.