Pato Fu

Grupo comemora 30 anos com álbum de músicas inéditas, EP ao vivo, turnê nacional e ainda levando o projeto Música de Brinquedo à TV

Texto e entrevista por Abonico Smith

Foto: Divulgação

Sobreviver fazendo rock neste país é uma tarefa difícil para artistas profissionais da música. O gênero, após um período de glórias entre os anos 1980 e 1990, parece ter caído em desgraça mercadológica após a internet 2.0 ter mudado todo o consumo de comunicação e arte depois da virada do século. A briga por um lugar ao sol no gosto da população brasileira contra outras vertentes-medalhões vem sendo bastante desigual há um bom tempo e são bem poucos os nomes que, hoje, conseguem se manter apenas viajando pelo território nacional e lançando uma ou outra coisa nova. Pertence ao passado aquela engrenagem que envolvia gravadoras, meios de comunicação (emissoras e programas de rádio e TV voltados a este nicho, sobretudo) e uma molecada disposta a envolver seus recursos (indo desde o material ao abstrato, como o tempo). Há quem possa argumentar que novas plataformas digitais possibilitam novas coisas, como contato direto com fãs e a mola-mestra do DIY por mais tosco que seja, mas também o panorama é desolador: multiplicou a demanda e aumentou a concorrência pelos ouvidos e gostos de cada pessoa. Sem falar que, por aqui, o rock envelheceu e caducou, transformou-se em coisa voltada a gente mais velha e conservadora, de origem branca e com mais dindim no bolso. Basta dar uma olhada geral na plateia que circula entre grandes festivais e shows de arenas e estádios de futebol.

Sobreviver tanto tempo em uma mesma banda também é tarefa difícil. Esta sempre foi, na verdade. Quando se convive com frequência com mais de duas cabeças pensantes, fica complicado conciliar vontades, desejos, maneiras de se pensar, fazer e agir. É raro passar anos e anos segurando uma mesma formação, sobretudo quando são envolvidas mentes criativas e egoicas. Dá para contar nos dedos os grupos, tanto no Brasil quanto no exterior, que permanecem por mais de uma década com a mesma formação, seja a original ou aquela considerada clássica por crítica e público. Discordâncias frequentes quase sempre dão origem a rupturas inevitáveis mais cedo ou mas tarde.

Formado em Belo Horizonte em 1992 por Fernanda Takai (voz, guitarra e violão), John Ulhôa (guitarra, violão, voz e programações) e Ricardo Koctus (baixo e voz), o Pato Fu permanece vivo, atuante e esperneando. Mesmo que seus integrantes principais se dividam em outras atividades paralelas (Fernanda tem uma bem sucedida carreira solo, John é produtor e Ricardo possui uma pizzaria), o trio nunca parou de se apresentar ao vivo e disponibilizar novidades em áudio e vídeo para novos e velhos fãs. Nesta temporada de 2023, inclusive, vem proporcionando lançamentos que celebram o extenso currículo. Tudo pelo próprio selo da banda, o Rotomusic.

O primeiro deles foi surgindo aos poucos na internet desde o ano. O álbum 30 é o primeiro disco autoral de inéditas em nove anos. Nove também é o número de faixas. A curiosidade é que elas foram pipocando aos poucos nas plataformas, em três lotes de três músicas cada. Foi como se a banda fizesse três singles e agora os compilasse em um único disco, em uma metodologia semelhante a feita por artistas e selos lá no ínicio do rock’n’roll, nos anos 1950, quando os compactos eram a melhor forma de lançar novidades e testar a popularidade de uma canção. Além de uma caprichada versão em português para o clássico da musica popular italiana “Io Che Amo Solo Te”, os fus ainda oferecem um punhado de faixas com temáticas comuns a todos no Brasil nos últimos, como os reflexos da pandemia e o isolamento social, mais a política de horrores praticada pelo (des)governo que infestou os prédios públicos de Brasília entre 2019 e 2022. 

Além de Fernanda, John e Ricardo, o grupo tem novamente Xande Tamietti segurando as baquetas. Ele era integrante oficial quando os mineiros lançaram seus discos mais conhecidos, deu uma pequena saidinha e acaba de voltar. O tecladista Richard Neves, que já tocou com muita gente do primeiro escalão da nossa música (de Milton Nascimento a Ney Matogrosso), completa a atual formação de quinteto que agora roda o país com a turnê 30 Anos, que possui um repertório especial, misturando hits com vários lados B bastante queridos pelos fãs mais hardcore da banda – isto é faixas que não ganharam videoclipe na MTV Brasil nem tocaram nas rádios mas que são cantadas de cabo a rabo por muita gente. A escala deste final de semana ocorre em Curitiba – o quinteto se apresenta no tradicional Teatro Guaíra (para onde já levara quatro anos atrás o projeto Música de Brinquedo) hoje, dia 30 de setembro (mais informações sobre ingressos e horário você tem clicando aqui). O sábado seguinte, 7 de outubro, marcará o retorno à terra natal Belo Horizonte, com um show no Palácio das Artes (mais sobre este evento, aqui).

Seis músicas que estão no repertório desta turnê foram gravadas ao vivo e compõem o segundo disco deste ano, o EP gravado em parceria com o estúdio belorizontino Sonastério. O nome do disco, não por acaso, é Sonastério Ilumina Pato Fu. Aqui a ideia foi captar como a banda soa em shows, com arranjos menos eletrônicos e mais orgânicos, um pouco diferentes em relação às timbragens e sonoridades das gravações originais das composições mais antigas.

Engana-se quem pensa que os lançamentos irão parar por aqui. Vem ainda, em breve, um outro disco ao vivo, agora gravado em conjunto com a Orquestra Ouro Preto e batizado Rotorquestra de Liquidificafu. Por fim, para o ano que vem o canal por assinatura Nickelodeon estreará um programa que levará o projeto Música de Brinquedo para a TV. Já existem duas temporadas gravadas, com episódios que reunirão a banda, os monstros criados pelo Giramundo e as releituras de clássicos da música pop feitas somente com instrumentos infantis.

O Mondo Bacana conversou com Fernanda e John, que falam do pulsante e prolífico momento atual do trintão Pato Fu. E ainda tenta solucionar um grande mistério que envolve o grupo e parece ignorar a sua longa trajetória como um dos principais nomes do rock nacional.

Qual o segredo do sucesso da manutenção por três décadas de um casamento musical? No caso de vocês, ainda há uma curiosidade nisso, já que dois terços do núcleo que começou a banda lá no início dos anos 1990 permanecem como um casal na vida real.

John: É uma fórmula que a gente pode até tentar estabelecer, mas dificilmente aplicar pras outras bandas. Acho que começa com aquele clássico “fizemos a coisa certa na hora certa”. Isso explica o sucesso inicial, mas pra durar 30 anos, acho que o principal ingrediente é o respeito e amizade entre os integrantes. Sempre fizemos escolhas consistentes na carreira, cuidamos bem dos fãs, procuramos parcerias de alto nível em som, vídeo, fotografias, tudo. Mas a gente não duraria tanto se o clima interno da banda fosse de brigas e discussões intermináveis. Sempre fomos amigos, continuamos sendo. E até o meu relacionamento com a Fernanda, é parte disso. Não sei se o Pato Fu teria dado certo sem nosso casamento. Ao mesmo tempo, não sei como seria nosso casamento sem esse projeto em comum, o Pato Fu. É mesmo uma fórmula de uso único.

O novo álbum tem nove faixas que foram lançadas de um modo diferente, em três lotes diferentes de três canções cada. O novo modelo de negócios no mercado fonográfico aponta mesmo a tendência de se abandonar a concepção de um álbum como uma peça inteira e básica. Vocês concordam? Como foi esta experiência com o Pato Fu?

John: Gostamos de álbuns. São parte do nosso modo de fazer as coisas. Podemos até lançar de outro modo, mas quisemos deixar aquele cheiro de “álbum” no ar. O LP em vinil está no forno, já já será lançado. Quando se faz um álbum, um monte de outras ideias se somam, a começar pelo projeto gráfico. Daí aquilo vai pro cenário da turnê e vai se multiplicando. Esse pessoal que não faz álbuns não sabe o que está perdendo…

O novo álbum parece ser a obra do Pato Fu em que é mais explícito o quanto o ambiente redor afetou vocês como músicos e cidadãos. As letras falam sobre pandemia, isolamento, desgoverno brasileiro, política de horrores. Foi intencional querer botar isso para fora?

John: Sim, claro! Esse ambiente obviamente nos afetou e isso transparece nas letras. Já podíamos notar coisas assim nos discos anteriores, mas acho que agora mesmo as questões mais pessoais passaram pela situação extrema que vivemos, são recados aos amigos, como “Fique Onde Eu Possa Te Ver”. Essa vontade de mandar um abraço aos amigos e ao mesmo tempo denunciar os absurdos que presenciamos foi realmente a tônica do álbum.

Uma curiosidade é a versão em português de “Io Che Amo Solo Te”, clássico da musica romântica italiana dos anos 1960, década em que o pop cantado naquele idioma era bastante consumido aqui pelas Américas. Como surgiu a ideia? A canção tem relação com a memória afetiva de vocês do tempo de crianças?

John: Essa é o alívio romântico, versão inesperada, memória afetiva deslavada, essas coisas que sempre aparecem nos discos do Pato Fu. A gente já tinha citado essa música no finalzinho de “Vida Imbecil”, lançada em 1995 no álbum Gol de Quem?. Um dia desses, zapeando o streaming, nos deparamos com a versão da Rita Pavone. A gente vinha procurando uma música pra gravar com a Orquestra Ouro Preto, com quem estamos fazendo vários concertos. “Io Che Amo Solo Te” tocou muito na nossa infância, foi trilha de novela e foi um desses momentos tipo “por essa você não esperava!” que a gente vive perseguindo. Ruriá Duprat fez o arranjo de cordas e o resultado ficou lindo. Temos tocado essa ao vivo nos shows com a orquestra. É uma emoção.

O disco também trouxe de volta a parceria com o Dudu Marote, responsável pela produção de alguns dos discos mais populares da banda. Como surgiu a ideia do reencontro? Alguma mudança no modo de trabalhar entre passado e presente?

John: Nessa celebração dos 30 anos tentamos trazer de volta muitos conceitos e muita gente também. Pessoas que já trabalharam conosco em momentos importantes, achamos que seria legal tê-las por perto de novo. E o Dudu foi um desses. Produtor fundamental em nossa carreira. Ficou animadíssimo com o convite, veio nos visitar, ficamos todos pilhados e empolgados em trabalhar com ele de novo em duas das músicas. Dudu sempre foi um cara muito envolvente, e continua sendo. Ainda é seu estilo o artesanato pop, a busca do beat, do timbre exato, da colocação de voz perfeita. Aprendi muito com ele e essa foi mais uma chance pra eu aprender mais.

Outra faixa traz uma parceria com Climério Ferreira, poeta, cantor e compositor piauiense e também professor aposentado da Universidade de Brasília…

Fernanda: Climério é meu parceiro já em outras duas canções que eu tinha gravado em meus discos solo. Resolvi trazê-lo também pro Pato Fu, pois achava que a canção cabia na proposta de representatividade dos nossos lados líricos diversos. Vez por outra me pego lendo seus versos e pensando: “esse aqui daria um belo começo de música!”. Geralmente saio juntando várias linhas dele, encontrando um sentido entre as frases. Quando termino melodia e harmonia, mando pra ele reconhecer a paternidade.

A capa de 30 é baseada em traços de mangá. Esta é mais uma forte ligação do Pato Fu com a cultura pop japonesa. Como surgiram os bichos/personagens de cada faixa, que ilustram a capa e os vídeos de animações do YouTube?

Fernanda: Eu conheci o trabalho do Bruno Honda quando escolhi um quadro dele como recompensa num financiamento coletivo de livro. Junto veio uma outra ilustração dele com um recadinho dizendo que ele amava a música do Pato Fu. Isso deve fazer uns 4 anos… Quando fomos escolher entre vários artistas, apresentei os seus traços aos outros músicos, que acabaram votando por ele também. Ele gosta de desenhar bichos em funções humanas. Então perguntou quais os animais que poderiam ser usados para cada música. Demos nossas sugestões e ele foi exatamente em cima delas.

O álbum 30 não é a única novidade do Pato Fu. A banda também acaba de soltar um EP com seis faixas, gravado ao vivo, com algumas faixas clássicas inclusive tendo seus arranjos modificados. Este disco serviu como um laboratório para a nova turnê? Por quê modificar alguns dos hits mais conhecidos desta trajetória de trinta anos?

Fernanda: Eu acho que as gravações do Sonastério são bem fieis aos arranjos originais. A gente mudou muito quando fez o Ao Vivo no Museu de Arte da Pampulha. Essa leva agora só traz a pegada mais forte de banda mesmo. “Spoc”, por exemplo, só não tinha o Xande antes. Não modificamos a essência dos arranjos nos álbuns.

A turnê atual também recupera alguns “lados B” da banda. É importante para um artista não se fixar só no mainstream de seu repertório, ainda mais quando se trata de uma carreira longeva?

Fernanda: Pato Fu é justamente uma banda que tem essa dualidade de vários hits de FM, vídeos, novela, mas que possui uma base de fãs que gosta do lado mais ácido e experimental. A gente lida com isso de forma bem natural desde o início, pois gostamos disso também. Não conseguiríamos ser previsivelmente de um jeito só.

Falem um pouco dos próximos trabalhos da banda: o disco ao vivo com a Orquestra Ouro Preto (que já aparece em uma faixa do EP ao vivo), o Música de Brinquedo chegando à TV por meio do Nickelodeon…

Fernanda: Esse disco deve ser lançado no começo do ano que vem, John ainda vai mixar as faixas. Ele esteve dedicado ao sound design da série da Nick Jr, que ocupou bastante o tempo dele, assim como toda a preparação pra turnê, som e vídeos, trabalhando com a equipe do Batman Zavareze, que assina a direção de arte das projeções. Música de Brinquedo, a série, vai ao ar em episódios inéditos todo sábado, meio-dia e meia, com reprise durante a semana. Já temos duas temporadas gravadas. Tomara que siga em frente, pois é algo muito divertido, onde os monstros do Giramundo tem mais espaço pra brilhar!

Por que diabos o Pato Fu não é chamado para tocar nos principais festivais de música dos últimos anos no Brasil, como Rock In Rio, The Town, Lollapalooza e Primavera Sound?

Fernanda: Devem estar esperando a gente completar 40 anos de carreira! Mas há festivais só de música nacional também como o João Rock, por exemplo, que nunca nos chamou em 20 anos. The Town fiz como convidada do Terno Rei, já há uma esperança… Fizemos quase todos os grandes festivais do passado e temos feito ainda os festivais do circuito mais indie. Acho que somos sobreviventes a tantas ondas que a ideia é permanecer vivo, com saúde e tocando bem para quando for a hora de novo.

Nenhum de Nós – ao vivo

Sem um integrante, banda apresenta em Curitiba uma acentuada veia rock’n’roll jamais vista em shows anteriores

Texto por Abonico Smith

Fotos de iaskara

Quando vou escrever o texto de alguma resenha procuro pensar numa ideia referente ao objeto da análise. Pode ser algo sobre o artista, a obra, o público-alvo, mas necessariamente precisa poder me dar algum assunto para discorrer sobre, defender alguma teoria – seja positiva ou negativa – a respeito disso. Quando solicitei o credenciamento para realizar a cobertura da recente passagem do Nenhum de Nós por Curitiba fiquei matutando a respeito do que iria ser a costura do texto.

Acabei me fixando em um ponto curioso. Ainda são várias as bandas que colocaram o rock no mainstream brasileiro a partir dos anos 1980 que permanecem em atividade. Isso que dizer que lá se vão entre três e quatro décadas continuas de shows e lançamentos de discos (no formato do momento do mercado fonográfico que fosse). Só quase todas sofreram com perdas pelo caminho. Mortes, desentendimentos, rompimentos e saídas dos integrantes de suas formações, se não a original, a clássica, aquela que ficou conhecida pelo grande público. Só para citar algumas que permanecem vivas: Blitz, Rádio Táxi, RPM, Barão Vermelho, Titãs, Ultraje a Rigor, Ratos de Porão, Mercenárias, Replicantes, Ira!, Capital Inicial, Biquíni, Inocentes, Plebe Rude, Legião Urbana (ops, essa não pode, judicialmente, nem utilizar o próprio nome durante as turnês!). Se o panorama se estender para os anos 1990, outra década de ouro do gênero no Brasil, temos Raimundos, Nação Zumbi, mundo livre s/a, Planet Hemp, Natiruts, Relespública, Sepultura e por aí vai. Caso você queira estender o panorama aos anos 1970, dá para adicionar dois heróis da resistência bem famosos, que mais recentemente decidiram retomar a trajetória como conjunto: Mutantes e Novos Baianos.

São poucos os exemplos quem sobreviveu ao desmonte mantendo o mesmo time clássico de músicos. Pode-se começar por aquelas exceções graças a curiosidades. O Los Hermanos só volta a se reunir em turnês esporádicas a cada três ou quatro anos. O Skank permaneceu unido até o começo deste ano até, enfim, dar adeus aos palcos. O Pato Fu iniciou como um trio que está lá até hoje na linha de frente, embora outros instrumentistas (teclados, bateria, percussão) tenham ido e vindo na formação. Dá para contar nos dedos de uma mão aqueles que permanecem intocáveis: Jota Quest, Racionais MCs (ainda mais para quem defende a teoria de que o rap é o novo rock), Paralamas do Sucesso (que inclusive montaram um show baseado no trio-que-vira-quarteto, com o tecladista que toca com eles desde sempre) e, o foco deste texto, Nenhum de Nós. Muitos músicos dizem que fazer parte de uma banda é como manter um casamento, quase sempre com mais de duas pessoas envolvidas. Por isso dar continuidade ao relacionamento acaba virando algo difícil quanto com o passar dos anos. Sem falar no sempre eterno Made In Brazil.

O Nenhum de Nós é um caso interessante quanto a isso. Começou em Porto Alegre em 1986 como um trio (Thedy Corrêa, baixo e voz; Carlos Stein, guitarra; Sady Homrich, bateria) e nos anos seguintes gravou os dois primeiros discos, já com três grandes hits  nacional (“Camila, Camila”, “Eu Caminhava” e “O Astronauta de Mármore”). O terceiro, de 1990, indicou um crescimento tanto no direcionamento sonoro (a incorporação de timbres e instrumentos que flertavam com a música tradicional gaúcha) e o acréscimo de Veco Marques para se dividir entre os violões e a segunda guitarra. Em 1996, já no sexto disco, o quarteto virou oficialmente um quinteto, com o músico de apoio João Vicenti (teclados e acordeon) virando membro fixo. Já na primeira década do novo século, Thedy passou a se dedicar mais à função de frontman sem ter de estar sempre tocando algo com as mãos. Por isso, deixou o baixo a cargo de Estevão Camargo, que desde então acompanha o grupo nos concertos sem, contudo, figurar na formação oficial. Portanto, é um trio que virou quarto, transformou-se em quinteto e hoje viaja como sexteto. Mas o mais importante é que quem entrou para o time não saiu mais. Nunca mais. Pelo menos até agora. Ou não?

Madrugada de 17 de setembro deste ano. Perto da uma da manhã, o Nenhum de Nós está sendo aguardado por uma plateia ávida por rock cantado em português. A banda gaúcha era a atração principal da noite no White Hall Jockey Eventos, que lançava a edição deste ano do Prime Rock Festival em Curitiba, evento anual que reúne grandes nomes do segmento durante um dia todo na Pedreira Paulo Leminski – informações sobre atrações, ingressos e tudo mais do próximo dia 9 de dezembro você encontra clicando aqui). Chego quase em cima da hora do início do show e me posiciono bem na cara do palco, mas na lateral direita. Era uma área reservada para ingressos vip. Dali, bem na grade, enxergava com perfeição a frente toda. Mas pouco via a bateria colocada ali ao fundo.

Entraram os músicos. Thedy, Carlos, Veco, Sady, Estevão… Mas cadê João? Me dirigi em direção ao centro e só então caiu a ficha: não havia nada de teclas disposto no palco. Nada da sanfona, nenhum teclado sequer. Atrás dos guitarristas e do vocalista, apenas o kit de Homrich e o pedestal com microfone para o baixista fazer os backings. O que teria acontecido com Vicenti? Espero alguma informação dita entre as músicas a respeito da ausência. Nada. Teria saído do grupo?

Lembro rapidamente que horas antes havia procurado na internet NdN informação mais recente sobre a banda. Algum lançamento, algum anúncio. Afinal, já fazia um tempinho que não sabia nada a respeito de novidades. Para minha surpresa, um comunicado dizia que o site oficial está em fase de reconstrução e em breve estará novamente ativo. Fui às redes sociais do NdN e também nada de novo encontrei por lá. Enquanto isso, as primeiras canções seguiam e Thedy continuava sem se pronunciar a respeito da “nova formação” de quinteto.

Passou mais um filme ligeiro em minha cabeça. O de que jornalistas também passam por perrengues em suas coberturas externas. Muitas vezes o cenário encontrado no local pode não bater com as informações prévias que existem sobre aquela pauta. Me peguei ficando surpreso e ansioso por alguma peça que ainda faltava no quebra-cabeça. Acompanho a trajetória ao vivo do NdN com regularidade desde 1988, quando assisti em um palquinho armado no Parque Barigui ao lançamento do primeiro álbum deles (e na sequência fui entrevistá-los no microônibus estacionado nos bastidores). Na foto utilizada nas peças promocionais da apresentação do White Hall o tecladista estava presente. Cadê João Vicenti e por quê ele não estava lá eram as perguntas que se repetiam em marteladas na mente. Havia ainda espaço para mais outras duas: será que todo o mote previamente pensado para escrever este texto teria simplesmente desabado em questão de segundos e eu teria de me virar para achar um fio condutor ali, meio que do nada, enquanto as músicas eram tocadas?

Um certo nervosismo tomou conta depois de um punhado delas. Fui observando como estavam os arranjos sem piano, teclado e acordeon. Percebi que Thedy empunhou mais vezes o violão, tecendo o fundo das bases harmônicas. Percebi também que o volume das guitarras de Veco e Carlos estavam mais alto do que o de outros shows anteriores em que estive presente. Com mais peso e distorções também. Puxava na cabeça a lembrança das gravações em discos de estúdio. Tinha momentos em que eles (às vezes um, às vezes outro, às vezes os dois juntos) substituíam os riffs tocados nas teclas pretas e brancas ali nas ligas metálicas que formam as seis cordas. Aos poucos ia criando um plano B para poder fazer a resenha enquanto ainda esperava alguma fala sobre a ausência da noite. Criatividade e improviso também são recursos de última hora que podem (e devem) ser utilizados durante o exercício do jornalismo.

O set list do Nenhum de Nós em versão quinteto acabava surpreendendo. Nunca havia visto os gaúchos em uma performance tão (com o perdão do trocadilho besta para um artista que já lançou alguns discos acústicos!) elétrica. A veia pop que sempre permeou aquela extensa coleção de hits que o grupo costuma tocar ao vivo nunca havia soado tão rock’n’roll como ali, naquele instante. Várias vezes me peguei olhando o figurino escolhido pelo vocalista para se apresentar na capital paranaense. Uma jaqueta jeans trazia vários signos do rock entre o cult e ounderground. O slogan básico rock’n’roll, uma caveira, uma cruz, um enorme rosto de David Bowie do look raio colorido no rosto enfeitava as nas costas, um X bem grande na lateral frontal (que poderia remeter tanto à negação e à ruptura propostas pelo gênero como também à histórica banda punk X, de Los Angeles). Por baixo da jaqueta, uma camiseta com a estampa onde se lia o nome original do livro Espere a Primavera, Bandini. Publicada em 1938, a primeira obra de John Fante fala sobre o típico sentimento de inadaptação durante a adolescência, o fato de se sentir deslocado em relação à família, escola e sistema vigente. O protagonista Bandini nada mais era do que o alter ego do autor, que depois viria a escrever o clássico Pergunte ao Pó e se tornar um dos nomes mais cultuados da literatura underground norte-americana do século 20. Sei que Thedy é um consumidor voraz de livros e HQs. Estaria ali na camiseta dele um recado discreto sobre a “nova fase” do NdN?

Conforme o show se encaminhava para o final sentia o que em inglês se chama de mixed emotions. Gosto demais do terceiro álbum, Extraño, de 1990, no qual o Nenhum de Nós passou a incorporar elementos e influências da música regional do sul do país, criando uma identidade própria que passou a diferenciá-la de outros grupos locais de sua época – inclusive incluí o disco na minha votação feita para o recentemente lançado livro sobre os cem maiores álbuns do rock gaúcho. Com o tempo e a rápida consolidação do então músico de apoio João Vicenti na formação oficial, o NdN foi desenhando uma sólida discografia em conjunto com grande fanbase em todo o país. Saiu de uma grande gravadora, pipocou por vários selos menores e/ou independentes, voltou a uma major, retornou à independência (estacionando em 2009, enfim, no do it yourself do selo ligado à própria produtora de shows que sempre esteve com a banda). Tudo isso sem diminuir o volume de convites, viagens, lançamentos e fãs. Como assim, de uma hora para outra, depois de três décadas, poderia haver uma nova adaptação sonora tão repentina?

Ao mesmo tempo, a garra e o afinco mostrados ali, sem João e com muita segurança, possibilitaram que, sim, poderiam servir como um alívio imediato (com o perdão do trocadilho que faz uso do nome de uma música de outros gaúchos, os Engenheiros do Hawaii!) para um possível imediatamente “novo” NdN. Ao vivo já resolvido. Talvez em estúdio preparando novidades e surpresas para logo.

O set list foi chegando ao final com os refrões dos diversos hits cantados a plenos pulmões e algumas covers adicionadas estrategicamente no repertório – afinal o evento era para promover o vindouro festival que celebra o rock nacional. Teve, então, “O Segundo Sol” (de Nando Reis mas muito famosa na voz de Cassia Eller), “Gita”(de Raul Seixas, de quem eles já regravaram “Tente Outra Vez”), “Um Girassol da Cor de Seu Cabelo” (de Lô Borges e lançado no histórico álbum Clube da Esquina) e “Toda Forma de Amor” (de Lulu Santos). As duas últimas, aliás, os gaúchos regravaram em Outros, disco de intérprete dedicado ao repertório alheio, lançado em 2012). E o encerramento (por que não?) do bis ficou com “O Astronauta de Mármore”, a consagrada versão em português para “Starman”, de David Bowie. Contudo, nenhum palavra proferida a respeito de João Vicenti não estar ali. 

Depois de cerca de uma hora e quinze de apresentação, saí do White Hall ainda encafifado mas com uma ideia simples e básica: mandar uma mensagem para Thedy perguntando o porquê da ausência de João. A resposta chegou no meu whatsapp horas depois, dando, enfim, uma conclusão para o mistério: ele sequer embarcara para Curitiba, pois havia sentido uma indisposição. Menos mal. O Nenhum de Nós não perdera um membro. O desfalque era apenas momentâneo e a sonoridade com a mistura de elementos da música gaúcha não fora descartada. Lado positivo: quem esteve ali na casa pode ver um raro show do NdN em que ele voltava às origens guitarreias pré-Extraño, porém com muito mais peso e barulho. E o fim definitivo dessa incógnita ainda possibilitou uma saída robusta para a tarefa de escrever o texto sobre o concerto: transformá-lo em misto de resenha, relato pessoal da noite e crônica gonzo.

Set list: “Paz e Amor”, “Notícia Boa”, “Eu Caminhava”, “Amanhã ou Depois”, “Eu Não Entendo”, “Das Coisas Que Eu Entendo”, “O Segundo Sol”, “Sobre o Tempo”, “Um Girassol da Cor de Seu Cabelo”, “Diga a Ela”, “Gita”, “Julho de 93”, “Você Vai Lembrar de Mim”, “Vou Deixar Que Você Se Vá” e “Camila, Camila”. Bis: “Toda Forma de Amor” e “O Astronauta de Mármore”.

Rock Session 2023

Oito motivos para não perder o festival itinerante que abraça a nostalgia dos anos 1990 e 2000 e promete fazer os adultos chorarem novamente

Fresno

Texto por Frederico Di Lullo

Foto: Divulgação

Depois de uma primeira edição que contou com nomes como CPM 22 e Detonautas, o Rock Session está de volta e promete agitar ainda mais os presentes que sentem saudades da primeira década deste século. O evento – que será realizado em São Paulo (6 de outubro, Vibra SP) e Curitiba (14, Live) –  apresenta um lineup de peso com Fresno, Raimundos, Charlie Brown Jr 30 anos, Braza e Day Limns. A data de 13 de outubro, marcada para São José, cidade da Grande Florianópolis, foi cancelada.

Mostramos aqui os nossos tradicionais oito motivos para você não perder esta celebração, que promete provar, mais uma vez, que o emo está mais vivo do que nunca aqui no Brasil.

Produção de alta qualidade

Espere um espetáculo visualmente impactante, com luzes, cenários e efeitos especiais que tornarão cada concerto único na vida de quem for. O Rock Session é sinônimo de uma experiência completa e de shows inesquecíveis.

Fresno

Um dos grandes nomes do rock nacional dos últimos 20 anos, o agora trio Fresno segue promovendo o elogiado álbum Vou Ter Que Me Virar (de 2021). O grupo gaúcho chega ao Rock Session com status de headliner porque por onde passa está enchendo as casas de shows e enumerando avisos de sold out. Não à toa, eles afirmam que estes são os maiores concertoss que já realizaram ao longo dos 24 anos de estrada.

Nostalgia emo

Este Rock Session é uma oportunidade perfeita para voltar no tempo e reviver os dias em que o emo dominava as mentes dos jovens e programações das rádios rock em todo o país. A geração que cresceu nos anos 2000, justamente quando o emo bombava, está agora lá pelos 20 ou 30 e poucos anos. Portanto, sente nostalgia dessa época que viveu e acompanhou.

Braza

Pode o nome Braza não soar tão familiar para você, mas talvez Forfun traga lembranças de uma fase que marcou a adolescência de muita gente. Irreverentes e muito criativos, a mistura de ritmos foi a marca registrada do quarteto carioca. Em 2015, as coisas mudaram um pouco. O grupo anunciou o fim das atividades mas três de seus integrantes permaneceram juntos e formaram uma nova banda. A junção de novos ritmos e vertentes musicais promete também reacender a chama da nostalgia emo em antigos fãs do Forfun.

Day Limns

A nova geração engajada no movimento emo será representada neste festival por Day Limns. Escalada recentemente para participar de grandes festivais nacionais de rock, a cantora goiana – revelada nacionalmente pelo programa de TV The Voice Brasil –  é sinônimo de coragem, talento, criatividade, representatividade… e polêmica. Recentemente, chegou a ser acusada de satanismo por um pastor evangélico. E confessou que morreu de rir com a situação!

Tributo a Chorão e Champignon

Emoção à flor da pele será sentida também com a apresentação especial batizada Charlie Brown Jr. 30 anos. Este encontro, que certamente aumentará a saudade da banda que eternizou os nomes de seu vocalista e criador Chorão e o baixista Champignon, vai energizar o público extasiado pelos hits que embalaram os anos 2000. A formação para este festival terá os guitarristas originais Marcão Britto e Thiago Castanho, Denis Mascote no baixo, dois  bateristas (Bruno Graveto e Pinguim Ruas) e o frontman do Tijuana, Egypcio.

Raimundos

O dia 13 de março deste ano ficou marcado pelo chocante notícia do falecimento do inigualável Canisso. Por isso, estes shows também serão boas oportunidades para homenagear um dos baixistas mais queridos do rock nacional. O responsável pelo instrumento agora é Jean Moura, antigo roadie da banda. Mas o set list, sempre comandado pelo guitarrista, vocalista e cofundador Digão, continua trazendo eternos sucessos que, ano após ano, continuam funcionando como petardos ao vivo.

Ainda há ingressos à venda

Uma das características dos grandes eventos musicais pós-pandemia neste país é a procura rápida pelos ingressos. Tão logo um show de grandes proporções é anunciado, ele se esgota rapidamente. Portanto seja ligeiro, porque a tendência é que isso se repita tão em breve para as datas do Rock Session em São Paulo, Curitiba e São José – para mais informações clique aqui. Quem vamos?

Floripa Eco Festival 2023 – ao vivo

Natiruts, Silva, Arnaldo Antunes, Matuê e Filipe Ret são os destaques da terceira edição do festival catarinense

Natiruts

Texto e foto por Frederico Di Lullo

No último dia 16 de setembro rolou de tudo durante a terceira edição do Floripa Eco Festival. Teve um pôr do sol incrível, que vai ficar na memória de mais de 18 mil pessoas. Teve um lineup focado em sua maioria na Geração Z, que abraçou de vez a música pop atual. E também tiveram preços nada convidativos para alimentação e bebidas.

Cheguei no Campeche às 15h30 e a primeira atração, Dazaranha e Tijuqueira, já tinha se apresentado. Fiquei bem triste, mas não posso dizer que não sabia: era um sábado de muito calor e me programei para chegar um pouco mais tarde. Contudo, as grandes filas no entorno e a falta de sinalização clara para estacionar contribuíram para um atraso não tão planejado. Quando entrei, Arnaldo Antunes estava na sua terceira música.

E como toda regra tem sua exceção, este lineup Geração Z também. O sempre titã está numa fase incrível e foi muito bom assistir a mais uma apresentação solo dele. O poeta, compositor, e gênio da música pop brasileira fez um showonde percorreu boa parte dos seus clássicos, verdadeiros hinos. São quase 40 anos de carreira e ele ainda agita como um jovem adolescente. Na plateia, pessoas de todas as idades cantaram clássicos como “A Casa é Sua”, “Essa Mulher”, “Envelhecer”, “O Pulso”, “Comida” e “Televisão”. Sem dúvidas, uma apresentação ímpar e que durou exatos 60 minutos. Mas se expectativa ficou lá em cima no início, ela logo foi abaixada pelo preço da cerveja: 17 reais numa latinha. Enfim, seguimos em frente!

Na sequência de Arnaldo, Silva entrou em cena. Para mim, pelo menos, não prometia nada e entregou muito! O capixaba continua se afirmando como um dos principais nomes da nova MPB, ganhando cada vez mais fãs e seguidores nas redes sociais. Num clima intimista, ele cantou músicas de todas a fases de sua carreira, iniciando com o álbum Claridão, de 2012. Isso sem falar sobre a facilidade de interpretar sucessos alheios de forma interessante. No set list tivemos canções como “Fica Tudo Bem”, “Duas da Tarde” e “Pôr do Sol na Praia”. Sem sombra de dúvidas, esta uma escolha pra lá de sugestiva para um final de dia no sul da Ilha de Santa Catarina. O feat com Criolo, entretanto, foi demasiado curto: apenas três músicas, sendo uma instrumental. Deu impressão que o querido Kleber Cavalcante Gomes apenas veio passear por aqui. Por isso, aguardamos ele novamente para mais apresentações.

Logo o sol se escondeu, o céu ficou estrelado e o vento sul chegou com tudo no Floripa Eco: momento para procurar um abrigo e sentar um pouco. Ao fundo, Ziggy Alberts fazia sua estreia em solo catarinense, com sua música descompromissada e calcada na surf music. Pelo jeito, a galera gostou. Já eu aproveitei para esticar um pouco as pernas, sentar numa canga e prosar. Festivais proporcionam esta experiência também.

Seguindo com as apresentações, veio a pérola da noite: o cômico Rich The Kid. Sinceramente, eu não o conhecia até ver o anúncio do nome no festival. Fazendo uma rápida pesquisa na internet sobre ele, deu para sacar que é uma mala sem alça. E não deu outra no Campeche. Um show cansativo, com inúmeras interrupções, muitos xingamentos e pouca mão na massa. O garoto de Atlanta fez sua passagem por Florianópolis e não fará muita falta.

Depois o festival trouxe a atração mais aguardada da noite, pelo menos pela Geração Z. Sim, estamos falando de Matuê. Símbolo do trap brasileiro, o rapper cearense de 29 anos se apresentou finalmente em Florianópolis diante uma plateia juvenil que o aguardava praticamente em êxtase. No auge da carreira, Matheus Brasileiro Aguiar proporcionou um show interessante, no qual em nenhum momento deixou a peteca cair e ainda fez esquecer o fiasco da apresentação anterior. Não é de hoje que ele é um dos artistas mais escutado e querido de sua geração. Em sua apresentação, não faltaram clássicos do ícone pop como “Vampiro”, “Flow Espacial”, “Máquina do Tempo”, “Brinca Demais” e “Conexões de Máfia”, um feat gravado justamente com…. Rich The Kid! E não é que o americano voltou ao palco para cantar esta música, agora vestindo uma balaclava e distribuindo beats e xingamentos? Vai entender…

Seguindo adiante, eram quase 23 horas quando o Natiruts entrou no palco. Eu sempre achei engraçado o fato deles serem de Brasília, de onde o clima de praia passa longe. Mas isso não é, de jeito nenhum, uma crítica. Afinal, a banda com mais de 25 anos de história, hoje sela o status de ser uma das maiores (e melhores) bandas do gênero do país. A trupe comandada por Alexandre Carlo fez em Floripa um concerto antológico, apresentando eternos sucessos para uma plateia que, talvez, nunca tivesse ouvido eles. Já sobre ter visto ao vivo, tenho certeza disso.E é justamente aí onde a banda de destaca: traz uma energia cativante, onde as boas vibrações invadem o público e fazem todo mundo dançar e cantar junto. Isso só é possível graças a hinos como “Presente de um Beija-Flor”, “Tudo Vai Dar Certo”, “Quero Ser Feliz Também”, “Andei Só”, “Natiruts Reggae Power” e “Liberdade Pra Dentro da Cabeça”. Havia tempo para mais? Lógico. Ainda durante o Natiruts rolou um feat com IZA, que cantou três músicas, com destaque para uma versão reggae power de “Pesadão”. Isso só é possível em festivais como o Eco!

Para fechar a noite, subiu ao palco mais um artista aclamado da Geração Z: Filipe Ret. Mas pra mim, a noite tinha acabado com o último acorde do Natiruts. Estava de alma lavada, cansado e com vontade de uma cerveja sem comprometer meu orçamento do mês. Ao rapper carioca meu grande respeito, mas já havia assistido ao show dele menos de um ano atrás. Ficou para a próxima!

Em resumo, o saldo deste terceiro Floripa Eco Festival foi positivo. Com o Saravá anunciando data para dia 20 de janeiro, basta aguardar se teremos em 2024 mais uma edição summer do Floripa Eco Festival ou se este ficará mesmo com a data fixa e anual em setembro. Esperamos ansiosos por essas respostas.

Nosso Sonho – A História de Claudinho & Buchecha

Não há como não se emocionar com a trajetória de sofrimento e perseverança da dupla que levou o funk carioca a outro patamar

Texto por Abonico Smith (com colaboração de Luciano Vitor)

Foto: Manequim Filmes/Divulgação

Na segunda metade dos anos 1980, quando o hip hop se popularizou nos Estados Unidos para muito além dos guetos, seus versos também sofreram um processo de transformação. Passaram das crônicas do dia a dia de seus habitantes – que variavam entre a celebração das festas dos finais de semana ao vício em drogas – para críticas sociais bem mais pesadas em profundas, retratando preconceito racial e os frequentes confrontos violentos com a polícia pelas ruas dos bairros de periferia. Até que o gangsta rap tornou-se praticamente sinônimo desse gênero musical.  Entretanto, uma turma oriunda de Miami e região começou a fazer sucesso ao optar por outra vertente lírica: a temática sexual, muitas vezes de modo bem explícito.

Logo, o miami bass – o nome foi dado por conta dos graves pesados embalados por uma batida eletrônica minimalista extraída de uma Roland TR-808, a mesma utilizada por nomes clássicos do electro como Afrika Bambaataa e Mantronix  – foi o incorporado ao léxico sonoro dos bailes funk realizados nas favelas e morros do Rio de Janeiro por equipes de som como a Furacão 2000 (que também investia em programas de TV). A malícia e a malemolência do jeito carioca de ser encontraram identificação imediata e então o funk caiu no gosto do carioca, a ponto de se tornar uma nova vertente musical acoplando o gentílico ao batismo.

Com o Plano Real e a troca definitiva do formato usado pelo mercado fonográfico (os compact discs substituindo os vinis nas lojas e se multiplicando feito chuchu na serra nos ambulantes com produtos piratas), o funk carioca logo cruzou fronteiras tanto estaduais quanto socioeconômicas, emplacou os primeiros hits nas rádios de todo o país e fabricou seus primeiros ídolos, como Abdullah, Mr Catra e Cidinho & Doca (“Rap das Favelas”). Aos poucos, por causa de linhas melódicas mais adocicadas e letras de cunho romântico, uma turma instaurou o segmento do funk melody. Assim se consagraram MC Marcinho (“Glamurosa”, “Garota Nota 100”) e Claudinho & Buchecha (“Quero Te Encontrar”, “Só Love”). Esta última dupla chegou a ultrapassar a marca do disco triplo de platina (750 mil cópias) com os dois primeiros álbuns e duplo de platina (500 mil) com o seguinte. Tudo isso num espaço de apenas três temporadas, entre os anos de 1996 e 1998. O quarto trabalho, registrado ao vivo e com repertório que pegava o melhor já feito até então, foi lançado no comecinho de 1999 e ganhou o disco de ouro (100 mil).

Onipresentes em quase todos os programas musicais da TV (inclusive os mais famosos, como os de Faustão, Xuxa, Gugu, Hebe e Eliana), os dois amigos do complexo do Salgueiro, em São Gonçalo, voltariam a experimentar o gostinho de mais um hit nacional, “Fico Assim Sem Você”, composta pelo funkeiro pioneiro Abdullah. A letra citava duplas e dobradinhas impensáveis se rompidas (futebol sem bola, Piu-Piu sem Frajola, circo sem palhaço, beijo sem amasso, Romeu sem Julieta, queijo sem goiabada) para falar sobre solidão e incompletude. Contudo, como uma espécie de premonição (tão involuntária quanto sorrateiramente certeza), havia aqui também um verso como “Buchecha sem Claudinho”. A faixa foi incluída no sexto álbum Vamos Dançar, lançado no primeiro dia de abril e 2002. Pouco mais de três meses depois, ao retornar de uma apresentação na cidade paulista de Lorena, situada no Vale do Paraíba, próxima do sul do estado do Rio de Janeiro, veio a tragédia: o carro de propriedade de Claudinho saiu da estrada naquela madrugada chuvosa de 13 de julho e chocou-se violentamente contra uma árvore. O cantor, que dormia no banco do carona, morreu na hora com o impacto do acidente. A van em que estavam Buchecha e o resto da equipe dos artistas, viajava logo atrás. Encerrava-se desta maneira a trajetória de glória, fama e conquistas de uma das duplas mais queridas da música brasileira dos anos 1990.

Nosso Sonho – A História de Claudinho & Buchecha (Brasil, 2023 – Manequim Filmes) chega nesta semana aos cinemas justamente para contar esta trajetória. Da sólida amizade de infância ao instante fatal, passando pelo sonho adolescente de vencer na vida (fosse como artistas ou, no caso de Buchecha, trabalhando com carteira assinada como office boy) e superar traumas pessoais ligados a problemas de violência familiar e a tênue proximidade com o crime. De um lado o garoto expansivo e descontraído, que se joga nas atividades e inventa soluções criativas para fazer as coisas darem certo (como na já famosa cena do orelhão público servindo como telefone da “firma de agenciamento artístico”). Do outro, um guri mais tímido e racional, mas não menos talentoso e habilidoso com as palavras (a ponto de procurar e achar no dicionário termos nada usuais como abjudicar, só para usar em suas letras). Assim, a vida de Claudio Rodrigues de Mattos e Claucirlei Jovêncio de Sousa é contada em quase duas horas de maneira leve, descontraída e tão certeira quanto as canções gravadas por eles.

A química entre os dois protagonistas é tão impressionantes quanto a dos biografados. Poucas vezes, inclusive, foi visto no cinema nacional uma interpretação tão visceral quanto a de Lucas Penteado na pele de Claudinho. O jeito despachado e de eterno moleque, a língua presa, o sonhar que se permite voar alto e ir atrás para cavar as oportunidades e consegui-las. Mesmo não sendo o foco maior na narrativa, acaba por hipnotizar qualquer espectador. Já o contido Buchecha de Juan Paiva também cativa e conquista um lugar especial para quem assiste ao filme. Dividido entre o temor pela instabilidade da vida de artista e o grande respeito às responsabilidades e obrigações carregados junto com o status social de sua profissão (inclusive na hora de compor versos de pura genialidade como “controlo o calendário sem utilizar as mãos”), o jovem também narra várias cenas e tem sua vida pessoal mais esmiuçada no roteiro. Suas dificuldades são transpassadas na tela diretamente ao coração de todos nós, principalmente na turbulenta relação com o pai, que junta na mesma equação amor, perdão, abusos e sofrimento. Curiosidade: os dois atores trabalharam juntos em Viva a Diferença, a mesma (cultuada e bem-sucedida) temporada de Malhação que revelou a forte união em cena das cinco atrizes que depois viriam a fazer a série As 5ive.

O time de coadjuvantes também brilha. Tal como Lucas, Nando Cunha cresce nas cenas intensas em que faz o Buchechão, muitas delas também envolvendo a paixão pela música. Antonio Pitanga (Seu Américo, o dono do bar frequentado pelo pai de Claucirlei); Tatiana Tiburcio (a mãe, Dona Etelma, que sempre quer imprimir ao adolescente Buchecha uma vida correta e digna); Lellê e Clara Moneke (as namoradas/esposas dos astros, em pequenas grandes pontas); Marcio Vito e Isabela Garcia (Seu Toco e Dona Judite, respetivamente o patrão e a chefe do jovem office boy) abrilhantam o elenco com atuações fidedignas. Se o roteiro não sai muito do trivial, o diretor Eduardo Albergaria aproveita diálogos, interpretações e pequenos trechos musicais (cantados pelos próprios Lucas e Juan, diga-se) para fazer seu filme voar junto com a dupla de funk melody.

Acompanhar todo o corre vivido por Claudinho & Buchecha faz a gente traçar paralelos com a perseverança, a luta, o sonho e o sofrimento de outros artistas que vieram do underground da música brasileira, lendas como Cartola e Lupicínio Rodrigues ou gente contemporânea como Negro Leo e Lê Almeida. O longa sobre a inocência e a descoberta de um novo mundo para quem veio de uma das muitas comunidades regionais sem a assistência do poder público é um dos mais belos e emocionantes enredos cinematográficos nacionais deste ano.