Crimes Of The Future

Uma sociedade anestesiada buscando emoções e sentimentos por meio da exploração da dor é a nova crítica ácida e mórbida de David Cronenberg

Texto por Taís Zago

Foto: O2 Play/Distribuição

O novo filme de David Cronenberg já chegou colhendo comentários bastante mistos. Adorado por alguns críticos e detestado por boa parte do público. E, confesso, isso se torna para mim um grande atrativo na hora de escolher o que assistir. Quando essa oportunidade surgiu pela plataforma Mubi, e eu abracei a causa.

Preciso salientar que não me considero uma grande fã das distopias com tema biológico de Cronenberg. Quando assisti pela primeira vez eXistenZ (1999), fui tomada por um conjunto de irritação e deboche. Naquele tempo ainda estávamos na época de alugar DVD na locadora e depois nos arrependermos amargamente pelos reais gastos. Uma arte já morta atualmente. Mas eXistenZ não foi meu primeiro contato com a obra de David. Como muitos, eu passei a acompanhar o diretor a partir do filme Crash (1996), que gerou uma grande polêmica na época pelo seu tema – a fetichização de limitações físicas e a erotização de acidentes automobilísticos. E foi também em meados dos anos 1990 quando descobri que Cronenberg era responsável por outros shockers que marcaram a minha experiência precoce no gênero do horror, como Scanner (1981) e Naked Lunch (1991). Uma coisa aqui é certa: Cronenberg não pisa em ovos em torno de temas horripilantes, obscuros ou mórbidos. O festejado diretor se destaca exatamente por romper tabus e limites transpondo (sobrepondo?) gêneros. Sua obra nos causa náusea e ao mesmo tempo instiga a reflexão. E essa também é uma função da arte, provocar repulsa.

Em Crimes Of The Future Crimes Of The Future (Canadá/Grécia/Reino Unido, 2022 – O2 Play), o diretor explora um futuro que, apesar de parecer próximo, não é determinado: é quando a ideia de dor praticamente desapareceu nos conceitos humanos. Pessoas andam nas ruas a esmo, com olhares vários, procurando algum tipo de emoção. A droga da vez é a busca pela dor, o que poucos ainda conseguem sentir. A dissecação da alma humana é a dissecação de corpos sob o manto protetivo da arte. Da performance. Como se tudo isso já não nos pintasse uma tela aterrorizante, os seres humanos passaram a desenvolver espontaneamente órgãos com funções não determinadas em seus corpos. Órgãos que crescem como tumores e precisam ser extirpados para não causarem morte ou mutação em seus hospedeiros. E é nesse cenário que Saul Tenser (interpretado por Viggo Mortensen) e sua parceira Caprice (Léa Seydoux) brilham com suas performances artísticas inspiradas em cirurgias e que consistem em Caprice manipulando remotamente incisões e a extrações de órgãos tatuados de dentro do corpo de Saul. Um ato no qual, supostamente, faz-se uma conexão entre dor e prazer e que deixa Saul extasiado. 

Em um tom ainda mais macabro e chocante, Cronenberg já inicia nos oferecendo o assassinato cruel de um menino pela própria mãe, quando esta percebe que o filho, uma vítima das bizarras mutações recorrentes nos humanos, passa a ingerir e digerir plástico. O pai do menino, Lang Dotrice (Scott Speedman), inconformado com o ocorrido e determinado a tornar sua morte um símbolo da resistência dos humanos “já mutados”, oferece o seu pequeno corpo como objeto para uma das performances de Saul e Caprice. Por fim, com a quase impossível função de assumir a posição de comic relief nesse tema tão aterrorizante e denso, temos o curioso escritório chamado National Organ Registry, onde supostamente os novos órgãos identificados são catalogados. É um cantinho empoeirado, sujo e protocolar que lembra o escritório de um detetive fracassado e é comandado por Yevgeny Nourish (Don McKellar) e uma hilária Kristen Stewart no papel de sua assistente Timlin. Esta também é uma fã incondicional do trabalho de Saul e não esconde sua adoração por seu ídolo.

Com todos esses elementos assustadores, alguns pendem a se levantar e sair da sessão no cinema (como fizeram no lançamento do filme, em Cannes) ou parar o streaming nos primeiros 15 minutos. Porém, os que ficam e fazem o esforço de enxergar o que está por baixo da primeira camada de pele dessa obra vão enxergar uma crítica ácida e (por que não?) cirúrgica da humanidade. Cronenberg realiza uma operação de peito aberto em uma sociedade que após lutar para viver anestesiada passa a procurar emoções no que deliberadamente perdeu. A busca aflita por sensações e experiências que tirem as pessoas da letargia em que se encontram seus corpos nessa nova realidade. Uma realidade onde o velho sexo (old sex, como é chamado) já não mais é a forma de prazer suprema. A busca pela dor, a extirpação de órgãos, os cortes e as mutilações são a nova forma de vivenciar algo novo. Temos também uma crítica à arte e à ambição artística em seus sacrifícios, no caso, bem carnais. Até onde podemos ir para receber a atenção e o reconhecimentos dos nossos pares?

Perfeição estética e apuro técnico visual nunca foram os focos de interesse de Cronenberg. Algumas das geringonças biomórficas apresentadas podem nos tirar a atenção e levar ao riso espontâneo – comigo foi a cadeira para “digestão”. Mas relevando isso, Crimes Of The Future é horror com reflexão. Mesmo quando materializada em forma de sangue, órgãos, tripas ou tumores.

Divaldo – O Mensageiro da Paz

Cinebiografia do médium baiano fica à altura de sua obra ao tratar de temas como a sua atividade filantrópica, o suicídio e o que há após a morte

Texto por Janaina Monteiro

Foto: Fox/Divulgação

A ideia de que o ser humano é livre para optar pelo seu futuro e tomar decisões sobre seus atos sempre foi debatida pela filosofia e religião. Há quem diga, porém, que o livre-arbítrio é inverossímil, que nosso destino já está predefinido, escrito, seja por Deus, pelos astros ou pela entidade que for. Os budistas, pelo contrário, acreditam na lei da ação e reação, o “karma”, que diz que para toda decisão há uma consequência, boa ou ruim. A doutrina espírita também segue nesta linha, de que a evolução do ser humano depende de um constante aprendizado, o qual demanda esforço diário, pessoal e interpessoal. Nosso objetivo é alcançar a tal da perfeição, outro termo bastante complexo. Por isso, algumas almas precisam reencarnar tantas vezes quantas forem preciso até que essa transcendência moral e intelectual aconteça, por meio da caridade, da tolerância, do perdão, da fraternidade, do amor ao próximo como pregava os líderes espirituais Jesus Cristo ou Mahatma Gandhi.

Um desses seres que beiram a perfeição teve sua biografia transformada em longa-metragem. Divaldo – O Mensageiro da Paz (Brasil, 2019 – Fox) é um filme que retrata um ser humano exemplar que tem se dedicado de corpo e alma a acolher o próximo. Aos 92 anos, Divaldo Pereira Franco segue em atividade na Mansão do Caminho, a obra social do centro espírita Caminho da Redenção, erguido há 67 anos em Salvador e que presta diversos serviços além de ajuda espiritual a milhares de pessoas independentemente da religião. Hoje são 600 crianças acolhidas pela entidade filantrópica.

Ao contrário do popular Chico Xavier, o nome Divaldo é conhecido apenas entre os seguidores do espiritismo, mesmo tendo proferido dezenas de palestras ao redor do mundo e vendido mais de oito milhões de livros. Por isso, estava mais que na hora da cinebiografia sobre o médium entrar para o rol dos filmes espíritas.

O diretor Clovis Mello, que assina também o roteiro, conseguiu entregar uma obra correta e à altura do médium, tirando alguns tropeços perdoáveis. O longa foi baseado no livro Divaldo Franco: a Trajetória de um dos Maiores Médiuns de Todos os Tempos, de Ana Landi, e, assim como o filme Kardec (sobre o pai do espiritismo, lançado no primeiro semestre deste ano), também deveria ser visto por adeptos de qualquer doutrina ou religião. Primeiro por tratar de temas delicados, como o suicídio (lembrado neste mês pela campanha Setembro Amarelo), e pela visão que católicos e espíritas têm sobre a morte. Outro motivo está explícito no título do longa: a mensagem de Divaldo, que abdicou de uma vida tradicional para dedicar-se à filantropia, para levar um pouco de paz e amor àqueles que sofrem de carência, financeira ou afetiva.

O filme conta a trajetória do menino, nascido em Feira de Santana, Bahia, que desde os quatro anos de idade se comunica com os mortos e, por isso, precisa a aprender a conviver com o preconceito dos incrédulos. Pela mediunidade ter se manifestado cedo, conversar com a avó morta por exemplo era tão natural quanto bater um papo com um familiar de carne e osso.

Três atores interpretam o médium: João Bravo, na infância; na mocidade, Ghilherme Lobo; e pelo recifense Bruno Garcia, na fase adulta. A história é contada de forma linear e Mello mostra a evolução do caráter de Divaldo, com sua teimosia e orgulho presentes na juventude, até a aceitação da sua vocação e a posterior conquista da serenidade.

A escolha do elenco, aliás, foi decisiva para garantir coesão à trama e alcançar a empatia do espectador, principalmente em relação ao sotaque. Os pais de Divaldo, por exemplo, são interpretados por atores de teatro baianos. A mãe, dona Ana, é Laila Garin, que conduz sua personagem com uma doçura irresistível. Caco Monteiro é Seu Francisco, o pai severo, porém capaz de absorver ao longo do tempo as diferenças do filho.

Divaldo pertencia a uma família católica e, logo no início do filme, surgem várias críticas à igreja. Numa das cenas mais cômicas, o médium, na pele de Ghilherme, vê o espírito da mãe do padre com quem está se confessando. Curioso, o religioso pergunta como sua mãe está vestida e a resposta de Divaldo o faz se libertar de suas amarras.

O longa ainda mostra como o espírita recebeu apoio de pessoas queridas, verdadeiros “pontos de luz”: dona Ana é uma delas e representa a verdadeira mãe de sangue nordestino. Do início ao fim da sua vida, concede o apoio incondicional ao filho, quando, por exemplo, ele é convidado pela médium Laura (Ana Cecília Costa) ainda na adolescência a se mudar para Salvador para estudar a doutrina e trabalhar como datilógrafo. Outro que permaneceu ao lado do médium desde jovem foi o amigo Nilson.

Em sua jornada, Divaldo recebe orientações de sua guia espiritual, Joanna de Angelis, reencarnação de Santa Clara de Assis, a quem é atribuída a maior parte das mensagens psicografadas pelo baiano. A entidade é interpretada por Regiane Alves, que logo coloca os pingos nos is a Divaldo, alertando-o sobre as dificuldades, resistência e preconceito que enfrentaria. Por mais que a doutrina espírita evoque o livre-arbítrio, o filme nos leva a entender que Divaldo já estava predestinado e que ter filhos de sangue não estaria incluso na sua missão. Ele teria filhos de coração.

O contraponto de Joanna vem na forma do espírito obsessor incorporado pelo ator Marcos Veras, que soa um tanto caricato, vestido de preto, com maquiagem pesada e fantasmagórica. A alma assombra a mente de Divaldo, sempre atiçando-o para o lado negro. Outro ponto forçado é a trilha sonora, que parece ter sido escolhida a dedo para arrancar lágrimas dos olhos dos espectador mais sensível – como na cena em que Divaldo perde a sua mãe com “Ave Maria” ao fundo.

No geral, Mello preocupou-se em enfatizar a doutrina espírita em sua essência, de uma forma leve, graciosa e com diálogos bem-humorados. Porém, as falas de Regiane Alves, principalmente, fogem desse viés e soam um tanto cansativas, em tom de sermão. Em certas cenas, a atriz chega a perder o fôlego para dar conta do texto extenso.

Entre tantos ensinamentos transmitidos por Joanna a Divaldo, um deles é determinante para acolher em nosso cotidiano tão trivial, quando encarar alguns vivos chega a ser mais aterrorizante do que topar com uma alma penada. A melhor resposta para enfrentar a intolerância é o silêncio.

Verão

A história de dois ícones do rock da extinta União Soviética e seu amor incondicional por cantores e grupos anglo-americanos

Texto por Abonico R. Smith

Foto: Imovision/Divulgação

O rock nasceu com o DNA libertário e sempre será assim. Pode vir a indústria do entretenimento (isto é, a economia) tentar cooptar seus principais expoentes recém-surgidos de tempos em tempos. Podem vir governos austeros e com ímpetos totalitários (isto é, a política) tentar calar de alguma forma estas mesmas figuras de tempos em tempos. Contudo, uma coisa ninguém pode tirar dele: a vontade – e, consequentemente, a necessidade devido ao descontentamento contínuo – de questionar e transgredir o que está estabelecido. Pelo sistema. Pela família. Pela força. Pode ser nos Estados Unidos, no Reino Unido, no Brasil. Pode ser em qualquer lugar, qualquer país. Foi assim inclusive na União Soviética cerrada pela cortina de ferro imposta pelo regime comunista até os anos 1980.

Verão (Leto, Rússia/França, 2018 – Imovision) surge como uma possibilidade de jogar luz nos olhos ocidentais a respeito de duas figuras fundamentais no rock soviético do começo dos anos 1980. Ambos vinham de Leningrado, cidade hoje rebatizada São Petersburgo, longe geograficamente da linha dura de Moscou o suficiente para que suas carreiras pudessem prosperar sem muitos incômodos governamentais. Ali Mike Naumenko era o rei de uma juventude ligada em guitarras e violões a tiracolo, cabelos compridos e um excelente casamento entre letras poéticas e doces melodias. À frente da banda Zoopark, realizava frequentes shows em pequenos auditórios de clubes da região. Suas fãs não podiam se levantar das cadeiras ou mesmo ostentar cartazes para se comunicar com os músicos, entretanto as autoridades locais estavam convencidas de que as mensagens transmitidas em seus versos eram dignas de glorificar uma identidade cultural soviética.

E era isso mesmo. Naumenko (Romam Bilyk, músico e ator russo que às vezes atende pela alcunha de Roma Zver) e sua turma não queriam derrubar a cúpula do Kremlin, não exaltavam o way of life dos “inimigos” ocidentais, não incitavam ninguém a iniciar qualquer revolução. Afinal, eles mesmos eram a própria revolução. Cantavam sobre a vida e tudo mais que estava ao redor. Celebravam uma tarde de verão na praia com os amigos. Falavam sobre medos, incertezas, frustrações e inseguranças típicas do início da juventude. Sobre as responsabilidades trazidas pelo mundo adulto em cuja entrada tanto tentavam adiar. Só que o combustível para isso tudo eram discos de vinil importados (mercado negro?) de heróis do rock anglo-americano. Velvet Underground, Lou Reed, Iggy Pop, David Bowie, T-Rex, Blondie, Talking Heads, Ramones, Sex Pistols, Who, Beach Boys, John Lennon e Mott The Hoople eram alguns dos nomes venerados por Naumenko, sua esposa Natasha (Irina Starshenbaum) e o círculo formado ao redor deles.

Um dos integrantes do círculo era Viktor Tsoi (Teo Yoo, ator de origem germânica  e descendência coreana), sete anos mais novo e discípulo confesso e disciplinado do ídolo. Com ele aprendeu as manhas de composição e técnicas de gravação em estúdio. Com ele até chegou a dividir, por alguns momentos românticos, a própria Natasha. Até se desgarrar de vez na identidade e partir para a liderança de sua própria banda, denominada Kino.

O filme, dirigido pelo “controverso” Kirill Serebrennikhov (há um ano mantido em prisão domiciliar pelo governo de Putin, a quem sempre se opôs ferrenhamente) é centrado toda essa ingenuidade sonhadora de Mike, Viktor e Natalya. Sua opção pelas imagens em preto e branco e câmera móvel entre as pessoas da cena reforçam a estética publicitária dos videoclipes. Não por acaso ele inclui na narrativa pequenos interlúdios musicais (“The Passenger”, “Psycho Killer”, “All The Young Dudes” e uma canção de Naumento chamada “Leto”, palavra que significa “verão” em russo) nada diegéticos para tentar revelar ao espectador o que estaria se passando na cabeça e coração dos personagens naquele momento. Aí entra uma linguagem mais fragmentada, com direito a cortes mais velozes, animações sobrepostas e várias referencias aos versos destas canções dividindo a tela com imagens coloridas. Inclusive, a versão feita pela banda russa Shortparis (em atividade desde 2012) para “All The Young Dudes” é tão arrebatadora que fica difícil não se lembrar dela constantemente após o fim da sessão.

Mike e Viktor não tiveram muito tempo para curtir a fama. Morreram jovens, entre 1990 e 1991, ainda no auge criativo – o primeiro de complicações provocadas por excessos alcoólicos e o segundo em um acidente de carro. Não puderam ver também o que viria depois: o fim da União das Repúblicas Socialistas soviéticas, a sombra de novos regimes autoritários de Yeltsin e Putin na Rússia, o crescimento da economia do país, a abertura à cultura ocidental ou ainda a inauguração da MTV russa. Ainda bem que as memórias escritas por Natasha serviram de base para que um tocante e belo filme como este pudesse ser feito em homenagem a eles dois.