Os Órfãos

Adaptação de conhecido livro de horror repete fórmulas, aposta em clichês batidos e desperdiça personagens que poderiam ser mais intereantes

Texto por Ana Clara Braga

Foto: Universal Pictures/Divulgação

Existe uma nova leva de filmes de terror que estão repensando o gênero e trazendo novos elementos para o público. Entretanto, Os Órfãos (The Turning, Reino Unido/Irlanda/Canadá/EUA, 2020 – Universal Pictures) vai contra essa corrente de inovação e aposta nas muletas já desgastadas e que não causam mais medo.

O filme, dirigido por Flora Sigismondi, acompanha Kate (Mackenzie Davis) em seu novo emprego como professora particular da órfã Flora (Brooklynn Prince), que mora com seu irmão mais velho, Miles (Finn Wolfhard), em uma gigante mansão no Maine. Logo, coisas estranhas começam a acontecer. A premissa não é inovadora mas o desenrolar da história poderia ser. Mansões mal assombradas já são um clichê do cinema. Se mesmo assim diretor e roteiristas escolherem esse cenário, um ar fresco é necessário. E Os Órfãos tem todos os clássicos desse subgênero de terror, desde as aparições no espelho a pesadelos vívidos. Os jumpscares estão lá e em sua maioria são fáceis de ser previstos.

O roteiro é pobre e desperdiça uma boa atuação da protagonista. Em diversos momentos, a história parece que vai tomar um rumo interessante só que acabar por escolher o óbvio e o seguro. Como a trama é mais uma adaptação da história fantasmagórica Outra Volta do Parafuso (de Henry James e publicado pela primeira vez em 1898), talvez pelo texto já ter inspirado vários outros títulos a criatividade pareceu engessada aqui.

Os Órfãos ensaia uma modernidade com o personagem de Finn Wolfhard que, influenciado pelo antigo empregado da casa, torna-se um clássico exemplo de masculinidade tóxica. Mas fica por isso mesmo, não evolui. A história desse antigo empregado também é muito interessante para enredo e se fosse melhor aproveitada renderia um ótimo filme. Pena que no final é completamente desperdiçada por uma tentativa de plot twist a la M Night Shyamalan.

O que diretores e roteiristas de muitos títulos de terror ainda não entenderam é que os medos clássicos (como fantasmas e monstros) precisam entrar na realidade moderna, para que não fiquem datados. Este, infelizmente, é mais uma prova disso.

Rita Ora

Oito motivos para não perder o show da cantora, que aproveitará a vinda ao Lollapalooza Brasil para se apresentar pela primeira vez em Curitiba

Texto por Ana Clara Braga

Foto: Divulgação

Rita Ora irá se apresentar pela primeira vez em Curitiba no dia 2 de abril. Aproveitando sua visita ao país para o festival Lollapalooza, a cantora estenderá a estadia e fará uma visita a capital paranaense (mais informações sobre este evento você tem aqui). Por isso, o Mondo Bacana elaborou uma lista com oito motivos para não perder o concerto “solo” da popstar de etnia albanesa, nascida em Kosovo e radicada no Reino Unido desde o primeiro ano de idade.

Chancela de Jay-Z

Em 2008, quando Rita estava procurando por uma gravadora foi feita uma reunião com o rapper Jay-Z, dono da Roc Nation. O magnata do hip hop gostou tanto da cantora que assinou contrato com ela no mesmo dia e vendeu sua imagem como a de “nova Rihanna”.

Nova oportunidade no país

Sua primeira e última visita ao Brasil foi sete anos atrás, mas foi uma passagem bem apagada. Sua vinda foi por conta da ação de marketing de uma loja. O que deixou a cantora com vontade de fazer mais apresentações no país.

Muitas parcerias

Além de faixas solo, Ora também coleciona um grande número de parcerias. Requisitada e respeitada por seus companheiros de profissão, já participou de gravações de Iggy Azalea, Sofia Reyes, Tiësto, Avicii, Charli XCX e contou com a participação de Liam Payne, Cardi B, Bebe Rexha, Kygo e Chris Brown em músicas de sua autoria.

O novo álbum

Seis anos após o lançamento de Ora, Rita soltou em 2018 seu segundo disco, Phoenix. Já em uma nova gravadora, a cantora recebeu muitas críticas positivas da mídia especializada, incluindo a nota geral de 76 no Metacritic.

Set list equilibrado

Além da divulgação das músicas de seu mais novo trabalho de estúdio, também podemos esperar a execução dos maiores hits de Rita Ora. Faixas do início de carreira como “This Is How We Do (Party)”, “R.I.P.” e “I Will Never Let You Down” devem figurar no set list dos shows por aqui.

Vocais impecáveis

Não é incomum o público se decepcionar com as performances ao vivo dos cantores. Entretanto, este não é o caso de Ora. Ela já provou diversas vezes ter a mesmo gogó nos estúdios e nos palcos, proporcionando sempre um completo espetáculo.

Padrão estético

Não é possível saber qual será o formato do show que a cantora trará para Curitiba, mas é certo que seguirá o belo padrão estético dos outros que faz na Europa e Estados Unidos. Luzes, projeções, roupas combinando se juntam às músicas, tornando a experiência mais interessante e imersiva

Interações com o público

Rita Ora é muito conhecida por sua simpatia. Quando está cantando, também dedica muito tempo para conversar com seus fãs, contar histórias, dividir um pouco mais sobre sua vida. Tudo para deixar a plateia mais próxima dela.

Caetano Veloso & Ivan Sacerdote

Cantor e compositor lança novo disco de surpresa, no qual revisita algumas velhas músicas suas em dueto com o clarinetista criado na Bahia

Texto por Janaina Monteiro

Foto: Divulgação

Sem alarde nem aviso prévio, Caetano Veloso lançou seu novo disco via streaming com nove versões de composições de sua autoria num dueto com o clarinetista Ivan Sacerdote. O álbum-surpresa também conta com participações do primogênito Moreno Veloso na percussão mais o sambista Mosquito e o violonista Cezar Mendes.

Caetano Veloso & Ivan Sacerdote é fruto da casualidade e encantamento do baiano pelo som cativante de Ivan. Nascido no Rio de Janeiro mas criado na Bahia, o clarinetista tem formação universitária no instrumento, foi solista em rodas de choro e acompanhou nomes expressivos da MPB, como Rosa Passos. A parceria gerou um álbum despretensioso que realça o ápice do amadurecimento do cantor e músico de 77 anos de idade, seja no tom mais grave de sua voz ou na sutileza do dedilhado. O doce sopro da clarineta de Ivan abre o disco e acompanha o violão de Caetano, imprimindo uma vivacidade alegre e serena ao repertório com faixas lado B como “O Ciúme” (originalmente de 1987), selecionadas conforme a preferência dos envolvidos no trabalho. Ivan passeia à vontade pelas melodias do mestre tropicalista, com seus solos improvisados, como se estivesse pincelando notas num jardim recriado por Monet. É um trabalho belo, sutil, tranquilo, para se deleitar com os arranjos singelos que mesclam jazz, samba e bossa nova, e aproximam Caetano cada vez mais do gênio João Gilberto, sua fonte inspiradora no início da carreira.

A primeira faixa do álbum, de Uns (1983), foi um pedido de Ivan. Em “Peter Gast” (pseudônimo de Johann Heinrich Köselitz, amigo do filósofo Friedrich Nietzsche) Caetano filosofa “Eu sou um/ Ninguém é comum e eu sou ninguém”. Do premiado disco Livro, de 1998, surgem “Minha Voz Minha Vida” e “Manhatã”, em que o clarinetista nos proporciona a sensação de levitar.

As duas canções mais conhecidas são “Trilhos Urbanos”, de Cinema Transcendental (1979), e a belíssima “Desde Que o Samba é Samba” (com a participação de Mosquito), gravada por Caetano no álbum-marco Tropicália 2 (1993), e que abre o disco João Voz e Violão, com a refinada interpretação do mentor da bossa nova.

Como diz o primeiro verso da quinta faixa, “Você Não Gosta de Mim”, você pode não gostar de Caetano e toda a sua polêmica e imperatividade que por vezes lhe conferem um ar de errônea arrogância. Entretanto, é indiscutível o seu legado para a MPB. Ele sempre foi um contestador, seja encabeçando o movimento tropicalista ou cantando sobre os “ridículos tiranos” (na letra de “Podres Poderes”, de Velô, de 1984). A pouco de completar oito décadas de vida, Caetano se apropria da idade da serenidade e deixa de lado os discursos eloquentes para combater as trevas usando suas armas mais poderosas. Que são a sua voz e a sua arte.

Retrato de uma Jovem em Chamas

Obra francesa sobre um amor intenso entre duas mulheres é um primoroso exemplo de como o cinema pode emocionar

Texto por Leonardo Andreiko

Foto: Supo Mungam/Divulgação

Há alguns meses, a declaração de Martin Scorsese diferenciando o cinema “arte” dos filmes “parque de diversões” rendeu fervorosos debates, angariando defensores dos dois lados da pergunta “filmes tais como os da Marvel são cinema?”. Em Retrato de uma Jovem em Chamas (Portrait de la Jeune Fille en Feu, França, 2019 – Supo Mungam), temos um exemplo perfeito do que Scorsese quis dizer com sua distinção.

Dirigido e escrito por Céline Sciamma, o longa retrata a jornada de Marianne (interpretada por Noémie Merlant), uma pintora contratada para fazer um retrato de Heloise (Adèlie Haenel), que, prometida a um cavaleiro milanês, não deseja ser pintada. Portanto, Marianne é instruída a agir como sua acompanhante, pintando sua senhora em segredo ao longo de seis dias. A premissa, simples, abre espaço para o desenvolvimento silencioso de suas três personagens principais, as já citadas e a jovem Sophie (Luàna Bajrami), criada da mansão de Heloise. As três desenvolvem amizade e confiança inabaláveis ao longo destes dias, que inevitavelmente se transforma em amor entre Marianne e Heloise.

Amor, não paixão, como Sciamma deixa perfeitamente claro no decorrer do desenvolvimento da trama e de sua linguagem enquanto diretora. A câmera é calma, estática por vezes, mas movimentando-se de acordo com suas personagens. Terna, ela opta por closes não muito fechados, mas de modo suficiente para isolar as reações formidáveis do elenco. Com diálogos típicos da frieza europeia, cabe a Merlant e Haenel transmitir todo o mar de emoções pelas quais passam com o olhar e a linguagem corporal – o que fazem de maneira exemplar. Vemos como o desejo se estabelece e, lentamente, torna-se paixão e, então, um amor capaz de durar toda a vida das mulheres. E, numa demonstração do talento de Sciamma, a sensibilidade com a qual Retrato de uma Jovem em Chamas o faz é primorosa.

Grande parte do subtexto da obra pode ser enxergada em torno da arte, seja ela a pintura de Marianne ou a música, diegética ou não. É por meio daquilo que está implícito e, principalmente, pela elipse, que a direção e a montagem alçam o filme para uma densidade tremenda, muito maior que o mero romance. A condução de Sciamma (uma mulher lésbica) de um relacionamento lésbico que deve permanecer em segredo é emocionante, sem se manter superficial, muito menos correr atrás do sexo explícito fetichista que, para muitos, seria a saída fácil – vide a trajetória abusiva de Abdellatif Kechiche (Azul é a Cor mais Quente e Mektoub My Love).

O ritmo da montagem assinada por Julien Lacheray é tão calmo e espaçoso quanto a direção do longa, o que permite que a condução das cenas seja feita pelo simples olhar das atrizes. Ainda, há momentos onde a necessidade (dada puramente por convenção) do corte é sentida, mas Lacheray insiste em segurar o plano, amplificando o poder de toda a linguagem de Sciamma e desenvolvendo uma coesão não somente narrativa, mas artística entre começo, meio e fim de uma história tão bela, porém tão triste. Há dois momentos que, logo que acontecem, causam um estranhamento pelo descolamento estético com o resto do filme, mas que se pagam ao final, numa das últimas cenas da obra, que introduz o sentido que faltava a tal escolha.

Retrato de uma Jovem em Chamas é um exemplo primoroso de como o cinema tem capacidade emocional e artística por muitas vezes desperdiçada para dar lugar a Velozes e Furiosos 47, Transformers 12 e a vigésima história de origem de um super-herói nos cinemas. Sem pretender demais e paralelamente, alcançando muito, esta obra se desenvolve em um romance belíssimo, acalentador, para transformar-se num balde de água fria, carregando consigo as marcas de um amor proibido, intenso e perene. Digo isso, é claro, sem spoiler algum.

O Farol

Thriller psicológico com Robert Pattinson e Willem Dafoe aumenta as expectativas para o futuro da carreira do diretor Robert Eggers

Texto por Leonardo Andreiko

Foto: Vitrine Filmes/Divulgação

Sendo um dos mais antecipados filmes do ano passado, O Farol (The Lighthouse, Canadá/EUA, 2019 – Vitrine Filmes), de Robert Eggers, distancia-se do horror comercial que ocupou as telas dos cinemas brasileiros – com cobertura modesta em Curitiba, o longa só está em exibição no Cine Passeio. Estrelado por Robert Pattinson e Willem Dafoe, O Farol é de cair o queixo.

O roteiro, assinado por Eggers e seu irmão Max, retrata o isolamento de Thomas Wake (Dafoe) e Ephraim Wilson (Pattinson), que fora contratado por aquele para ser seu ajudante no farol que comanda no meio do mar. Aos poucos, o clima na pequena ilha que habitam torna-se cada vez mais nervoso – (e o espectador acompanha esta tensão), transformando O Farol num retrato do enlouquecimento ao mesmo tempo que uma visita ao enlouquecimento que nos é subjetivo. O texto é conciso, oscilando entre o falatório de Wake e o silêncio inquieto de Wilson, amparado por um simbolismo que flerta com a mitologia greco-romana e uma estética aterrorizante, mas não do jeito jumpscare de se aterrorizar.

Em vez de “terror” de fato, esta é uma obra de thriller psicológico. Convida o espectador para uma jornada tão enclausurada quanto a de seus personagens por meio de sua razão de aspecto: o filme é praticamente quadrado, mais estreito que os filmes clássicos dos primórdios do cinema, filmados em uma razão 1.33:1. O Farol, por sua vez, é fotografado em 1.19:1.

Essa é somente uma das inúmeras decisões de Eggers que destacam seu trabalho de direção. As imensas sombras projetadas nas paredes e nos próprios atores, o enquadramento de seus personagens (muitas vezes em um contra-plongée anguloso) e a utilização de planos longos são marcas registradas aqui, aproximando a obra da estética do impressionismo alemão, com reflexos da inventividade do noir. Tal proximidade é fruto da colaboração do diretor com o diretor de fotografia Jarin Blaschke, com quem trabalhou em A Bruxa. Ele faz um ótimo uso do filme de 35mm, que confere mais desta atemporalidade à trama. Ainda há a manipulação da cor do filme – que traz céus mais escuros que o mar em planos de beleza ímpar.

A montagem de Louise Ford (pasmem: também egressa de A Bruxa) é exemplar. Criando um ritmo que é próprio de O Farol, Ford corta apenas quando necessário, entregando ao espectador planos longos, com mise-en-scène exemplar de Eggers, mas sem medo de justapô-los aos densos close-ups, onde Dafoe e Pattinson têm total controle da tela – e mais podem brilhar.

Contudo, há um ponto de primor em O Farol que nada contra a revisitação estética do passado do cinema: a música de Mark Korven (pasmem: ele também trabalhou em A Bruxa). O compositor cria uma atmosfera eletrizante e desconfortável, com timbres atuais e uma experimentação que é típica deste século 21, que acaba por atribuir à obra um frescor contemporâneo. Não é nada extremamente inovador, mas é único ao longa. As sequências não teriam tanto impacto psicológico sem a música de Korven.

Ela acompanha todo um desenho de som, de Mariusz Glabinski e Damian Volpe, que a auxilia a desenvolver essa atmosfera opressiva e de tensão inigualável. No entanto, este filme faz jus às capacidades criativas do desenho de som de modo tal que nenhum título lançado em 2019 (embora tenha se atrasado por aqui, O Farol teve lançamento mundial no ano passado), em um instante que se impregna na memória. Assim que assistir ao longa, o leitor será capaz de identificar o momento que descrevo. E digo mais: O Farol deveria se encerrar ali.

O Farol se destaca entre todos os lançamentos dos últimos anos, aumentando as expectativas para a carreira de Robert Eggers vertiginosamente. Com sensibilidade, tensão e a medida certa de experimentação para afastá-lo do convencional sem fazê-lo de vez, o filme é destaque em todas as áreas da produção cinematográfica. Do começo a depois de seu fim, ele te prende na cadeira da sala de cinema. E o convida a enlouquecer junto ao seu incrível elenco.