Iluminadas

Com Elizabeth Moss atuando ao lado de Wagner Moura, nova série já está sendo considerada a grande obra das produções atuais da linha true crime

Texto por Taís Zago

Foto: Apple TV+/Divulgação 

A nova série do streaming da maçã é uma adaptação do thriller literário publicado em 2013 e escrito pela sul-africana Lauren Beukes. E falar isso já é quase um spoiler para os mais atentos. A dificuldade maior aqui é exatamente resenhar decentemente uma obra, que de tão genial, não permite entregar quase nenhum fato de seu enredo sem estragar a experiência. 

Iluminadas (Shining Girls, 2022 – Apple TV+) inicia como um true crime bastante tradicional: no ano de 1964 um sujeito com cara de psicopata aborda uma menina na frente de sua casa. Imediatamente soam os nossos alarmes de que um processo de grooming parece estar em andamento. Pelo comportamento desconfiado da menina, a investida parece ter sido infrutífera. Porém, o assediador não se mostra decepcionado com o resultado. Nós, espectadores, já ficamos com a pulga atrás da orelha. 

Num pulo para 1992 – e aqui mais uma vez temos os anos 1990 como a grande tendência da escolha temporal nas produções atuais – reencontramos a menina Kirby, interpretada por Elisabeth Moss, e o abusador Harper Curtis, incorporado por Jamie Bell. Harper parece seguir seu longo caminho de abusador perseguindo e stalkeando possíveis vítimas, agora mulheres adultas. Já Kirby é apresentada como uma moça tímida e reservada que trabalha no arquivo do jornal Chicago Tribune – atividade, aparentemente, bastante protocolar e entediante. Ela parece viver com a mãe, Rachel (Amy Brenneman) uma espécie de Patty Smith noventista que vive da música. Kirby cuida da mãe, os papeis são invertidos. Ela também luta para superar as sequelas de um ataque que sofrera há seis anos, que quase custou sua vida e a deixou com uma aparente síndrome de estresse pós-traumático. 

Até aqui não temos absolutamente nada de novo – todas as situações parecem a praxe em um drama ou suspense. Mas as aparências nos enganam e logo somos jogados em um espiral de situações que tiram o chão. A realidade de Kirby não tem nada de rotineira e monótona. Bem pelo contrário: no melhor estilo Russian Doll (série da Netflix), os acontecimentos se atropelam, os cortes temporais nos atordoam, as realidades se misturam e a cada cinco minutos parece que estamos diante de personagens diferentes em uma outra série. A confusão mental da protagonista vira a nossa confusão. Estamos perdidos dentro da história e assim continuaremos por um bom tempo. Isso faz de Iluminadas uma obra bastante difícil de ser acompanhada e que definitivamente não é daquelas que podemos assistir enquanto mexemos no celular ou com burburinho ao redor. É o tipo de obra que devoramos para que ela não nos devore. 

Como se todos os lapsos e esquecimentos de Kirby não fossem suficientes para armar a bagunça, ela ainda encontra o seu perfeito parceiro de investigação no jornalista Dan, brilhantemente interpretado por Wagner Moura – com direito a diálogos em português e camiseta dos Mutantes. Dan é um pai solteiro com problema de alcoolismo e carreira fracassada dentro do jornal. Juntos, eles tentam descobrir a identidade do agressor de Kirby, e, aparentemente, de outras vítimas ignoradas pela policia local.

A química entre o trio Bell, Moura e Moss é sensacional. Resulta em um suspense/terror de primeira qualidade e que não economiza em detalhes bizarros, gore e excentricidades. O trabalho é minucioso, desde a caracterização dos cenários de acordo com a época, como as instalações do jornal Chicago Tribune. Mas seria muito injusto não sublinhar aqui o talento fenomenal de Elisabeth Moss. A atriz torna seus todos os papeis que interpreta de uma forma tão natural que não é possível separá-la da personagem. Ela ofusca e toma todo o espaço nas cenas em que atua, sendo bastante difícil nos concentrarmos nos outros dois apesar de, justiça seja feita, também executarem suas funções com maestria.

Iluminadas já está sendo considerada a obra derradeira do true crime atual, deixando pouco espaço para criações originais que venham a ser produzidas a partir de agora. E eu concordo com essa afirmação. A produtora e roteirista Silka Luisa (também da série Halo, da Paramount+, também de 2022) injetou no projeto muito de sua visão feminina focando no oculto e na violência sem apelo sexual exagerado. E se Moss e Leonardo DiCaprio estão na lista dos produtores executivos, a qualidade está garantida, portanto. Está aí uma série para mergulhar, discutir e questionar. Daquelas que nós, fãs do gênero, amamos e torcemos para que haja mais temporadas.

Depeche Mode

Mastodonte do synth pop perde Andrew Fletcher, seu mais discreto integrante e a fonte de segurança nos bastidores durante quatro décadas

Wilder, Gore, Fletcher e Gahan em 1987

Texto por Fabio Soares

Foto: Mute Records/Divulgação

Quando o baixista Andrew John Leonard Fletcher chamou o tecladista e compositor Vince Clarke para o pontapé inicial de um projeto musical em 1977, ambos não sabiam bulhufas o que viria a seguir. Eram tímidos jovens proletários em um buraco esquecido na Inglaterra, com inteligência acima da média e que tinham somente a música como companheira. Em todos os momentos. Tristes em sua maioria. O par de cérebros absolutamente centrados formou o No Romance In China e, logo em seguida, o Composition Of Sound, com a entrada do guitarrista Martín Gore. Era a época dos sintetizadores portáteis, logo adotados por todos eles. Instrumentos fabricados num país que nada tinha de tropical mas que possuíam uma eficiência abençoada por Deus e produziam, assim, um som bonito por natureza.

Mas nenhuma genialidade sintetizadora suficientemente seria capaz de chamar a atenção do público do que as figuras de dois nerds que não sabiam chutar uma bola. Era necessário apelo. Visual, visceral e sexual. Foi, então, que Vince chamou Dave Gahan para um teste. E foi nessa época também que o movimento de rotação da Terra passou a girar ao contrário. O mastodonte sonoro nascido em 1981 em Basildon, cidade-satélite de Londres, atenderia pela alcunha de Depeche Mode e passaria como um trator por quem cruzasse seu caminho.

Se os integrantes do Kraftwerk foram os Beatles da porra toda no cenário eletrônico, os meninos depecheiros foram os Rolling Stones da parada. E tamanha semelhança com a banda de Mick Jagger & Keith Richards fez com que o Depeche Mode tivesse até um clone de Charlie Watts pra chamar de seu: Andrew Fletcher.

No triênio 1994/1995/1996, a banda não acabou por um triz. O multi-homem Alan Wilder, um dos gênios de sua geração e o quarto elemento do grupo desde a saída de Clarke em 1982, picou a mula também. Dave Gahan se afundou em heroína. Martín Gore atravessava péssimo momento conjugal. Era necessário que alguém chamasse a responsa pro barraco não desabar. Andy chamou a responsa e evitou um naufrágio.
Ele foi muitas vezes alvo de piadas sobre sua incapacidade técnica à frente de um instrumento. Quem viu um concerto do grupo tinha a impressão de que sua performance não passava de um caô dos diabos! Dancinhas inverossímeis com os indicadores apontados para lugar algum. A aura blasé permeando toda a apresentação. O semblante assemelhado ao de um funcionário de cartório às quatro e meia da tarde de uma sexta-feira. 

Era fake? Se era, foda-se! Todo fã de Depeche Mode sabe que foi a matadora discrição de Fletcher o fator preponderante para que a banda não acabasse antes da hora. Seu tino para gerenciar os bastidores foi tão importante quanto a performance de Dave Gahan como frontman. Não era virtuoso. Não era carismático. Não era falador. Era o mediador de conflitos perfeito. No momento certo. Na hora certa.

Recebi a notícia de sua morte no meio da Baía de Guanabara, a bordo de uma das barcas que fazem a travessia Niterói-Rio de Janeiro. Olhei para o lado e o sol, que durante todo o dia reinou soberano sobre solo fluminense, iria se por cercado de uma pancada de nuvens, na retaguarda, que é o verdadeiro lugar de um observador. E é dessa maneira que o gigantesco Andrew Fletcher me olhava enquanto rascunhava essas malfadadas linhas regadas a muita emoção e três gin tônicas na cabeça. Era a maneira pela qual ele queria ser lembrado: uma liderança paquidérmica, permeada por gestos diminutos e coberta pela magnânima atmosfera da razão.

Um general a serviço de nós! O máximo símbolo da expressão “menos é mais”. Você foi astro-rei sem ofuscar ninguém, Andy. E poucos na História exerceram este papel com tamanha maestria…

>> O falecimento do tecladista e fundador do Depeche Mode, Andrew fletcher, aos 60 anos de idade, foi comunicada pela própria banda em suas redes sociais na tarde desta última quinta-feira, 26 de maio de 2022. O motivo da morte não foi informado mas veículos internacionais como a Rolling Stone e o Pitchfork conversaram com fontes próximas ao trio que apenas confirmaram ter sido uma causa natural.

>> Clique aqui para ler a parte 1 da cobertura feita em 2018 pelo Mondo Bacana dos últimos shows da Global Spirit Tour, a última turnê do Depeche Mode

>> Clique aqui para ler a parte 2 da cobertura feita em 2018 pelo Mondo Bacana dos últimos shows da Global Spirit Tour, a última turnê do Depeche Mode

>> Clique aqui para ler a parte 3 da cobertura feita em 2018 pelo Mondo Bacana dos últimos shows da Global Spirit Tour, a última turnê do Depeche Mode

Gorillaz – ao vivo

Damon Albarn e sua orquestra mezzo live action mezzo virtual trazem o futuro a uma Curitiba que parece fazer questão de sempre olhar para trás

Damon Albarn

Texto por Abonico Smith

Fotos: iaskara

No auge do sucesso com o Blur, lá pela segunda metade dos anos 1990, Damon Albarn se encontrava enfastiado com a sonoridade regressiva das guitarras do britpop. Por isso decidiu se permitir e inventar algo completamente diferente do que já andava fazendo à frente do quarteto. Calcado nos seus outros gostos musicais da adolescência (rap, trip hop, dub, ska e demais grooves de raiz preta), uniu-se a Jamie Hewlett, cartunista de origem undergound, e montou o Gorillaz. Som com imagem, música com desenho animado. Os instrumentistas não seriam de carne e osso, mas sim quatro seres fictícios que estrelariam os videoclipes, capas e encartes dos discos. No estúdio, para dar forma às canções, passou a chamar um turbilhão de amigos para gravar vozes, batidas e bases harmônicas. Mal poderia saber que não só estaria prevendo o futuro da música pop no século 21 como também daria à luz quem logo viria a se transformar em seu principal projeto musical com o subsequente arrefecimento do mesmo Blur.

Desde 2001, o Gorillaz já conta com onze álbuns (sete de material original e três coletâneas com singles, remixes e raridades) e intensa atividade de concertos, dando giros ao redor do planeta. Neste último mês de maio, na fase de pontapé inicial da aguardada turnê mundial pós-pandemia, Damon trouxe sua orquestra mezzo virtual mezzo live action para o Brasil. Foram dois shows como headliner do Mita Festival (em São Paulo e no Rio de Janeiro) e, no meio destes, uma apresentação “solo” em Curitiba, no sideshow denominado Mita Day e em uma Pedreira Paulo Leminski congelante na noite do último dia 18 de maio.

Receber na capital paranaense um grande nome do rock que não esteja de alguma forma ligado ao binômio hard rock/heavy metal já pode ser considerada uma bênção para esta cidade que não aguenta mais receber sempre os (quase) mesmos artistas em concertos massivos. Só que alguém poderia ter ao menos dado um toque no colocador de som para tentar fazer o esquenta (na linguagem metafórica, bem verdade, já que o sentido literal se fazia impossível naquele frio abissal que congelava orelhas e cabeças de quem não vestia capuz ou gorro). No mínimo a pessoa não fazia nem ideia de quem faz parte de grande parte dos fãs da banda. Foi Black Sabbath para lá, Guns N’Roses para cá e AC/DC em imperdoável dose tripla. Alguém bem que poderia ter lembrado à pessoa que as passagens de Metallica e Kiss por estas terras se deram dias antes. Quando muito rolou uma obviedade como “Song 2”… do Blur! A situação só melhorou quando a equipe do Gorillaz assumiu a sonorização para colocar a playlist do próprio artista. Antes tarde do que nunca…

Quando o telão passou a mostrar a vinheta The Static Channel, o prelúdio imagético que já anuncia uma novidade que vem em breve por aí, a noção de que o futuro da música havia chegado de fato à Pedreira era real. A partir de então, por quase duas horas, o que se viu foi um belíssimo concerto que não se baseava somente em algo sonoro. Aquilo que a MTV já revelara nos anos 1980, o Gorillaz confirma como sua essência: a condição do sensível é cada vez mais visual e harmonias e melodias precisam, mais do que nunca, ter os olhos como complemento dos ouvidos. Inclusive na performance cênica. Tudo milimetricamente ensaiadinho e cronometrado, para coincidir performance ao vivo dos músicos de carne e osso com o disparo de telões e bases sonoras pré-gravadas. No fundo e nas laterais do palco, as criaturas animadas Murdoc, 2-D, Noodle e Russel desfilavam em trechos dos videoclipes originais e ainda recebiam convidados especiais virtuais como Elton John e Robert Smith. Tudo ali, sequenciado ao vivo, na frente dos olhos de umas milhares de pessoas, sem a facilidade do suporte do videotape.

Posdnous

O futuro previsto pelo Gorillaz também está na embalagem musical. É rock mas não é aquele rock congelado com guitarras em primeiro plano. Elas existem, por vezes são bem pesadas e distorcidas, mas dialogam bastante com as batidas dançantes, inclusive cedendo espaço para outros instrumentos virem à frente. É rap também, inclusive com a presença de rappers invadindo o palco no final do set como convidados especiais em uma ou duas músicas cada – como o famoso DJ de reggae e toaster britânico Sweetie Irie (que participou da versão remix acelerada de “Clint Eastwood”) e as lendas do hip hop americano dos anos 1990 Bootie Brown e Posdnous. Brown, um dos fundadores do grupo Pharcyde, comandou mais dois clássicos, “Stylo” e “Dirty Harry”. Pos, uma das vozes marcantes do trio De La Soul, fez “Superfast Jellyfish” e “Feel Good Inc” (que não perdeu em nada mesmo ficando sem a risada malévola do outro integrante, Maseo, que também participou da gravação original). É pop (“Strange Timez” e “On Melancholy Hill” são duas pérolas ainda escondidas no repertório), é eletrônico (“Tranz”, “Aries” e “Andromeda” transformam a arena em uma gigantesca pista de dança), é jazz (“O Green World”), é bossa nova (“El Mañana”), é gospel (os quatro backings dão um suporte poderoso em vários momentos do espetáculo até uma delas, Michelle Ndegwa voar solo ao soltar o vozeirão em “Kids With Guns”), é electro (“Stylo” e “Dirty Harry” remetem ao comecinho dos anos 1980, quando Afrika Bambaataa apresentou o rap aos sintetizadores), é punk (“M1A1”, “Momentary Bliss”). Na sonoridade, Damon comanda uma mistura de tudo e mais um pouco, sem pesar a mão para qualquer direção. E está tudo bem assim, casando perfeitamente, deste modo, com a vibe do público millennial.

Com a ajuda de músicos tarimbados para transpor com fidelidade as gravações para o palco (com o destaque para o baixista Seye Adelekan, o tecladista Mike Smith, o guitarrista Jeff Wooton e o percussionista Remi Kabaka Jr, que também participa das sessões de criação nos estúdios) e um figurino megacaprichado (com todos os músicos se encaixando na paleta de cores que flutua entre o rosa e o preto), Damon Albarn se mostra visivelmente confortável para assumir de vez a condição mista de entertainer e ídolo pop à qual quase chegou se o Blur não tivesse ficado no meio do caminho lá pelo 19-2000. De qualquer forma, não há quem possa acusá-lo de comodismo ou fazer algo sem esmero e qualidade. Seja no Blur, no Gorillaz ou em outros projetos bissextos como a carreira solo, os flertes com a sonoridade africana e oriental, as trilhas sonoras ou os grupos Rocket Juice & The Moon e The Good, The Bad & The Queen. Mas, enquanto Damon sempre olha para a frente, a mesma Curitiba que lhe acolheu sob baixíssima temperatura (no início do show ele chegou a brincar, dizendo ao público que estar ali na Pedreira lembrava a experiência de tocar no verão britânico) faz questão de reproduzir mecanicamente o que esta fácil e estabelecido e olhar para trás mesmo sendo arrastada para o futuro, tal qual o anjo do quadro Angelus Novus, de Paul Klee.

Set List: (The Static Channel), “M1A1”, “Strange Timez”, “Last Living Soul”, “Tranz”, “Aries”, “Tomorrow Comes Today”, “Every Planet We Reach Is Dead”, “Rhinestone Eyes”, “19-2000”, “Saturnz Barz”, (Interstitital), “Glitter Freeze”, “Cracker Island”, “O Green World”, “Pirate Jet”, “On Melancholy Hill”, “El Mañana”, “Kids With Guns”, (Elevator Going Up) ”Andromeda”, “Superfast Jellyfish”, “Feel Good Inc”, “Dirty Harry”, “Momentary Bliss”, “Plastic Beach”. Bis: “The Pink Phantom”, “Stylo”, “Clint Eastwood” e “Clint Eastwood (Ed Case/Sweetie Irie Re-Fix”).

Top Gun: Maverick

Reencontro com personagem de Tom Cruise tira o fôlego ao garantir experiência imersiva completa ao espectador

Texto por Carolina Genez

Foto: Paramount/Divulgação

Mais de 30 anos depois do lançamento do primeiro filme, reencontramos Pete “Maverick” Mitchell (Tom Cruise) trabalhando como um piloto de testes para a marinha e se recusando a subir de patente para não abrir mão do que mais gosta: voar. Contudo, é convocado novamente ao Top Gun, dessa vez como professor. Agora ele deve criar e treinar uma equipe perfeita, com os melhores dos melhores, para enfrentar uma missão impossível. Dentre seus alunos, um rosto já mais do que conhecido, Bradley “Rooster” Bradshaw (Miles Teller), filho do falecido melhor amigo Goose.

Continuações de filmes “solo” sempre são algo perigoso, ainda mais com uma diferença de décadas entre as duas obras. Mas Top Gun: Maverick (China/EUA, 2022 – Paramount) não só faz um ótimo trabalho como supera o original em diversos momentos. O novo longa traz um grande dilema na vida de Pete, o envelhecimento, já que, por conta dos avanços tecnológicos, no futuro não serão necessários pilotos de testes – assim sua atual posição na marinha está em risco. Além disso, assim como o original de 1986, Maverick continua com a mesma reputação, sendo extremamente teimoso e rebelde, o que dificulta conseguir qualquer outra posição. Assim, quando é convocado a pedido do almirante Tom “Iceman” Kazansky (Val Kilmer), não há outra opção senão aceitar treinar a equipe para o que parece ser uma missão suicida.

Ao contrário do anterior, o roteiro conta com uma história mais completa, não só para conseguir envolver o espectador mas também fazer sentido no contexto atual, em que o uso de pilotos de caça não são tão comuns assim. Traz ainda diversos elementos para os nostálgicos do primeiro filme, como as músicas, o filho de Goose (que tem uma personalidade que mescla a do pai e a de Maverick), o novo personagem Hangman (Glen Powell) funcionando como um jovem Iceman, o próprio Iceman como almirante da marinha (e que garante uma das mais emocionantes cenas da sequência) e o romance entre Pete e Penny (Jennifer Connelly). Este, apesar de ser novo para a narrativa da franquia Top Gun, lembra alguns pontos do relacionamento entre Maverick e Charlie (Kelly McGillis) na primeira história. E, claro, foca bastante em mostrar toda a culpa que o protagonista carrega pela morte do amigo e explora isso com perfeição através do relacionamento com Rooster. O roteiro também realiza um ótimo trabalho ao estabelecer desde o início a missão que os pilotos teriam de enfrentar. Isso não só gera um maior engajamento do público, já que é possível compreender perfeitamente o que os pilotos devem fazer, mas também faz com que os riscos, perigos e obstáculos pareçam mais reais, trazendo assim uma atmosfera recheada de tensão. 

Além da história melhor desenvolvida, Top Gun: Maverick se aproveita muito dos avanços tecnológicos, tanto nos aviões utilizados quanto na produção do filme. O longa é um verdadeiro espetáculo. Quando assistido na tecnologia Imax, que faz toda a diferença e garante uma imersão completa do espectador, passa a sensação de adrenalina sentida pelos pilotos e gera uma das mais maravilhosas experiências no cinema. Os movimentos de câmera também são impressionantes, acompanhando as aeronaves de maneira que o público consiga entender e aproveitar o que está acontecendo nos ares. As cenas aéreas, ainda, são maravilhosamente impecáveis, cheias de manobras e voos em alta velocidade com espírito ao estilo da destruição da Estrela da Morte em Star Wars – Uma Nova Esperança (1977). Além disso, a pedido de Tom Cruise, o uso de CGI e tela verde foi cortado: todos os close-ups nas cabines foram gravados durante sequências verdadeiras de voo, garantindo maior realismo. Para isso ser possível, o elenco teve de passar por extensivos treinamentos para suportar as demandas físicas durante os takes. A fotografia também se destaca com belíssimas imagens que apenas completam o show apresentado pelo longa. Completando a imersão, a sonoplastia é minuciosa ao trazer sons desde os mais simples e óbvios até os mais imperceptíveis, como os barulhos internos da cabine e o som dos jatos deslizando no ar.

As atuações também não deixam a desejar. Tom Cruise mais uma vez mostra que nasceu para o gênero de ação/aventura com uma performance muito natural e real. A realidade é que Maverick e Cruise formam par perfeito e o personagem é quase uma versão biográfica do ator, já que ambos gostam de testar o limite e, mesmo envelhecendo, não deixam de sempre dar seu máximo. Dessa forma, o papel de 2022, assim como em 1986, cai como uma luva para o ator, passando inclusive a sensação de que a diferença de 36 anos entre os dois filmes é inexistente. Também se destaca o de Miles Teller que, mesmo não sendo tão explorado quanto poderia, rapidamente consegue conquistar a empatia do público e garante grandes emoções no longa. O ator entrega atuação maravilhosa com um personagem que não só homenageia o de Anthony Edwards mas também tem personalidade própria. Além disso, é ele quem move o crescimento pessoal e amadurecimento de Maverick. O restante da equipe também possui atuação satisfatória. Como o próprio Hangman, que consegue trazer a essência do Iceman do filme antigo, e a nova personagem Phoenix (Monica Barbaro), que mesmo tendo pouco tempo de tela ainda garante momentos memoráveis sendo a única mulher ao pilotar aeronaves.

Top Gun: Maverick é um exemplo de continuação, não só respeitando o filme original, mas também aprimorando e melhorando diversos aspectos da narrativa. O filme é uma das mais incríveis e sensoriais experiências no cinema da atualidade, trazendo um tributo aos blockbusters e, principalmente, celebrando a figura de Tom Cruise.

Doutor Estranho no Multiverso da Loucura

Fantasia sombria dirigida por Sam Raimi alcança a proeza de ser uma das raras produções autorais do MCU

Texto por Andrizy Bento

Foto: Disney/Marvel/Divulgação

Certamente um dos personagens mais interessantes dos quadrinhos da Marvel, Doutor Estranho iniciou sua incursão cinematográfica em 2016, como protagonista de um longa eficiente, engenhoso e que, se não alcançava todo o seu potencial no quesito fantasia, pelo menos vislumbrava as instigantes e insanas possibilidades que o personagem poderia vir a explorar em aventuras futuras. Nele, Stephen Strange (Benedict Cumberbatch), um arrogante e milionário cirurgião, sofria um grave acidente de carro e rapidamente ia perdendo tudo o que considerava importante e essencial em sua vida: seu talento, sua profissão, seu dinheiro e seu amor. Recomeçava do zero, abrindo mão do ceticismo para explorar um caminho incerto e no qual jamais acreditaria existir antes de sofrer o acidente: o universo da magia.

Convertido em mago, Strange se reinventou – e não me refiro ao fato de se transformar em super-herói e lutar ao lado dos Vingadores. Reinventou-se como ser humano, conhecendo o valor do altruísmo e tendo ciência de que deveria estar disposto a correr riscos e enfrentar sacrifícios em busca de um bem maior. Tanto é que, em Vingadores: Guerra Infinita, ele é o responsável pela decisão que encerra o filme de maneira agridoce, mas que embasa todo o enredo do filme posterior, o megahit Vingadores: Ultimato.

E concluímos que Strange estava certo. Depois disso, continuando sua bem-sucedida carreira em outras mídias além das HQs, Estranho protagonizou um dos melhores, se não o melhor episódio da série animada What If…?, produção da Marvel Studios para o Disney+. O episódio serviu, dentre outras coisas, para atestar a sua posição em meio ao panteão de heróis que integra. Ele é, de longe, um dos personagens que mais possui conflitos internos, tanto com seu lado humano, quanto com o lado mago. Emblemático para uma companhia como a Marvel, que sempre explorou a dicotomia e os limites entre a humanidade e o super-heroísmo, entre a ciência e a magia.

Seis anos após estrear nas telonas, o Doutor Estranho finalmente ganha um segundo filme solo que não se dedica a ser apenas uma sequência do original ou uma aventura trivial de fim de semana. Mas, sim, um título que vai além da cartilha Marvel seguida por quase todas as outras produções solo do MCU, enveredando por gêneros que ainda não haviam sido trabalhados às obras da casa e apresentando easter eggs que não estão lá por puro fanservice, mas de modo a conectar de maneira orgânica e genuína os diversos elementos e narrativas espalhadas ao longo do universo estendido da Marvel – quecompreende não apenas os longas feitos para o cinema como também as produções televisivas. Isso sem contar as referências aos filmes realizados antes mesmo do início do MCU, levados às telas por outros estúdios e distribuídos por outras companhias, como a Sony e a Fox. Lógico que estou falando de um certo teioso, de uma galera de mutantes e de um grupo que se reúne no edifício Baxter…

Doutor Estranho no Multiverso da Loucura (Doctor Strange in the Multiverse of Madness, EUA, 2022 – Disney/Marvel) é uma fantasia sombria dirigida por Sam Raimi, o mesmo que marcou a vida de tantos marvetes com os filmes do Homem-Aranha produzidos pela Sony entre os anos de 2002 e 2007 e protagonizados por Tobey Maguire. Nesta trama, Strange acorda de um pesadelo que soa muito real e se prepara para um casamento. Em um incidente durante a cerimônia, descobre que a figura que permeia seu pesadelo existe em sua realidade.

America Chavez (Xochitl Gomez) é uma adolescente que possui a estranha habilidade de viajar por multiversos, acessando diferentes realidades por meio de portais. Contudo, o poder somente se manifesta quando America se vê em uma situação de risco iminente, como se o medo fosse o catalisador para o despertar de sua habilidade. Strange decide procurar a ajuda de alguém que entende de multiversos para auxiliar a garota, a reclusa Wanda Maximoff (Elizabeth Olsen), que ainda não se curou completamente do luto após a perda de sua família. O que Strange nem poderia desconfiar é que a grande antagonista de seu pesadelo é a própria Wanda, que pretende roubar os poderes de America a fim de recuperar o que a sua realidade lhe roubou, acessando um universo em que ela vive feliz ao lado de seus filhos.

Como uma fã que aprecia os filmes do MCU e se diverte assistindo a eles no cinema (e ao mesmo tempo reclama e sente falta de um diretor que imprima seu estilo e assinatura nas produções), digo que o Estranho não podia estar em melhores mãos. Raimi faz um trabalho bem satisfatório, flerta com elementos de terror – lembrando que o cineasta tem uma vasta e excelente experiência com produções do gênero, coroadas com aquela deliciosa aura de filmes B – e compõe sequências de ação vertiginosas amparadas por um CGI respeitável e eficiente. O resultado é um filme tão deslumbrante quanto aterrorizante, que sabe dosar de maneira genuína humor, drama, ação e suspense. Óbvio que aqui e ali a gente consegue enxergar as impressões digitais de produtor Kevin Feige, presidente da Marvel Studios, mas não dá para remover a autoridade de um cineasta tão criativo e dono de suas narrativas como Raimi.

Doutor Estranho no Multiverso da Loucura se destaca como um dos raros filmes autorais do Universo Cinematográfico da Marvel. Ok, talvez, a colocação seja um pouco exagerada. Entretanto, é, de fato, um sopro de alívio ver um filme da casa onde a assinatura do diretor fica tão evidente, distanciando completamente o longa daquilo que chamamos de “filme de produtor” e que é um termo tão comum quando se trata de Marvel Studios. Dá para curtir a história  sem ter assistido a todas as produções que os fãs, energicamente, se dispuseram a elencar em fóruns e redes sociais, alegando ser imperativo conferir todas elas antes de se aventurar pelo Multiverso da Loucura? Lógico que dá. O longa funciona independente disso. Claro que se você ao menos conhecer previamente alguns dos elementos abordados aqui, a sessão será mais divertida. E se você tiver, de fato, assistido às outras produções, a experiência se torna ainda mais rica e gratificante – pois é uma delícia pescar as referências quando elas fazem sentido no todo, não tendo sido incluídas no roteiro apenas para agradar aos fãs. Porém, não se preocupe. Há diálogos e cenas expositivas o suficiente que elucidam o que é, por exemplo, o Darkhold e quais são as motivações de Wanda Maximoff, aqui definitivamente uma Feiticeira Escarlate.

Em um clímax quase constante, contando com participações especialíssimas capazes de deixar os fãs do Universo Marvel agitados e mal se contendo na poltrona do cinema (mais a trilha sonora deliciosa de Danny Elfman), Doutor Estranho no Multiverso da Loucura ainda apresenta montagem assertiva, efeitos exuberantes e uma maquiagem digna de nota. Conta com momentos assustadores, mas ainda assim é indicado para todos os públicos. Eis o toque de gênio de Sam Raimi, que incorporou ao longa do Estranho toda a sua expertise em cinema de terror e suspense, além da experiência acumulada na direção de filmes de super-heróis de teor mais familiar e emblemáticos de uma geração.

Cenas bizarras dividem espaço na tela com arcos de redenção típicos de cinema de entretenimento. Sequências de ação pirotécnicas são inseridas em uma narrativa que foca especialmente na evolução dos personagens, por quem diretor e o roteirista, Michael Waldron, parecem nutrir um imenso carinho. Raimi, aqui, é o verdadeiro mago. Sem subestimar a inteligência do público, contando uma boa história, dispondo de toda a galeria de recursos que o gigante estúdio generosamente oferece, Doutor Estranho no Multiverso da Loucura é uma produção deliciosa que respeita os marvetes e os fãs de entretenimento cinematográfico de qualidade.