Fernanda Takai

Novo disco solo registra a clausura pandêmica com muitas memórias afetivas, críticas à ignorância e belas parcerias multinacionais

Texto por Janaina Monteiro

Foto: Dudi Polonis/DeckDisc/Divulgação

Quando muitos procuram legitimar seu discurso contra a injustiça aos berros, exaltando a raiva, eis que surge o caminho inverso: o da voz doce e terna de Fernanda Takai. Em Será Que Você Vai Acreditar? (DeckDisc) a mineira vocalista do Pato Fu, mulher do produtor e guitarrista John Ulhôa, mãe da adolescente Nina, dá seu recado sutilmente, tecendo críticas à ignorância num trabalho baseado em memórias afetivas. Takai se veste de nostalgia para registrar este ano inesquecível, que nos obriga a esconder os rostos para salvar vidas.

Como todo artista que sente na pele as mudanças mais que pobres mortais mundanos, assim que a pandemia se instaurou Fernanda e John se isolaram no estúdio montado em casa para se concentrar no álbum que já vinha sendo formatado desde o início do ano. O resultado é um trabalho capaz de mesclar a lembrança de um passado não tão distante, através da escolha de parcerias e versões, e a esperança de um futuro minimamente saudável para as novas gerações.

Canção após canção, o disco evidencia a coesão tanto na escolha do repertório quanto na vida familiar de Takai. John produziu, mixou e tocou todos os instrumentos, preparando o terreno para a voz calma e serena da esposa, que logo na abertura “Terra Plana” carrega mensagem que ataca o retrocesso da humanidade. John conta que havia escrito a música para a filha como presente de aniversário, numa espécie de cobrança e autoquestionamento que pais sempre fazem no sentido de querer o melhor para os filhos e cujo propósito foi potencializado na pandemia (“Se eu disser que mesmo tendo medo você deve se arriscar/ Será que você vai se machucar?).

A segunda faixa dá sequência ao tema paternidade: “Não Esqueça” é uma composição de Nico Nicolaiewsky, membro do duo Tangos e Tragédias que morreu em 2014 por conta de uma leucemia aguda. O casal do Pato Fu era amigo do artista e procura até hoje manter viva a memória da obra do gaúcho. A canção traz uma série de conselhos à filha de Nico e é pura ternura: “Eu te digo, minha filha/ Não esqueça de sempre sorrir/ Não esqueça de ligar pra mim/ Se por acaso conseguir/ Não esqueça que é tudo ilusão/ Não esqueça de lavar as mãos”.

Há três releituras, sendo duas em inglês. “Não Creio em Mais Nada”, uma das baladas mais famosas do compositor Totó (amigo de Peninha e Antônio Marcos) e sucesso na voz do também já falecido Paulo Sérgio, ganhou arranjo moderno, com texturas vocais e sintetizadores. A cantora mostra afinação na clássica “One Day In Your Life”, gravada por um Michael Jackson ainda teenager. Em “Love Is a Losing Game”, por sua vez, presta homenagem a Amy Winehouse em uma versão bossa eletrônica.

O repertório ainda traz parcerias nostálgicas. Na romântica “O Amor em Tempos de Cólera”, que lembra o título do livro de Gabriel García Marquez, Takai divide os vocais com Virginie Boutaud, da banda francopaulista Metrô, e também dona de voz delicada. Takai conta que o trabalho foi feito à distância – Virginie na cidade francesa de Toulouse e ela em Belo Horizonte – e considera a canção como “um momento de aconchego em tempos tão difíceis”.

Quem também participa do disco é Maki Nomiya, do duo nipônico Pizzicato Five e coautora de “Love Song”, sobre um amor distante que sobrevive às diversidades. Metade em japonês, metade em português, a faixa é a mais animada do disco e destoa um pouco das demais. Será Que Você Vai Acreditar? é, enfim, é um questionamento a esse mundo pandêmico, que parece ter engatado a marcha ré e escancarado o que há de pior no ser humano. Muito disso é resumido na melancólica “Corações Vazios”, composição de John, que aborda a falta de compaixão e estupidez. “Espere só pra ver/ Você vai entender”, diz o refrão. Esperemos, Fernanda, esperemos.

Black Is King

Escrito, produzido e dirigido por Beyoncé, filme refaz a jornada do rei leão Simba com personagens interpretados por mulheres e homens negros

Texto por Ana Clara Braga

Foto: Disney+/Divulgação

Quando Beyoncé lançou o clipe da música “Formation” em 2016, o programa humorístico SNL fez uma esquete chamada “O dia em que a América descobriu que Beyoncé é negra”. Obviamente a cantora texana nunca escondeu a cor de sua pele, mas para muitos foi um choque o lançamento de uma faixa tão política. Após “Formation”, ela nunca voltou atrás. 

Temas sobre feminismo e negritude tornaram-se uma constante nos trabalhos da popstar. Em 2019, a estrela foi chamada para produzir a trilha sonora do filme live action O Rei Leão. Desse convite nasceu o álbum The Lion King: The Gift, que serviu de inspiração para o longa musical Black is King (EUA, 2020 – Disney), lançado em streaming em julho de 2020 e que no Brasil chegará junto com o canal Disney+ em novembro. A história é uma reimaginação da jornada de Simba, mas, ao invés de animais, os personagens sâo interpretados por mulheres e homens negros.

Black is King mistura música, poesia e falas do filme com Beyoncé como figura etérea. A todo momento junta elementos do catolicismo e de religiões de matriz afro. Os Orixás e o cesto de Moisés conseguem simbolizar a religiosidade antes e depois da diáspora do povo negro. Inclusive, uma das mensagens do longa é a redescoberta dos hábitos, crenças e culturas ancestrais dos povos africanos. 

Beyoncé procurou ao redor do mundo por produtores, instrumentistas, cantores, estilistas, dançarinos, compositores negros para dar vida ao musical. O filme é uma visão negra feita por negros. O único branco que aparece no decorrer de uma hora e meia é o mordomo da música “Mood 4 Eva”, uma reescrita poderosa do mantra Hakuna Matata.

O visual do longa é um prato cheio. Cenários, figurinos e as coreografias são deslumbrantes. A conclamação pela união juntamente de paisagens paradisíacas em “Bigger” ou o minimalismo do funeral em Nile são resultados do que a cantora considera um “trabalho por amor”. O perfeccionismo é visto nos detalhes que saltam aos olhos. 

Black is King atualiza a trajetória de Simba do exílio ao retorno à tribo. As hienas de Scar se transformaram em uma gangue de motociclistas; a floresta em que o jovem leão encontra Timão e Pumba, uma estrada. Essa humanização de Simba, por sinal, ganhou ares políticos sendo trazida às telas em 2020. Lançada em meio aos protestos #BlackLivesMatter, o longa relembra que negros existiam em comunidades com culturas e costumes ricos muito antes da escravidão.

Beyoncé dedica Black is King a seu único filho menino, Sir Carter, e a todos os outros filhos negros do mundo. A obra é uma carta de amor à negritude diaspórica e um lembrete de que homens negros também são vulneráveis e tridimensionais. Assim como Simba. 

Sertânia

Geraldo Sarno retoma o espírito do Cinema Novo e mostra os delírios de um jagunço na opressão do sertão no século 21

Texto por Leonardo Andreiko

Foto: Divulgação

Os entusiastas da sétima arte brasileira já, no mínimo, ouviram falar do diretor e roteirista Geraldo Sarno, autor de Viramundo (1968). Sua mais recente obra, Sertânia (Brasil, 2020), figurou na mais recente edição do Festival Ecrã e traz consigo o espírito do Cinema Novo à nova década do Século XXI.

Sarno escreve, com forte experimentalismo, os delírios de um jagunço, Antão, em seu leito de morte. Uma premissa íntima num longa bastante consciente de sua condição – Sertânia é produto e retrato de sua história. É na interseção entre religiosidade, folclore e história que Sertânia brilha, expondo a realidade contida na fantasia nordestina.

No entanto, esse retrato coloca a crueza social em seu segundo plano, enquanto decide explorar tal delírio íntimo de um jagunço de vida dura, que é relembrada na memória que, como imagina-se a confusão de um leito de morte, é despida de coesão espaço-temporal. Desta forma, grande parte do trunfo do filme é originada da (por que não?) delirante montagem. Um descolamento tal que floresce ao longo do tempo, atingindo as camadas mais inconscientes de um protagonista cuja vida não foi mais que sofrimento atrás de sofrimento.

Com uma estética que ecoa o Cinema Novo (que não é nenhum estranho do autor), o filme desenha um sertão cru, contrastado e estourado, muitas vezes em uma câmera na mão. O abuso da superexposição que acaba por prejudicar os quadros – embora haja lindas composições, muitas perdem a profundidade com tanto branco se mesclando. Ainda assim, a ausência de cor contribui em muito ao tom subjetivo que a direção de Sarno toma. 

O que vemos, não se pode esquecer, é produto da memória definhante de um personagem – talvez o motivo do enfoque do filme ser, justamente, seus conflitos, em detrimento da abordagem sociológica. Ainda que o contexto de crime e fome tenham forte impacto na solta trama do roteiro, tais elementos só têm força proporcional à impressão que deixam a Antão.

E é desta forma que, conduzidos pela direção de Geraldo Sarno, somos convidados a experimentar uma perspectiva alienígena à do Século 21, mas que lida com os mesmos problemas enfrentados por muitos enquanto eu escrevo e você lê: a fome, a opressão, a morte e todos os meandros em que estes convergem. De certa forma, e é uma das mensagens que finalizam o filme, o sertão fantástico de Lampião, Delmiro Gouveia e, agora, Antão Gavião. A nós, meros espectadores, só resta o agradecimento ao cineasta e a reflexão que, inevitavelmente, sua obra nos oferece.

Cocteau Twins

Trinta anos de Heaven Or Las Vegas, o sexto álbum da carreira do trio escocês que traduziu com perfeição a representação musical dos sonhos

Texto por Fábio Soares

Foto: 4AD/Divulgação

No ano de 2017, em programa apresentado na rádio inglesa BBC 4, os cientistas Adam Weir Rufherford e Hannah Fry receberam uma pergunta curta e grossa de uma ouvinte de apenas nove anos de idade: “Por que sonhamos?”, indagava Mila O’Dea, panamenha da cidade de Gamboa.

O secular questionamento vindo da jovem caribenha fazia todo o sentido, tendo em vista que milhares de estudos sobre o fenômeno transpassam décadas sem receber um definitivo “martelo”. A mais famosa delas foi desenvolvida pelo fisiologista Eugene Aserisnky, da Universidade de Chicago, em dezembro de 1951. Ele conectou seu filho de apenas oito anos a um aparelho de eletroencefalograma. A partir do disparo frenético da agulha do maquinário, Aserisnky percebeu que os olhos do garoto também eram estimulados por uma espécie de frenesi interno. Este fenômeno foi batizado por Eugene com uma sigla: R.E.M. (Movimento Rápido dos Olhos, em português). O resto é história.

Mas teria o sonho uma trilha sonora que o traduzisse à sua quase totalidade? Sim! Em setembro de 1982, um trio escocês daria ao mundo Garlands, uma bolacha que vinha mais para confundir do que explicar. Com atmosfera assustadora e afinações de baixo longe do convencional, os Cocteau Twins traziam um quesito a mais: a linha vocal de Elisabeth Fraser, que fugia (e muito) do lugar-comum. Fraser não cantava, mas, sim, conduzia um bólido sonoro por caminhos tortuosos. Tamanha indentidade chamou a atenção do lendário radialista britânico John Peel. Dois anos depois, no antológico disco Treasure, a voz de Liz atingia o patamar de inimaginável. Suas nuances e curvaturas vocais lhe renderam a alcunha de “Voz de Deus” por parte da crítica especializada inglesa. Estava solidificado, portanto, o termo dream pop. Gênero específico, inacessível porém, sublime. Mas ainda faltava algo. Um álbum para as massas. E coube ao ano de 1990 o papel de recorte temporário a um inevitável ápice.

Reza a lenda que o clima do trio durante as gravações de Heaven Or Las Vegas não era dos melhores. O casamento de Fraser com o guitarrista Robin Guthrie, não estaria bem, mesmo após o nascimento da única filha do casal, Lucy Belle, em 1989. Somado a isso, o vício de Guthrie em álcool e drogas levou a união de ambos à beira de um colapso. Alheio a este turbilhão, o baixista Simon Raymonde era o fiel da balança para fazer a coisa andar. E ela andaria nem que fosse na marra.

Heaven Or Las Vegas, já o sexto álbum da carreira, lançado em 17 de setembro de 1990, nasceu GIGANTESCO – a caixa alta ao defini-lo é plenamente justificável a partir de sua faixa de abertura. O vocal de Fraser, mais seguro como nunca, jamais soou tão avassalador. Aos 27 anos de idade, a soprano parecia atingir seu ápice técnico. A linha de baixo de Raymonde nunca soou tão segura como base para a genialidade de Guthrie. Arranjos estrelados mantém o nível em altíssimo patamar. Tente ficar indiferente à marcial batida de “Cherry-Coloured Funk” e falhe miseravelmente. O leque harmônico da banda parecia ser infinito. Como um sonho, claro. Propositalmente? Difícil saber. Prefiro acreditar que um liquidificador emocional foi ligado no estúdio e as sobreposições de camadas vocais, instrumentais e o raio que o parta veio para disparar nosso rápido movimento dos olhos acentuado na dobra de “Pitch The Baby” e “Iceblink Luck”.

A atmosfera de sonho atinge o nível máximo do sublime na faixa-título. O vocal de Liz conduz o ouvinte a um sobrevôo sobre a paisagem que melhor lhe convier. O céu de brigadeiro está ali e cabe a você, reles mortal, gratuitamente aproveitá-lo. O slide guitar de Guthrie é o trem de pouso. Você demorou demais para aproveitar. Portanto, volte a faixa para o início e decole novamente.

O voo termina com “Frou-Frou Foxes In Midsummer Fries” com a voz de Liz nos lembrando de que já é hora de acordar. Nos lembrando também de que Heaven Or Las Vegas, trinta anos após seu lançamento, permanece inabalável. Uma catedral sonora tão generosa que fica ali, de portas abertas para quem quiser adentrá-la. Afinal, Deus estava certo ao enxergar em Liz Fraser sua perfeita mensageira.

Entendemos a mensagem, Senhor. Mas, por favor, nos deixe sonhar mais um pouco. E que assim seja, por mais múltiplos de trinta…

Jarv Is…

Disco de estreia de nova banda formada pelo ex-líder do Pulp traz de volta as letras afiadas e acrescenta instrumentos não muito comuns ao rock

Texto por Ana Clara Braga

Foto: Divulgação

Os tempos áureos do britpop foram há duas décadas e meia. Porém, algo não muda até hoje: Jarvis Cocker continua sendo lembrado como uma dos nomes mais famosos e intelectuais do movimento. Sua banda, o Pulp, foi responsável pelo que talvez possam considerar-se as músicas mais “cabeça” da época. Agora, algum tempo depois, ele mostra ainda estar com a caneta afiada, mesmo que agora sem sua antiga banda. 

Em 2017, depois de dois trabalhos solo em seu nome (lançados nos já longínquos anos de 2006 e 2009) e mais um em parceria com o pianista Chilly Gonzales, Cocker formou um novo grupo. Mais complexo que o nome Jarv Is… era o conceito prévio: seria apenas para tocar ao vivo. Após alguns ajustes, porém, a banda produziu seu primeiro álbum, intitulado Beyond The Pale (Rough Trade/ForMusic). Com sete extensas faixas, o disco é produção não linear e traz composições que borram os limites entre o ao vivo e a maneira costumeira de se gravar separadamente cada instrumento no estúdio.

Uma das características mais marcantes do Pulp era o tom cinematográfico de suas músicas. Em Beyond the Pale essa característica está presente: as canções parecem grandiosas, por vezes longas demais. É possível sentir doses de Leonard Cohen e Nick Cave ao longo do projeto, o que adiciona novas camadas ao já cativante charme de Cocker.

“House Music All Night Long” é o maior destaque do disco. “Lost In The Land Of The Living Room Adrift In A World Of Interiors” torna-se facilmente um hino para o ano de 2020. A música relembra o que o Pulp produziu de melhor nos anos 1990. “Sometimes I Am Pharaoh”, por sua vez, destaca-se por ter uma das melhores produções, algo que remete às canções inebriantes do Animal Collective. 

Em Beyond the Pale, a composição é certeira e o ponto mais alto do trabalho. Todas as sete faixas são de alguma forma reflexivas, como poesias codificadas. Cocker presenteia o público com metáforas, críticas, jogos de palavras dignos de seu talento.  “I can resist gentrification, but I cannot resist temptation”, entoa ele em “Swanky Modes”.

Enquanto nas letras o disco atende a todas as expectativas, a produção é inconstante. A banda que acompanha Jarvis é ótima e adiciona diversos elementos não comuns ao rock – como harpa e violino. Porém, a duração de algumas faixas e a falta de uma transição mais suave comprometem a experiência. O conceito de banda-viva é visível, mas infelizmente seria melhor aproveitado se escutado ao vivo, durante um concerto. Um pente fino poderia ter dado mais refinamento à melhor obra de Cocker desde seus dias de ídolo do britpop.

Beyond the Pale é uma experiência musical nascida da visão de um dos músicos mais interessantes das últimas décadas. É, também, apenas o primeiro projeto da nova etapa da carreira de Jarvis Cocker e torna-se bem sucedido em cativar o público já arrebatado por ele durante todo esse tempo a ponto de deixar um gostinho de quero mais.