Yesterday

O consumo musical de hoje em dia é questionado com história costurada por canções dos Beatles em um mundo onde a banda não existiu

Texto por Janaina Monteiro

Foto: Universal Pictures

Talvez um mundo sem Rolling Stones seja possível. Sem Beatles, porém, jamais. Pelo menos essa é a visão de Yesterday (Reino Unido, 2019 – Universal Pictures), filme dirigido pelo aclamado Danny Boyle, do cult Trainspotting e do oscarizado Quem Quer Ser um Milionário?, que estreia no Brasil com dois meses de delay.

Em resumo, o longa é uma bela homenagem aos Fab Four, com críticas sutis ao showbiz frente ao mundo volátil de hoje e carregando uma mensagem totalmente John Lennon no final. Quem assina o roteiro é Richard Curtis, o neozelandês naturalizado britânico especialista em comédias românticas água com açúcar como Quatro Casamentos e um Funeral e Um Lugar Chamado Nothing Hill. Da dobradinha inglesa, quem se sobressai é o roteirista que imprime sua digital ao filme, abafando a direção de Boyle.

O longa conta a história de Jack Malik (interpretado pelo britânico filho de pais indianos Himesh Patel) que vive em Lowestoft, condado de Suffolk, Inglaterra, com sua vidinha de repositor num supermercado. Em paralelo, ele se apresenta em pubs e festivais, tocando as composições que compõe, às quais ninguém dá muita atenção. Pela decoração do quarto de Malik, dá pra perceber sua paixão por indie rock: há pôsteres da banda escocesa Fratellis; do álbum In Rainbows, dos ingleses do Radiohead; e dos americanos Killers. Além de cantar, Malik é multi-instrumentista (toca piano, violão e guitarra) e guarda uma supercoleção de discos de vinil dentro do armário.

Quem dá suporte à sua carreira são os amigos. Em especial Ellie Appleton (Lily James), parceira desde a infância e que se tornou uma espécie de manager de Malik. Lily é uma garota meiga e romântica, que dá aulas de matemática numa escola e, claro, nutre uma paixão platônica por Malik.  Quando, frustrado, o rapaz pensava seriamente em desistir do sonho de se tornar um cantor famoso, o inesperado acontece. Ao voltar para casa pedalando após um show praticamente às moscas, ele é atropelado por um ônibus durante um apagão planetário, como o bug que todos esperavam na virada do milênio. Jack vai parar no hospital e lá já percebe que há algo mais estranho do que ele ter ficado banguela. O rapaz cantarola trecho de uma canção dos Beatles e Ellie sequer reconhece. Ao receber alta, ganha um violão novo de presente e interpreta a canção que batiza o longa, “Yesterday”, que Paul McCartney compôs logo após lembrar-se de uma melodia vinda durante um sonho.

E então o mote do filme começa. Malik reage ao impacto de saber que é o único que se lembra de Beatles, num misto de indignação e nervosismo. Os amigos do protagonista chegam a comparar “Yesterday” com “Fix You”, do Coldplay – um dos momentos hilários do longa. O mundo, então, torna-se estranho, vazio e sem sentido para o rapaz que, por várias vezes, recorre ao Google para descobrir se algo mais desapareceu no fog. Será que o Oasis sequer existiu também?

Malik se vê na obrigação de mostrar ao mundo o que só ele lembra e, de quebra, consegue impulsionar sua carreira ao se apropriar da obra de Paul, John, George e Ringo, despertando, claro, curiosidade e desconfiança por conta de toda essa explosão criativa que surge da cabeça de quem compunha canções banais.

Conforme ele mergulha na memória para buscar cada palavra e cada acorde do repertório beatle, revela-se a trilha sonora do filme, repleta de “lados A” como “I Wanna Hold Your Hand”, “In My Life”, “Help!”, “Eleanor Rigby”, “I Saw Her Standing There”, “All You Need Is Love”, “Let It Be”, “Hey Jude”, “Here Comes The Sun” e “Ob-La Di Ob-La-Da”. Para relembrar a dificílima letra de “Eleanor Rigby”, precisa ir a Liverpool e visitar alguns lugares, por exemplo. E assim várias canções do quarteto vão dando um contorno ao filme, cada qual situada com um propósito definido.

Os “novos hits” passam a chamar atenção e Malik conhece Ed Sheeran, a grande surpresa do longa. O astro pop interpreta ele mesmo, como uma autocaricatura, um clown, e é responsável por arrancar boa parte das risadas do público (algo me diz que Sheeran teve aulas com Hugh Grant!). As obras-primas despertam também os olhares da manager de Sheeran, Debra Hammer (a comediante Kate McKinnon, que dá um show ao personificar a produtora sem escrúpulos).  De rapaz desconhecido, Malik vira ídolo pop. Alcança e conhece de perto a fama, primeiro abrindo shows do astro ruivo inglês que compôs “Shape Of You”, cujo refrão surge repetidamente no filme. Numa das cenas, os dois chegam a disputar quem faz a melhor música na hora (adivinhe quem ganha!).

A partir do momento que o protagonista começa a fazer sucesso com os hits dos Beatles – e obviamente desbanca Ed Sheeran – é possível perceber críticas implícitas sobre as mudanças sofridas na indústria do entretenimento nestas últimas décadas. Como a tecnologia transformou o processo de criação (quem é capaz de fazer uma letra como Eleanor Rigby hoje?) e facilitou o consumo de música pop requentada (porque a original Coca-Cola também desapareceu do mundo e só existe Pepsi?); e também como o marketing digital revolucionou a divulgação do trabalho dos artistas. A direção de Boyle, com seus efeitos visuais e ritmo dinâmico, nos faz mergulhar na era dos downloads, aplicativos e redes sociais e refletir sobre essas alterações tão impactantes na indústria cultural. Sgt Pepper’s Lonely Hearts Club Band perde o colorido e “Help!” se transforma num hardcore meia boca.

O eixo principal do filme, porém, é o relacionamento entre Malik e Ellie, que fica conturbado depois que o rapaz atinge o estrelato. Mas a tensão entre o casal só vem à tona nos minutos finais. Aliás, Yesterday desanda da metade para o fim (se perde assim como a série Lost) e a expectativa de um desfecho criativo é atropelada por um ônibus biarticulado.

Mesmo assim vale assistir a Yesterday pelo tributo, pelos covers bem executados por Patel, para rir de Ed Sheeran e, sobretudo, refletir sobre o modo como consumimos cultura e amor hoje em dia. Como já diziam os Beatles, bem fresquinho na memória: “in the end the love you take is equal to the love you make”.

Diário de Bordo: Autoramas – Alemanha, Inglaterra e Espanha (2019)

Todos os detalhes e curiosidades dos bastidores da décima sexta turnê feita pela banda por países europeus

Texto por Gabriel Thomaz

Fotos: Reprodução/Acervo Autoramas

Os Autoramas iniciaram sua carreira internacional no ano de 2002, quando fizeram uma turnê no Japão com a lendária banda nipônica Guitar Wolf. Desde então não pararam de fazer shows fora do Brasil, tendo tocado em 23 diferentes países do mundo, num total de 48 viagens internacionais. No final do mês de abril de 2019, os Autoramas partiram para uma nova turnê na Europa, passando por Alemanha, Inglaterra e Espanha. Essa foi a turnê europeia de número 16. O plano desta vez era fazer dez shows na Alemanha e Inglaterra, tirar uma semana de folga (ou turismo) e retomar as datas com oito apresentações na Espanha. Nesta turnê levaríamos a responsabilidade de tocar o repertório do nosso mais recente álbum, Libido, que saiu também na Europa (pela Soundflat Records) e recebeu críticas e resenhas extrememente elogiosas, o que rendeu convites para festivais como Surforama, Liverpool Sound City, Rock’n’Roll Butterfahrt e Hipsville A-Go-Go.

Érika tem uma irmã e um sobrinho que vivem na Alemanha e, por isso, viajou alguns dias antes para visitar sua família. Eu, Jairo e Fábio saímos do Brasil na correria e chegamos já no dia do primeiro show da turnê na linda cidade de Stuttgart, no sul da Alemanha, a duas horas de van do aeroporto de Frankfurt. Nossa querida booker e manager Sandra Billig estava lá com a van vermelha para nos buscar. Enchemo-la de presentes brasileiros e partimos felizes para Stuttgart, sem qualquer atraso (coisa inadmissível para os alemães!).

Já tocamos várias vezes em Stuttgart, sempre no Goldmarks. A primeira vez que tocamos lá abrimos para os lendários Dictators e temos um público muito divertido e que se esbalda de dançar, o que não é comum por lá. Todos os contratantes se impressionam como a gente consegue colocar os alemães pra chacoalhar o esqueleto. Como sempre, o show foi animal. A banda que foi escalada pra abrir não compareceu por motivo de saúde e quem acabou tocando foi a excelente atração local The Dahlits (recomendo!). Vendemos merchandising pra caramba (o que é fundamental para as contas da turnê) e nos mandamos para o hotel pra descansar bem pro dia seguinte, já que já chegamos na Alemanha e emendamos no primeiro show.

O segundo show foi em Köln (ou Colônia, em português), no Mongogo, cujo dono é o Traxman, também dono do nosso selo europeu Soundflat. Já chegamos com a notícia que nosso LP Libido estava esgotado e teríamos de fazer novas prensagens, Ki beleza! Novamente o povo dançou pra caramba e a toda hora Traxman nos trazia no palco novas rodadas da especialidade da casa, o Drink de Pepino, uma delícia refrescante. Traxman tem em sua residência um belíssimo Tiki Room, um quarto todo com motivos polinésios e tropicais. Por isso, levamos jarras, copos e saleiros com design de abacaxi, coco e outras frutas tropicais ao melhor estilo A Grande Família – comprados da Maravilhas do Lar – para embelezar ainda mais seu impecável Tiki Room. As novas aquisições foram prontamente aprovadas e encaixadas na decoração, com a promessa de que seriam os novos destaques no verão europeu que estava por chegar.

Compramos vários discos no escritório da Soundflat (incluindo nossas colegas da The Let’s Go’s, banda da Sakura, filha do Seiji, do Guitar Wolf, que conheci ainda criança em Tokyo), e de lá fomos para Hamburgo, onde vamos tocar num lugar chamado Menschenzoo (“zoológico humano”) com abertura da banda local The Beasts. Já havíamos tocados com eles. São um duo local de garagem trash que se veste de múmias, tipo os Mummies. O local estava entupido, muito cheio e o show foi alucinante, com todo mundo se jogando na plateia, um monte de alemães xingando o Bolsonaro, suadeira total e o povo feliz ao final do show. Mas uma surpresa nos aguardava: um jovem de estatura avantajada subiu doidaço no palco e acabou tropeçando e caindo em cima da minha pedaleira. Seu peso fez com que alguns cabos e plugss se amassassem ou rompessem, mas, germanicamente, o jovem resolveu o assunto me dando 100 euros para os reparos.

O dia seguinte seria o mais esperado da turnê por nós até então, pois acordamos bem cedo para irmos até o porto de Cuxhaven, onde pegaríamos um barco para a maravilhosa ilha de Helgoland, no Mar do Norte, onde é realizado o sensacional festival Rock’n’Roll Butterfahrt. Helgoland é uma ilha onde não entram carros, os produtos vendidos são tax-free e onde vivem focas e leões marinhos em suas praias geladas. Um paraíso do frio e um lugar lindíssimo. Helgoland foi bombardeada fortemente durante a Segunda Guerra, pois era um lugar estratégico no meio do mar e esses bombardeios estão todos documentados com placas pela ilha. Nessa ilha é feito o Rock’n’Roll Butterfahrt, festival mais pro lado punk rock com o povo super cabeça aberta. O palco é montado em cima da areia da praia e, como não choveu durante o festival, o clima ficou ainda mais alto astral. Ao chegar na ilha, já fomos recebidos com uma banda no cais do porto cantando “I don’t wanna holiday in the sun”, do Sex Pistols, e levados pela organização ao nosso bungalow. Cada banda tinha uma casinha linda cheia de rango e birita pra se alojar. Coisa maravilhosa! Fomos almoçar e ver as focas e o Fabsi, lenda punk alemã que organiza o festival. Foi ele próprio me ajudar a consertar o estrago na pedaleira do dia anterior. Entramos no placo com tudo consertado ainda de dia e o povo, formado por gente de todas as idades, foi à loucura. Rola por aí um vídeo que ilustra bem como foi esse show. Depois rolou uma festa no cais. Todo mundo muito bem, nos divertimos a valer com nosso barrilzinho de cerveja disponível no nosso bangalô, que levamos para a festa.

No outro dia, numa ressaca descomunal, fomos almoçar no centro da ilha. Fábio pediu um sanduíche e saiu andando e comendo quando uma gaivota, um pássaro com umas asas enormes, atacou diretamente seu sanduba levando-o para comê-lo em outro lugar. As pessoas que viram o assalto disseram que era normal acontecer isso e realmente lemos sobre isso antes. Ou seja, foi uma experiência maravilhosa. É um grande privilégio de ter uma banda e viajar pelo mundo. Nós jamais escolheríamos Helgoland como um destino turístico e estávamos lá desfrutando de tudo aquilo.

Ainda tocamos em Wilhelmshaven, com o lendário punk britânico Johnny Moped, e em Frankfurt, dessa vez muito na correria, pois iríamos de van para a Inglaterra. Chegamos em Liverpool depois de longa viagem, sem tempo pra parar, já que pegamos muitos engarrafamentos. Para chegarmos no horário, Érika até fez xixi num copo do Starbucks – segundo ela, a experiência mais hippie da sua vida. Em Liverpool, ainda na correria, ainda fizemos uma reunião no escritório da marca de guitarras Eastwood, conhecemos a galera da Ditto, nossa distribuidora digital que tem sede na cidade, e já fomos passar som para o show no Liverpool Sound City. Deu tudo certo e nossa primeira vez em Liverpool foi linda. Na madrugada, eu e Jairo ainda saímos a pé debaixo de chuva para conhecer o Cavern Club e a área lendária relativa aos Beatles. De lá mandei foto pra minha mamãe, uma verdadeira fã dos 4 de Liverpool. Foi emocionante de verdade, pois nunca fomos até lá como turistas. A música nos levou a Liverpool.

A próxima parada seria o festival Hipsville, em Margate, litoral da Inglaterra. Chegamos lá num tremendo vento frio. O lindo hotel vitoriano – cuidado por uma velhinha, parecia filme – era em frente ao mar. O festival é um dos mais legais e lendários da cena garage/surf/60s da Europa. Foi a segunda vez que fomos convidados pra tocar nesse festival, a primeira foi em 2015. Nesse festival, as pessoas vão fantasiadas de acordo com o tema de cada ano. Neste ano o tema foi o Soho, bairro de Londres famoso por suas sex shops e cinemas pornô. Portanto, havia várias mulheres com roupas de “mulher pelada”: seios e pelos pubianos costurados em cima de um macacão cor da pele. Uma mulher levava uma placa hilária com os dizeres “Semen Is Vegan”. Uma outra era um abajur ambulante, minha fantasia preferida, e a dona dançava muito bem. Tivemos também as famosíssimas Go-Go Girls, que já ficaram nossas amigas de tantos festivais que já fizemos juntos, assim como Ade, Andrew e Alexandra, maravilhosos organizadores do Hipsville Soho A-Go-Go. Antes de subirmos ao palco encontramos nosso querido Steve Worral, do lendário RetroMan Blog – que fez os melhores elogios ao nosso show – e sua esposa Mayumi. O show foi sensacional, rendeu algumas das melhores fotos da turnê e logo após sairmos do palco fomos convidados pela lendária Gwen Ever, de um dos melhores programas de rádio de Rock do mundo, A Low Life in High Heels  (se você não conhece, não perca mais seu tempo), para fazer uma entrevista atrás do palco do Winter Gardens, local onde se realizou o festival. Chegando lá vimos os cartazes de shows antigos que rolaram naquele palco e até os Beatles tocaram lá. Sim, tocamos na mesma casa que os caras. E só fui saber depois… Os shows foram animalescos, nos divertimos às pampas até a fome bater e irmos numa lanchonete turca junto com nosso amigo brasileiro Al Zioli, que tocou na mesma noite com o MFC Chicken. Daí caminhamos até o hotel sentindo o vento gélido do litoral inglês.

Era apenas a metade dos shows no Reino Unido. Acordamos e nos mandamos para Manchester para tocar no 0161, festival Antifascista. Ao chegarmos, vimos a quantidade de bandas de som pesado, o que nos fez pensar se o povo ia curtir o Autoramas… Mas o povo total cabeça aberta foi ao delírio com o show. Queremos muito voltar. No dia seguinte ao acordar ainda fomos tirar fotos na frente do Salford Lads Club, onde os Smiths fizeram a foto do encarte do The Queen Is Dead, antes de partirmos rumo a Londres para o último show dessa parte da turnê.

Em Londres, tocamos no Made In Brasil, bar e restaurante brasileiro comandado pelo nosso querido Renato, em plena Camden Town. Chegamos, fizemos um turismo no Camden Market e voltamos pra passar som. O local já estava lotado de brasileiros, muitos amigos que não víamos há anos e nem sabíamos que estavam morando lá. Encontramos nossos amigos da banda londrina King Salami and the Cumberland 3, com quem troquei um monte de vinis, e que me pediram uma música para o próximo disco deles (tomara que role!). Depois nos hospedamos na casa de nossos queridos amigos Juliana e Luis.
No dia seguinte, eu e Érika pegamos o EuroTunnel para nossa semana de descanso na Alemanha e Sandra voltava pra sua casa, enquanto Jairo e Fábio ficaram mais uns dias em Londres antes de partirem para encontrar amigos em Praga e Amsterdam. Foi ótimo descansar no meio da turnê. Estávamos revigorados para o restante na Espanha.

Eu e Érika voamos para Madrid e nosso querido manager espanhol Guiller nos buscou no aeroporto de Barajas. Jairo e Fabio já estavam lá curtindo bastante, hospedados na casa de nossos amigos Mila e Bono. Lá tínhamos vários compromissos. No primeiro dia fomos à lendária Rádio 3 espanhola, onde nos entrevistou o lendário Julio Ruiz, no seu programa Disco Grande, que está no ar há 50 anos! Pra nossa surpresa, Julio sabia TUDO da nossa carreira e nossa história. Foi lindo e emocionante e muito informativo. Depois de tantas turnês por países que falam espanhol, é muito bom poder soltar o sotaque brasileiro no rádio e ser compreendido. Muita gente ouviu o programa e fez muitos elogios em relação a isso. Também gravamos um programa em português na Rádio 3. Depois partimos para um pocket show na Delia Records, sensacional loja de discos e acessórios no centro da cidade. Só cinco musiquinhas, mas já foi muito alto astral. Pra completar, um divertidíssimo passeio pelos bares de Madrid com Guiller e sua namorada Irantzu.

No dia seguinte, nosso show principal em Madrid, na Fun House, com abertura de Granada Perro Mojado e dos Sacramentos, excelente banda de Barcelona formada só por argentinos. Foi a loucura de sempre. Eu e minha guitarra levamos um banho de cuba libre. O povo se se esbaldou e dançou loucamente.

No dia seguinte, entramos na van para o show em Cox, em Alicante, na casa TNT Blues, que estava fazendo aniversário de 27 anos. Pra comemorar, os Autoramas junto com o grande duo espanhol Los Bengala. Excelente banda (se eu fosse você, iria conferir os videos deles no YouTube!). O lugar estava entupido. Já começamos o show e o povo já foi à loucura. Caíam um monte de copos pelo chão – depois de tocar só íamos sentindo o vidro sendo pisado por nossos sapatos. Até Érika fez um crowdsurfing lendário. O povo a tirou do palco e quando vi ela já estava lá longe.

No domingo, partimos para belíssima cidade de Granada meio ressaqueados. O show foi no Planta Baja e mesmo num domingo o povo pirou. No dia seguinte, segunda-feira, fizemos turismo pela lindíssima Granada, fomos a Alhambra, castelos mouros, lugares onde o Joe Strummer frequentava. Só coisa linda. O hotel onde ficamos também merece menção especial, com decoração espanhola ultratradicional. Parecia coisa de filme. À noite partimos para Sevilla, onde também fomos tocar pela primeira vez. Nos hospedamos num hotel que fica dentro do alojamento das seleções espanholas de remo e canoagem. O restaurante também era destinado aos atletas, então aproveitamos a comida saudável da galera. Em Sevilla tocamos na Sala X e foi destruição total. Saiu uma resenha do show (cujo título era “Brasil, el país del Rock and Roll”) e recebemos elogios em que nos compararam aos Mutantes. Muita responsabilidade!

O antepenúltimo show foi na cidade de Valladolid, onde o merchandising que levamos começou a esgotar. Todos os LPs já tinham sido vendidos e as opções para o público começavam a ficar menores. É muito importante para as bandas em turnê na Europa levar e vender merchandising. No calor do final das apresentações, o povo compra mesmo. Em Valladolid, experimentei as clássicas Gambas com Gabardinas. Ki delícia! A comida na Espanha é um capítulo à parte.

Albacete era nosso penúltimo destino. Lá tocamos em uma casa chamada La Cachorra Ye-Yé. O técnico de som da casa também é dono de uma loja de instrumentos. Quando ele viu que estávamos vendendo minha série de pedais de efeito Vibratoramas e Fuzzoramas, nos chamou para ir até sua loja, comprou alguns pedais e eles passaram a ficar à venda em lojas na Espanha.

Nosso último show na turnê seria no festival Surforama. Chegamos em Valencia na sexta, mas tocaríamos apenas no sábado. Na sexta rolaria o show dos lendários The Cynics e não marcamos nada nessa data para vê-los e curtirmos o festival. Foi uma escolha acertadíssima. Ki noite e ki banda! Sabe-se lá quando se pode ter a oportunidade de ver uma lenda dessas em ação. No sábado, eu ainda estava louco pra ver os mexicanos do Matorralman, que arrebentaram, e os Bomboras, clássico californiano da surf music reunido especialmente para esse festival. Agradeço muito ao Diego, organizador do festival, pelo convite, pois foi uma noite memorável. Entramos depois do Matorralman e a galera respondeu já nos primeiros acordes. A energia foi tão intensa que ao final do show parecia que eu tinha corrido uma maratona. O vídeo do final ilustra bem como foi. Todos diziam que foi o melhor show do festival e vendemos TUDO que havia de merchandising. Voltamos com uma mala que só não veio vazia por causa das compras que fizemos nos dois dias de folga que tivemos em Madrid com nossos queridos Guiller e Irantzu.

Logo chegamos ao Brasil e no dia 15 de junho já arrebentamos no Cerrado Fuzz Festival, em Rondonópolis, Mato Grosso…

Era Uma Vez… em Hollywood

Quentin Tarantino faz seu devaneio sobre o star system americano de 1969 com Leonardo DiCaprio, Brad Pitt e Margot Robbie em boas atuações

Texto por Leonardo Andreiko

Foto: Sony Pictures/Divulgação

Tarantino é um Midas do cinema contemporâneo. Um dos poucos cineastas cujo nome é capaz de encampar quaisquer projetos, seja uma homenagem aos quadrinhos pulp a um episódio da saga Star Trek (será?). Seu nono filme, Era Uma Vez Em… Hollywood (Once Upon a Time… in Hollywood, EUA, 2019 – Sony Pictures) reúne tradicionais nomes de seu starcast com hits do mercado em um devaneio por Los Angeles de 1969.

Antes de laurear Tarantino, devo explicitar uma preferência pessoal: não sou um grande fã de seu cinema. Não o vejo como o brilhante artista que muitos veem. Longe disso. Ainda assim, não me indisponho com a possibilidade de um novo filme seu – é um diretor competente, isso é inegável. Dito isto, é possível agraciá-lo um tanto.

Desde sua estreia, em Cannes, pouco se pôde falar sobre este roteiro escrito por Quentin Tarantino. Em respeito ao filme, acredito que uma sinopse não é a melhor opção por aqui. Basta dizer que o aclamado diretor inova ao conduzir uma trama diferente daquelas que tradicionalmente faz – e o esforço é válido.

Tarantino conduz perfeitamente o filme que propõe desde o princípio (mas não o filme que queríamos ou sequer esperávamos), conduzindo o espectador por um retrato da Los Angeles do ano em que os EUA chegaram à lua e, aqui na Terra, brigavam com hippies em seu próprio solo. São diversas as cenas em que os personagens simplesmente passeiam em seus carros pelas principais ruas da metrópole. Ainda assim, não existe em Era Uma Vez…o diálogo tarantinesco que tanto embala sua filmografia, o que pode desapontar seus mais ávidos fãs. Para mim, foi uma perda irrisória, afinal o texto é muito bom.

Pode ser desnecessário, mas vale lembrar que o filme segue o já decadente astro de cinema e TV Rick Dalton (Leonardo DiCaprio) e seu dublê Cliff Booth (Brad Pitt) em uma tentativa de retornar ao estrelato. Ao mesmo tempo, trabalha com os últimos dias da vida de Sharon Tate, atriz que fora brutalmente assassinada pela Família Manson. As três narrativas são exploradas e chegam a se entrelaçar volta e meia (por exemplo, Rick é vizinho de Sharon). Mais que estas leves interações, elas não se misturam.

Os personagens principais são intensamente trabalhados, tanto em direção, quanto na atuação. DiCaprio encarna um de seus melhores personagens, juntando o humor com momentos sinceramente tocantes. Um pouco abaixo vem Brad Pitt, que não é tão desenvolvido emocionalmente no roteiro, embora performe com excelência. Margot Robbie fala pouco, mas transmite bem o que Tarantino quis passar.

O que nos leva a um problema do filme: a minimização do papel das mulheres, embora muitas existam na trama. Em Era Uma Vez… em Hollywood, bem como há cinquenta anos atrás (mais especificamente, em 1969), as mulheres eram vistas como, em certo nicho, nada mais além de hippies dançantes, máquinas sexuais e material para closes abaixo dos quadris. Tarantino desenvolve uma mise-en-scène brutalmente misógina quando, além de atribuir mínima importância para as várias mulheres do longa, trata-as em grande maioria como apelo sexual para a câmera. Não é de hoje que Tarantino precisa se atualizar e, temo, esta atualização deve vir com urgência.

Tendo o adendo, vale ressaltar como a cinematografia de Robert Richardson, companheiro de longa data do diretor, evoca o clima da época sem perder a naturalidade com que conduz o estilo aclamado deste. Richardson mais uma vez cria composições belíssimas, desta vez mais urbanas que o normal – um ar bom à filmografia estancada de Tarantino. Eleva-a mais ainda a direção de produção, que insere o espectador em sua época sem quaisquer efeitos visuais, segundo o diretor.

Com meu desagrado pelo diretor, fui à sessão de Era Uma Vez.. em Hollywood com mais curiosidade que expectativas. Saí surpreso, agraciado e feliz de embarcar numa viagem de Tarantino à época que tanto lhe é saudosista. Talvez um ponto fora da curva de sua carreira, este longa não bebe tanto das saturadas referências de seu autor e, ao mesmo tempo, não deixa de ter sua marca registrada em uma cena sequer.

Racionais MCs

Oito motivos para você não perder a passagem por Curitiba da turnê que celebra a trajetória de três décadas do grupo

Texto por Rodrigo Juste Duarte

Foto: Kalus Mitteldorf/Divulgação

Maior nome do hip hop no Brasil, o Racionais MCs completa trinta anos e comemora a data com a turnê Racionais 3 Décadas (ou 3D), que passa pela capital paranaense neste sábado, 17 de agosto, com show na Live Curitiba (mais informações aqui).

Formado em 1988 no bairro Capão Redondo, na periferia de São Paulo, o grupo foi ganhando destaque no cenário nacional a cada álbum lançado, sempre emplacando músicas que se tornaram clássicos. A estreia foi na coletânea Consciência Black Vol. 1, de 1989, da qual participaram com a faixa “Pânico na Zona Sul”. O mesmo disco também contava com “Tempos Difíceis”, assinada como sendo de Edi Rock e KL Jay, mas na real uma música dos Racionais (até se tornou o primeiro videoclipe do grupo!). Depois vieram os álbuns Holocausto Urbano (1990) e Raio-X do Brasil (1993). No finalzinho de 1997 foi lançado Sobrevivendo no Inferno, um marco não só no mundo do rap mas na música popular brasileira como um todo, por tirar o estilo da “quebrada” e o colocar nos maiores patamares da cultura nacional. Na sequência, vieram apenas dois discos de estúdio, Nada Como Um Dia Após O Outro Dia (2002) e Cores e Valores (2014), além de canções fora de álbuns como “Mil Faces de um Homem Leal (Marighella)” e “Mente do Vilão”, ambas em 2012.

O Mondo Bacana apresenta agora oito motivos pelos quais você não pode perder este show histórico.

Set list de clássicos

No final do ano passado, uma notícia bastante comentada foi o show de retorno dos Racionais MCs, realizado no Credicard Hall (São Paulo) após um anunciado período de pausa nas atividades que não durou nem um ano. A apresentação reuniu um set list surpreendente, que apresentava em ordem cronológica boa parte dos clássicos do grupo desde o início da carreira (como “Pânico na Zona Sul”, “Tempos Difíceis”, “Voz Ativa”, “Beco sem Saída” e “Mano na Porta do Bar”), até chegar a músicas mais recentes. Esse show serviu de base para compor o repertório desta turnê 3 Décadas.

Sobrevivendo no Inferno

Pelo que já foi conferido nos shows anteriores da turnê, o álbum Sobrevivendo no Infernoé o que mais tem músicas incluídas no set list. Chamou bastante atenção a nova introdução de “Capítulo 4, Versículo 3”, que traz uma narração com estatísticas sobre violência contra negros no Brasil. Para a atual turnê, estas informações foram atualizadas e ampliadas com novos indicadores, que lamentavelmente mostram que o panorama ainda não é dos mais favoráveis, apesar dos avanços sociais nos anos passados desde o lançamento do disco. Ainda sobre este que é o mais icônico álbum do grupo: ele foi selecionado como leitura obrigatória para o vestibular da Unicamp, virou um livro pela editora Cia. das Letras; e foi dado de presente ao Papa Francisco pelo então prefeito de São Paulo Fernado Haddad quando este participou de um seminário no Vaticano, em 2015.

Banda de apoio

Além da dobradinha entre MCs e DJs, formato clássico das apresentações de rap, nesta turnê os Racionais são acompanhados por uma numerosa banda, composta por doze músicos. Tem naipe de metais, teclados, percussão, bateria, baixo e duas guitarras! Isto até então era algo inédito nos shows do grupo. Mano Brown já havia se apresentado com banda, mas nas apresentações de seu álbum solo de black musicBoogie Naipe, lançado em 2016. Agora é a vez de experimentar o formato com o rap dos Racionais MCs.

Megaestrutura 

Ficou impressionado com o show de lançamento do último álbum Cores e Valores, que tinha no palco o cenário de uma fortaleza? Em Curitiba, o concerto foi apresentado no Spazio Van, em 2015. Independentemente de ter uma cenografia ou não, as apresentações dos Racionais contam com uma infraestrutura gigantesca no palco, com projeções em um enorme telão em sincronia com as músicas (em certos momentos, com imagens servido de apoio ou introdução para as próprias canções), iluminação poderosa e uma grande quantidade de músicos sobre o palco. O resultado é uma apresentação que não deixa nada a dever para qualquer artista da música brasileira.

Oportunidade rara

Nos últimos anos, o Racionais tem feito shows bem espaçados. Quando eles aparecem para tocar na sua cidade é melhor aproveitar, pois eles podem demorar para voltar. Essa turnê de três décadas começou em 8 de junho e vai até 12 de outubro, passando por apenas oito capitais brasileiras. O grupo já se apresentou em Brasília, Florianópolis, Recife e Salvador. Depois de Curitiba (no próximo sábado), os quatro seguirão para Rio de Janeiro, Belo Horizonte e São Paulo.

Formação sólida

Em 30 anos de trajetória, o Racionais mantem a mesma formação, o que é admirável. Foi na antessala de uma corretora de valores onde o ainda jovem Mano Brown chegou em KL Jay (ambos office boys da empresa) com a ideia de montar o grupo de rap. Brown também convocou para a empreitada seu primo Ice Blue e o amigo Edi Rock, que na época trabalhava como servente de pedreiro. Não é qualquer formação que consegue manter os mesmos integrantes em tanto tempo. Muitos dizem que fazer parte de um grupo musical é como estar em um casamento, com seus altos e baixos e a dificuldade para gerenciar tantas situações adversas com o objetivo de manter uma união. De tempos em tempos o Racionais costuma dar uma pausa nas atividades, além de vir fazendo shows mais esporádicos. Isto é bom para que retorne com fôlego renovado e brinde os fãs com performances grandiosas.

Público variado

Das três décadas, nas duas últimas pôde-se observar uma plateia que vai além dos fãs de rap vindos de classes sociais desfavorecidas (em sua maioria, afrodescendentes), que se veem representados nas canções do grupo. O público é bastante diverso. Um fã do Racionais pode ter as mais variadas origens, independentemente da cor da pele ou da classe social a que pertence. E o melhor é que nesta diversidade há muita gente com inclinação para se engajar socialmente, o que é bastante positivo, além de condizente com o discurso das músicas.

O lado social

A influência do quarteto não se reflete apenas na música, mas na sociedade brasileira. Mais do que artistas, Mano Brown, Edi Rock, Ice Blue e KL Jay são ativistas sociais. Temas como desigualdade social, racismo, violência (da polícia, do Estado e do crime organizado) são constantes. Suas letras, por mais incômodas e até chocantes que sejam, são acima de tudo reflexivas.

Thom Yorke

Novo álbum solo do vocalista do Radiohead ganha ainda mais beleza quando transformado em curta dirigido por Paul Thomas Anderson

Textos por Leonardo Andreiko

Foto: Netflix/Divulgação

Já se pode encarar Thom Yorke como uma figura marcante do cenário musical das últimas décadas. À frente do Radiohead, ele marcou o rock alternativo, sempre inovando em estilo, sonoridade e atitude. Com o Atoms For Peace, mesclou sua musicalidade melancólica com o caos eletrônico. Em seu projeto solo, intensificou o sentimento a um nível muito mais cru e denso. Depois de The Eraser (2006) e Tomorrow’s Modern Boxes (2014), Yorke lança Anima, com direito a um curta-metragem assinado por Paul Thomas Anderson.

Em todos seus projetos, há uma similaridade: o produtor Nigel Godrich. Com ele, Thom constrói o ambiente distópico de seu novo álbum com maestria, soando de maneira semelhante ao álbum AMOK (2013), do grupo Atoms For Peace, em que ambos trabalharam com o baixo de Flea, dos Red Hot Chili Peppers. Envolventes batidas fortemente eletrônicas se iniciam desde “Traffic”, sua primeira faixa. No entanto, parece haver um intenso flerte com a estética da música pop permeando as primeiras faixas de Anima, mas dura pouco. Lentamente, o ambiente volta a soar como os últimos trabalhos de Yorke, seja com o AFP ou no Radiohead.

Num vai-e-volta entre fortes sintetizadores e sua mescla com instrumentação orgânica baseada em cordas, o estilo de Anima não se distingue muito da identidade já consagrada por seu autor. A quarta faixa, “Dawn Chorus”, prova, no entanto, que esta identidade esta longe de transmutar-se em repetição incessante da mesma ideia. Sua simples conjunção de um poema com uma base de sintetizadores em loop é parte vital do curta-metragem de Anderson – que, por si só, receberá atenção exclusiva mais abaixo.

A partir de “I Am A Very Rude Person” (que sucede “Dawn Chorus”), Yorke e Godrich parecem voltar-se ao ritmo de seus antigos discos com o Radiohead. O baixo assume um papel importante, enquanto os sintetizadores e desesperadores instrumentos de percussão se apequenam, tomando protagonismo aqui e ali. Assim, os artistas parecem mesclar aquilo que fariam em seu projeto solo com sons que se coadunam com a identidade musical de Radiohead.

“Impossible Knots”, a penúltima música, traz à tona um groove surpreendente, ainda que esperado, em paralelo à ambiência de fortes sintetizadores. A melhor trabalhada conjunção da vertente eletrônica do compositor com sua raiz no rock. O álbum se encerra com “Runwayaway”, faixa que, por sua vez, se destaca pelo protagonismo da guitarra de Thom, acompanhada das suprimidas batidas comuns à obra do artista.

A melancolia anteriormente ressaltada se mescla, em Anima, à vibração caótica da timbragem eletrônica característica de seu autor. Suas melhores faixas, “Dawn Chorus” e “Impossible Knots”, trabalham, dicotomicamente, a monotonia sintética e o groove incorporado ao eletrônico, produzindo um bom panorama da intensidade de experimentação à qual Yorke e Godrich se propõem. Se possível, Anima é um álbum que deve ser apreciado antes de sua contraparte fílmica.

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Grandes artistas, quando em conjunto, superam as expectativas. Ao passo que a rotina de cabines de imprensa obriga a supressão de quaisquer sentimentos similares direcionados aos filmes, o anúncio relâmpago do curta-metragem de Paul Thomas Anderson, inspirado no novo álbum de Thom Yorke, acendeu um forte hype em minha rotina. Com apenas quinze minutos, o filme é um one-reeler sem diálogo algum (one-reeler foi um estilo recorrente de curta-metragens na época dos filmes silenciosos; o nome provém do fato destes, geralmente comédias ou cartuns, estarem contidos em um único rolo de filme e cada um destes suportava aproximadamente onze minutos de duração). Ainda assim, é muito mais emocionante que a maioria dos lançamentos deste ano nos cinemas brasileiros.

Em Anima, o vocalista do Radiohead assume o protagonismo de uma narrativa distópica e subjetiva. Nela, Yorke parece ser o único personagem a não agir conforme o esperado. Embalados por três músicas de seu álbum, os dançarinos figurantes mimetizam uma sociedade apagada e presa no piloto automático.

Com um roteiro nada convencional, Anima atiça seu espectador a buscar interpretações para sua trama, de forma a tornar injusta a exposição de minha leitura da semântica do filme, a fim de não viciar o olho do leitor. Esta não é uma obra difícil de se entender, mas é fortemente subjetiva e carregada de argumentação sociopolítica.

Em seus dois primeiros atos, cada um movimentado por uma música diferente, Anima introduz a ambientação e seu protagonista ao som de fortes faixas de glitch pop: “Not The News” e “Traffic”. Sua arte e direção homenageiam os primórdios do cinema, com tratamento a la Buster Keaton do protagonista e cenários inspirados naqueles consagrados pelo impressionismo alemão. Thom percorre longos corredores monótonos que parecem ter fugido das narrativas de Nosferatu ou de O Gabinete do Doutor Caligari.

Sua grande transição vem em sua conclusão ao som de “Dawn Chorus”. Tal como a faixa, é uma parte aterrada, focada no exterior e não tão distópica. Thom e sua acompanhante, interpretada pela italiana Dajana Roncione, dançam uma coreografia íntima assinada por Damien Jalet, belga que trabalhou com o cantor na mais recente versão do longa Suspiria.

A fotografia em filme do franco-iraniano Darius Khondji alia-se ao pensamento de Anderson, abusando do granulado para ressaltar Yorke numa estética que beira as escalas de cinza. Ainda é mérito do diretor a mescla incrivelmente bem sucedida de seu estilo com a música de Thom e, principalmente, a homenagem aos clássicos do cinema.

Anima é um filme incrivelmente poético, tanto em linguagem quanto em sua trilha sonora. Por seu tamanho e magnitude inversamente proporcionais, é um curta-metragem que deve ser estudado por amantes da sétima arte. Espero que surjam mais obras-primas como esta da união entre o músico e o cineasta.