Nomadland

Vida nômade levada por muitos americanos é mostrada com sutileza pela diretora Chloe Zhao e coroa a carreira da atriz Frances McDormand 

Texto por Leonardo Andreiko

Foto: Fox/Disney/Divulgação

O burburinho das premiações crescia a cada dia nos últimos meses. Com o anúncio dos indicados ao Oscar 2021, as proporções desse debate tornaram-se astronômicas. Nomadland (EUA/China/Alemanha, 2020 – Fox/Disney/Divulgação) da diretora Chloe Zhao, foi um dos grandes nomes das premiações deste ano, tendo inclusive ganho as categorias de melhor filme e diretora no Globo de Ouro deste ano e três Oscar (filme, direção, atriz).

No roteiro, adaptado por Zhao do livro homônimo de Jessica Bruder, acompanhamos Fern (Frances McDormand), uma senhora que, desde a dissolução da cidade onde morava, viaja os Estados Unidos entre bicos e retiros, em um estilo de vida sem casa, mas não sem lar. A vemos com suas amizades, novas ou de longa data, seus breves conflitos com a família e a aceitação da proximidade da morte em seu entorno.

Por mais que seja centrado em uma longa viagem, Nomadland é bastante flexível e, assim, não se assemelha a um road movie mais emocional. Pelo contrário: é um estudo de personagem carregado de sutileza e, sobretudo, calma. Não há pressa em entender as camadas de Fern, cuja personalidade vai se revelando ao longo de toda a duração. A direção opta por trabalhar com um forte intimismo ao mesmo tempo que sempre significa o amplo horizonte da jornada de seus personagens, refletindo-o na profundidade de campo sem fim de suas cenas externas.

No entanto, há uma inconsistência tonal entre o começo e o restante da obra: enquanto os primeiros minutos soam como uma forte crítica ao capitalismo tardio e à precariedade do serviço social americano, o discurso opta por focar na automarginalização. A não ser Fern, parece que nenhum dos viajantes que moram em seus veículos foi cooptado pelo sistema a tomar essa decisão. Pelo contrário, em uma abordagem mais good vibes. Todas personagens a tomaram para aproveitar o restante da vida.

A partir dessa mudança de direcionamento, a trama volta aos eixos e se mantém coesa. A atuação de Frances McDormand é muito expressiva, de forma que uma verborragia somente viria a atrapalhar a bela jornada interpretada pelos silêncios e expressividade da atriz. Sua face, cada vez com uma expressão diferente, é utilizada até saturar, operando como um estabilishing shot da alma de Fern. (Estes são aqueles planos que introduzem a trama a uma nova locação, como as sequências aéreas da cidade toda vez que a novela da Globo foca em outro núcleo.)

Essa e outras pequenas repetições prejudicam o ritmo da obra, que ainda é muito direto e preciso. O aspecto contemplativo de roteiro e direção se encontram com a montagem – um produto da opção de Chloe Zhao por assinar as três funções. Seu corte dá espaço para a naturalista fotografia de seu comum colaborador, Joshua James Richards, e a ampla trilha sonora do veterano Ludovico Einaudi, que explora poucos temas com precisão milimétrica. 

Bem balanceado, Nomadland chegou ao Oscar com o peso e o prestígio de seis indicações baseadas no frescor na narrativa introspectiva de Fern e suas companhias. Um indicativo certeiro da potência dos futuros trabalhos de Chloe Zhao e mais uma coroa para a carreira de McDormand. 

>> Nomadland concorreu no dia 25 de abril ao Oscar 2021 em seis categorias: filme, direção, atriz, roteiro adaptado, montagem e fotografia

Alice Júnior

Longa-metragem curitibano acerta em cheio ao tratar sobre tolerância e diversidade sexual para o público-alvo de jovens e adolescentes

Texto por Janaina Monteiro

Foto: Divulgação

É lamentável que em pleno 2020 os termos sexismo, discriminação de gênero e transfobia ainda estejam tão em voga, mesmo depois da aparição de Roberta Close e Rogéria décadas atrás nos principais veículos de imprensa nacionais. Se por um lado o salto evolucionário tecnológico alcança Marte, o ranço conservador persiste no núcleo de muitas famílias e governos. Por isso um filme como Alice Júnior (Brasil, 2020) – que estreou em cinemas drive-in e agora chega à Neftlix, depois de também ficar disponível no YouTube e em outros serviços de VOD e streaming – é tão necessário. Ele abre a mente dos caretas e afaga o coração dos liberais, dando aquele gostinho de quero mais.

A premiada produção que brotou da “República de Curitiba” é dirigida pelo paranaense Gil Baroni e tem roteiro assinado por Luiz Bertazzo e Adriel Nizer Silva. No bate-papo com os jornalistas do coletivo Jaccu (Jornalistas Autônomos Culturais de Curitiba), veiculado no YouTube do Canal Pausa Dramática (assista ao episódio e escute o podcast nos links abaixo), Bertazzo – que também é ator e DJ – revelou que teve o insight de rodar um filme com a temática trans durante uma festa. O roteirista compartilhou sua ideia a Baroni, que prontamente disse querer dirigir a história. E assim surgia Alice Júnior, nome da protagonista interpretada pela recifense Anne Celestino Mota.

O próximo passo, então, seria justamente encontrar uma atriz trans que se enquadrasse na proposta para conferir veracidade à trama sem que soasse caricata como muitos Crôs por aí. Com o apoio da mãe, Anne, que já atuava como YouTube, soube do teste de elenco e… #partiuCuritiba. Após ser sabatinada por Baroni e Bertazzo, a jovem foi escolhida para o papel e, de quebra, fazer história no cinema brasileiro. Por conta disso, o roteiro sofreu uma série de intervenções, incorporando experiências vividas e observadas por ela. 

Ao tratar um tema sério de um jeito leve, o longa-metragem conquistou a plateia de importantes festivais (como Berlim) e Anne levou o candango em Brasília. Uma emoção semelhante àquela vivenciada pelo ator Silvero Pereira, o cangaceiro queer Lunga de Bacurau, que vem abocanhando prêmios e desfilou pelo tapete vermelho de Cannes montado como o alterego Gisele Almodóvar.

Assim como Lunga, Alice não vive no País das Maravilhas. Pelo menos não é pobre e tem o apoio e afeto do pai, fato que não ocorre com muitas jovens trans. Na história, o viúvo francês Jean Genet (Emmanuel Rosset) é bioquímico e foi contratado por uma indústria de perfumes para inventar uma nova fragrância. O único porém é que a tal fragrância é encontrada numa longínqua e conservadora Araucárias do Sul (esta seria um alterego de Curitiba?) e Alice precisa acompanhar temporariamente o pai na nova empreitada. Aqui ainda fica evidente a ironia implícita no roteiro que alude a símbolos tipicamente curitibanos: Jean é francês, assim como vários conterrâneos seus que vieram trabalhar numa montadora de veículos na região metropolitana da capital paranaense, onde também foi erguida uma famosa fábrica de perfumes. 

Em Recife, Alice já havia batalhado para conquistar amizades mais um crush em quem estava prestes a dar seu primeiro beijo, além de ter saído vitoriosa num reality show e desfilado para um estilista famoso. No Sul, a garota precisa enfrentar novamente tortos olhares de preconceito, risadas maliciosas e muito bullying para conquistar seu espaço, assim como acontece com dezenas de adolescentes como ela. Contudo, em vez de se vitimizar e ficar chorando pelos cantos, a protagonista encara como um rolo compressor o período de adaptação à nova escola, onde passa a desfilar com o queixo erguido e ganhar, pouco a pouco, a simpatia de todos. No fim das contas, a garota trans empoderada (que é o termo da moda, aliás!) torna-se um exemplo de autoestima não só para o universo LGBTQ+ mas para todos que já sofreram algum tipo de discriminação, independentemente de gênero ou orientação sexual, origem geográfica e classe socioeconômica.

Como Anne já atuava como vlogueira, houve o prerrequisito da aproximação do olhar do diretor ao mundo digital, o que acaba deixando tudo mais atraente para o público-alvo de produtos populares como Malhação. Indispensável ainda é a trilha sonora deste filme teen. O fato de Bertozzi ser DJ colaborou bastante para a escolha do repertório, que traz nomes não muito costumeiros em soundtracks de obras nacionais, como Karina Buhr, Barbara Eugênia, a banda Verónica Decide Morrer e a cantora curitibana Surya Amitrano. No filme, aliás, Surya interpreta uma das novas melhores amigas de Alice. E  também soma-se ao elenco da história Katia Horn, da tradicional família curitibana de artistas de mesmo sobrenome, fazendo o papel de uma divertida mãe bicho-grilo.

Agora é esperar que Alice Júnior e toda a sua diversidade nos mostre que existe esperança de um mundo mais tolerante no fim do arco-íris. Enquanto isso fica a torcida de que a gente, de alguma maneira, já esteja bem perto de onde ele termina.

Silva – ao vivo

Dois anos depois de lançar um disco só com obras cantadas e compostas por Marisa Monte capixaba traz a turnê para Curitiba

Texto, entrevista e foto por Janaina Monteiro

Com aquele sorriso que cativa a todos, Silva apareceu de braços abertos para o público. Trazia sua simpatia e calor humano para aquecer os corações dos fãs que lotaram a Ópera de arame naquela noite de 24 de agosto e retribuíram o carinho do artista ao cantar em uníssono “Ainda Lembro”, a primeira do álbum que gravou com apenas canções de Marisa Monte.

Apesar de se tratar de um trabalho de covers, o multi-instrumentista imprimiu seu tom autoral às versões, resgatadas do repertório mais pop de Marisa, de quem o cantor é fã desde a adolescência. Silva adapta a obra para seu timbre de voz, sempre afinada, respeitando sua sonoridade. Os arranjos minimalistas, contidos, conduzem as composições para uma estética mais sintética e intimista, mas nem por isso menos orgânica e delicada. O projeto, aliás, teve início quando Silva foi convidado a apresentar suas versões para o Canal Bis, assim como o Vanguart fizera com Bob Dylan e que rendeu também um disco de covers.

Na primeira metade do show, Silva permaneceu sentado diante de seus teclados, interpretando os maiores hits da cantora: “Na Estrada”, “Não É Fácil” (que dá vontade de dançar coladinho), a romântica “Beija Eu” (que ganhou uma roupagem sensual, com seu arranjo comedido, de poucos acordes, e intervenções pontuais de guitarra), “De Noite na Cama”, “O Que Me Importa”, “Tema de Amor”. Simpático, sempre dialogando com o público, Silva explicou que não estava 100%, por ter adoecido após o show da noite anterior. Para não cancelar a apresentação em Curitiba, afirmou que tomara uma injeção de analgésicos e de ânimo, com o perdão do trocadilho.

A única inédita em relação ao álbum (que tem uma versão ao vivo!) foi “Noturna (Nada de Novo na Noite)”, parceria de Silva com a “ídola” Marisa, indicada ao Grammy Latino de melhor canção em língua portuguesa. O cantor contou à plateia que a ideia da música veio por conta do medo de dormir compartilhado tanto por ele quanto pelo filho da cantora. “O filho de Marisa, quando era pequeno, tinha muitos pesadelos”, explicou. Talvez por isso a versão de “Sonhos” tenha sido escolhida a dedo para a metade do show. Silva abraçou seu violão e cantou a composição assinada por Peninha, se assemelhando a Caetano Veloso que regravou a canção no álbum Cores, Nomes.

Sob a interferência de vários pedidos de casamento feito por fãs, de vozes masculinas e femininas, Silva engatou “Bem Que Se Quis” e “Beija Eu”. Antes do bis, que teve “Vilarejo”, ele convidou o público a se levantar para cantar “Não Vá Embora” (que se transformou num reggae sedutor). Com todos de pé, um certo ar de protesto tomou conta da apresentação, mas antes que o coro dos descontentes fosse adiante, Silva pediu. “Sou uma pessoa muito tranquila. Vamos deixar isso de lado hoje”. Aplausos. Muitos aplausos.

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Seu álbum que homenageia a diva Marisa Monte foi lançado há algum tempo nas plataformas de streaming, mas só após dois anos que a turnê chegou a Curitiba. Como foi o processo de criação das releituras, sobretudo nos arranjos e adaptação da extensão vocal?

Foi um processo muito prazeroso. Fiz cada detalhe com muito carinho, para que as versões tivessem a minha cara. Foi uma experiência de intérprete que eu não havia experimentado. Sempre me dediquei ao meu trabalho autoral, mas foi muito enriquecedor poder me aventurar num repertório que não é meu.

Como Marisa influenciou sua carreira? Que canção dela mais te inspira?

Além do contato com a obra de Marisa, ter contato com ela com certeza continua a me acrescentar muito. Tenho muitas favoritas e não foi à tôa que gravei um disco inteiro dedicado a ela. Mas pensando nesse exato momento eu posso dizer que amo muito “Pecado é lhe Deixar de Molho”. Eu raramente gosto de uma música só por causa da letra. A composição tem que me pegar por inteiro. Melodia, letra, arranjo, tudo. Por isso acho que essa música me marca tanto.

Você coleciona um punhado de participações, principalmente de vozes femininas em seus trabalhos. O novo single, “Um Pôr de Sol na Praia”, traz a parceria com Ludmilla, numa batida que mescla samba e rap. No disco Brasileiro, você cantou com Anitta em “Fica Tudo Bem”. Fernanda Takai participou de seu segundo álbum, de 2014. Sem falar na Marisa, claro. Como você escolhe suas parcerias e qual a relevância da voz feminina na MPB? Cogita alguma parceria internacional?

Toda a relevância do mundo! Não consigo nem imaginar como seria sem Gal, Elis, Alcione, Marisa, Ivete e tantas outras tão incríveis. Eu não enxergo música com rótulos e barreiras. Deve ser por isso que consigo fazer tantas misturas numa música só. Gosto muito disso. Estou aberto a todo tipo de parceria.

Você é capixaba, da mesma terra de Roberto Carlos. Saiu do Espírito Santo para a Irlanda, onde formou uma banda com artistas de outras nacionalidades. Como essa vivência internacional influenciou na sua carreira como cantor e compositor de volta ao Brasil?

Viver em Dublin foi muito importante pra mim. Tinha 20 anos quando me mudei e voltei com 21, quase 22. Aprendi muito, compus minhas primeiras músicas e foi lá que surgiu essa vontade de cantar além de ser músico. Tocava violino numa banda de jazz, vi muitos shows e tive experiências que expandiram minha cabeça.

No Dicionário Cravo Albin de Música Popular Brasileira, o verbete Silva é definido como compositor multi-instrumentista (“toca piano, violino, guitarra”) formado em violino clássico e filho de uma professora de música. Ou seja, a música está no DNA da família. O quão é fundamental esse contato com a arte desde a infância tanto para o desenvolvimento cognitivo do ser humano quando para a formação de plateia?

Música ocupa um lugar muito único nas nossas vidas, difícil de ser preenchido por outras atividades. Por isso sou tão favorável a que esse contato seja feito o quanto antes. Sou daqueles que sugere insistentemente aos meus amigos com filhos a colocá-los em aula de iniciação musical.

No seu mais recente álbum, Brasileiro, você me lembra a forma com que Tom Jobim retratava o país, a natureza e a alma do brasileiro, conseguindo tecer uma crítica social de forma sutil e poética. A arte tem o poder de nos salvar desse mundo marcado por relações descartáveis, voláteis e pela intolerância?

A música e a arte cumprem vários papéis. Tem música para meditar, para dançar, outras para pensar… Tenho admirado muito aquelas que estão lutando pra levar um pouco mais de amor e generosidade nesses tempos tão sombrios. A gente não pode perder a esperança.

Thom Yorke

Novo álbum solo do vocalista do Radiohead ganha ainda mais beleza quando transformado em curta dirigido por Paul Thomas Anderson

Textos por Leonardo Andreiko

Foto: Netflix/Divulgação

Já se pode encarar Thom Yorke como uma figura marcante do cenário musical das últimas décadas. À frente do Radiohead, ele marcou o rock alternativo, sempre inovando em estilo, sonoridade e atitude. Com o Atoms For Peace, mesclou sua musicalidade melancólica com o caos eletrônico. Em seu projeto solo, intensificou o sentimento a um nível muito mais cru e denso. Depois de The Eraser (2006) e Tomorrow’s Modern Boxes (2014), Yorke lança Anima, com direito a um curta-metragem assinado por Paul Thomas Anderson.

Em todos seus projetos, há uma similaridade: o produtor Nigel Godrich. Com ele, Thom constrói o ambiente distópico de seu novo álbum com maestria, soando de maneira semelhante ao álbum AMOK (2013), do grupo Atoms For Peace, em que ambos trabalharam com o baixo de Flea, dos Red Hot Chili Peppers. Envolventes batidas fortemente eletrônicas se iniciam desde “Traffic”, sua primeira faixa. No entanto, parece haver um intenso flerte com a estética da música pop permeando as primeiras faixas de Anima, mas dura pouco. Lentamente, o ambiente volta a soar como os últimos trabalhos de Yorke, seja com o AFP ou no Radiohead.

Num vai-e-volta entre fortes sintetizadores e sua mescla com instrumentação orgânica baseada em cordas, o estilo de Anima não se distingue muito da identidade já consagrada por seu autor. A quarta faixa, “Dawn Chorus”, prova, no entanto, que esta identidade esta longe de transmutar-se em repetição incessante da mesma ideia. Sua simples conjunção de um poema com uma base de sintetizadores em loop é parte vital do curta-metragem de Anderson – que, por si só, receberá atenção exclusiva mais abaixo.

A partir de “I Am A Very Rude Person” (que sucede “Dawn Chorus”), Yorke e Godrich parecem voltar-se ao ritmo de seus antigos discos com o Radiohead. O baixo assume um papel importante, enquanto os sintetizadores e desesperadores instrumentos de percussão se apequenam, tomando protagonismo aqui e ali. Assim, os artistas parecem mesclar aquilo que fariam em seu projeto solo com sons que se coadunam com a identidade musical de Radiohead.

“Impossible Knots”, a penúltima música, traz à tona um groove surpreendente, ainda que esperado, em paralelo à ambiência de fortes sintetizadores. A melhor trabalhada conjunção da vertente eletrônica do compositor com sua raiz no rock. O álbum se encerra com “Runwayaway”, faixa que, por sua vez, se destaca pelo protagonismo da guitarra de Thom, acompanhada das suprimidas batidas comuns à obra do artista.

A melancolia anteriormente ressaltada se mescla, em Anima, à vibração caótica da timbragem eletrônica característica de seu autor. Suas melhores faixas, “Dawn Chorus” e “Impossible Knots”, trabalham, dicotomicamente, a monotonia sintética e o groove incorporado ao eletrônico, produzindo um bom panorama da intensidade de experimentação à qual Yorke e Godrich se propõem. Se possível, Anima é um álbum que deve ser apreciado antes de sua contraparte fílmica.

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Grandes artistas, quando em conjunto, superam as expectativas. Ao passo que a rotina de cabines de imprensa obriga a supressão de quaisquer sentimentos similares direcionados aos filmes, o anúncio relâmpago do curta-metragem de Paul Thomas Anderson, inspirado no novo álbum de Thom Yorke, acendeu um forte hype em minha rotina. Com apenas quinze minutos, o filme é um one-reeler sem diálogo algum (one-reeler foi um estilo recorrente de curta-metragens na época dos filmes silenciosos; o nome provém do fato destes, geralmente comédias ou cartuns, estarem contidos em um único rolo de filme e cada um destes suportava aproximadamente onze minutos de duração). Ainda assim, é muito mais emocionante que a maioria dos lançamentos deste ano nos cinemas brasileiros.

Em Anima, o vocalista do Radiohead assume o protagonismo de uma narrativa distópica e subjetiva. Nela, Yorke parece ser o único personagem a não agir conforme o esperado. Embalados por três músicas de seu álbum, os dançarinos figurantes mimetizam uma sociedade apagada e presa no piloto automático.

Com um roteiro nada convencional, Anima atiça seu espectador a buscar interpretações para sua trama, de forma a tornar injusta a exposição de minha leitura da semântica do filme, a fim de não viciar o olho do leitor. Esta não é uma obra difícil de se entender, mas é fortemente subjetiva e carregada de argumentação sociopolítica.

Em seus dois primeiros atos, cada um movimentado por uma música diferente, Anima introduz a ambientação e seu protagonista ao som de fortes faixas de glitch pop: “Not The News” e “Traffic”. Sua arte e direção homenageiam os primórdios do cinema, com tratamento a la Buster Keaton do protagonista e cenários inspirados naqueles consagrados pelo impressionismo alemão. Thom percorre longos corredores monótonos que parecem ter fugido das narrativas de Nosferatu ou de O Gabinete do Doutor Caligari.

Sua grande transição vem em sua conclusão ao som de “Dawn Chorus”. Tal como a faixa, é uma parte aterrada, focada no exterior e não tão distópica. Thom e sua acompanhante, interpretada pela italiana Dajana Roncione, dançam uma coreografia íntima assinada por Damien Jalet, belga que trabalhou com o cantor na mais recente versão do longa Suspiria.

A fotografia em filme do franco-iraniano Darius Khondji alia-se ao pensamento de Anderson, abusando do granulado para ressaltar Yorke numa estética que beira as escalas de cinza. Ainda é mérito do diretor a mescla incrivelmente bem sucedida de seu estilo com a música de Thom e, principalmente, a homenagem aos clássicos do cinema.

Anima é um filme incrivelmente poético, tanto em linguagem quanto em sua trilha sonora. Por seu tamanho e magnitude inversamente proporcionais, é um curta-metragem que deve ser estudado por amantes da sétima arte. Espero que surjam mais obras-primas como esta da união entre o músico e o cineasta.

O Gênio e o Louco

Mel Gibson e Sean Penn estrelam a história de obstinação que resultou na criação o dicionário que cataloga todas as palavras da língua inglesa

Texto por Janaína Monteiro

Foto: Imagem Filmes/Divulgação

A língua é viva, já dizia o teórico russo Mikhail Bakthin. Criada por nós, e assim como nós, a língua se modifica com o decorrer do tempo. As palavras e seus significados evoluem através dos séculos: nascem e morrem num piscar de olhos. E quantas palavras falamos diariamente sem pensar em seus diferentes significados? Como definir o que é arte, por exemplo? Esse é o complexo trabalho do filólogo – palavra do grego philólogos e latim philologus, que designa o conhecedor da filologia, ciência que estuda o desenvolvimento de uma língua. Este é o papel de Mel Gibson no drama baseado em uma história real O Gênio e o Louco (The Professor And The Madman, Irlanda/EUA/Irã, 2017 – Imagem Filmes).

Gibson é o professor escocês James Murray, filólogo autodidata, estudioso de dezenas de línguas que assume a improvável missão de fazer o inventário de todas as palavras da língua inglesa durante os séculos 17 e 18 – isso se transformaria posteriomente no Oxford English Dictionary (OED), o mais importante do mundo no vernáculo. Murray devotou 50 anos de sua vida ao projeto que catalogou mais de 400 mil palavras. O louco é o americano William Chester Minor, interpretado por Sean Penn, com mais uma atuação brilhante. Minor é um médico veterano da Guerra Civil dos EUA expatriado para a Inglaterra e que sofre de síndrome pós-traumática (que evoluiu para uma esquizofrenia).

O filme, dirigido pelo iraniano Farhad Safinia, é baseado no livro de Simon Winchester lançado em 1998 (The Surgeon of Crowthorne: A Tale Of Murder, Madness And The Love Of Words, título da edição britânica; O Professor e o Louco, em português). Nesse mesmo ano, Mel Gibson conseguiu os direitos para levar a história do primeiro editor do OED ao cinema, mas só conseguiu finalizar o longa quase duas décadas depois por conta de uma série de imbróglios e problemas judiciais (basicamente sobre custos de locação e direitos autorais), uma história semelhante ao nosso Chatô, de Guilherme Fontes. Segundo reportagem do jornal The Telegraph, o longa começou a ser rodado em 2016 em Dublin, Irlanda, o que gerou muita controvérsia e descrédito. Afinal, como rodar um filme sobre Oxford sem cenas na cidade? “You can’t fake that!” (você não pode simular isso!), disse o autor do livro ao jornal britânico.

Os roteiristas (entre eles Safinia) ficaram incumbidos de adaptar a história que se passa na segunda metade do século 19, na Inglaterra. A primeira cena é o do assassinato cometido por Minor. Assombrado pelo seu passado, ele se sente perseguido pelo fantasma de um desertor de guerra que foi marcado a ferro quente por ele. Confunde um pai de família pobre com o desertor e corre pelas ruas de Londres atrás dele até que George Merrett é morto na frente da esposa Eliza (Natalie Dormer), que fica à deriva com seus seis filhos após perder o marido. A insanidade de Minor o leva para a prisão, mesmo afirmando a todos que não é louco.

Em paralelo, o filme mostra a história de Murray, o gênio erudito pai de família e estudioso autodidata (em algumas cenas, Gibson mostra sotaque escocês exagerado). Uma das melhores cenas já surge logo no início, quando o professor precisa convencer os doutores da Universidade de Oxford a ser contratado para editar o dicionário, mesmo não tendo um diploma sequer. Murray, então, cita dezenas de línguas e dialetos que domina ou tem conhecimento e deixa os letrados de boca aberta. Depois de explicar a etimologia de clever (esperto, em inglês), ele ganha o emprego e a árdua missão de descrever todas – absolutamente todas – as palavras anglo-saxônicas e seus múltiplos significados.

Murray e sua equipe constroem um scriptorium (gabinete de estudos) que servirá de escritório para a catalogação de milhares de termos que compõem o léxico. A certa altura, todos percebem que a missão é absurda se feita por meia dúzia de pessoas e, então, surge a ideia de convocar voluntários na tentativa de finalizar o projeto. Um comunicado é colocado dentro de cada livro e assim as histórias do professor e do louco se cruzam.

Minor continua preso num hospital psiquiátrico e passa a receber um tratamento mais humano para sua esquizofrenia – ele começa a pintar e ler. Ao ganhar um livro de um carcereiro, ele encontra um propósito para sua vida insana e reclusa: consegue transformar, mesmo que por pouco tempo, sua loucura em obstinação. O médico se debruça loucamente no livro O Paraíso Perdido – poema épico da literatura inglesa escrito por John Milton – e passa a ordenar o mundo das palavras, escrevendo centenas de bilhetes que são enviados pelo correio ao professor. Sua vida se divide entre esse trabalho profícuo e a vontade de ajudar a viúva do homem que assassinou. O esquizofrênico, com peso na consciência, passa a enviar dinheiro à mulher.

Minor se torna o maior colaborador do dicionário e Murray o chama de salvador.  E quando Minor surge como o verdadeiro “milagre divino”, a fotografia do filme se altera: se antes as cenas eram marcadas pelo frio do inverno, ambientes sombrios e personagens carregadas de tensão, agora a primavera desponta e a luz começa a surgir.

A cena em que o gênio encontra o louco mostra as semelhanças físicas entre eles, apesar de tantas diferenças. Ambos com suas barbas brancas e olhos azuis. Porém, um brilhante e outro louco. Um escocês, outro americano. Um de Oxford, outro de Yale. Um solto, outro preso.

O dicionário passa a ser objeto secundário e dá lugar a uma outra história também bastante improvável: o amor entre a viúva e o assassino de seu marido. Em uma das cenas, Eliza presenteia Minor com o livro Grandes Esperanças, uma das obras-primas de Charles Dickens, que discute culpa, redenção, perdão, desejo e, claro, esperança. E são essas palavras que darão o tom do filme até o final.

PS 1: Para mostrar que a língua é constante como a vida, o OED emitiu, em fevereiro último, um novo comunicado em busca de palavras novas, segundo publicou o jornal The Guardian. “O Oxford English Dictionary (OED) já inclui muitos termos de todos os tipos de negócios e profissões, mas sempre há muitos outros que não chegaram ao nosso conhecimento – e é por isso pedimos a ajuda de vocês”. Ou seja, eles pedem que médicos, bombeiros, professores, marqueteiros e todo tipo de profissional enviem palavras e expressões com novos significados – como budget ou branding – semelhante ao que ocorreu três séculos atrás.

PS 2: O OED também elege a palavra de cada ano. E “tóxico” foi a escolhida em 2018, entre 150 milhões de palavras coletadas em 10 mil sites. A instituição explicou que houve um aumento de 45% no número de vezes que os usuários pesquisaram o termo, que vem na maioria das vezes associado a outra palavra como “masculinidade tóxica” (“toxic masculinity”). O termo se refere ao movimento #MeToo e a luta contra o assédio sexual. Resta agora saber qual será a palavra de 2019! E quem quiser conferir as escolhas de cada temporada deve clicar aqui.