Treta

Série provoca riso e choro com protagonistas conflituosos que só pensam em um dar ao outro um “troco” cada vez mais mirabolante

Texto por Tais Zago

Foto: Netflix/Divulgação

Até onde um pequeno desentendimento no trânsito pode chegar quando as duas pessoas envolvidas estão profundamente infelizes e insatisfeitas? Essa é a questão central de Treta (Beef, EUA – Netflix). Não, apesar do nome original, a série – iniciada agora em 2023 – não tem nada a ver com culinária ou alguma paixão carnívora. Nos Estados Unidos, a palavra para a carne bovina também serve como gíria para um desentendimento, um ressentimento ou, mais precisamente, uma “treta” entre pessoas. E esse “bife”, aqui, não é para amadores.

Lee Sung Jin é o criador e o roteirista dessa tragicomédia entre dois personagens completamente diferentes. Amy (Ali Wong) é uma bem sucedida empreendedora. Ela tem dinheiro, um marido considerado “perfeito”, uma filha e todo o luxo californiano na classe artística aos seus pés. Já Danny (Steven Yeun) é um empreiteiro endividado e fracassado, lutando para sobreviver e sustentar o irmão mais novo, enquanto sonha em comprar uma casa para seus pais. Em um cenário comum, os dois nunca coexistiriam. Apesar de ambos terem origem asiática, nada mais parece conectá-los. Até que um desentendimento no estacionamento de um shopping center – Amy buzina incessantemente enquanto Danny se recusa a sair da vaga – culmina em uma absurda perseguição pelas ruas de Los Angeles, quando ambos infringem diversas leis de trânsito e colocam pessoas em risco. Logo o acontecido cai nas redes sociais e assim se inicia uma procura dos dois por “investigadores amadores” de bairro da localidade de Calabasas.  

A comediante e stand up Ali Wong nos entrega uma Amy profundamente frustrada e em conflito com suas verdadeiras vontades e a realidade da vida que ela construiu para si mesma. Se tudo é tão perfeito, por que ela ainda se sente infeliz? Esta é a questão que já nos acompanha a partir do primeiro episódio e continua até o último. Já Steven Yeun, mais conhecido do grande público por sua atuação como o Glenn de The Walking Dead, interpreta um Danny repleto de medos e insatisfações, apesar da sempre aparente autoconfiança, ele é castigado pelos seus sentimentos de fracasso e uma depressão que esconde de todos. Em cima da base criada pelos dois, cada episódio se torna uma montanha-russa de paybacks, onde cada decepção diária dos personagens consigo mesmos os leva a montar planos cada vez mais maquiavélicos e mirabolantes um contra o outro. Na vida de Amy e Danny, o foco principal se torna o beef, a treta, a qual nenhum deles parece realmente querer resolver ou perdoar.

Apesar da sinopse nos levar a crer que Treta seria mais uma comédia de slapsticks e vinganças malsucedidas, Lee Sung Jin consegue incluir uma miríade de conflitos internos, traumas e experiências que enriquecem seus personagens de tal forma, que, lá pelo meio, já conseguimos nos compadecer com a imagem horrível, mas real e crua, que Amy e Danny tem deles mesmos. É a queda da máscara construída com muito esforço. Os sonhos despedaçados deixando apenas o desespero e o ódio como substitutos da tristeza. A série possui diálogos e situações hilárias, daquelas de rirmos até chorar. Mas também nos arrasta a um abismo onde choramos sem rir. O toque reflexivo chega até a nos lembrar um pouco as divagações filosóficas do vitorioso do último Oscar, Tudo Em Todo Lugar Ao Mesmo Tempo. Uma tendência que parece permear muitas das obras da produtora indie A24, assim como uma forte queda para representações de um psicodelismo surrealista.

Será que não existe um pouquinho de Danny e Amy dentro de todos nós? Eu acho que sim. Ao menos quando invariavelmente descontamos nossas frustrações em discussões acaloradas, porém absurdas e sem utilidade prática, em redes sociais ou em situações mundanas do dia a dia. Nesse quesito, Treta vai além das telas e nos traz questionamentos válidos que podem nos conduzir a uma jornada de autoconhecimento.

Tina Turner

Oito motivos para lembrar-se sempre da cantora como uma das maiores divas de todos os tempos do olimpo da música pop

Tina Turner em sessão de fotos para o disco Private Dancer

Texto por Abonico Smith

Fotos: Reprodução

Anna Mae Bullock teve seu falecimento anunciado no último dia 24 de maio. Ela morreu em casa, aos 83 anos, na cidade suíça de Küsnacht, próxima a Zurique, onde vivia havia três décadas. A cauda da morte não foi revelada, mas sabe-se que nos últimos anos ela vinha lutando contra algumas doenças, além de ter perdido dos filhos em um curto espaço de tempo.

Sob a alcunha de Tina Turner, tornou-se figura de suma importância na música pop dos anos 1960 para cá. Na juventude, fez história ao ser a linha de frente da dupla formada com o marido, o produtor e multiinstrumentista Ike Turner . O relacionamento, sempre movido a drogas, machismo, abusos e violência física, ruiu de vez em 1976. Com o divórcio veio a carreira solo ea famosa tríade “levanta, sacode a poeira e dá a volta por cima”. Com mais de 40 anos, já em meados dos 1980s, transformou-se em sex symbol dos palcos, sempre chamando a atenção pelos vestidos curtos mostrando as pernas torneadas e favorecendo os movimentos frenéticos das coreografias que sempre foram parte integrante das performances desde o início da trajetória profissional). Também viu sua carreira ser elevada ao status de rockstar mundial. Com a ajuda da MTV e dos videoclipes, passou a vender milhões de discos, tornar-se atriz bissexta cultuada em Hollywood e carregar multidões para ver os seus concertos em grandes arenas. Em 1988, entrou para o livro Guinness dos recordes ao ter um público pagante de quase 200 mil pessoas no seu primeiro show em solo brasileiro, realizado no estádio do Maracanã, no Rio de Janeiro.

Se Anna Mae desencarnou desta dimensão, seu legado deixado como Tina Turner continuará sendo eterna. Por isso, o Mondo Bacana preparou aqui oito motivos para se lembrar sempre da cantora.

Tina Turner cantando no Ed Sullivan Show ainda na dupla com Ike Turner

Furacão nos palcos

Descoberta ainda adolescente pelo produtor Ike Turner – que logo viria a se tornar seu marido – tornou-se estrela solitária em tempos de auge dos girl groups. Ao vivo, à frete da banda comandada por Ike, sempre trazia seu grupo de backings para lhe ajudar a encorpar os vocais e as coreografias do palco. E colocava fogo sempre em todos os palcos nos quais se apresentava, rodopiando feito um furacão, equilibrando-se no salto e soltando o vozeirão em canções que traçavam um diálogo entre o wall of sound de Phil Spector e a energia crua do rock’n’roll. Portanto, se hoje você tem dezenas de divas pop cantando e dançando absolutas em cena, coloque isso na conta de Tina Turner.

Relacionamento abusivo

Ao lado de Ike, Tina conheceu o paraíso em sua trajetória profissional, sobretudo varrendo o mainstream do showbiz norte-americano entre os anos de 1966 e 1975, vendendo discos e discos e arrasando nos concertos. Só que a década áurea também não trouxe apenas sorrisos e boas lembranças. Pelo contrário. Aquela Tina se jogava de cabeça para seu público passava muito sofrimento nos bastidores. As atitudes de Ike, sempre movidas ao abuso de drogas, passaram a se tornar gradualmente cada vez mais insanas frente a Tina. O relacionamento abusivo incluía muita, muita, muita violência física e emocional. No dia do casamento, em 1962, logo após a cerimônia, Ike o obrigou a entrar em um bordel e assistir a um show de sexo explícito. A escalada foi aumentando até que em 1976, depois de uma viagem de carro durante uma turnê, Tina saiu correndo estrada afora só com a roupa do corpo para mudar de vez seu destino e virar, tanto na carreira artística quanto no estado civil, uma estrela ainda maior do que era sob o covarde cabresto do companheiro troglodita.

Tina Turner no filme Tommy (1975)

“The Acid Queen”

Em 1975, o diretor e roteirista Ken Russell levou às telonas uma impactante versão da ópera-rock Tommy, lançada seis anos antes em disco pelo Who. O protagonista era, inclusive, interpretado pelo vocalista do grupo britânico, Roger Daltrey. Outras presenças marcantes neste musical são Elton John (como o mágico do pinball em antando “Pinball Wizard”), Eric Clapton (como o pregador que recupera o antigo blues “Eyesight To The Blind”) e Tina Turner (como o “barato das drogas químicas” em “The Acid Queen”). A interpretação que Tina imprimiu à faixa foi tão poderosa que logo a gravadora embarcou na veia rock’nróll da cantora e bancou um álbum solo dela (ainda que estivesse presa ao casamento e à parceira com Ike naquele ano), também batizado como The Acid Queen. No lado A, Turner arrasa cantando clássicos dos Rolling Stones (“Under My Thumb”, “Let’s Spend The Night Together”), Who (“I Can See For Miles”, a faixa-título) e Led Zeppelin (“Whole Lotta Love”). No outro lado do vinil, quatro composições de Ike, sendo “Baby Get It On” gravada em dueto com ele. Foi o grande rito de passagem de sua trajetória pessoal e profissional, que a fez ficar livre de vez do encosto que passou a tomar conta de sua vida.

Rasteira no etarismo

Tina Turner tornou-se popstar de números e recordes mundiais já depois da virada dos anos 1980. De quebra, transformou-se em sex symbol do rock, sempre arrebatando corações com seus looks de pernas de fora, saltos e vestidos curtos. Este período áureo da carreira solo coincidiu com o apogeu da Music Television, que no decorrer dos anos 1980 alastrou-se para o planeta todo com suas filiais inundando de videoclipe as televisões de jovens e adolescentes espalhados pelos quatro cantos. Era o formato audiovisual dando todas as cartas na indústria fonográfica, pautando todas as rádios, alavancando vendagens estratosféricas e dando início ao que passamos a entender por grandes turnês mundiais. Tina Turner conseguir tudo isso – vale bem lembrar – já tendo passado dos 40 anos e em um mundo onde machismo e etarismo ainda rolavam soltinhos na sociedade. Portanto, ela dava um banho de talento, beleza, sensualidade, força, liderança e perseverança sendo uma mulher em uma faixa etária majoriatariamente descreditada pelo então ainda impiedoso patriarcado.

Fase de ouro

Quinto álbum solo de Tina, Private Dancer chegou às lojas no final de maio de 1984 revelando uma artista pronta para ser catapultada ao megaestrelato. Sua nova gravadora bancou vários produtores e compositores de sucesso para as nove faixas, que formavam uma mistura eletrizante de baladas e canções dançantes, além do flerte com elementos do rock, do pop, do r&b e do jazz. O resultado foi a chegada de vários hits nas paradas (“Better Be Good To Me”, “Private Dancer”, “What’s Love Go To Do With It” e a releitura do clássico soul “Let’s Stay Together”). Além de muitos discos de platina em vários países, a obra rendeu ainda quatro prêmios Grammy. Dois anos depois, o sucessor Break Every Rule foi capaz de sustentar Tina no olimpo pop, que rendeu nada menos do que oito singles (!!!). Novamente muitos produtores (entre os nomes, agora, os endeusados Bryan Adams e Mark Knopfler, que compusera a canção “Private Dancer” com Jeff Beck), novamente hits enfileirados nas paradas (“Two People”, “Typical Male”, “Paradise Is Here”, “What You Get Is What You See”), agora participações especialíssimas nos créditos das gravações (Knopler, Adams, Steve Winwood, Phil Collins, Branford Marsalis). Novamente múltiplos discos de platina ao redor do mundo, novamente o Grammy de melhor performance feminina de rock. 

Tina Turner cantando no Maracanã

Recorde no Maracanã

O sucesso expandido pelo álbum Break Every Rule rendeu uma megaturnê que levou treze meses girando pelo mundo. Veio parar inclusive por aqui em uma época em que, ajudado pelo Queen e pelo Rock In Rio em 1985, o Brasil estava começando a entrar na rota dos grandes shows internacionais. Tina já havia cantado duas vezes na semana anterior em São Paulo, mas foi a passagem pelo Rio de Janeiro o seu maior momento – no país e, como indicam as memórias transpostas para a autobiografia Minha História de Amor – e da própria tour. A cantora levou 188 mil pagantes ao Maracanã, quebrando o recorde de pessoas em um evento não futebolístico – e superando marcas obtidas por outros nomes gigantes da música como Paul McCartney (184 mil), Frank Sinatra (175 mil), Rolling Stones (141 mil) e Kiss (137 mil). Aproveitando a estrutura utilizada dias antes pela primeira edição do festival Hollywood Rock, aquela histórica noite de 16 janeiro começou com bateria de escola de samba e o puxador Neguinho da Beija-Flor adaptando seu característico bordão para a estrela que chegou ao palco levada por um carro alegórico de Joãosinho Trinta. O set list contou com 19 canções. Começou com “Addicted To Love”, cover de Robert Palmer. Passou por várias canções daquele momento mágico que ela vivia nos anos 1980 (“Girls”, “Private Dancer”, “Typical Male”, “What’s Love Got To Do With It”, “Break Every Rule”, “What You Get Is What You See”, “Show Some Respect”, “Better Be Good To Me”, “Paradise Is Here”, “We Don’t Need Another Hero”), outras releituras de clássicos (“Help!”, “Let’s Stay Together”, “Proud Mary”) e pescou faixas de sucesso do passado (“The Acid Queen”, “Nutbush Cuty Limits”. Esta última, gravada em 1973 ainda como Ike & Tina Turner e uma quase autobiografia em versos e melodias composta por ela própria, encerrou a apresentação. Este show está disponível para streaming na Globoplay, por meio de um especial preparado e transmitido na época pela Rede Globo.

“We Don’t Need Another Hero”

Em 1979, George Miller apresentava ao mundo a trama pós-apocalíptica Mad Max, cujo sucesso comercial fez ainda dois títulos (em 1982 e 1985) para a trilogia oitentista protagonizada por Mel Gibson. Recentemente a franquia foi retomada com sucesso de público, crítica e premiações, mas naquele ano de 1985 a recepção fora bem diferente. Se não fosse pela presença de Tina Turner na produção, talvez Mad Max: Além da Cúpula do Trovão tivesse fracassado ainda mais. Nas telas, ela fez o papel de Aunty Entity, governante de Bartertown, uma cidade incrustada no deserto, que tenta a todo e qualquer custo consolidar seu poder na área. A interpretação da cantora transformou-se no ponto mais interessante de um filme perdido em um roteiro confuso e defendido sem qualquer empolgação por seu diretor. O visual marcante da personagem ainda se estendeu para o videoclipe da música-tema “We Don’t Need Another Hero”, esta sim o maior trunfo do longa-metragem. Além de indicações para o Oscar e o Grammy, Tina fez desta balada um hit mundial, capaz de mantê-la nas paradas durante o intervalo entre os discaços Private Dancer (1984) e Break Every Rule (1986).

Tina Turner no filme Mad Max: Além da Cúpula do Trovão (1985)

Cidadania renegada

Em 1986, Tina conheceu o executivo alemão do mundo da música Erwin Bach, com quem logo engatou um namoro. No começo da década seguinte, mudou-se para a cidade de Küsnacht, próxima a Zurique, para morar com Bach. O casamento só foi oficializado em 2013, quando solicitou a nacionalidade suíça em detrimento da norte-americana. Definitivamente os Estados Unidos não lhe encantavam mais. Afirmava apenas ter nascido lá e possuir familiares morando do outro lado do Atlântico. De certa forma, todo este processo de mudança foi uma saída para passar uma borracha em todo o sofrimento pessoal do passado e construir uma nova vida para Anna Mae Bullock, longe dos holofotes ligados para iluminar o glamour vivido como Tina Turner. Haja atitude para um artista dos EUA apagar suas ligações todas com o país natal.

Dionne Warwick

Oito motivos para não perder um show desta que muito provavelmente deverá ser a última passagem da cantora por nosso país

Texto e tradução por Abonico Smith

Foto: Divulgação

Nesta sexta-feira se consumará mais um encontro mágico entre o público brasileiro e uma das maiores cantoras norte-americanas de música pop em todos os tempos. Dionne Warwick começa hoje, por Curitiba, uma nova passagem por nosso país, com direito a outras três datas (Rio de Janeiro, Brasília e São Paulo, respectivamente nos próximos dias 20, 23 e 28 de maio). Mais informações sobre a turnê você encontra clicando aqui.

A mais perfeita tradução vocal das melodias compostas por Burt Bacharach em parceria com os versos do letrista Hal David, Dionne Warwick chega por aqui com sua nova tour. O nome, One Last Time, entretanto indica uma coisa triste: apesar da química sempre perfeita demonstrada nas outras vezes em que artista e audiência verde-amarela estiveram frente a frente, esta parece ser mesmo a última oportunidade para desfrutar ao vivo de sua voz doce.

O Mondo Bacana preparou oito motivos para você não perder esta noite especial comandada por Warwick. As aspas foram retiradas de uma entrevista concedida por ela dias antes do embarque rumo ao nosso país.

Última vez?

A expressão que dá nome à tour, One Last Time, pode ser traduzida para o português como “uma última vez”. Claro que tudo no showbiz pode mudar dependendo das circunstâncias de momento, além do entretenimento do ramo dos concertos gostar de usar bastante batismos que apelem para o emocional dos fãs. Só que isso indica mesmo ser esta a derradeira passagem da cantora por terras brasileiras. No último mês de dezembro ela completou 82 anos e a idade começa a pesar quando os artistas vão envelhecendo e ficando sem muita paciência para encarar longos tempos de viagens de lá para cá, daqui para ali. Warwick ainda corrobora a questão sendo franca em relação a isso. “Não estou parando com a música. Saberei muito bem quando chegar esta hora de parar, acredite em mim. Será quando eu notar que não conseguirei mais dar o meu melhor. Mas eu venho de um grande número de turnês, tantas quantas eu consigo fazer. Portanto, este nome não indica sobre parada na carreira, apenas um jeito de desacelerar o ritmo das viagens. É aquele negócio de passar menos dias na estrada, correndo por aeroportos”.

Melhor de si ao vivo

Dionne nunca escondeu sua satisfação e extrema vontade de subir aos palcos mundo afora. “Fico excitada sobretudo por estar em plena capacidade de vir a uma platéia e cantar aquilo que todo mundo espera de mim. Eu me preparo bastante para isso por todo este tempo. Entrego vários clássicos e ainda posso fazer surpresas com algumas canções nunca antes ouvidas. Estive ainda trabalhando ativamente esses últimos anos, gravando coisas novas”.

Clássicos eternos

Segundo a própria Dionne, existe um punhado de músicas “obrigatórias” em todos os seus shows. “I Say a Little Prayer” não pode ficar fora das turnês. “Do You Know The Way To San José?” não pode focar fora das turnês. “Alfie” não pode ficar fora das turnês. “I’ll Never Fall In Love Again” não pode ficar fora das turnês. “Toda canção que eu tenho em meu set list é uma canção que eu sei que as pessoas estão esperando que eu cante. Então eu preparo um repertório sempre de acordo com isso”.

Burt Bacharach & Hal David

Pode reparar. Mil e um nomes já fizeram suas versões de composições assinadas pela dupla que se transformou em excelência no cancioneiro popular norte-americano. Entretanto, Dionne Warwick se transformou em excelência da excelência com sua voz arrebatadoramente aveludada ao gravar dezenas de canções desses compositores. Tanto que até hoje mais da metade de seu repertório dos concertos é composta por seus hits – a ponto dela se dar ao luxo de emendar uma na outra, como medleys, sem deixar qualquer tempo para espectadores maravilhados se recomporem nas poltronas dos teatros. Além daquelas citadas por ela mesma no parágrafo acima, aí vai outra pequena lista das preciosidades que não costumam ficar de fora da qualquer set list: “What The World Needs Now Is Love”, “Anyone Who Had a Heart”, “That´s What Friends Are For”, “This Girl Is In Love With You”, “Message To Michael” e, claro, “Walk On By”.

Ligação especial com o nosso país

“Eu amo o Brasil e o Brasil já me mostrou que me ama também. Não poderia pedir por uma relação melhor, aliás. O Brasil me deu uma dos melhores abraços que já tive na carreira, melhor do que muitos outros países. Sinto que os brasileiros querem que eu seja uma parte do que eles já são. Dizem para mim “você tem de ser brasileira” e eu me desculpo dizendo que não posso ser brasileira… (risos) É um dos sentimentos mais quentes que se pode ter, o de ser bem aceita e com paixão por um povo. Eu tento arranhar umas palavras na língua portuguesa, mas só um pouquinho… (risos) Também sempre fui muito ligada na música brasileira. Eu a amo porque ela é algo feliz para mim, me faz sorrir. É ainda uma eterna referência para o país, que faz a gente amá-lo e isso é muito importante. E a feijoada é uma coisa absolutamente extraordinária”.

Ouvidos atentos para novidades

“Não conheço muita coisa nova não, mas eu tenho sete netos e eles sempre me mantêm atualizada no que está rolando por aí, ficam tocando o que gostam para eu ouvir. Claro que continuo ouvindo música durante todos esses anos, é algo que faz bem aos meus ouvidos. E gosto de ouvir qualquer tipo ou gênero musical, é o que me mantêm aqui até hoje. Um nome mais novo que me vem imediatamente à cabeça é o de Beyoncé. Eu a conheci quando ela tinha quinze anos de idade. Já dava para saber o porquê do tamanho do sucesso que ela iria obter depois em sua carreira. Outro nome é o de Rihanna, mas não gosto só das suas aventuras no mundo da música, também do que ela fazia fora disso. Ela cresceu como uma jovem que tinha aspirações a muitas, muitas coisas, não apenas musicais. Sabe, há diversas pessoas na indústria da música seguindo os seus próprios caminhos, o que é maravilhoso, por sinal. E usando o mundo dos negócios muito bem. Há muita gente abaixo dos 30 ou mesmo lá pelos 30 anos que estão imprimindo em suas carreiras justamente aquilo que gostariam de ouvir. Claro que algumas coisas não conseguem se encaixar perfeitamente nos meus ouvidos, então não há motivos para eu ouvi-las. Mas aquilo que está sendo gravando é de acordo com a sua música, a sua sonoridade, as suas palavras. E estas pessoas depositam na indústria a sua paixão”.

Ativismo social

“Todo o tempo em que me envolvi na campanha de conscientização em relação à aids foi maravilhosamente importante. Estávamos perdendo de forma precoce muitas pessoas dentro do nosso meio. Então era hora de alguém encarar os fatos e perguntar o que está acontecendo. A última coisa que eu poderia ter feito a respeito disso era fugir. Sempre fui de me meter em questões bem sérias como essas e procurei saber como poderia ajudar quem estava contraindo o vírus na época. Fui eleita uma das embaixadoras dos Estados Unidos nesta área para descobrir como poderíamos lutar contra isso não só aqui mas em outros países. Então comecei a viajar para me encontrar com pessoas em todo o mundo, observar o que estava sendo feito e dando certo em outros lugares para que pudesse retornar e trazer isso também para o meu país. O mais importante sempre foi fazer as pessoas compreenderam como e por que tudo acontecia para lutar contra isso da maneira mais apropriada, entender as causas da aids e fazer as pessoas entenderem como se cuidar e se prevenir. Isso deu toda a repercussão para este trabalho. Mas com certeza sou e sempre fui uma pequena parte disso, não levo para mim os créditos desta empreitada inteira não”.

Poder de cura pela música

“Claro que sim, acredito nisso. É de fato uma das principais forças de cura. Veja como isso funciona em hospitais, asilos… Em bebês! Bebês reagem à música. Musica traz o poder da cura. Canções são escritas e elas também podem curar as pessoas”.

Daisy Jones & The Six

Série sobre a história de uma banda fictícia inspirada no Fleetwood Mac dos anos 1970 mistura ficção e sentimentos reais de forma mesmerizante

Texto por Taís Zago

Foto: Amazon Prime/Divulgação

Histórias de bandas fictícias/montadas por um casting em forma (ou não) de mockumentary – suposto documentário ficcional cheio de fatos falsos e/ou deboche – ou narradas em voice over por jornalistas e integrantes não é, de maneira alguma, novidade no universo cinematográfico. Tudo iniciou como formato musical com o fake documentário A Hard Day’s Night (1964) dos Beatles, que acabou inspirando o surgimento dos Monkees logo depois e ganhou força no final da década com musicais como Tommy (1969), da banda real The Who, e Spinal Tap (1984), tendo nova força nos anos 1990-2000 com obras mais dramáticas como Velvet Goldmine (1998), Quase Famosos (2000), Hedwig And The Angry Inch (2001) ou Dreamgirls (2006), para citar apenas alguns. A lista do estilo, portanto, é imensa. O que nos leva à pergunta: qual história ainda não foi contada?

A resposta é simples: nenhuma. Chegamos a um ponto onde arcos e enredos como pano de fundo de empreitadas musicais já se esgotaram. Adentramos, portanto, uma nova época. Uma época em que o importante não são mais as repetições de dramas, conflitos e situações engraçadas, mas sim o trabalho estético, o esmero dos atores e a riqueza dos diálogos. Assim chegamos no seriado de streaming que estreou em março chamado Daisy Jones & The Six (EUA, 2022 – Amazon Prime). O best-seller homônimo de 2019 da escritora Taylor Jenkins Reid, conta, em formato de entrevista com os envolvidos e membros da banda, as desavenças e os conflitos de mais um combo movido a sexo, drogas, soft rock e muito drama. Reid admitiu abertamente que a banda que a inspirou para o esqueleto do livro foi a mundialmente famosa Fleetwood Mac. O grupo subiu à apoteose musical ao vender mais de 40 milhões de cópias doálbum Rumours (1977) por todo o mundo, o 6º disco mais vendido nos anos 1970 e o 12º mais vendido de todos os tempos. Aos mitos e “rumores” envolvendo as conturbadas gravações do disco, viraram parte do folclore musical. O Fleetwood Mac acabou se tornou sinônimo do estilo de vida rock’n’roll abastecido com entorpecentes, sofrimento e loucura. Os integrantes trabalhavam suas diferenças, amores e decepções em suas canções e o planeta assistia a tudo isso hipnotizado enquanto eles derramavam o conteúdo intenso de seus corações no palco em apresentações inesquecíveis até hoje.

Após ler o livro, pensei: tudo bem, trata-se aqui de mais um apanhado de clichês onde frontman e a frontwoman carregam a banda nas costas com sua relação conturbada. Pensei na hora, claro, em Stevie Nicks e Lindsey Buckingham; em Agnetha e Björn mais Benny e Anni-Frid, do Abba; em Ike e Tina Turner, ou em qualquer outro casal que trouxe a público suas desavenças e dores afetivas. Mas também vi o potencial cinematográfico de um enredo que sempre vai encontrar um nicho – a magia da liberdade conquistada nos anos 1970, a transgressão de valores conservadores, a atmosfera envolvente dos tempos pré e pós-hippie, um casal de protagonistas lindos, talentosos e extremamente carismáticos vivendo um amor torturado e nunca satisfatoriamente consumado. Era apenas uma questão de tempo até uma adaptação para as telas ser feita.

Os criadores Scott Neustadter e Michael H. Weber não perderam tempo, adaptaram o livro de Reid e chamaram James Ponsoldt (Master Of None) e Nzingha Stewart (Little Fires Everywhere) para assumir a direção da maioria dos dez episódios totais da série, que, adequadamente, recebem o título de tracks 1 a 10. Para o elenco, buscaram atores que sabiam tocar instrumentos e cantar – sim, isso faz uma diferença enorme quando assistimos a qualquer tipo de biopic (mesmo que fake) de algum artista musical. E aqui a escolha foi mais que acertada. Para o papel de Daisy, foi escolhida Riley Keough (Neta de Elvis, filha de Lisa Marie Presley). A atriz incorpora o papel de uma forma mesmerizante. Traz profundidade, complexidade e uma intensidade maior do que a Daisy do livro de Reid nos apresenta. Seu “par romântico” é interpretado pelo sensacional Sam Claflin, que também não nos deixa nada a desejar ao nos mostrar um Billy contraditório, por vezes estrito e sisudo e em outras completamente entregue à sua paixão pela música.

A química entre os dois atores é inegável e palpável. É ela a força-motriz por trás de todos os episódios da série. É um clássico embate de egos, um vai-vem de sedução e tortura emocional que nos mantém vidrados todas as vezes que aparecem em cena. Uma queda de braço entre os opostos que se atraem irresistivelmente e que precisam desesperadamente um do outro para trazer à flor da pele a genialidade das composições e interpretações da banda. Perto da dupla, compreensivelmente, o resto do elenco meio que desaparece, apesar de suas performances também serem bem fortes.

Entre os coadjuvantes temos  Suki Waterhouse como a tecladista Karen, que, em certo momento, forma um par romântico com o irmão de Billy, o guitarrista Graham, interpretado por Will Harrison. Também uma apologia ao outro casal polêmico do Fleetwood Mac (John e Christine McVie). Nabiyah Be merece uma menção honrosa pelo papel de Simone Jackson, a melhor amiga de Daisy, uma dancing queen da era disco e suporte emocional da cantora. Apesar de seu personagem não aparecer em vários capítulos Timothy Olyphant está sensacional como Rod Reyes, tour manager da trupe, assim como Tom Wright, que interpreta Teddy Price, produtor dos The Six e figura paterna de Billy.

O elenco, que já tinha certa experiência musical, passou por uma preparação para seus papéis que durou um ano inteiro, ao final do qual se apresentaram para os executivos da série. O resultado superou em muito o esperado e Daisy Jones & The Six realmente se transformou em uma banda real. E isso é o ponto alto de uma produção que não nos traz muitas surpresas em suas reviravoltas. O caminho de ascensão-queda-autorreflexão da banda só se torna mais verossímil ao percebemos que nada ali foi dublado e nem fingido. Os sentimentos irradiados são os sentimentos reais dos atores, seus movimentos, seus trejeitos. Cada um criou sua persona no palco e isso funcionou espetacularmente, quando poderia ser apenas mediano.

Daisy Jones & The Six completa com louvor a tarefa de mimetizar a realidade ao misturar sentimentos reais e ficção de uma forma envolvente e convincente. É um grande banquete para olhos e para os ouvidos que volta e meia ainda divagam sobre os loucos anos 1970 e a exploração dos limites da liberdade.

A Baleia

Darren Aronofosky volta a incomodar com um espetacular Brendan Fraser como um professor em desenfreada busca pela não existência

Texto por Taís Zago

Foto: Califórnia Filmes/Divulgação

Samuel D. Hunter escreveu A Baleia tendo sua própria vida e trajetória como inspiração. Nascido em Moscow, Idaho, ele foi compelido a se assumir gay já na adolescência, sofreu com a homofobia provinciana e suas mazelas emocionais refletiram em um ganho rápido de peso durante os anos de universidade. Então, Samuel cria em A Baleia um “e se…” caso ele tivesse continuado o caminho que estava posto diante de si. Darren Aronofsky assistiu à peça em uma de suas muitas apresentações e rapidamente vislumbrou no roteiro material rico para um longa-metragem.

Para os que estão familiarizados com a obra cinematográfica de Aronofsky não é segredo algum que o diretor, roteirista e produtor se expressa, não raramente, usando os extremos dos comportamentos humanos. Ora aborda o vício em drogas em obras como A Vida Não É Um Sonho (2000), ora as profundezas da alma humana como em Cisne Negro (2010). Também não é raro em seu oeuvre uma jornada de modificação corporal baseada na busca de aceitação e fama que acaba por deteriorar lentamente seus personagens, como em O Lutador (2008). O ponto convergente de sua obra é uma visão desiludida do humano, o que não raramente nos arrasta a lugares incômodos e quase insuportáveis dentro de nossas cabeças.

Em A Baleia (The Whale, Estados Unidos, 2022 – Califórnia FIlmes), Aronofsky e Hunter trabalharam juntos para transpor dos palcos para o cinema toda a gama de sentimentos de Charlie, interpretado brilhantemente por Brendan Fraser, um homem solitário que vem seguindo um caminho sem volta de deterioração física, emocional e psicológica desde a perda de seu grande amor e companheiro de vida. Charlie é um excelente professor universitário de ensaios literários, ministra suas aulas via EAD, mas nunca permitiu a seus alunos que o vissem pela câmera. Há muito tempo Charlie não sai de casa, não cuida da saúde, não vê muitas pessoas. Uma de suas grandes dores foi o seu afastamento compulsório da filha, na época com 8 anos de idade, por ele ter assumido uma relação homoafetiva com um de seus estudantes. Tudo em Charlie é machucado. Apesar do foco em sua aparência como alegoria para a ruína, a parte mais evidente da tremenda dor que carrega é revelada pelos olhos e pela voz. Ao seu lado, tem a fiel amiga Liz (Hong Chau), uma enfermeira que o acompanha e tenta fazer os seus dias o mais confortável possível sem criticar com clichês e sem esmiuçar os motivos. Liz os conhece bem, mesmo que no fundo ela não queira aceitar o caminho escolhido por ele.

O filme, mesmo antes de ser lançado, gerou uma onda de críticas em relação à patologização da obesidade e do uso das chamadas fat suits (trajes de gordura) que os atores vestem para interpretar pessoas gordas e que muitas vezes já contribuiu para o estigma do grupo com representações em filmes de gosto duvidoso – como O Professor Aloprado (1996), com Eddie Murphy interpretando diversos personagens usando fat suits como uma característica depreciativa, ou em comédias românticas como O Amor É Cego (2001) com Gwyneth Paltrow, onde, bem, o titulo em português é autoexplicativo. Não foram raras as alegações de crueldade e de voyeurismo da obesidade. Aronofsky não é famoso pela sobriedade de suas representações. Ele procura sempre o limite, o que, às vezes, pode beirar uma caricatura de mau gosto. Tanto que A Baleia foi classificada como uma espécie de fat horror por uma ala da crítica. 

Sabendo isso de antemão, apelei para um artifício ao assistir A Baleia – reduzi a luminosidade da minha tela, diminuindo assim a importância e o impacto da apelação visual e concentrando apenas nas vozes, e, algumas vezes, nos olhares. E só pude chegar a uma única conclusão: Brendan Fraser é espetacular. Desconectando a caracterização, o que nos resta é uma alma partida de alguém que perdeu completamente o interesse de continuar vivendo. O que sentimos é um ser humano em rota de colisão irremediável e desesperançada. E nesse caminho pouco importa o figurino, a maquiagem ou o método escolhido para se alcançar o objetivo, quer seja ele por meio de drogas, comida, ausência de comida, sexo ou qualquer outra forma de se obter o resultado desejado – a não existência.

A dor de Charlie é profunda demais para ser remediada. O luto diário que mantém pelo seu amor perdido de forma violenta é insuperável, a ausência da filha e a culpa que o ronda de forma repetitiva o oprimem. Charlie tanto ruminou suas dores que se entregou a elas. O ponto de retorno já foi há muito abandonado. A depressão retirou a luz quase que completamente de sua rotina. E é exatamente nessa reta final de sua jornada que ele faz um último esforço desesperado para reatar o contato com sua filha Ellie (Sadie Sink), uma adolescente, que segundo as palavras da própria mãe (Samantha Morton, em aparição relâmpago) é simplesmente uma menina má. Charlie se nega a acreditar nisso. Mesmo em toda a escuridão em que vive, ele ainda nutre a esperança na luz de Ellie. Da mesma forma acolhe Thomas (Ty Simpkins), jovem que escolheu pregar a palavra de Deus como sendo a forma irrefutável da salvação humana.

A Baleia, em parte por ser uma dramaturgia adaptada do teatro, é encenada com poucos personagens, tendo como única locação a casa de Charlie e, na maioria das cenas, apenas sua sala de estar. A fotografia é escura em quase sua totalidade, em parte para cooperar com os esforços de tornar a caracterização física mais verídica, mas também como alegoria da profunda depressão do protagonista. A música segue o mesmo caminho, assim como a edição. Tudo nos conduz para a melancolia e para a desesperança. Aronofsky sendo Aronofsky, portanto.

A Baleia é uma tragédia humana real sendo arrastada para o macabro, uma câmara de vácuo e ausência de luminosidade, um palco trágico, uma jornada de redenção e purificação por meio do sofrimento e do sacrifício. Poderia não ser assim, como aponta Samuel ao falar de seu roteiro, mas foi. Brendan Fraser recebeu o merecidíssimo Oscar de melhor ator, preenchendo todos os requisitos que Hollywood busca: um protagonista que retorna das cinzas após ser massacrado e abandonado pela indústria cinematográfica; um roteiro tenso, teatral e dramático; e um personagem que requer modificações físicas complexas da parte do ator para ser interpretado.