A Pequena Sereia

Live action de clássica animação da Disney traz 52 minutos adicionais, novas canções e Halle Bailey impressionando como Ariel

Texto por Carolina Genez

Foto: Disney/Divulgação

Ariel é a filha caçula do Rei Tritão, governante dos sete mares. Por ser a mais nova, a pequena sereia vive sob regras extremamente restritas que em principal a proíbem de ir até a superfície e interagir com os humanos. Curiosa, magoada pelo pai e determinada a conhecer o mundo acima da água, ela é seduzida pelas promessas da bruxa Úrsula, que oferece pernas em troca da voz da garota.

A primeira adaptação do conto de Hans Christian Andersen produzida pela Disney em 1989 teve um grande peso dentro da empresa, sendo responsável por salvar o departamento de animações do Mickey Mouse, que estava passando por um período difícil depois de fracassos comerciais entre os anos 1970 e 1980. Com uma princesa muito carismática e músicas animadas, o longa abriu portas para outras produções como A Bela e a Fera e O Rei Leão e chegou inclusive a ser indicado a três estatuetas do Oscar, levando duas para casa. Por causa da relevância e da qualidade do seu antecessor, as expectativas em cima do live action anunciado para chegar aos cinemas em 2023 estavam altas.

Eis que estreia nesta semana a nova versão de A Pequena Sereia (EUA, 2023 – Disney), agora com atores. O roteiro de ambos os filmes são bem similares, contando inclusive com alguns mesmos diálogos. Porém, com 52 minutos adicionais, o live action consegue acrescentar momentos e músicas, alem de desenvolver melhor cada um dos personagens de uma maneira que melhora e complementa a história mas ainda mantém a essência que o desenho trouxe para a narrativa. Essas mudanças foram aprovadas não só pelos fãs da animação como também pela atriz Jodi Benson, que deu a voz à princesa Ariel no longa de 1989.

O filme de 2023 abre com uma citação do próprio Hans Christian Andersen (“Uma sereia não tem lágrimas, assim ela sofre muito mais”), que fica com o espectador do começo até o final, principalmente nas cenas mais dramáticas. As novas músicas também se destacam ao longo da história, sendo acrescentadas de maneira orgânica e trazendo muito para dentro da narrativa. A trilha sonora original foi escrita por Alan Menken. Já para o live action, o compositor recebeu a ajuda do talentosíssimo Lin Manuel-Miranda.

Outra das mudanças positivas foi o melhor desenvolvimento da personalidade de Eric. Aquele de 1989, comparado com os príncipes encantados das outras princesas da Disney, tinha bastante personalidade mas não o suficiente para os dias de hoje. Agora Eric não só ganha uma música para chamar de sua, como também somos apresentados aos seus sonhos e vontades, similares às de Ariel (louco para explorar o mundo embora sua mãe queira que ele fique na proteção de seu palácio). Esse acréscimo, apesar de simples, permite com que os espectadores também se conectem com o personagem e faz com que o amor entre os dois personagens seja mágico porém mais natural.

 O romance dentro do filme também foi bem desenvolvido com esses minutos adicionais. Na animação isso já fora bem executado – apesar da intensidade de amor à primeira vista, por ter cedido sua voz, Eric não reconhece Ariel e assim acaba se apaixonando “novamente” pela garota de maneira gradual ao longo da história. No live action o foco na relação é grande, com diversas cenas em que os personagens percebem o quanto têm em comum e aproveitam a companhia um do outro – o que torna a narrativa ainda mais envolvente, também pela química dos atores.

Por falar em romance, durante o longa em diversos momentos é colocada de maneira clara a independência de Ariel, algo muito questionado ao longo dos anos. A princesa sempre quis conhecer a superfície e Eric e sua paixão foi apenas mais um motivo a mais. Dentro do filme, além de “Part Of Your World”, que já expressa as vontades da garota, a nova canção “For The First Time” mostra com perfeição a personalidade da sereia curiosa, determinada, querendo conhecer o novo mundo mas ainda assim assustada com as novidades. E tudo isso na voz potente de Halle Bailey.

A atriz e cantora aqui entrega uma performance digna de longos aplausos, encarnando perfeitamente como Ariel e sendo o verdadeiro destaque dentro do filme. Bailey dá vida a uma protagonista muito corajosa e apaixonante, com muito da essência daquela de 1989, mas construindo a personagem à sua maneira. Desta maneira, impressiona e cativa desde o primeiro momento. E a voz potente da atriz engrandece todas as músicas do filme, desde aquelas que canta solo até as que acompanha em segundo plano. Halle também impressiona pela expressão corporal e performance nas cenas em que Ariel fica sem voz.

Assim como no primeiro filme, os coadjuvantes também não ficam para trás. Aqui a temida Úrsula é vivida pela carismática Melissa McCarthy, que traz uma performance exagerada (num bom sentido) e extremamente debochada. Sua atuação bem teatral fica perfeita para a personagem. Já os amigos de Ariel estão muito afiados, apesar de realistas demais. Linguado (Jacob Tremblay) é extremamente fiel a Ariel e traz divertidos momentos principalmente no começo do filme. Já Sebastião (o talentoso Daveed Diggs) é o braço-direito do rei Tritão e ajuda a princesa a sair de sua enrascada trazendo uma maravilhosa performance da música “Under The Sea”. Por fim, a dublagem de Sabichão acaba incomodando um pouco pela voz da atriz Awkwafina ser extremamente reconhecível. Ainda assim, traz engraçados momentos e recebe uma música só sua, “The Scuttlebutt”, com traços reconhecíveis das obras de Lin Manuel-Miranda.

A Pequena Sereia também ganha muito com os avanços tecnológicos e transporta os espectadores para um mundo mágico, tanto embaixo da água quanto na superfície. Sob o mar tudo é muito colorido e quase viciante de se olhar por causa de diversas criaturas e cenários maravilhosos. O CGI e a maneira natural como Ariel se movimenta também impressionam. Já em terra temos a chance de explorar mais do castelo e da cidade de Eric, ambos também recheados de cores e objetos interessantes. Isso faz entender ainda mais a curiosidade de Ariel.

Apaixonante, satisfatório e divertido, o novo filme consegue emplacar como uma das melhores adaptações feitas pela Disney nessa leva de live actions. Prende os espectadores do começo até o fim, melhorando a narrativa de 1989 e apresentando uma ótima performance de Halle Bailey.

Homem-Formiga e a Vespa: Quantumania

Longa-metragem que leva aos cinemas o novo vilão da franquia MCU peca por insistir na saturada fórmula dos filmes da Marvel

Texto por Andrizy Bento

Foto: Marvel/Disney/Divulgação

O filme que abre a Fase Cinco da Marvel Studios é também o 31º a integrar a franquia MCU e o terceiro blockbuster estrelado pelo herói. Homem-Formiga e a Vespa: Quantumania (Ant-Man and the wasp: Quantumania, EUA/Austrália/Canadá, 2023 – Marvel/Disney) já enfrentou críticas desde muito antes de seu lançamento, ainda no final de 2020, quando uma notícia caiu como uma bomba na comunidade nerd: a de que a atriz Emma Fuhrmann, que interpretou Cassie Lang, a filha de Scott Lang (Paul Rudd) em uma breve passagem de Vingadores: Ultimato seria substituída por Kathryn Newton, pegando a todos, inclusive a própria Emma, de surpresa. A substituição repentina e sem prévio aviso atiçou a fúria no Twitter. Com o filme chegando aos cinemas na primeira metade de fevereiro, nem dá para dizer que as críticas prematuras foram infundadas. A garota comum mas que conseguiu emocionar o público com segundos de tela em Ultimato se converteu em uma rebelde estilosa GenZ que segue os passos do pai em passagens pela polícia, apresentando toda uma nova personalidade. E é defendida por Newton com uma apatia de causar incômodo. Digamos que, se uma certa franquia de filmes baseada em uma série literária que narra o romance entre um vampiro e uma humana fosse produzida nos dias de hoje, Kathryn seria escalada para viver a mocinha, tamanha a inexpressividade da atriz.

No filme da Marvel, que explora especialmente o conceito de família e a relação entre pai e filha em um universo repleto de superpoderes e seres e acontecimentos extraordinários, Cassie Lang é a chave que impulsiona a narrativa, uma vez que a garota prodígio desenvolve uma tecnologia capaz de se comunicar com o Reino Quântico, onde Janet van Dyne, a Vespa original (Michelle Pfeiffer), ficou aprisionada por vários anos e de onde Scott Lang foi libertado acidentalmente por um rato em Ultimato.

Ao mostrar sua invenção para o pai, para a madrasta Hope “Vespa” van Dyne (Evangeline Lilly) e para os sogros de Scott, a quem ela agora chama carinhosamente de “avós”, Dr. Hank Pymm, o Formiga original (Michael Douglas) e Janet, Cassie encara a relutância desta última. Embora a misteriosa personagem tenha mantido em segredo o que viveu durante os anos em que esteve presa no Reino Quântico, escondendo a experiência até mesmo de seu marido e filha, ela está prestes a revelar algo que parece ter sido um episódio traumático quando todos são sugados repentinamente para dentro do próprio Reino Quântico. E é neste universo que se desenrola todo o filme. Enquanto Vespas e Formigas tentam escapar do Reino, se deparando com toda a sorte de perigos e criaturas bizarras, temos acesso, por meio de flashbacks, ao background da personagem Janet e descobrimos a razão pela qual ela não queria retornar àquele universo de jeito nenhum.

O longa ainda introduz nos cinemas os vilões Kang, o Conquistador (Jonathan Majors), e Modok (Corey Stoll). Kang já havia dado as caras na série original Loki, da plataforma Disney+, que também integra o MCU. Já no caso do grotesco Modok, trata-se de sua primeira aparição live action. A trama recicla um personagem de Homem-Formiga de 2015, o ex-pupilo de Hank, Darren Cross que se tornou vilão já naquele filme e agora mostra seu terrível destino como um ser aprimorado ciberneticamente e que possui uma enorme cabeça. Assim como em Pantera Negra: Wakanda Para Sempre, que apresenta ao público Talokan, o reino submarino onde vive Namor, Quantumania insere na já vasta mitologia do MCU novos cenários e novas nações, o que expande as possibilidades para o futuro da franquia além de respeitar o legado da mídia original do herói, os quadrinhos.

O grande porém é que o filme dirigido por Peyton Reed (o mesmo dos dois longas anteriores do Formiga) insiste na fórmula saturada da Marvel Studios e se apresenta como uma produção perfeita para a geração TikTok, imediatista, com ânsia de ação ininterrupta e clímax instantâneo e constante. Uma sucessão de rápidos eventos potencialmente grandiosos toma a tela, mas roteiro e direção não se preocupam e nem se esforçam muito em desenvolver uma história, o que torna o conjunto da obra quase esquecível. Lá pelo final do filme, nem lembramos que Bill Murray fez uma participação no longa. E quem se lembra da presença do veterano ator de Os Caça-Fantasmas, Feitiço do Tempo, Encontros e Desencontros e outras obras celebradas, pergunta-se apenas o que ele estava fazendo ali, pois seu personagem, Krylar, surge e sai de cena completamente deslocado. Também, pudera: nos quadrinhos, Krylar é pouco conhecido e nem mesmo pertence às histórias do Homem-Formiga.

O resultado é um longa com cara de episódio regular de uma série genérica da Marvel/Disney. A grande batalha final, por exemplo, é entediante, por mais que os investimentos em CGI tenham a pretensão de torná-la apoteótica. A narrativa não se serve dos efeitos especiais – muito pelo contrário, parece ter sido concebida apenas com o objetivo de empregá-los. Quanto à ação, não há senso de urgência, há piadinhas em excesso na vã tentativa de transformar este novo exemplar do Formiga em um filme divertido e familiar, com alto teor de fantasia e sci-fi, só que o longa não tem identidade. Não há nada que o destaque entre seus pares. Para completar, Modok é sempre desnecessário. O ponto positivo é o fato de a Marvel Studios estar, cada vez mais, explorando o conceito de multiverso, que é a tônica das fases quatro, cinco e seis do MCU, compondo, desse modo, a Saga do Multiverso.

Uma curiosidade é que em Quantumania podemos enxergar paralelos entre o MCU e Star Wars. Os seres bizarros apresentados neste filme remetem às criaturinhas esquisitas que vimos especialmente em O Retorno de Jedi. Toda a construção visual do Reino Quântico, de fato, lembra muito o pai dos blockbusters. O próprio Peyton Reed afirmou em entrevistas ser um grande fã do trabalho de George Lucas – portanto, as referências visuais não são à toa. Contudo, outra similaridade entre as obras não é assim tão empolgante: assim como Star Wars, o MCU vem sofrendo um desgaste contínuo e pecando pelo excesso.

O Homem do Norte

Diretor Robert Eggers aposta em sanguinária história viking sobre a sede de vingança como a grande força do protagonista

Texto por Carolina Genez

Foto: Universal Pictures/Divulgação

Tudo começa no século 9, acompanhando a volta do Rei Aurvandil (Ethan Hawke) para sua família, formada pela Rainha Gudrún (Nicole Kidman) e seu filho, o jovem príncipe Amleth (Oscar Novak/Alexander Skarsgård). Porém, logo após sua volta, o rei é brutalmente assassinado pelo irmão Fjölnir (Claes Bang), bem na frente de seu filho. Depois de assistir a sua mãe e seu povo serem tomados pelo assassino, Amleth resolve fugir. Ele se refugia no mar, prometendo um dia se vingar.

O Homem do Norte (The Northman, EUA, 2022 – Universal Pictures) foca na mitologia nórdica, seus rituais e profecias. Por isso, traz uma verdadeira imersão nas tradições e costumes da Era Viking. Dessa forma, os aspectos sobrenaturais ocupam suma importância no longa, principalmente a profecia em torno do príncipe Amleth. Tal profecia, aliás, é uma das coisas que mais movem o príncipe, garantindo assim para o filme uma verdadeira “jornada do herói”.

Os aspectos místicos da narrativa são colocados de modo natural e harmônico com o resto da trama. Essa inserção pode ser vista em diversos momentos como nos diálogos em que são abordados Odin e as Valquírias, na maneira como o diretor trabalha a relação da mitologia com os animais e no conforto que os personagens têm de que a Valhalla os aguarda. A imersão do espectador na época dos vikings também é proporcionada pela irretocável ambientação realizada por meio de figurinos, cenários e armas, todos recriados com muitos detalhes.

O roteiro foi escrito pelo próprio diretor Robert Eggers, badalado por seus trabalhos em A Bruxa (2015) e O Farol (2019), em parceria com o dramaturgo islandês Sigurjón Birgir Sigurðsson. A inspiração veio de um conto, que também teria servido de base para William Shakespeare na hora de escrever Hamlet, uma de sua mais famosas obras, que se passa na Dinamarca. Talvez isso tenha ligação com a decisão de manter no longa tem um certo aspecto teatral, principalmente em seus diálogos.

A história da vingança pessoal do príncipe também remete a diversas outras histórias cinematográficas como Coração Valente (1995). Além da trama parecida, a similaridade entre este e o filme “escocês” de Mel Gibson também está presente na brutalidade. Em O Homem do Norte, a violência é bem explícita e sangrenta, sempre com combates muito bem elaborados e coreografados. A forma como o diretor trabalha com a sede de vingança é muito interessante, já que o sentimento é exposto de maneira cíclica – cada feito de Amleth gera consequências, de certa forma trazendo à tela a frase “violência gera violência”.

A fotografia em um file de Eggers volta a impressionar. Aqui são os tons escuros e cinzentos que acabam sobressaltando as horas sangrentas da tela, além de gerar um quê de melancolia. O sound design também se destaca, dando espaço para os sons da natureza e da respiração dos atores, o que aumenta ainda mais a tensão e o suspense.

Ao longo da sua história, o príncipe cruza caminhos com Olga, vivida pela maravilhosa Anya Taylor-Joy. Ela serve como um respiro para a violência, tanto para o protagonista, quanto para os espectadores. A personagem dela forma uma aliança com Amleth e garante mais motivações para o herói. Em relação às interpretações, todos os atores trazem grandes performances e sotaques, mas o destaque é mesmo o protagonista. Vivido em sua fase adulta por Alexander Skarsgård de forma convincente e poderosa, Amleth encarna em diversos momentos uma verdadeira besta. O sueco traz um personagem bruto mas extremamente ferido por seu passado e que encontra como força a vingança contra seu tio.

Apesar de seus fatores positivos, O Homem do Norte ultrapassa as duas horas de duração e acaba se perdendo lá pela metade, se prolongando-se em momentos que não eram assim tão necessários. Ainda assim, a produção garante um épico viking que cumpre as expectativas com uma trama superimersiva e uma história interessante,  que, mesmo já vista em outras obras, consegue se reinventar e impressionar com impecáveis cenas de luta e grandes atuações.

A Voz Suprema do Blues

Chadwick Boseman e Viola Davis são os destaques de história centrada em estrela do blues americano das primeiras décadas do século 20

Texto por Leonardo Andreiko

Foto: Netflix/Divulgação

Indicado a cinco Oscar e vencedor de diversos prêmios, a maioria por suas atuações, A Voz Suprema do Blues (Ma Rainey’s Black Bottom, EUA, 2020 – Netflix) retrata um ícone do blues sob uma ótica tortuosa e enfoque absoluto no elenco. Inspirado na peça de August Wilson, o roteiro de Ruben Santiago-Hudson gira em torno de Ma Rainey, estrela do blues americano dos anos 1920 e 1930 interpretada por Viola Davis. Ela é o centro gravitacional de uma tensão crescente, que faz do estúdio de gravação onde se passa maior parte do filme uma panela de pressão. Ma é uma presença autoritária, envolta por seu sobrinho Sylvester e a amante Dussie Mae e em constante choque com os executivos do estúdio e membros da banda. Entre eles, Levee (Chadwick Boseman, em atuação que deve lhe render a estatueta póstuma dos Academy Awards), um trompetista soberbo e desrespeitoso – e que, além de tudo, constantemente dá em cima de Dussie. 

A direção assinada por George C. Wolfe empresta muito do estilo teatral que inspira o roteiro. As cenas seguem uma progressão verborrágica com grandes monólogos, atos muito bem definidos e desenvolvimento em pouquíssimas locações – características que indicam constantemente que, antes de um filme, o que vemos é uma adaptação do teatro. Essa sensação permeia toda a narrativa mas não se torna um incômodo de grandes proporções.

Manter a base teatral do roteiro cria um ritmo dinâmico de exposição e presenteia o filme com seus momentos mais genuínos. A banda, brilhantemente interpretada por Colman Domingo, Glynn Turman e Michael Potts (além de Boseman), estrela as cenas mais espirituosas e divertidas do longa, que balanceiam perfeitamente a sombriedade dos arcos de Ma e Levee. Ambos têm a chance de explicar, por assim dizer, seus temperamentos egocêntricos e mesquinhos, por meio de pesados solilóquios típicos dos palcos.

Contudo, a similaridade dos personagens se dá mais no campo dos defeitos que das qualidades. Seus conflitos não imprimem fragilidades ou benesses tanto quanto deveriam, o que os torna, no fim, personagens maus. Santiago-Hudson e Wolfe não redimem seus protagonistas de suas más ações e, muito pelo contrário, acabam por sacramentar sua indigestão. 

Este é, portanto, um filme (ou peça gravada, por falta de uma adaptação inventiva que aproveite o máximo da linguagem fílmica) que apresenta seus personagens como humanos defeituosos, mas soa interessado mais no adjetivo que na humanidade. Dotado de um blues interessante, embora não o suficiente para carregá-lo, o longa é, sim, uma panela de pressão. O problema é que o prato a ser preparado demora para ficar pronto e, quando se revela, é muito aquém das expectativas geradas. Pior que um filme sempre morno é um que ora borbulha mas acaba frio.

>> A Voz Suprema do Blues concorre no dia 25 de abril ao Oscar 2021 em cinco categorias: ator, atriz, direção de arte, figurino e cabelo & maquiagem

A Viúva das Sombras

Filme russo surfa na surrada onda do found footage, insiste em repetir cenas de A Bruxa de Blair e se perde dentro da própria história

Texto por Ana Clara Braga

Foto: Paris Filmes/Divulgação

Quantas vezes um filme pode ser refeito até perder sua capacidade de atingir o público? A Viúva das Sombras (Vdova, Rússia, 2020 – Paris Filmes) embarca na, já saturada, onda de A Bruxa de Blair (1999) e tenta emplacar mais um terror found footage. O longa russo, porém, enrola-se na própria história e não convence dentro do gênero, soando como resultado de uma receita vencida e um roteiro nada inovador. 

Existe uma lenda a respeito da floresta localizada ao norte de São Petersburgo, que diz que quem visitá-la corre o risco de desaparecer por conta de uma assombração. Esse é o pontapé inicial de Viúva das Sombras. Um grupo de socorristas adentra a mata à procura de um adolescente perdido e logo perde sinal com o mundo exterior. Equipados com câmeras, eles exploram a floresta enquanto coisas estranhas começam a acontecer. 

Assim como em REC, de 2007, o time está acompanhado de uma jornalista que não tem medo de enfiar a câmera em todos os lugares possíveis para conseguir boas imagens. Os socorristas também têm câmeras presas a seus capacetes, permitindo que o público enxergue através de seus olhos. O grupo é mal trabalhado, a dinâmica, que poderia ser um bom recurso para um filme found footage, é quase inexistente. O cachorro que acompanha o time, tem mais relevância na história que alguns membros dos humanos.

E A Viúva das Sombras não só bebe da mesma fonte de A Bruxa de Blair como repete vários de seus passos. As similaridades não são bem sucedidas, no entanto. Há uma cabana encontrada no meio da floresta com um membro da equipe de costas no canto da sala. Sim, a cena é a mesma nas duas obras, mas ela só é impactante na de 1999. 

Lendas urbanas sempre são material riquíssimo para as telonas, o que amedronta e cativa a curiosidade de gerações pode ser um start para um ótimo filme. O importante é saber editar ideias e que o imaginário é mais assustador na própria cabeça. Este filme sabe construir bem a tensão, muito devido à trilha sonora e ao fato de tudo acontecer durante a noite. Só que a história se perde ao tentar finalizar e explicar os acontecimentos. O mistério é mais interessante e proveitoso em um enredo de horror do que com flashbacks e pausas para contação de história.

A Viúva das Sombras tenta, infelizmente, surfar numa onda que já passou. A premissa é interessante, mas talvez seja um tipo de história mais assustadora sendo ouvida em rodas de conversa do que vista repetidamente nas telas. Afinal, o horror é um gênero cinematográfico que necessita de constante oxigenação. Se ao tentar utilizar uma fórmula de duas décadas antes o diretor não experimentar ao menos novas narrativas, o filme tem seu destino selado.