Movies

Você Não Estava Aqui

Diretor Ken Loach escancara a uberização da sociedade e as falsas ideias trazidas aos trabalhadores pela ilusão da ideia de meritocracia

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Texto por Ana Clara Braga

Foto: Vitrine Filmes/Divulgação

Em 2020 é difícil encontrar alguém que não use os serviços de Uber, iFood, Amazon e outros apps de entrega baixados no celulares. A comodidade de conseguir o que deseja diante de alguns cliques tem um preço invisível aos olhos do consumidor. Você Não Estava Aqui (Sorry We Missed You, Reino Unido/Bélgica/França, 2019 – Vitrine Filmes), mais recente trabalho do diretor britânico Ken Loach, aborda a chamada uberização da sociedade e como esse movimento pode afetar pessoas que buscam sair de dívidas e melhorar de vida.

Ricky (Kris Hitchen) é um pai de família que embarca no desafio de tornar-se trabalhador informal, com a ilusão de que terá mais liberdade e facilidade em ascender. Sua esposa Abby (Debbie Honeywood) espreme seus horários como cuidadora de idosos e enfermos em uma agência que pouco se preocupa com os clientes. Enquanto isso, os filhos do casal, um adolescente problemático e uma garotinha sentimental, sentem na pele a ausência e a crise da família.

Já na cena inicial o filme mostra a que veio. O novo chefe de Ricky explica o modelo de trabalho (entregas) e romantiza a profissão dizendo que ele não estará trabalhando para a empresa e sim com a empresa e não terá contrato. O que está nas entrelinhas é que o protagonista está iniciando um emprego sem direitos trabalhistas. Para poder começar as entregas, vende o carro da família para adquirir uma van e passa a trabalhar longas horas.

O roteiro é simples e cru. Tem uma aura de documentário, como se houvesse câmeras escondidas acompanhando as dificuldades de uma família real. É fácil esquecer que se está assistindo a um produto fictício, até porque não é necessário usar a imaginação para saber que o que se passa na tela é real.

Ken Loach, em entrevista promocional desta obra, disse que uma das maneiras de frear a extrema direita é acabando com as inseguranças trabalhistas. Os subempregos relatados no filme são fontes de frustração e infelicidade para os personagens e tantos outros trabalhadores que se iludem com falsas promessas de independência.

Você Não Estava Aqui (o título em português é uma ligeira adaptação da mesma frase em inglês utilizada em um bilhete oficial quando o destinatário não é encontrado no momento da entrega da encomenda) é um soco no estômago para todos que utilizam aplicativos e serviços para facilitar a vida. O diretor é certeiro ao optar pela simplicidade do cotidiano. Isso já o suficiente para atingir o público. Nada neste longa é por acaso. Todos os elementos apresentados, mesmo que sutilmente, tem lugar na trama, sejam eles chaves, porta-retratos ou garrafas plásticas.

Se em Tempos Modernos Charlie Chaplin criticou a mecanização do trabalho proposta pelo fordismo, Loach, em Sorry We Missed You, denuncia o tratamento desumano ao qual o proletariado se submete quando enganado pela ideia de meritocracia. A uberização da sociedade é cruel. Como nas palavras do próprio diretor, “não é mais necessário que um patrão use o chicote, porque o trabalhador explora a si mesmo”.

Movies

Sergio

Apesar da sua extrema importância na história da ONU, diplomata brasileiro ganha filme de ficção água com açúcar voltado ao romance

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Texto por Leonardo Andreiko

Foto: Netflix/Divulgação

Parte de um projeto pessoal de Wagner Moura, que busca ressaltar personagens empáticos da história latino-americana, Sergio (EUA, 2020 – Netflix) é derivado de um documentário homônimo (este de 2009), e discorre a respeito da vida e morte de Sergio Vieira de Mello, diplomata brasileiro e figura importante na história da política internacional da ONU. Ambos são dirigidos por Greg Barker, o que demonstra a afinidade do diretor com o material-fonte – são, no mínimo, onze anos de contato com a vida do diplomata. Contudo, por não ter assistido o documentário de 2009, limito-me a analisar o filme lançado neste ano pelo serviço de streaming. Quaisquer comentários daqui em diante se referem à ficção.

O longa-metragem, roteirizado por Craig Borten e baseado na biografia de Samantha Power sobre o diplomata, intercala o atentado que o vitimou em Bagdad, em 2003, e momentos-chave da carreira e vida amorosa do protagonista. Interpretado por Wagner Moura, Sergio de Mello é o centro deste filme em seus dois modos: ao mesmo tempo que tenta ser biográfico, Barker explora o sentimento de Vieira de Mello, tornando a fundação do filme suas motivações, sensações e conflitos.

No entanto, essa fundação não emplaca tanto quanto deveria, pois há uma aparente confusão estilística na decupagem. No início, parece que o diretor opta por uma abordagem próxima do documental, criando uma atmosfera hiperrealista, com câmeras na mão e uma fotografia aterrada e lavada. No entanto, ao longo da trama, a fotografia e a mise-en-scène tornam-se mais polidas, abraçando a superdefinição e o abuso (saudável) da estética de golden hour – como é conhecido o momento do final da tarde em que a luz solar emana uma cor quente, amarelada. Rende ótimos retratos, por sinal.

Mas essa não é a única inconsistência de Sergio. A principal delas é uma confusão de montagem, que não pode ser claramente adereçada sem a exposição de muitos pontos da trama (não cruciais): são múltiplas as vezes em que a trama alterna entre o momento pós-atentado e as muitas recolecções de momentos fundamentais da carreira do diplomata. No papel, não há evidentes problemas, tanto que esta parece uma decisão proveniente do próprio roteiro. Porém a recorrência da alternação torna as porções do “presente” repetitivas, bem como as do passado do protagonista bastante arbitrárias.

Por fim, para quem se interessa pela carreira de Sergio Vieira de Mello, a insistência no romance deste com Carolina, interpretada por Ana de Armas, incomoda. A trama decide focar nas idas e vindas e na incerteza do relacionamento amoroso ao invés de nos mostrar (e não contar) o que faz o diplomata ser tão importante para a história das Nações Unidas. Ainda, a situação torna-se mais incômoda pela falta de química entre de Armas e Wagner Moura, que têm boas atuações individuais, mas não colam um romance convincente. É uma pena que este, um filme com potencial disruptivo e até subversivo, que poderia mostrar-nos grandes momentos de líderes políticos, debates com criminosos de guerra e demais desafios da vida de Sergio, reduza-se a um romance água com açúcar.

O conjunto da obra sofre por suas inconsistências. Enquanto é possível ver o potencial que a história teria com um roteiro diferente, é frustrante ver que este insiste em afastar-se daquilo que o tornaria único. Sendo assim, Sergio se contenta em ser um filme que, em vez de trazer incríveis diálogos a seus poderosos personagens, resulta em montagem atrás de montagem de seu protagonista nadando a esmo – quando não refletindo em diversas posições diferentes nos mais variados lugares.

Music

Strokes

The New Abnormal apresenta tons de nostalgia e melancolia mas ainda não é capaz de fazer a banda reviver toda a maestria dos dois primeiros álbuns

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Texto por Ana Clara Braga

Foto: Divulgação

Fãs de rock tem a péssima mania de rotular novas bandas como “salvadora” do gênero. Algo um tanto quanto preconceituoso, musicalmente falando, e ingênuo. Esse pensamento de que um estado puro do rock precisa ser resgatado tem o poder de conturbar e até afundar muitas carreiras. O Strokes, quando surgiu, sofreu com a pressão do título de messias. O que poderia ser uma benção de fãs e críticos provou ser uma maldição quando a banda não conseguiu entregar trabalhos tão interessantes quanto os dois primeiros álbuns.

Quase vinte anos após a estreia, o grupo nova-iorquino lançou seu sexto álbum de estúdio, The New Abnormal (Cult/RCA Records). Foram sete anos de um hiato precedido pelo desastroso Comedown Machine. E a banda liderada por Julian Casablancas tinha muito a provar para seus sempre esperançosos fãs e para uma exigente mídia especializada.

De cara já é possível constatar que o novo trabalho é muito melhor que o antecessor. Os vocais de Casablancas – também o dono do selo pelo qual o quinteto faz seus discos agora – também melhoraram. Os falsetes estão mais certeiros, o que melhora muito a experiências das canções. A primeira faixa, “The Adults Are Talking”, tem o som centrado no baixo, uma abordagem diferente dos principais hits da banda.

No geral, o trabalho aborda sentimentos de nostalgia e melancolia. É fato que são temáticas já conhecidas de trabalhos anteriores, mas em The New Abnormal elas tomam outra proporção. Para uma banda que sempre foi apontada como a ressurreição do Velvet Underground e o “novo antigo”, a conformidade de que o passado nunca retorna em “Brooklyn Bridge To Chorus” soa catártica. “And the ’80s bands? Oh, where did they go?”, Julian canta. Se o passado nunca volta, porque voltaria na música?

Os sintetizadores sempre foram amigos do som do grupo e aqui não é diferente. Muitas faixas como “At The Door” e “Ode To The Mets” carregam a mistura do som tradicional das guitarristas com a modernidade do eletrônico. Em uma homenagem aos ídolos, o Strokes inspirou-se em várias canções já famosas para produzir The New Abnormal. Por exemplo: “Bad Decisions” é uma reescrita (de menor qualidade) de “Dancing With Myself”, hit de Billy Idol.

O álbum começa promissor, mas se perde em canções que poderiam ter sido revisadas mais algumas vezes antes da versão final. Não soa pronto e essa não parece ter sido a intenção.  Se repensado mais vezes, tinha chances de ser grande, com canções mais polidas e quem sabe uma faixa a menos (“Selfless” é uma balada completamente desnecessária!).

The New Abnormal faz um bom trabalho em redimir um desastroso passado recente. Infelizmente, o grupo não conseguiu atingir toda a qualidade da qual é capaz e o mediano não é bom o bastante para quem já provou ser grande logo no início. O Strokes permanece um eterno refém do hype do início dos anos 2000. Enquanto outras bandas contemporâneas conseguiram sair da caixinha e encontrar novos caminhos, a carreira dos nova-iorquinos parece ainda estar presa e assombrada pelos primeiros elogios que receberam.

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Movies

Dolittle

Nova adaptação do clássico personagem que fala com animais desperdiça ótimo elenco e oferece uma história bastante vergonhosa

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Texto por Ana Clara Braga

Foto: Universal Pictures/Divulgação

Cringe worthy é um expressão da língua inglesa usada para definir algo extremamente vergonhoso. É um bom jeito de definir a nova adaptação cinematográfica do personagem Doutor Dolittle, do escritor britânico Hugh Lofting. Dolittle (EUA/China/Reino Unido, 2020 – Universal Pictures) é uma confusa, desgastante e por vezes irritante aventura situada na época vitoriana e que não pode ser salva nem pelo elenco recheado de estrelas.

Em seu primeiro trabalho pós vingadores, Robert Downey Jr assume o papel do médico famoso por conseguir conversar com animais. Adotando um sotaque duvidável e irregular, o ator não consegue segurar o filme com seu carisma. Na primeira vez que aparece na tela, o doutor está com barbas longas e roupas sujas. Não sai de sua propriedade em anos desde que a esposa faleceu e o único contato que tem é com seus animais. Tudo muda quando duas crianças o procuram por ajuda e ele precisa sair em uma aventura para salvar a vida da rainha da Inglaterra.

A premissa é esquisita e o enredo, também. A história é narrada pelo papagaio fêmea Polly (dublada por Emma Thompson), o que faz com que detalhes importantes da história sejam perdidos ou minimizados. A inconstância da narração também incomoda. É como se ela aparecesse nos momentos em que não tivesse gravação o suficiente para suprir o tempo de tela.

Os outros animais falantes servem de alívio cômico. Ou pelo menos tentam. Chee-Chee (Rami Malek) é um gorila medroso, Dab-Dab (Octavia Spencer) uma pata atrapalhada, Yoshi (John Cena) é um urso polar friorento. As crianças pequenas podem até rir das interações e peripécias da trupe, mas muitas vezes é apenas cringe worthy. Fica pior quando um dragão é inserido e uma sequência de piadas de pum começa. O diretor e corroteirista Stephen Gaghan parece testar a inteligência do espectador a todo momento, chegando ao ápice do ridículo quando a retirada de uma gaita de fole libera mais gases.

Um filme sobre animais falantes poderia ser extremamente rico e proveitoso considerando o contexto climático e ambiental atual. A escolha de transportar a história para dois séculos atrás é uma oportunidade perdida além de um caminho ingênuo demais. Se animais pudessem falar, eles realmente estariam jogando xadrez com humanos na maior paz do universo? Com certeza não. Talvez se essa versão de Dolittle tivesse sido feita 25 anos atrás isso fizesse mais sentido. Ênfase no talvez.

Antonio Banderas também tem parte no filme, como o sogro do Doutor Dolittle e governante de uma ilha de ladrões e criminosos. Em uma sequência de cenas sem sentido para justificar uma parada antes do verdadeiro destino, o ator espanhol emprestou seu talento para um papel que poderia não existir. Tudo fica pior quando entra em cena um tigre com mommy issues (acredite se quiser!) que é atingido nas partes íntimas em uma tentativa de comédia corporal.

Dolittle desperdiça atores e possíveis enredos em uma história cansativa e embaraçosa. Não é possível saber o que fez com que as estrelas envolvidas no filme concordassem em participar, mas é certo que o arrependimento deve ter sido amargo.

Movies

O Grito

Novo remake americano de conhecida franquia nipônica de horror fica na superficialidade e nada traz de inovador ou assustador

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Texto por Maria Cecilia Zarpelon

Foto: Sony Pictures/Divulgação

O mais novo remake da franquia nipônica Ju-On (2002), O Grito (The Grudge, EUA/Canadá, 2020 – Sony Pictures), não só falha na tentativa de inovar a velha história da casa mal-assombrada e do fantasma vingativo, como apenas evidencia que a ultrapassada maldição do grito está fadada ao fracasso. O enredo da nova produção, dirigida por Nicolas Pesce, já é a segunda versão americana da obra original de Takashi Shimizu. Como os iniciados na franquia bem sabem, o grito é uma maldição que surge quando alguém é assassinado em um momento de ódio extremo. A entidade passa a atormentar a vida de qualquer um que colocar os pés no local do crime. Ao que tudo indica, isso nunca tem fim, assim como os filmes que habita. Baseado no script de Shimizu, o roteiro do novo longa ainda é sobre uma casa japonesa amaldiçoada – o que muda são as vítimas e o lugar. Desta vez, a trama é levada para uma pequena cidade da Pensilvânia, nos Estados Unidos.

Este filme acompanha a vida da policial Muldoon (Andrea Riseborough), viúva e mãe solteira, que está determinada a solucionar o caso de um cadáver encontrado na floresta. A investigação é a linha norteadora da película. Assim como o remake de 2004, o novo filme dispõe de histórias cruzadas por meio de múltiplas linhas de tempo para apresentar os destinos de vários personagens, entre eles, um casal de corretores de imóveis (John Cho e Betty Gilpin) que enfrentam uma difícil escolha na gravidez, um casal de idosos (Lin Shaye e Frankie Faison) que procuram a ajuda de uma assistente de suicídio assistido (Jacki Weaver), o detetive Goodman (Demian Bichir) e seu antigo parceiro Wilson (William Sadler).

Apostando nos clichês de todo filme de terror, Pesce parece não conseguir fazer o longa se destacar em quase nenhum quesito. Além dos excessivos e costumeiros jumpscares, que acabam sendo fracos e previsíveis, a película se baseia no pretexto mais básico e óbvio de qualquer franquia de horror (como os famosos “você nunca irá escapar” e “a maldição nunca te deixará em paz”). É decepcionante o fato não ser construída uma atmosfera de tensão, ficando tudo preso na segurança de entidades que aparecem desfocadas atrás das pessoas e que desaparecem e reaparecem à medida que um personagem apaga e acende as luzes. Estes clichês se tornaram clichês por um simples motivo: eles funcionam. Entretanto, no caso da franquia de O Grito, eles já foram exaustivamente usados. Talvez fosse a hora de tentar algo novo.

Mesmo que por vezes se apoie no óbvio, este novo longa tem suas passagens favoráveis. Para aqueles que são familiarizados com a franquia de remakes do J-Horror, nesta nova versão ainda existem os famigerados sustos no chuveiro, na pia e na banheira, trazendo um sentimento de nostalgia ao espectador, ao recordar cenas do auge do filme original. As histórias são todas permeadas pela dor e pela perda, numa válida tentativa do diretor de fazer com que a audiência se sinta próxima e acredite em uma realidade muito plausível, mostrando como as pessoas são frágeis e vulneráveis, e que a maldição não perdoa ninguém. Mesmo que o desenvolvimento dos personagens deixe a desejar e acabe sendo um tanto superficial, Pesce investe no sofrimento de cada um. Não apenas o causado pela maldição, mas também aquele que qualquer pessoa poderia ter – o que muitas vezes não é abordado em outras produções do gênero.

Para além da falta de criatividade e originalidade de sustos, o filme não se diferencia daqueles que vieram antes, muito menos justifica sua própria criação. Para os amantes do terror, infelizmente essa é só mais uma maçante e saturada história sobre a já esgotada casa mal-assombrada e que desperdiça um elenco talentoso e não traz nada de novo ou assustador para a realidade atual. O Grito, mesmo que tenha seus momentos arrepiantes, prova ser apenas mais um remake de uma história batida, que continua amaldiçoado por um conceito fatalmente clichê.