Lollapalooza Brasil 2023 – ao vivo

Billie Eilish, Modest Mouse, Jane’s Addiction, Paralamas, Aurora, Baco Exu do Blues, Tove Lo e Cigarettes After Sex: shows que marcaram o festival

Billie EIlish

Texto por Abonico Smith

Fotos: Reprodução

Entre os dias 24 e 26 de março foi realizada a décima edição brasileira do festival Lollapalooza, a última em parceria da produtora T4F com a americana LLC, detentora da marca do evento. Depois de cinco recentes cancelamentos de concertos programados para este ano, todo mundo foi surpreendido com a não vinda ao Brasil do headliner da última noite, o canadense Drake, horas antes dos portões do Autódromo de Interlagos serem abertos. A desculpa oficial do artista, esfarrapada, não colou: a de que estariam faltando pessoas de sua equipe no país. Entretanto, ele foi visto na madrugada anterior festando em Miami em conjunto com o rapper 50 Cent. E mais: estas pessoas de sua equipe já estavam em SP instalando no autódromo os telões e o material de seu espetáculo. Mas como é sempre melhor falar de coisas boas, deve também ser registrado um marco desta edição: pela primeira vez o line-up estava dividido quase igualitariamente entre artistas dos dois gêneros.

O Mondo Bacana comenta um pouco dos oito shows que deixarão esta edição do Lolla na história dos grandes festivais de música pop do Brasil.

Billie Eilish

Única headliner originalmente anunciada a se apresentar em Interlagos (além de Drake, o Blink 182 também não veio para cá), ela já era aguardada havia algum tempo por aqui. Afinal, este seria seu primeiro concerto no país, já que o anterior fora cancelado por causa da pandemia. Em cima daquele palco enorme, tendo a companhia apenas de seu inseparável irmão e produtor Phinneas e um baterista, ela – com o verde e amarelo predominando no figurino grande e largo sobre a malha preta que lhe escondia o corpo – entregou o que prometia: uma boa coleção de letras intimistas a respeito de observações, sensações e sentimentos de uma garota vivendo os anos finais de sua adolescência. Intimista também foi sua performance: sem muitos pulos, correrias ou coreografias ensaiadas, era quase apenas ela cantando ao microfone. Quer dizer, cantando às vezes. Billie só cantava o necessário e muitas vezes sua voz ecoava pelo autódromo junto com os instrumentos também pré-gravados. O que deixava o show redondo, sem espaço para improvisos ou erros. Só que teve momentos em que os manos abriam mão do playback e se arriscavam em momentos semiacústicos para mostrarem que não são uma fraude ao vivo: foram cerca de meia dúzia de canções com Phinneas dedilhando o violão ou o piano para a irmãzinha soltar o gogó de alcance não muito grande.

Modest Mouse

Quem foi a genial pessoa responsável pela grade de shows que conseguiu jogar o grupo para uma tarde de sexta-feira? Modest Mouse – um dos ícones do indie rock americano dos anos 2000 – não é para a GenZ, é para gente mais velha. Melhor: para quase todo mundo que não tem a) grana disponível de salário ou frilas para pagar o caro ingresso do festival; b) saco ou corpo para aguentar ficar um dia sequer em uma maratona de shows; c) horário disponível para ir assistir a uma banda tocar às quatro da tarde de sexta-feira. Sob um sol escaldante, o vocalista Isaac Brock estava vermelho feito um camarão, à frente de seu quinteto que foge da musicalidade óbvia e mistura lo-fi, folk e psicodelismo em doses nada comerciais. O resultado foi uma banda competentíssima tocando para quase ninguém, sendo a maior parte disso gente que desconhecia por completo o repertório loteado entre sua boa discografia. Hits como “Float On” e  “Dashboard” ficaram desperdiçados  naquela escala gigantesca ao ar livre. De qualquer maneira, quem viu in loco ou pelo streaming foi abençoado pela tardia estreia do Modest Mouse em solo brasileiro. Antes tarde do que muito mais tarde. Antes de tarde durante a semana do que nunca.

Jane’s Addiction

Perry Farrell idealizou o Lollapalooza em 1991 como um festival ambulante, que pudesse rodar algumas grandes cidades norte-americanas com uma escalação de excelentes bandas alternativas como suporte para a turnê de despedida de sua banda. Deu tão certo que o Jane’s Addiction se separou mas o Lolla continou trilhando seu caminho de sucesso durante os meados dos anos 1990. Perry, então, quase sempre vem prestigiar a edição brasileira. Agora trouxe a tiracolo a reformada banda que o revelou para o mundo da música. Integrantes originais… ou quase, já que o guitarrista Dave Navarro (que saiu do JA para tocar no Red Hot Chili Peppers) continua afastado dos palcos para tratar da saúde (covid longa como justificativa oficial, rehab longa como rumor alimentado entre os fãs do grupo). De qualquer forma, seu substituto, o também ex-guitarrista do RHCP Josh Klinghoffer, mostrou ser uma escolha acertada. Enquanto o baterista Stephen Perkins e o baixista Eric Avery (que também costuma ser músico de apoio do Garbage) se entendem perfeitamente em uma cozinha rítmica hipnótica e dançante, Josh jorrava os efeitos de pedais que fazem a sonoridade da banda flutuar entre o hard rock, o psicodelismo e o groove. Para completar, uma trinca de dançarinas comandada pela atual mulher de Farrell faziam pole dances sensuais ao fundo do palco, dando um approach cênico diferente às canções. Em Interlagos, o set list foi reduzido por conta do tempo destinado ao show, socado no meio da programação da tarde do segundo dia. De qualquer forma, ficou bem dividido entre os dois primeiros e incensados discos da banda, concebidos entre 1988 e 1990, antes das brigas internas que levaram à implosão precoce da carreira. De qualquer forma, reunidos já nas casas dos 50 e 60 anos de idade, os músicos mostraram por aqui que estão como vinho: quanto mais velhos, melhor. Maturidade e experiência – e um longo hiato interrompido por outras duas reuniões e discos criados em 2003 e 2011 – fizeram bem. Em um sábado fraco de opções, o Jane’s Addiction chegou quietinho e fez uma puta (e despretensiosa) apresentação. Ainda terminou com uma batucada em homenagem ao amigo Taylor Hawkins, que morria havia exatamente naquela data, no ano anterior… horas antes do show do Foo Fighters na Colômbia e de viajar para tocar no Lollapalooza brasileiro.

Paralamas do Sucesso

Ter 40 anos de carreira fonográfica não é para qualquer um. Herbert Vianna, Bi Ribeiro e João Barone sabem disso e utilizam um arsenal de clássicos colecionados em sua extensa discografia para disparar um show magnífico. É hit atrás de hit  quase sem intervalo para respirar. Foi assim neste Lollapalloza, na tarde de sol de um domingo para uma maioria de plateia formada por GenZ e millennials. O repertório começou com canções mais representativas da faceta ska (“Vital e Sua Moto”, “Patrulha Noturna”, “Ska”, “Loirinha Bombril”) e passeou por toda a galeria das duas primeiras décadas de carreira, misturando reggae, dub, afrobeat, rock, citações (Tim Maia, Titãs, Raul Seixas) e muita injeção rítmica contínua para não deixar ninguém totalmente parado – pelo menos um dos pezinhos não teve como resistir. Herbert começou enfrentando problemas técnicos, contornados sabiamente com conversas fora do microfone com um roadie enquanto não parava de cantar as letras para a plateia. Tirando este pequeno detalhe, que não chegou a comprometer a apresentação aliás, os Paralamas mostraram toda a sua realeza na música pop nacional. Não precisa de firulas, telões, coreografias, trocas de roupa, andar para lá e para cá no palco ou ao redor dele. Só precisa de música. E muito boa música. Referências para se criar música de qualidade eles sempre tiveram também. São uma banda pós-punk brasilis roots (a sonoridade two-tone em verde e amarelo, inclusive com versos politizados e críticos transformados para a nossa realidade!) e isso ainda faz toda a diferença. Mesmo diante de uma molecada que não chegou a viver os tempos dos vinis e CDs lançados com essas músicas.

Aurora

É só começar a ouvir a sua extensão vocal de soprano que não tem como não embarcar junto nesta fantasia musical que é seu show. Ela mesma parece uma pequena e adorável duende, sempre a saltitar feliz e travessa pelos vastos campos verdes. Seu look também ajuda: vestes claras e em tonalidades pasteis, pés descalços, pele alva e um cabelinho curto e de um chanel tão branco quanto sua melanina norueguesa. Muita gente que estava ali na plateia sabia de cor e salteado as letras, cantava junto e se emocionava por estar na frente de Aurora Asknes. Pudera. A artista faz da voz um belo poder instrumental, além de ser hábil nas palavras para demonstrar seus mais profundos sentimentos acerca da vida e da natureza. Mas também não precisa ser expert na obra dela para se render ao poder desta guria escandinava, solta, espontânea, natural e sem qualquer maquiagem, capaz de provocar um midsommar tão contagiante aqui no hemisfério sul e em pleno cair da tarde de um domingo quente brasileiro.

Baco Exu do Blues

Ele entrou na grade do Lolla como uma rápida solução caseira para suprir o cancelamento quase em cima da hora de Willow, filha do astro Will Smith. E ainda entregou uma das mais emocionantes performances em língua brasileira deste Lollapalooza. Generoso, o baiano de quatro discos lançados nos últimos seis anos fez questão de não brilhar sozinho. No telão, prestou reverência a personalidades negras já falecidas como Marielle Franco, Elza Soares, Muhammad Ali, 2Pac Shakur e Nelson Mandela. E no meio do repertório montado com alguns de seus grandes sucessos ainda cedeu espaço lá na frente para cada uma de suas backings (Aísha, Alma Thomas e Mirella Costa) dividirem as atenções, o microfone e o gogó poderoso. Mirella, por sua vez, protagonizou uma emocionante homenagem à também soteropolitana Gal Costa, ao mandar, a capella, um trecho de “Força Estranha”. Mancando e dando passos lentos, Baco fez o que pode, cenicamente, para superar o estiramento na panturrilha sofrido poucos dias antes. E ainda mandou a letra para espinafrar o grande ausente da noite, Drake, sendo complementado por xingamentos dirigidos pelo público ao astro chiliquento canadense. Mostrou, como Kevin Parker (Tame Impala) na noite anterior, que nem sérias limitações físicas para a locomoção não podem servir como desculpa para não cantar aos fãs.

Tove Lo e Pabllo Vittar

Tove Lo

Outra atração nórdica dominical, a sueca mostrou que um show de música pop pode muito bem ser construído em cima de… música pop. Nada pode tirar o primeiro plano. Pelo contrário. Figurinos podem ser um bom complemento (no caso, uma roupa colante em tons verdes que lhe permitiu fazer o manjado gesto de mostrar os seios à plateia). Coreografias também. Mas um palco deve ser povoado por musicistas tocando seus instrumentos, cantora realmente cantando e dispensando playbacks descarados e a ausência de um time de bailarinos indo para lá e para cá, chamando mais a atenção dos olhos do que os ouvidos. Tove Lo é muito mais discípula de Madonna do que muita gente pode pensar. Ela canta, dança, brinca com a sexualidade diante de uma multidão e mostra ser uma artista de força suficiente para ter um longo futuro pela frente. E olha que ela já tem cinco álbuns feitos de 2014 para cá.

Cigarettes After Sex

Todo ilusionista sabe muito bem que o segredo do sucesso de sua performance está na habilidade de deslocar a atenção do público para um local diferente daquele onde realmente “acontece” o truque. A derradeira das três noites do Lolla, de fato, foi equivalente a um show de ilusionismo. Todo mundo esperando o headliner Drake e depois todo mundo desapontado e xingando o arredio Drake por nem ter viajado ao Brasil. Muita gente comentando o fato de que o DJ e produtor de IDM Skrillex havia sido escalado de improviso para ocupar o horário e o palco anteriormente destinado ao fujão. Muita gente indo embora ao cair da noite, já desesperançoso de que ali em Interlagos acontecesse mais alguma coisa estupenda no autódromo. Espertos, porém, foram aqueles que não arredaram o pé e ficaram no local (ou sintonizados no streaming) até as nove da noite, de olhos bem atentos a um dos palcos secundários. Ali, já aos 45 minutos do segundo tempo do festival, os acréscimos permitiram uma magnífica performance de um singelo trio norte-americano que, por meio da internet, tornou-se objeto de culto nos últimos anos por um pessoal mais antenado. O Cigarettes After Sex veio para impactar com todo o seu minimalismo. Cênico, com seus integrantes tocando quase sempre parados no palco, dispostos geometricamente lado a lado. Sonoro, com somente um vocal (de seu líder e criador Greg Gonzalez) e a mínima movimentação possível de baixo, guitarra e bateria. Havia uma textura de teclados pré-gravados disparada como pano de fundo para a maioria das canções. Mas isso só reforçou a atmosfera etérea e hipnótica do concerto. Fotógrafos não foram permitidos no pit à frente do palco. Quem ficou em casa assistiu a uma transmissão noir, que impôs a ausência de captação de qualquer cor pelas câmeras que não fossem o preto e o branco. Com ares de cabaré decadente, algo tipicamente David Lynch, o CAS fechou as cortinas da décima edição premiando poucos felizardos com algo meio difícil de acontecer em um grande festival. Truque de mestre.

Thom Yorke

Novo álbum solo do vocalista do Radiohead ganha ainda mais beleza quando transformado em curta dirigido por Paul Thomas Anderson

Textos por Leonardo Andreiko

Foto: Netflix/Divulgação

Já se pode encarar Thom Yorke como uma figura marcante do cenário musical das últimas décadas. À frente do Radiohead, ele marcou o rock alternativo, sempre inovando em estilo, sonoridade e atitude. Com o Atoms For Peace, mesclou sua musicalidade melancólica com o caos eletrônico. Em seu projeto solo, intensificou o sentimento a um nível muito mais cru e denso. Depois de The Eraser (2006) e Tomorrow’s Modern Boxes (2014), Yorke lança Anima, com direito a um curta-metragem assinado por Paul Thomas Anderson.

Em todos seus projetos, há uma similaridade: o produtor Nigel Godrich. Com ele, Thom constrói o ambiente distópico de seu novo álbum com maestria, soando de maneira semelhante ao álbum AMOK (2013), do grupo Atoms For Peace, em que ambos trabalharam com o baixo de Flea, dos Red Hot Chili Peppers. Envolventes batidas fortemente eletrônicas se iniciam desde “Traffic”, sua primeira faixa. No entanto, parece haver um intenso flerte com a estética da música pop permeando as primeiras faixas de Anima, mas dura pouco. Lentamente, o ambiente volta a soar como os últimos trabalhos de Yorke, seja com o AFP ou no Radiohead.

Num vai-e-volta entre fortes sintetizadores e sua mescla com instrumentação orgânica baseada em cordas, o estilo de Anima não se distingue muito da identidade já consagrada por seu autor. A quarta faixa, “Dawn Chorus”, prova, no entanto, que esta identidade esta longe de transmutar-se em repetição incessante da mesma ideia. Sua simples conjunção de um poema com uma base de sintetizadores em loop é parte vital do curta-metragem de Anderson – que, por si só, receberá atenção exclusiva mais abaixo.

A partir de “I Am A Very Rude Person” (que sucede “Dawn Chorus”), Yorke e Godrich parecem voltar-se ao ritmo de seus antigos discos com o Radiohead. O baixo assume um papel importante, enquanto os sintetizadores e desesperadores instrumentos de percussão se apequenam, tomando protagonismo aqui e ali. Assim, os artistas parecem mesclar aquilo que fariam em seu projeto solo com sons que se coadunam com a identidade musical de Radiohead.

“Impossible Knots”, a penúltima música, traz à tona um groove surpreendente, ainda que esperado, em paralelo à ambiência de fortes sintetizadores. A melhor trabalhada conjunção da vertente eletrônica do compositor com sua raiz no rock. O álbum se encerra com “Runwayaway”, faixa que, por sua vez, se destaca pelo protagonismo da guitarra de Thom, acompanhada das suprimidas batidas comuns à obra do artista.

A melancolia anteriormente ressaltada se mescla, em Anima, à vibração caótica da timbragem eletrônica característica de seu autor. Suas melhores faixas, “Dawn Chorus” e “Impossible Knots”, trabalham, dicotomicamente, a monotonia sintética e o groove incorporado ao eletrônico, produzindo um bom panorama da intensidade de experimentação à qual Yorke e Godrich se propõem. Se possível, Anima é um álbum que deve ser apreciado antes de sua contraparte fílmica.

***

Grandes artistas, quando em conjunto, superam as expectativas. Ao passo que a rotina de cabines de imprensa obriga a supressão de quaisquer sentimentos similares direcionados aos filmes, o anúncio relâmpago do curta-metragem de Paul Thomas Anderson, inspirado no novo álbum de Thom Yorke, acendeu um forte hype em minha rotina. Com apenas quinze minutos, o filme é um one-reeler sem diálogo algum (one-reeler foi um estilo recorrente de curta-metragens na época dos filmes silenciosos; o nome provém do fato destes, geralmente comédias ou cartuns, estarem contidos em um único rolo de filme e cada um destes suportava aproximadamente onze minutos de duração). Ainda assim, é muito mais emocionante que a maioria dos lançamentos deste ano nos cinemas brasileiros.

Em Anima, o vocalista do Radiohead assume o protagonismo de uma narrativa distópica e subjetiva. Nela, Yorke parece ser o único personagem a não agir conforme o esperado. Embalados por três músicas de seu álbum, os dançarinos figurantes mimetizam uma sociedade apagada e presa no piloto automático.

Com um roteiro nada convencional, Anima atiça seu espectador a buscar interpretações para sua trama, de forma a tornar injusta a exposição de minha leitura da semântica do filme, a fim de não viciar o olho do leitor. Esta não é uma obra difícil de se entender, mas é fortemente subjetiva e carregada de argumentação sociopolítica.

Em seus dois primeiros atos, cada um movimentado por uma música diferente, Anima introduz a ambientação e seu protagonista ao som de fortes faixas de glitch pop: “Not The News” e “Traffic”. Sua arte e direção homenageiam os primórdios do cinema, com tratamento a la Buster Keaton do protagonista e cenários inspirados naqueles consagrados pelo impressionismo alemão. Thom percorre longos corredores monótonos que parecem ter fugido das narrativas de Nosferatu ou de O Gabinete do Doutor Caligari.

Sua grande transição vem em sua conclusão ao som de “Dawn Chorus”. Tal como a faixa, é uma parte aterrada, focada no exterior e não tão distópica. Thom e sua acompanhante, interpretada pela italiana Dajana Roncione, dançam uma coreografia íntima assinada por Damien Jalet, belga que trabalhou com o cantor na mais recente versão do longa Suspiria.

A fotografia em filme do franco-iraniano Darius Khondji alia-se ao pensamento de Anderson, abusando do granulado para ressaltar Yorke numa estética que beira as escalas de cinza. Ainda é mérito do diretor a mescla incrivelmente bem sucedida de seu estilo com a música de Thom e, principalmente, a homenagem aos clássicos do cinema.

Anima é um filme incrivelmente poético, tanto em linguagem quanto em sua trilha sonora. Por seu tamanho e magnitude inversamente proporcionais, é um curta-metragem que deve ser estudado por amantes da sétima arte. Espero que surjam mais obras-primas como esta da união entre o músico e o cineasta.

Talk Talk

Morte de Mark Hollis revela a importância da banda que abandonou o sucesso nos anos 1980 para trilhar o caminho da arte na música pop

Texto por Carlos Eduardo Lima (texto cedido por Célula Pop)

Foto: Divulgação

No último dia 25 de fevereiro foi noticiado o falecimento do cantor e compositor inglês Mark Hollis, líder da banda inglesa Talk Talk. Mas, sem o infame trocadilho, de quem estamos falando? Uma visão realista das paradas de sucesso e das vendas – parâmetros usuais para aferição de êxito de um artista – nos dirá que o Talk Talk praticamente não existiu. Fora o hit “It’s My Life”, que ficou no topo das paradas anglo-americanas no distante ano de 1984, Talk Talk era mais uma dessas formações obscuras dos anos 1980. Ledo engano…

Hollis, 64 anos, era o cérebro pensante da banda. Podemos dizer, inclusive, que houve dois Talk Talk. O primeiro, até 1986, era um grupo voltado para a cartilha Roxy Music/tecnopop/new romantic, com muitos teclados, sintetizadores e noção de melodia e bom senso pop. Era o que se conhecia como sophistipop. A própria “It’s My Life” não nos deixa mentir: exuberante, cheia de efeitos especiais de pássaros, clipe marcante – com Hollis em meio a paisagens animais selvagens com algo a dizer, sem conseguir – era uma promessa de competidora pela efeméride pop oitentista. Mas Mark e seus parceiros de banda – o baixista Paul Webb, o baterista Lee Harris e o tecladista Simon Brenner – largaram mão desta perseguição pela música mais convencional e entraram numa jornada em busca de uma musicalidade que tangenciava o pop e arremetia para ares muito mais auspiciosos e complexos. Esta mudança foi marcada pela chegada do terceiro álbum, The Colour Of Spring.

Saía de cena o Talk Talk acessível e chegava aos ouvidos dos poucos interessados em músicas complexas naquele ano de 1986 uma banda arrojada e cheia de sutilezas. Hollis se dizia influenciado por gente que não estava no mapa dos artistas daquele tempo. De Otis Redding a Debussy. De Burt Bacharach a John Coltrane. O sujeito era um cara fora de seu tempo. The Colour Of Spring, com oito faixas, chocou quem esperava por outra “It’s My Life”. Canções antipop, com longas passagens instrumentais, corais infantis, muitos pianos e teclados, uso de orquestra e valorização do binômio silêncio/som assumiram o protagonismo. Em comum com o passado, apenas o ótimo registro vocal de Hollis, um dos mais marcantes daquela década. Das novas faixas, apenas “Chameleon Day” tinha pouco mais de três minutos, deixando o restante com duração variando entre cinco e seis, simplesmente deixando parâmetros radiofônicos de lado. Mesmo assim, longas e com instrumental ousado, todas as canções ainda guardam algum potencial pop implícito.

O abraço ao experimentalismo veio com o disco seguinte, Spirit Of Eden, lançado em 1988, com apenas seis faixas. A canção que abre o ciclo é a impressionista (e impressionante) “The Rainbow”, com mais de nove minutos de duração. A banda simplesmente deixava de lado a maioria de seu arsenal eletrônico de synths e baterias robotizadas de antanho para embarcar numa onda acústica ousadíssima, nada parecida com o que as pessoas entendem por unplugged ou banquinho e violão. O pop, enfim, ficava para trás em favor de algo novo, tangente do jazz – no sentido experimental – mas que nunca feria os ouvidos ou irritava por alguma complexidade vazia, na base do exercício de estilo. Era uma banda em evolução e em busca de novos rumos para sua arte. E partindo nesta direção. “Eden” e “Desire” são provas desta nova estética. Lentas, cheias de sons, silêncios, quase uma new age/ambient musicadolescente e curiosa. Dizem (dizem!) que o Radiohead ouviu muito este disco para gestar seu álbum OK Computer.

Com o trabalho seguinte, Laughing Stock, a banda chegou ao fim da carreira. Em pleno 1991, frente ao grunge e ao nascente britpop, o mundo não tinha paciência para investir em novas texturas sonoras delicadas, misteriosas e que exigiam atenção total do ouvinte, bem a exemplo do disco anterior. Depois deste lançamento, o grupo se separou. Hollis ainda lançou um obscuro disco solo em 1998 e permanecia discreto, mais dedicado à família, longe dos palcos.

Sua morte precoce talvez sirva para que o Talk Talk passe por uma reavaliação crítica e receba seu reconhecimento. Merecido há tanto tempo.

Letrux + Geo + Subburbia – ao vivo

Contando também com DJs e performance, primeira edição do festival Saliva incentiva o diálogo através das artes em Curitiba

Letrux

Texto por André Mantra (Cena Low-Fi)

Fotos: Hay Ramos/SLV/Divulgação

Na noite de 29 de novembro de 2018, nas dependências do curitibano Hermes Bar nasceu o Festival Saliva – concebidos pelo trio ativo e criativo formado por Carol Scabora, André Gosmma e Vini Buzze. O conceito é o de incentivar o diálogo através das artes, embora a música seja a protagonista. Na programação, as DJs Adri Menegale (Misturi-C) e Barbara Oeiras (Um Baile Bom) colocaram o público (formado por pessoas na média dos 25 anos, comunicativas e baladeiras) para cantar e dançar durante o festival, exceto, obviamente, nos momentos em que o palco era devidamente ocupado por artistas: três bandas, todas com mulheres envolvidas, e a performer, também do gênero feminino.

Quem deu início aos trabalhos no palco do Hermes Bar foi o agora duo Subburbia – banda veterana e de um nome bastante concorrido, tanto que no caso deles a grafia é diferenciada. Após dez anos de fundação e algumas mudanças, desta vez a redução para uma dupla, o que poderia facilitar a sua apresentação e audição ao menos naquela apresentação, deu ruim. Nem havia tanta gente naquela altura (por volta das 22h30). Até aí, tudo bem – a proposta deles Marina (voz +  guitarra) e E1000 (synth+ voz) nunca foi ser acessível, pop ou facilmente rotulável. Todavia, vale salientar que a ausência de boa acústica do local e de uma provável apresentação sem passagem de som, mesmo através de um set simples (dois microfones + guitarra + amp + sample) não estava com uma boa saída de som nos PAs (caixas cuja intenção principal é o som destinado ao público). Isso fez da apresentação uma experiência estranha.

Após alguns minutos de som das DJs, veio a santista Geovana Mantovani ao lado dos produtores e instrumentistas Aércio de Souza (bateria) e Guilherme Miranda (baixo + samples). O trio Geo realizou uma apresentação correta e já era perceptível a melhora da qualidade do som no ambiente. O projeto musical centrado na vocalista foi iniciado apenas em 2017 mas isso não o impediu de ser notado em pouco tempo, pois há certo frescor na sua proposta musical – tanto que ainda é possível arriscar como sintetizar sua sonoridade através de gêneros musicais. No palco, Geo apresenta-se como uma espécie de personagem binário (robô). Sim, ela investe muito numa apresentação bastante (audio)visual através do seu make combinado a versos que abordam relacionamentos mal sucedidos e bases eletrônicas acompanhadas da “cozinha” (baixo e bateria) e um canto técnico, sem excessos. O início do  sucesso no YouTube ocorreu covers e uma vida musical bem nutrida de boas referências interpessoais e fonográficas.

A sua segunda aparição pública na capital paranaense foi repleta de novidades no set list: “Nós”, “Acrílico” e “Monstro” deram o tom do que deve ser seu primeiro álbum, que virá após alguns singles muito bem sucedidos. Este foi um dos grandes acertos da produção, sem dúvidas, embora as pessoas estivessem muito ansiosas por Letícia Novaes, agora simplesmente Letrux. Vale salientar que Geo ainda não lançou um álbum (o primeiro está previsto para fevereiro) e no decorrer do ano terá muito mais visibilidade e participação dos seus ouvintes in loco. É certamente uma das revelações nacionais para os próximos meses lotar os inferninhos e baladas do cenário independente brazuca.

Geo

Antes da principal atração da primeira edição do Saliva, houve espaço para a obra performática de Mariana Barros – uma apresentação de cerca de 20 minutos com colagens de depoimentos e trechos de músicas que iam de Hebe Camargo a MC Kevinho e teve seu ápice em “Capim Guiné”, do grupo BaianaSystem (Titica + Margareth Menezes). Foi uma espécie de strip tease que dialogava com a plateia através do seu corpo, numa apresentação de conceito “meu corpo é político”. Talvez tenha sido a atuação que mais alcançou a meta de interação ou burburinho através da arte de forma espontânea.

Então, por volta de 1h20m da madrugada de sexta, entrou em cena estrela Letrux. Ela veio acompanhada por Arthur Braganti (teclados e synths), Martha V (guitarra, percussão e MPC), Natália Carrera (guitarra, synths e programações), Lourenço Vasconcellos (bateria e percussões) e Thiago Rebello (baixo), todos tão experientes quanto Letícia, artistas da música, compositores e produtores fonográficos como ela, uma verdadeira superbanda do cenário indie carioca em atividade desde o início da década passada. A expectativa não cabia no Hermes, lotado e pulsando. Não é surpresa afirmar que os hits “Ninguém Perguntou Por Você”, “Vai Render”, “Noite Estranha, Geral Sentiu” e “Que Estrago” foram catárticos, já que esta era simplesmente a primeira apresentação do projeto Letrux na capital paranaense. A metrópole curitibana é mal acostumada a receber, antecipadamente, os espetáculos artísticos em relação às demais regiões “fora do eixo” do território nacional, ainda mais se for um projeto musical premiado e hypado (naquilo que o cenário musical autoral independente compreende).

Justamente por proporcionar este e outros encontros e interações, aliás, que o Festival Saliva teve em seu debut um saldo muito positivo. Entretanto, é nosso dever apontar, também, o que precisa ou deveria ser melhorado/revisto. O Hermes Bar tem a localização e o “tamanho” interessante para um evento com “os pés no chão” só que sempre exige da produção de cada evento adaptações para receber artistas e imprensa caso necessite de demanda acima da cobertura jornalística parceira, além de não oferecer espaço físico para que a atração se acomode no local. O “camarim” deve ter uns três metros quadrados de largura e comprimento: tem muita cozinha de apartamento que comporta melhor duas bandas formadas por três integrantes. Essa característica inibe o artista a interagir com qualquer fã antes ou depois de uma apresentação. A sonorização também é sempre polêmica, pois os ouvidos mais experientes sabem que as frequências se perdem no local, principalmente os graves. Se corrigidas estas questões, o Hermes mudará de patamar de forma muito consistente, até porque não temos na região opções superiores disponíveis e com a mesma localização, centralizada, em Curitiba.

Também é preciso reforçar que se tratou da primeira edição de um festival que tem um papel importantíssimo no mercado local: realizar encontros como esses relatados para um nicho de mercado cultural da cidade. Curitiba não possui população do porte do Rio de Janeiro, São Paulo, Belo Horizonte e Brasília, por exemplo, embora econômica e culturalmente o seu potencial seja muito mais próximo das nossas maiores megalópoles. Sim, é uma missão árdua e que felizmente teve apoio de empresas e microempresas atentas ao público que o Saliva atende.

Rumores já circulam dizendo que a próxima atração do evento tem ligação forte com a Letrux, reside no Rio de Janeiro embora seja pernambucana e esteja igualmente forte nos ouvidos e corações das pessoas que compareceram ou gostariam de estar na primeira edição do Festival Saliva. “Força na peruca” aos envolvidos e seguimos aguardando boas novas.

Romeu + Julieta ao Som de Marisa Monte

Clássica peça de William Shakespeare vira musical com sotaque brasileiro e trilha sonora de canções compostas e gravadas pela cantora

Texto por Jocastha Conceição e Kevin Grenzel

Foto: Caio Galucci/Divulgação

Inglaterra, final do século 16. Uma era violenta, regida por guerras e conflitos políticos. Um jovem buscava aliviar as agonias da época com poesia e arte. Em fase de transição entre o clássico e o novo, o poeta inglês compôs seu primeiro sucesso e até hoje considerada sua maior obra. Romeu e Julieta é peça que não se define como comédia ou tragédia, mas como um misto entre estes. Obra que se encontra na dualidade entre amor e ódio.

A obra de William Shakespere revolucionou a escrita naquele tempo e se mantém relevante até os tempos atuais, seja pela construção do arquétipo do amor juvenil e imprudente ou até pelas críticas politicas de sua época. Romeu e Julieta traz uma atemporalidade singular e, mesmo após 400 anos depois de escrita, continua se renovando através de canções, filmes e peças musicais, nos fazendo rir e chorar com seus amores e tragédias. E até agora, em uma sociedade perdida em seus valores, podemos ter uma pausa singela para sonharmos novamente. Nem que apenas por algumas horas.

Brasil, final do século 20, no início de uma guerra violenta, regida por ódio e conflitos políticos, uma jovem buscava aliviar as agonias da época com poesia e música. Marisa Monte se revelou como uma pérola nacional, com voz e sonoridade únicas. É considerada uma das maiores cantoras da música contemporânea brasileira, junto com os nomes de Elis Regina, Gal Costa e Maria Bethânia.

Embora a obra de Marisa seja extremamente recente, já podemos notar sua influência na música nacional. Ela foi uma das primeiras a misturar a linguagem do pop ao que chamamos de MPB e se tornou referência a diversos cantores que surgiram – com destaque a Silva, cantor capixaba que conta com um álbum dedicado apenas a rgravações de obras de Marisa Monte. Com musicalidade genuinamente brasileira, Marisa se arrisca, mistura o eletrônico e analógico, antigo e o novo, chegando ao ponto de utilizar até o belcanto (técnica de canto da ópera italiana) em suas canções.

Foi com esse propósito de mistura que chegou aos cinemas brasileiros a peça Romeu + Julieta ao Som de Marisa Monte, embalada pelas canções compostas e gravadas por Marisa Monte e com direção musical do produtor Apollo Nove. Dirigido por Guilherme Leme Garcia, o musical foi apresentado no Teatro Frei Caneca (SP) e, na noite de 21 de outubro, contou, pela primeira vez no Brasil, com transmissão ao vivo em salas de cinema.

A fusão da obra inglesa com a música popular brasileira é bem representada na escolha dos atores, que não se limitou ao parâmetro de beleza europeu, sempre priorizado para viver os personagens desta história. Os papéis de Julieta (Bárbara Sut), do Montequio Mercuccio (Ícaro Silva), do Capuletto Teobaldo (Pedro Caetano) e de muitos outros foram concedidos a atores negros, levando maior representatividade ao espetáculo. Além da seleção musical e de elenco, também pode ser notado o toque de brasilidade nas falas de cada personagem. Eles usam termos nacionais, gírias, divergem em sotaques de todas as regiões e arriscam até em utilizar memes da cultura nacional para roubar risos. Essa localização traz a empatia do público, que se sente parte da história, e um refresco para uma obra já conhecida mas que ainda tem muito a dizer.

O cenário é simples, muitas vezes contando somente com divisas sem detalhes. Entretanto, apenas a atuação e história são suficientes para instigar o espectador a criar em sua mente os castelos, bailes, igrejas e cidades. O figurino dos atores nos remete aos trajes medievais, ainda que em algumas cenas pareça bastante moderno. Na obra original era explícita a dicotomia entre sentimentos, principalmente entre o amor e ódio. Nesta peça de 2018 não é diferente. Há ênfase no humor e na tragédia, que são muito bem encaixados em todos os atos, mas nunca pendendo para qualquer lado e ou se tornando cansativo.

Em dois atos, acompanhamos a trajetória do mais famoso casal da dramaturgia, Romeu (interpretado por Thiago Machado), da família Montequio, grande inimiga da família Capuletto, de Julieta. O pai de Julieta (Marcello Escorel) realiza um grande baile, onde sua filha conheceria seu pretendente em potencial. Porém, o plano do velho Capuletto é interrompido com o encontro vibrante de Julieta e Romeu ao canto de “Não Vá Embora”, num encaixe perfeito com a cena. Logo os dois se apaixonam e começam a enfrentar os primeiros problemas deste amor proibido. A comédia também ganhou espaço em meio à história conflituosa, principalmente com os cúmplices do romance: a Ama (Stella Maria Rodrigues), com seus muitos elogios ao amado de Julieta e suas falas engraçadas a todo momento, assim como o Frei (Claudio Galvan), com seus conselhos e trejeitos.

O primeiro ato é leve. Conta com diversos pontos de alívio cômico. As cores são claras e os personagens, bem apresentados – até aqueles que não possuem tanto tempo de cena, como o Príncipe de Verona (Kadu Veiga) e o primo de Julieta, Teobaldo. Essa leveza é delineada pelas músicas que são cantadas, desde as mais solenes, como “Pelo Tempo que Durar”, até as mais agitadas e festivas, como “Panis et Circencis”. A metade inicial se encerra com o casamento proibido de Romeu e Julieta, carregado de paixão com a música “É Você”, mas também de tensão por estarem quebrando regras familiares. O que, aliás, ganha mais impacto ainda com a construção do cenário: luz baixa, apenas o casal diante do frei, com as únicas testemunhas da cerimônia sendo pessoas encapuzadas de preto, segurando velas, em coro de “Vilarejo”.

Após uma breve pausa, vem o segundo ato. E já no início percebe-se que o clima é outro. Os figurinos são mais escuros e a luz, mais densa. Não existem tantos momentos cômicos, afinal a trama é tomada pela tensão. A história reinicia com um conflito de espadas entre Montequios e Capulettos, que lutam enquanto “Volte Para o Seu Lar” é cantado com vozes graves, trazendo tom de bravura à cena.

A batalha é bem coreografada. Os movimentos se assemelham a passos de dança sem tirar o peso do momento. Pode-se dizer que esta é a cena em que existe maior ação em toda peça. As peças do cenário concebido por Daniela Thomas mudam de lugar e trazem uma sensação de movimento à cena como nos cortes e movimentos de câmera de um filme. Isso quebra aquele efeito “estático” do teatro e aumenta a aflição do público. Um encontro resulta no falecimento de um personagem querido e gera revolta e desejo de vingança em Romeu, que, diante de sua dor, batalha contra o Capuletto Teobaldo, obtendo vitória sobre ele. Romeu acaba castigado por tal feito, tendo de se retirar da cidade, para longe de Julieta. Antes de sua partida, o grande sucesso “Velha Infância” emociona o público, que assiste à despedida do casal, que, com melancolia e paixão, jura amor um ao outro.

O conhecido final da trama é embalado por “De Que Vale Tudo Isso”. E mesmo com uma obra criada há quase meio milênio, a renovação dos personagens e a trilha melancólica ainda são capazes de nos sensibilizar e retirar algumas lágrimas até daqueles mais fortes emocionalmente. Por fim, a produção acerta em trazer uma modernização inesperada e inusitada ao texto clássico. Aqueles que ainda não conhecem direito o clássico de William Shakespeare têm a oportunidade de se emocionar com os personagens famosos. E os que já estão saturados com a obra podem aproveitar uma releitura despretensiosa e refrescante, revivendo os sentimentos e momentos com a rica música de Marisa Monte.

>> Romeu + Julieta ao Som de Marisa Monte abandona agora o eixo Rio-São Paulo e parte em turnê em diversas cidades do país. Em Curitiba, o espetáculo chega ao Teatro Guaíra nos dias 16 e 17 de novembro (mais informações aqui).