Boogarins + Oruã – ao vivo

No palco do Circo Voador, a experiência sensorial promovida por duas bandas que fogem do lugar-comum da música

Boogarins

Texto e fotos por Luciano Vitor

Rio de Janeiro, Cidade Maravilhosa. O Circo Voador, palco de centenas de shows, centenas de bandas, centenas de horas (na minha humilde contagem, o que talvez esteja muito errado e é bem possível!), no último dia 21 de maio serviu de encontro para duas bandas que nasceram no erro da música. Mas por que “erro”? Porque a grande massa enxerga a música como algo objetivo, reto, sem muitas surpresas. Algo que beire ali um minuto e meio (ou dois ou três minutos no caso do pop), com letras terríveis, sonoridade pasteurizada e refém de aplicativos de dancinhas e afins. Justamente por isso Oruã (do Rio de Janeiro) e Boogarins (de Goiânia) são bandas que fogem do lugar comum. Suas apresentações são experiências não apenas sonoras, mas sensoriais.

Depois de mais de duas décadas pisei novamente no templo musical da Lapa, bairro central do Rio de Janeiro. O último show ao qual eu havia assistido ali tinha sido do Buddy Guy (EUA) com o Baseado em Blues (RJ). Salvo engano, muitíssimo antes da nova estrutura do Circo Voador. Outros tempos, outra era. Entretanto, se a estrutura mudou, a essência talvez não. A ideia continua a mesma: um palco, uma lona de circo, com entradas espaçosas e piso superior para quem não quem quer ficar em pé. Na área externa, banquinhas com material das bandas, material independente de cinema, locais para comprar bebidas, alimentos e afins. É nostálgico pisar no Circo Voador tanto tempo depois.

Já havia escrito a respeito do Oruã há alguns anos, mas com uma formação bem diferente do que pude presenciar ali no Circo. O grupo carioca gravita em torno de uma ideia que, na minha humilde opinião, traz a música para um sistema coletivo, onde uma banda pode e deve ter vários colaboradores, várias formações, vários direcionamentos e, principalmente, diversos significados e significâncias. Por isso enxergá-lo não apenas como um grupo musical, mas como algo para ter diversos direcionamentos diferentes com instrumentistas diferentes.

Se alguns anos atrás consegui ver o Oruã com quatro músicos no palco, na formação clássica de uma banda de rock na sua acepção mais conhecida (baixo, bateria, guitarra e vocal), desta vez no Circo Voador estava algo muito mais grandioso: duas baterias, maracas, guitarra, baixo, programação e teclados, dois vocais e muita vontade de agradecer o público presente com uma apresentação ímpar. Karin, Lê Almeida, Daniel, Bigú, Cascaes, Joab e Russo encheram o Circo com música sinuosa, torta mesmo, de uma maneira que as próprias incongruências cariocas divididas por dezenas de bairros se encontrassem ali, diante de uma plateia cheia de caras e aspectos diferentes. Foi um puta show!

Oruã representa algo muito mais à frente que os dials tradicionais podem suportar. Entre tantas mesmices, eu oro (e aqui vem o famoso trocadilho) para que um dia possamos ver uma música torta, com dissonâncias e a assinatura do quarteto-barra- septeto servindo como trilha sonora de uma das séries dos streamings mundiais da vida.

Oruã

Agora, sobre o Boogarins. Não lembro qual foi a última banda que se manteve tanto tempo dentro do mainstream do universo independente. Na realidade, este ingrato pódio é volúvel demais. Não se consegue acompanhar a evolução que o indie avançou de maneira única dentro do cenário. E o Boogarins conseguiu isso, com constância e muito trabalho.

O quarteto goiano ganhou a ribalta há dez anos, com o estouro de “Lucifernandis”. Depois disso, foi mundo afora! Após mais uma turnê na Europa, o Boogarins desceu no Rio de Janeiro e logo após um simples acorde hipnotizou a plateia. E esse show foi a imersão quase tradicional na psicodelia da banda. Acordes longos, entrega total no palco, faixas quase que instantaneamente reconhecidas pelo enorme público e um domínio absurdo de palco. A cozinha rítmica é algo de surreal. Erro zero, músicas estendidas na sua execução e um quarteto que se conhece pelo olhar. O bônus da noite foi a presença de Bonifrate, musico do Rio de Janeiro que deu uma sábia contribuição à dinâmica do grupo. Foi uma interação precisa como toda a apresentação.

Por fim, o Circo Voador presenciou uma noite incrível, com duas bandas que não precisam mais de apresentações. Precisam penas invadirem de vez o mainstream do indie mundial (como o caso do Oruã) para não saírem de vez de lá!

Set List Oruã: “Dinorá”, “Real Grandeza”, “Outros Santos”, “Miragem”, “Cravina Flor”, “Ramais”, “Cavalo Branco”, “Caboclo”, “Escola”, “Obrei Orei”, “Osíris”/“Essência Bruta” e “Maldição”.Set List Boogarins: “Derramado”, “Sombra ou Dúvida”, “Te Quero Longe”, “Passeio”, “Sai de Cima”, “Cães do Ódio”, “Correndo em Fúria”, “Dislexia ou Transe”, “Inocência”, “Onda Negra”, “Benzin”, “San Lorenzo”, “LVCO 2”, “Noite Bright” e “Foi Mal”. Bis: “Erre”, “600 Dias (ou Mantra dos 20 anos)”, “Lucifernandis” e “Auchma”.

Maria e João – O Conto das Bruxas

Clássico conto ganha releitura sinistra, baseada em atmosfera de tensão e centrada na figura da irmã agora adolescente

Texto por Maria Cecilia Zarpelon

Foto: Imagem Filmes/Divulgação

Publicada originalmente em 1812, a clássica fábula dos Irmãos Grimm já teve diversas adaptações cinematográficas. Agora ganha uma macabra abordagem com Maria e João – O Conto das Bruxas (Gretel & Hansel, Canadá/Irlanda/EUA/África do Sul, 2020 – Imagem Filmes). Em comparação aos outros remakes, o longa dirigido por Oz Perkins se destaca. Porém, isso não quer dizer muita coisa quando sua competição são os recentes João e Maria: Caçadores de Bruxas e João, Maria e a Bruxa Da Floresta Negra, ambos de 2013.

Como a reintitulação sugere, o foco desta versão está em Gretel (Sophia Lillis), agora oito anos mais velha que Hansel (Sammy Leakey), a quem foi encarregada de proteger. A história segue o curso do conto original, mas sob uma nova interpretação e propondo algumas mudanças. Depois de serem expulsos do lar pela mãe incapaz de os alimentar, os irmãos saem floresta adentro em busca de um lugar para passar a noite. No caminho, encontram um caçador (Charles Babalola) que lhes oferece comida e instruções sobre a viagem que terão pela frente. Quando tudo parece perdido para os dois, eles se deparam com uma casa e um grande banquete, aparentemente só à espera de alguém para comê-lo. Famintos, os irmãos são recebidos por uma suspeita senhora (Alice Krige), que parece ter tudo o que eles haviam almejado e mais um pouco. Gretel fica desconfiada da fartura e teme que algo esteja errado. A partir deste ponto, o espectador provavelmente pensará que sabe para onde a narrativa seguirá. Mas pode ser que haja enganos…

Oz Perkins é conhecido por criar um terror paciente, que está definitivamente de fora do mainstream. Sua preferência pela lenta formação de uma atmosfera de tensão sobre os rotineiros jumpscares, torna suas produções diferenciadas e refrescantes, se distanciando do beabá das franquias de horror e de seus saturados clichês. Suas produções quietamente sinistras e centradas em mulheres sugerem muito mais do que revelam. Logo, sua terceira obra não é diferente. Maria e João, entretanto, demonstra Perkins se apoiando de novo na atmosfera sobre a narrativa, compreendida no roteiro de Rob Hayes. No geral, a história é sobre uma jovem encontrando sua força interior, e por mais que seja macabra, falta um melhor desenvolvimento dos personagens para assustar de fato. O diretor cria para o longa uma iconografia própria e, junto da sedutora e fantasiosa fotografia de Galo Olivares, constrói um cenário arrepiante, mas que acaba sendo enfraquecido pela unidimensionalidade da narrativa.

Dispondo de um roteiro fraco e confuso, nesta nova versão parece que houve uma preocupação muito maior com o visual do que com contar uma boa história. Esteticamente admirável e com uma fotografia hipnotizante, o longa seduz o espectador com ângulos e enquadramentos inteligentemente pensados, uma ambientação sombria e um ar quase que claustrofóbico.

Repleto de simbolismos e diálogos metafóricos, diversos significados implícitos são expressados durante o filme. O cineasta explora um repertório único de códigos e minúcias que tratam de adensar, principalmente, os diferentes lugares que homens e mulheres ocupam. O triângulo, figura recorrente no longa, além de ser um dos símbolos mais místicos da humanidade, representa mudança e desenvolvimento espiritual – referência à trajetória da protagonista.

Mas, ao mesmo tempo que tudo parece ter sido milimetricamente pensado, existem fragmentos que não encaixam e figuras que de nada agregam na história. Como exemplos, o caçador e a cena do “ataque zumbi” (que, além de ser o único momento que o filme se entrega aos baratos jumpscares, parece ter sido adicionado depois, assim como a narração de Gretel, que desnecessariamente explica o que está acontecendo na tela). Tentando inovar o enredo original, Hayes buscou acrescentar e explicar eventos que não têm impacto ou sentido.

Mais sombrio do que excitante, Maria e João é uma tentativa pertinente de trazer uma nova e atual releitura sem deixar de preservar o ar assustador original de um dos contos mais conhecidos do mundo. Oz Perkins é uma voz autoral, clara e intrigante em meio a uma cacofonia de diretores de franquias de horror, mas infelizmente não é apenas o visual que faz um filme se tornar memorável. Bagunçado, com ambições que não se realizam e ideias genuinamente promissoras que se transformam na execução, este longa, assim como os irmãos na floresta, perde-se no campo da narrativa da história. O resultado é uma obra medíocre, que tinha um enorme potencial para ser fantástica.

O Gênio e o Louco

Mel Gibson e Sean Penn estrelam a história de obstinação que resultou na criação o dicionário que cataloga todas as palavras da língua inglesa

Texto por Janaína Monteiro

Foto: Imagem Filmes/Divulgação

A língua é viva, já dizia o teórico russo Mikhail Bakthin. Criada por nós, e assim como nós, a língua se modifica com o decorrer do tempo. As palavras e seus significados evoluem através dos séculos: nascem e morrem num piscar de olhos. E quantas palavras falamos diariamente sem pensar em seus diferentes significados? Como definir o que é arte, por exemplo? Esse é o complexo trabalho do filólogo – palavra do grego philólogos e latim philologus, que designa o conhecedor da filologia, ciência que estuda o desenvolvimento de uma língua. Este é o papel de Mel Gibson no drama baseado em uma história real O Gênio e o Louco (The Professor And The Madman, Irlanda/EUA/Irã, 2017 – Imagem Filmes).

Gibson é o professor escocês James Murray, filólogo autodidata, estudioso de dezenas de línguas que assume a improvável missão de fazer o inventário de todas as palavras da língua inglesa durante os séculos 17 e 18 – isso se transformaria posteriomente no Oxford English Dictionary (OED), o mais importante do mundo no vernáculo. Murray devotou 50 anos de sua vida ao projeto que catalogou mais de 400 mil palavras. O louco é o americano William Chester Minor, interpretado por Sean Penn, com mais uma atuação brilhante. Minor é um médico veterano da Guerra Civil dos EUA expatriado para a Inglaterra e que sofre de síndrome pós-traumática (que evoluiu para uma esquizofrenia).

O filme, dirigido pelo iraniano Farhad Safinia, é baseado no livro de Simon Winchester lançado em 1998 (The Surgeon of Crowthorne: A Tale Of Murder, Madness And The Love Of Words, título da edição britânica; O Professor e o Louco, em português). Nesse mesmo ano, Mel Gibson conseguiu os direitos para levar a história do primeiro editor do OED ao cinema, mas só conseguiu finalizar o longa quase duas décadas depois por conta de uma série de imbróglios e problemas judiciais (basicamente sobre custos de locação e direitos autorais), uma história semelhante ao nosso Chatô, de Guilherme Fontes. Segundo reportagem do jornal The Telegraph, o longa começou a ser rodado em 2016 em Dublin, Irlanda, o que gerou muita controvérsia e descrédito. Afinal, como rodar um filme sobre Oxford sem cenas na cidade? “You can’t fake that!” (você não pode simular isso!), disse o autor do livro ao jornal britânico.

Os roteiristas (entre eles Safinia) ficaram incumbidos de adaptar a história que se passa na segunda metade do século 19, na Inglaterra. A primeira cena é o do assassinato cometido por Minor. Assombrado pelo seu passado, ele se sente perseguido pelo fantasma de um desertor de guerra que foi marcado a ferro quente por ele. Confunde um pai de família pobre com o desertor e corre pelas ruas de Londres atrás dele até que George Merrett é morto na frente da esposa Eliza (Natalie Dormer), que fica à deriva com seus seis filhos após perder o marido. A insanidade de Minor o leva para a prisão, mesmo afirmando a todos que não é louco.

Em paralelo, o filme mostra a história de Murray, o gênio erudito pai de família e estudioso autodidata (em algumas cenas, Gibson mostra sotaque escocês exagerado). Uma das melhores cenas já surge logo no início, quando o professor precisa convencer os doutores da Universidade de Oxford a ser contratado para editar o dicionário, mesmo não tendo um diploma sequer. Murray, então, cita dezenas de línguas e dialetos que domina ou tem conhecimento e deixa os letrados de boca aberta. Depois de explicar a etimologia de clever (esperto, em inglês), ele ganha o emprego e a árdua missão de descrever todas – absolutamente todas – as palavras anglo-saxônicas e seus múltiplos significados.

Murray e sua equipe constroem um scriptorium (gabinete de estudos) que servirá de escritório para a catalogação de milhares de termos que compõem o léxico. A certa altura, todos percebem que a missão é absurda se feita por meia dúzia de pessoas e, então, surge a ideia de convocar voluntários na tentativa de finalizar o projeto. Um comunicado é colocado dentro de cada livro e assim as histórias do professor e do louco se cruzam.

Minor continua preso num hospital psiquiátrico e passa a receber um tratamento mais humano para sua esquizofrenia – ele começa a pintar e ler. Ao ganhar um livro de um carcereiro, ele encontra um propósito para sua vida insana e reclusa: consegue transformar, mesmo que por pouco tempo, sua loucura em obstinação. O médico se debruça loucamente no livro O Paraíso Perdido – poema épico da literatura inglesa escrito por John Milton – e passa a ordenar o mundo das palavras, escrevendo centenas de bilhetes que são enviados pelo correio ao professor. Sua vida se divide entre esse trabalho profícuo e a vontade de ajudar a viúva do homem que assassinou. O esquizofrênico, com peso na consciência, passa a enviar dinheiro à mulher.

Minor se torna o maior colaborador do dicionário e Murray o chama de salvador.  E quando Minor surge como o verdadeiro “milagre divino”, a fotografia do filme se altera: se antes as cenas eram marcadas pelo frio do inverno, ambientes sombrios e personagens carregadas de tensão, agora a primavera desponta e a luz começa a surgir.

A cena em que o gênio encontra o louco mostra as semelhanças físicas entre eles, apesar de tantas diferenças. Ambos com suas barbas brancas e olhos azuis. Porém, um brilhante e outro louco. Um escocês, outro americano. Um de Oxford, outro de Yale. Um solto, outro preso.

O dicionário passa a ser objeto secundário e dá lugar a uma outra história também bastante improvável: o amor entre a viúva e o assassino de seu marido. Em uma das cenas, Eliza presenteia Minor com o livro Grandes Esperanças, uma das obras-primas de Charles Dickens, que discute culpa, redenção, perdão, desejo e, claro, esperança. E são essas palavras que darão o tom do filme até o final.

PS 1: Para mostrar que a língua é constante como a vida, o OED emitiu, em fevereiro último, um novo comunicado em busca de palavras novas, segundo publicou o jornal The Guardian. “O Oxford English Dictionary (OED) já inclui muitos termos de todos os tipos de negócios e profissões, mas sempre há muitos outros que não chegaram ao nosso conhecimento – e é por isso pedimos a ajuda de vocês”. Ou seja, eles pedem que médicos, bombeiros, professores, marqueteiros e todo tipo de profissional enviem palavras e expressões com novos significados – como budget ou branding – semelhante ao que ocorreu três séculos atrás.

PS 2: O OED também elege a palavra de cada ano. E “tóxico” foi a escolhida em 2018, entre 150 milhões de palavras coletadas em 10 mil sites. A instituição explicou que houve um aumento de 45% no número de vezes que os usuários pesquisaram o termo, que vem na maioria das vezes associado a outra palavra como “masculinidade tóxica” (“toxic masculinity”). O termo se refere ao movimento #MeToo e a luta contra o assédio sexual. Resta agora saber qual será a palavra de 2019! E quem quiser conferir as escolhas de cada temporada deve clicar aqui.

Happy Hour – Verdades e Consequências

Coprodução entre Brasil e Argentina aborda a superficialidade da vida quando passamos a dar vazão aos nossos desejos

Texto por Janaina Monteiro

Foto: Imovision/Divulgação

Horácio é o nome do poeta romano autor da ode 1.11, com a célebre fase em latim carpe diem quam minimum crédula postero (aproveite o dia de hoje e confie o mínimo possível no amanhã). E é esse conselho que Horácio, protagonista da comédia dramática Happy Hour – Verdades e Consequências (Happy Hour – Dale Espacio a Tu Desejo, Argentina/Brasil, 2017 – Imovision) decide adotar: desfrutar a vida, sem se preocupar com o destino e suas consequências. A coprodução estreou nesta quinta-feira (28) e foi o primeiro longa rodado na sala que homenageia o Cine Luz, do recém-inaugurado Cine Passeio, da Fundação Cultural de Curitiba.

O ator argentino Pablo Echarri interpreta um escritor frustrado que ganha a vida como professor universitário no Rio de Janeiro. Casado há 15 anos com Vera (Leticia Sabatella), uma mulher belíssima, deputada estadual e candidata à prefeita, Horácio se vê diante de uma crise existencial e procura dar sentido à sua vida. O casal, então, “despacha” o filho para a casa dos avós em Buenos Aires, numa clara tentativa de esquentar o relacionamento.

Mas sua persona de sotaque castellano, cabelo grisalho e experiência de vida, suas aulas com citações a Borges e Shakespeare (como aparece no quadro negro em uma das cenas na sala da universidade), transformam-no num tipo sedutor que atrai as alunas. E a insistência de uma delas faz Horácio repensar seu sentido de liberdade. Depois de tanto martelar durante a aula que é preciso dar vazão ao desejo (dale espacio a tu deseo), o professor decide aproveitar o momento e propõe à mulher um relacionamento aberto, assim como viviam o pai do existencialismo, o filósofo Jean Paul Sartre e da mãe do feminismo, a escritora Simone de Beauvoir. E Happy Hour segue nessa linha existencialista: pretende discutir o fim do romantismo diante do desejo de experimentar amores contingentes, mas se perde com subtramas que acabam por deixar a história confusa.

Crises representam momentos de transformação, como a busca pelo autoconhecimento. E no longa, a reviravolta na vida de Horácio acontece quando o bandido conhecido como Homem-Aranha (que escala prédios e residências para assaltar) despenca de um dos andares e cai em cheio no capô de seu carro. E é como se o escritor se visse preso na teia do bandido. Horácio se torna o herói da Zona Sul e passa a ser perseguido pela mídia sensacionalista e assediado na rua, quase pondo em xeque a carreira política da esposa. Vera precisa manter as aparências – a imagem da família estruturada – durante sua campanha à prefeitura.

A vida do casal, então, mergulha na melancolia de um tango de Piazzolla (“Balada Para um Louco” está na trilha sonora) e num mundo absurdo tipo samba do crioulo doido. O que é ficção e o que é realidade? Horácio já não sabe mais se quer trair a mulher. Depois de ser surpreendida pela sinceridade do marido, Vera, por sua vez, tem dúvidas se quer continuar casada com ele.

O longa prende a atenção do espectador mas peca pelo excesso de elementos narrativos e os saltos radicais entre comédia e drama. Percebe-se também a tentativa dos roteiristas Eduardo Albergaria (que dirige a trama), Fernando Velasco e Carlos Artur Thiré em abordar temas filosóficos profundos (Horácio faz uma rasa referência ao eterno retorno de Nietzsche e a Albert Camus, quando fala em sentir-se estrangeiro) e que soam superficiais. Esse viés dramático muitas vezes não faz sentido e contrasta com cenas que satirizam programas policialescos (dos quais Horácio se torna personagem principal) e referências ao cenário político brasileiro, por exemplo. Em determinada cena, Vera diz “a luta continua”, como se fosse uma interferência da própria atriz petista no roteiro. Aliás, a beleza de Letícia Sabatella impressiona mais (aparece em close quase sem maquiagem) do que sua própria atuação.

Os roteiristas também se atropelam ao simplesmente esquecer o filho do casal no desenrolar da trama. Aparentemente passam-se semanas e o garoto continua na casa dos avós. Seria muito mais trabalhoso se o casal discutisse a relação com o filho presente no dia a dia. E só perto do final é que Horácio e Vera conversam com o menino via chamada de vídeo. Ou tentam conversar, porque o garoto mal abre a boca e a cena não emociona.

Personagens secundários poderiam ter sido melhor exploradas, como o de Chico Diaz e de Marcos Winter (ambos interpretam políticos). Mas quem rouba o filme é Ricardo, interpretado por Luciano Cáceres. Ele surpreende quando interpreta parte da canção “Fala”, do grupo Secos e Molhados (“Eu não sei dizer, nada por dizer, então eu escuto”) durante um “momento fossa” de Vera.

Se a personagem de Horácio busca encontrar um sentido para a vida, a dificuldade é a mesma para quem assiste a Happy Hour. É difícil costurar os significados com tantas subtramas, com tantas teias de aranha. Mas talvez a intenção seja justamente esta: a superficialidade da vida quando damos vazão aos nossos desejos, assim como num happy hour com duração de 105 minutos.