Music

A Place To Bury Strangers – ao vivo

A sonoridade dos últimos momentos antes da morte devem ser assim como a banda de Oliver Ackermann e Dion Lunadon

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Texto e foto por Fábio Soares

Sempre tive curiosidade (que muitos, gratuitamente, rotulariam como “mórbida”) em saber o que se passa na mente de um indivíduo momentos antes de sua morte. Já li diversas teorias a respeito: flashback de instantes felizes ao lado da família, admiráveis feitos individuais (completar uma maratona ou ter escalado uma montanha, por exemplo), a primeira transa, a hora do “sim” numa cerimônia de casamento…

Mas por que será que ninguém se ateve a estender esta curiosidade para quais sons um morimbundo levaria para eternidade num momento final? Quando Joey Ramone morreu de câncer em 15 de Abril de 2001, noticiou-se que no exato instante de sua morte, a canção do U2 “In A Little While” (do álbum All That You Can’t Leave Behind, de 2000) foi a trilha sonora de sua passagem. Em vez da suavidade da canção de Bono e sua turma, ainda acho que os átomos de minutos pré-morte são caóticos, perturbadores e inquietantes, como toda grave mudança de plano sugere. Traçando o devido paralelo, portanto, o som da banda A Place To Bury Strangers, vem a calhar: noise rock elevado ao limite de sua extremidade, fruto dos cérebros nervosos de Oliver Ackermann e Dion Lunadon traziam a expectativa de hecatombe nuclear muito antes de sua chegada a São Paulo. Sabia-se que os shows do grupo beiravam a exaustão sonora, fato este que comprovou-se no último 8 de maio, quando após executarem uma única canção no show extra agendado para a data, a parte elétrica da Sala Adoniran Barbosa, no Centro Cultural São Paulo não aguentou o tranco e pediu água, forçando a banda a se apresentar em duas sessões no dia seguinte.

Quem assistiu a estas duas sessões na sequência deve estar, neste momento, seguindo instruções de otorrinolaringologistas após o caos sonoro presenciado. A parte visual do espetáculo restringia-se à fumaça artificial que propositalmente preenche o espaço, deixando a plateia às cegas. A partir daí, um caminhão de distorções, efeitos de guitarras, batidas marciais e inexplicáveis camadas sonoras bombardearam o público num volume altíssimo. A sensação era de se estar em meio a uma catástrofe sem nenhuma saída para escapatória. A banda também demonstrava não ter qualquer apreço a seus bens materiais. Por mais de uma vez, Ackermann e Lunadon arremessam seus instrumentos ao ar que, agonizantes, chocaram-se ao solo para novamente serem empunhados e acionados como instrumentos de uma tortura da qual ninguém reclamava. Muito pelo contrário, aliás.

Ao fim da apresentação, uma agoniante nuvem sonora de microfonias permanecia no ambiente a enlouquecer os presentes. É extremamente difícil e inexato definir o show do A Place The Burn Strangers numa única palavra. Uma ópera da agonia que retorce os sentidos e nos entrega a um mundo de possibilidades. A trilha sonora do fim. Se a morte é precedida de uma barulheira dessas, o que vem depois só pode ser a tranquilidade de uma eternidade perene.

Seguindo essa linha se raciocínio, o show do APTBS pode ser rotulado como purgatório? Sim, por que não? Topamos!

Set List primeiro show: “Alone”, “You Are The One”, “Mind Control”, “Worship”, “Fear”, “Dissolved”, “Why I Can’t Cry Anymore”, “Revenge”, “And I’m Up”, “Slide” e “Leaving Tomorrow”.

Set List segundo show: “Ego Death”, “We’ve Come So Far”, “So Far Away”, “Deadbeat”, “Drill It Up”, “There’s Only One Of Us”, “Exploding Head”, “Fill The Void”, “Machine Jam #1”, “Never Coming Back”, “Keep Slipping Away”, “I Lived My Life To Stand In The Shadow Of Your Heart” e “Ocean”.

Music

The Who’s Tommy – ao vivo

Montagem britânica recria a clássica ópera-rock pela segunda vez no palco do Teatro Guaíra, em Curitiba

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Texto e foto por Abonico R. Smith

O Who encontrava-se num grande dilema no final dos anos 1960. Depois de emplacar uma série de hits em singles e transformar-se numa poderosa banda para ser vista ao vivo, ainda faltava um grande disco, uma respeitável coleção de canções compondo uma mesma obra. Afinal, era o tempo dos álbuns que traziam um conceito costurando as faixas mais capa, contracapa e toda o resto da programação visual da obra. Em dezembro de 1967, fechando um ano glorioso para álbuns temáticos, o quarteto lançou The Who Sell Out, no qual brincava com a relação entre a música e a comunicação e toda a questão do consumo a ela associado, inclusive com propagandas fictícias estampando as fotos e preenchendo os intervalos entre as músicas. Apesar das críticas positivas da imprensa, as vendas não decolaram, frustrando, assim, mais uma vez, as expectativas de emplacar um álbum.

Foi então que caiu nas mãos de Pete Townshend um livro do guru Meher Baba e ele se interessou pelas obras e a mensagem do indiano que passou seus últimos 44 anos de vida sem quebrar o voto de silêncio feito em 1925 e para quem o uso de drogas alucinógenas – intenso naquela época de explosão contracultural – não servia para fins espirituais. Provocado pelo empresário e produtor artístico das gravações da banda, Kit Lambert, o guitarrista topou compor uma ópera-rock para o próximo álbum da banda. O formato já não era novidade para o Who, que havia feito o mesmo – porém com menor duração – em “A Quick One, While He’s Away” (com nove minutos de duração e seis atos), última faixa do segundo álbum, A Quick One (1966). Então, recluso em seu estúdio caseiro, Pete compôs as demos que viriam a ser as músicas de Tommy, o tão esperado álbum de sucesso comercial do Who, lançado em 23 de maio de 1969.

O álbum duplo contava a história de um garoto inglês que, diante de uma série de abusos na infância (sexuais e psicológicos, sobretudo), fecha-se num mundo de introspecção e perde o contato sensitivo com o mundo humano, tornando-se, sugestiva e convenientemente, cego, surdo e mudo. Depois de descobertas como o prazer sexual (simbolizado pelas drogas sintéticas) e o poder (o jogo de fliperama), recobra os sentidos já adulto, ao enxergar o seu reflexo em um espelho, e acaba se convertendo em uma espécie de messias em um acampamento jovem (religiões e seitas). Entretanto, sua mão pesada contra os seguidores provoca uma rebelião que o destitui. O final é aberto, mas muitos fãs sugerem que Tommy teria se fechado de novo ao mundo, voltando às fantasias desenvolvidas em sua mente.

Para compor a trama, o guitarrista utilizou diversas referências autobiográficas, inseridas nos personagens em maior ou menor grau de veracidade com as suas próprias experiências de vida. Mas o fato é que Tommy, enfim, teve o seu reconhecimento popular traduzido em vendas (número dois nas paradas britânicas e quatro nas americanas), emplacou um hit nas rádios mundiais (“Pinball Wizard”), deu início a uma grande turnê que reproduzia o repertório na íntegra e ainda inaugurou uma nova fase do Who, menos pop e bem mais pesada, com grandes álbuns na sequência e shows concorridos no mercado americano, onde a performance explosiva de cada um dos quatro integrantes eram os grandes destaques. Em 1972 o disco ganhou versão orquestral e em uma estreou celebrada versão cinematográfica com direção do britânico Ken Russell com elenco encabeçado pelo próprio vocalista Roger Daltrey e as participações dos atores Ann-Margret, Oliver Reed e Jack Nicholson mais outros ídolos do rock como Elton John, Tina Turner, Eric Clapton, o próprio Townshend e mais John Entwistle e Keith Moon (respectivamente, o baixista e o baterista da banda). Em 1993, veio um musical da Broadway com a adição de canções inéditas assinadas por Townshend. Com o passar dos anos as vendas ultrapassaram a marca de 20 milhões de exemplares físicos, o que garantiu que a obra entrasse para o Hall da Fama do Grammy.

Ainda na década de 1990, a montagem da Broadway circulou pelo nosso país, sendo Curitiba umas das escalas. Agora, na noite do último dia 23 de março de 2019, mais de duas décadas depois, o mesmo Teatro Guaíra recebeu uma outra montagem de Tommy, desta vez britânica, que também passou por outras cidades brasileiras (Belo Horizonte, Florianópolis, Porto Alegre, Rio de Janeiro, São Paulo) e países sul-americanos (Chile, Paraguai, Peru). Encenado há 24 anos em Londres, o musical The Who’s Tommy trouxe seu elenco atual formado por uma banda de cinco músicos altamente técnicos (alguns assumindo os vocais na hora da entrada em cena de personagens secundários) e seis cantores-atores (inclusive um mirim, representando o protagonista ainda na infância). Toda e qualquer informação adicional vinha do telão disposto ao fundo do palco, que trazia muita referência visual ao filme de Russell e ainda uma alteração temporária significativa na história: o nascimento de Tommy Walker é transferido para depois da Segunda Guerra (mais precisamente em 1951, não mais em 1921), fazendo, assim, com que ele acabe por completar 18 anos justamente quando o álbum original fora lançado.

Por falar na obra de 1969, o set list da montagem inglesa respeita integralmente a ordem das faixas disposta pela banda no álbum duplo, ignorando a sequência e as novidades levadas ao cinema. Gary Brown solta o gogó como o Tommy adulto e conquista qualquer plateia com seu carisma e potência vocal. Contudo, quem rouba a noite é Joanna Male, cantora oriunda da cidade de Liverpool, que se divide entre a mãe Nora e a cafetina cigana Acid Queen. Na apresentação realizada em Curitiba não foi diferente, por sinal. Programada inicialmente para dois atos, a ópera-rock foi executada sem intervalos no Teatro Guaíra, fazendo com que os 75 minutos das canções passassem voando.

E quem não foi apressadinho e saiu do local nos momentos finais da canção de encerramento do musical ainda ganhou um belo brinde. Banda e cantores se uniram no palco para um bis especial, formado por cinco outras composições do Who, todas lançadas nos anos subsequentes ao sucesso mundial de Tommy. Com direito a show de iluminação em laser e clássicos como “Won’t Get Fooled Again”, “Baba O ‘Riley” e “Behind Blue Eyes”.

A capital paranaense já assistiu às montagens de Tommy vindas dos dois lados do Oceano Atlântico. Agora só faltam os originais Daltrey e Townshend. Tomara que isto ainda seja possível ainda um dia.

Set List: “Overture”, “It’s a Boy”, “1951”, “Amazing Journey”, “Sparks”, “The Hawker”, “Christmas”, “Cousin Kevin”, “The Acid Queen”, “Underture”, “Do You Think It’s Alright?”, “Fiddle About”, “Pinball Wizard”, “There’s a Doctor”, “Go To The Mirror!”, “Tommy, Can You Hear Me?”, “Smash The Mirror”, “Sensation”, “Miracle Cure”, “Sally Simpson”, “I’m Free”, “Welcome”, “Tommy’s Holiday Camp” e “We’re Not Gonna Take It”. Bis: “Won’t Get Fooled Again”, “Baba O’Riley”, “Behind Blue Eyes”, “Who Are You” e “Join Together”.

Music

Hurtmold

Depois de show intimista em Curitiba, banda fala ao Mondo Bacana sobre os 20 anos de carreira e os planos para um novo disco

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Texto e entrevista por Guilherme Motta

Fotos: André Calvente/Divulgação (banda) e Guilherme Motta (show)

Na véspera do feriadão de carnaval, Curitiba recebeu uma das bandas referência da música contemporânea brasileira. O Hurtmold, que está completando 20 anos de sua existência, apresentou-se na noite quente de quinta-feira (28 de fevereiro) no jardim do Veg Veg – Empório Vegano, que há algum tempo vêm nos trazendo algumas bandas do cenário independente. Quem conhece os proprietários sabe que eles sempre foram envolvidos com o cenário do punk e desde então vêm trazendo bandas para se apresentar na cidade.

O showcontou com pouco mais de 150 pessoas. Os ingressos eram limitados e isso tornou ainda mais especial, intimista e animador. O cuidado com o preparo do palco, equipamentos, luz e ambiente fez com que essa apresentação fosse uma das coisas mais bonitas que eu já presenciei na cena independente local. E palavras do próprio Fernando Cappi, guitarrista da banda, “Tocar aqui desta forma, para essas pessoas, foi uma das experiências mais bonitas e intensas que já tive”.

A apresentação durou em torno de uma hora. Tinha de acabar cedo, pois o espaço é aberto e há residências vizinhas ao entorno. Os caras executaram seus mais diversos temas instrumentais. O set list foi bem diversificado, com músicas dos trabalhos mais antigos até os mais recentes.

O público estava visivelmente muito empolgado em ver o sexteto paulistano ali, tocando num espaço pequeno. Como não pode faltar em apresentações como estas, entoaram um coro que deu orgulho quando a banda começou a tocar a música que é uma das minhas preferidas, “Chuva Negra”, emendando logo depois “Desisto”. Realmente muito emocionante.

Logo após o show, depois da adrenalina baixar, fumar alguns cigarros, trocar ideias com os integrantes pela calçada em frente ao local do show, sentamos tranquilos em uma mesas perto do palco. Ali os caras me concederam uma entrevista, que foi mais como uma conversa normal entre uns amigos falando sobre as bandas que gostam, rolês, amigos, discos, livros, etc. O texto que segue é um resumo sobre tudo o que conversamos. Afinal, foram algumas horas de conversa gravada e transcrever tudo isso seria impossível. Detalhe: não apenas um só integrante falou, mas todas as respostas estão creditadas à banda como um todo.

Hurtmold

São 20 anos de banda já… Vocês são amigos há quanto tempo? Como começou todo esse rolê de querer tocar e formar o Hurtmold?

Cara, são alguns núcleos na banda, alguns de nós nos conhecemos em 1995, estudando juntos, no primeiro colegial, o Marcão (Marcos Gerez) entrou no mesmo colégio no ano seguinte. O Fernando e o Mário são irmãos e o Maurício Takara a gente conheceu por volta de dois anos depois, ali em 1996/1997 porque fomos ensaiar no estúdio da família dele. E também a gente já meio que sabia quem era porque íamos em shows das bandas dele, do rolê hardcore/punk, bandas como o Againe, e o Small Talks. A gente estava procurando um estúdio pra ensaiar e achamos esse aí. Tinha uma galera que curtia Descendents. Tinha uns argentinos bem loucos. E quando chegamos lá eram os caras. Nisso começou nossa amizade.

Vamos lá, deixa eu ver se estou certo: nestes 20 anos já são seis álbuns, um split e dois demos?

Vish, cara! Você sabe melhor do que nós. Se você diz… é isso aí!

Está aqui, anotado! Vocês são uma das bandas mais influentes do cenário experimental.  E como é vocês olharem pra trás e verem tudo isso que fizeram, toda essa bagagem nas costas?

É meio natural, na real, porque a gente começou, continuou e estamos aí!. A gente tem a banda porque é amigo e não ao contrário. E isso é bem determinante no fator banda. É o bagulho mais legal do mundo, saca? Toda vez que a gente sai tocar junto e viajar é muito foda! Estamoa lá tocando e sempre pensamos “pô, que massa, está funcionando e é do caralho!”. Inclusive quanto mais velho a gente vai ficando e tocando, mais emocionado a gente fica com o rolê.

O intuito é sempre esse, né? Continuar fazendo um som com os amigos. fator mais importante pra mim também. Agora, passando para o ano de 2016… O disco Curado, com o Paulo Santos, ex-Uakti. O cara é a referência da música contemporânea no Brasil. Como foi esse processo? Vocês já tinham algo pronto e só chamaram ele ou entraram em estúdio e fizeram tudo do zero?

A gente já tinha feito alguns shows com o Paulinho uns anos antes. O contato começou quando alguém sugeriu uma participação e a gente topou. Então, ficamos nos comunicando por e-mail. Rolavam umas idéias e decidimos fazer a parada. E, porra!, no primeiro show que a gente fez juntos a gente não conhecia o cara pessoalmente e quando ele chegou a gente pensou: “nossa, mano, esse cara é tipo um truta nosso, facilmente andaria com a nossa galera se fosse do mesmo rolê!” (risos)E depois dali a gente já sabia que ia longe a parada. Foram uns anos tocando juntos quando resolvemos registrar a parceria. Aí saiu esse álbum. Foi bem natural o processo.

Legal, e o cara é punk, tiozinho punk. Essa é a real, não tem como dar errado na minha opinião… E não deu. Já se passaram três anos desse lançamento, vocês tocaram aqui em Curitiba hoje, na sequência no Psicodália. Então aí vai a famosa pergunta: vem coisa nova aí, vão gravar, estão compondo? Como que estão os projetos futuros?

Pô, vai sim, uma hora tem que sair! A gente conversou sobre isso, mas também não vai ser muito em breve. A gente tem o nosso processo, é devagar. Não tem nenhuma cobrança em cima disso. Dentro do nosso ritmo está acontecendo. Sempre que rola uma reunião criamos algo juntos. Então, é natural uma hora nós tenhamos material pra lançar.”

Isso que é massa: não ter obrigação de fazer uma parada e, se rolar, rolou. Agora, para finalizar, essa última pergunta é uma piração minha que eu curto saber da galera por aí. Quero que vocês de dêem o nome de três discos que fez tudo isso acontecer, desde a amizade de vocês até trazer influências para a banda.

Calma aí. A gente tem que decidir entre todo mundo aqui. Três discos? Beleza! Cara, tem um que é crucial, porque eu lembro até de ter comentado com o Farofa, o vocalista do Garage Fuzz, que na escola a primeira coisa que a gente trocou idéia de som foi sobre o Garage Fuzz. Por que a gente sempre ouvia os caras, a gente vivia nos shows e tal. Outra coisa é que a gente teve a chance de ver o Fugazi, conversar com os caras depois do show. E isso foi um divisor de águas para a gente. O Fugazi é uma banda muito importante. Isso ajudou a formar o núcleo do começo do Hurtmold. Então, acho que Repeater, do Fugazi, entra nessa lista. E outro disco que pode entrar também é o clássico A Love Supreme, do John Coltrane. Não é o mais importante pra todo mundo, mas a energia e a idéia do disco é a mesma.

Então é isso mesmo? Esses três?

Isso mesmo: 1) Garage Fuzz, Relax In Your Favorite Chair; 2) Fugazi, Repeater (mas pode colocar todos os discos deles aí também); e 3) John Coltrane, A Love Supreme.