Roger Waters

Oito motivos para não perder a passagem pelo Brasil de This Is Not a Drill, aquela que deve ser a última turnê do ex-integrante do Pink Floyd

Texto por Frederico Di Lullo

Foto: Reprodução

Roger Waters, um dos maiores ícones em todos os tempos, está trazendo a turnê This Is Not a Drill para o Brasil neste ano. Serão sete datas em seis cidades: Brasília (24 de outubro), Rio de Janeiro (28), Porto Alegre (1 de novembro), Curitiba (4), Belo Horizonte (8) e São Paulo (11 e 12, sendo a primeira noite com ingressos esgotados). Mais informações sobre os preços, horários, compra de entradas e os locais das apresentações você encontra clicando aqui.

Por isso, se você é fã de sua música e do engajamento político deste senhor que completará 80 anos de idade no próximo mês de setembro, não pode perder essa oportunidade. Talvez seja mesmo a última, como está sendo anunciado o evento.

E aqui estão oito motivos para que você não deixe de assistir a esse espetáculo inesquecível. 

Lenda do rock

Ver uma lenda viva do rock em ação em pleno palco é algo maravilhoso. No caso de Waters, suas performances cativantes, vocais icônicos e presença de palco arrebatadora servem como celebração da música e do legado do Pink Floyd. Prepare-se, então, para uma noite de energia, paixão e música de qualidade impecável. Se o sold out de cada data vier, a venda de ingressos estará quase lá no limite.

Repertório atemporal

A turnê de Roger Waters apresenta um repertório que abrange décadas de sucesso e inclui algumas das músicas mais amadas da história do rock. De clássicos setentistas do Pink Floyd como “Comfortably Numb” e “Wish You Were Here” a faixas de sua carreira solo, como “The Bravery Of Being Out of Range”, a máquina do tempo será acionada em uma jornada que promete ser nostálgica, cativante e, sobretudo, emocionante. 

Visual impactante

Waters é conhecido por suas produções grandiosas e visuais impressionantes. Então você pode esperar um espetáculo audiovisual que combine música, projeções cinematográficas, efeitos especiais e aquela megailuminação incrível. Cada detalhe é cuidadosamente elaborado para criar uma experiência sensorial imersiva que complementa perfeitamente a música comandada por ele ali no palco.

Elementos multimídia 

Ao vivo, Roger Waters também é sinônimo uma combinação habilidosa de música, teatro e arte visual. Os elementos multimídia, como a presença do icônico porco inflável, projeções de vídeo e cenários elaborados, criam um ambiente teatralmente envolvente. Você se sentirá fazendo parte de uma narrativa visual e sonora poderosa que vai se desenrolando diante de seus olhos por toda parte.

Sonoridade apurada

Não é só o lado visual. A sonoridade é estrategicamente planejada. Desde os solos de guitarra arrebatadores até os backing vocals, cada momento executado pelos músicos da banda de apoio é cuidadosamente criado para impactar e emocionar. 

Mensagens de conscientização

Além das canções, o baixista é reconhecido por suas mensagens políticas e sociais em suas performances. Se muitas pútridas pessoas vaiaram e xingaram o músico nas suas últimas apresentações no Brasil por se referir ao ex-presidente como o que ele mesmo representa, hoje vemos a situação política brasileira mais promissora. Em This Is Not a Drill, as projeções visuais fazem um chamado à reflexão e à conscientização sobre questões importantes do nosso tempo, sendo um verdadeiro ato revolucionário, em prol dos direitos humanos e contra a opressão. 

Atmosfera de comunhão

Milhares de pessoas reunidas, compartilhando a paixão pela música e pelas mensagens transmitidas, criam um ambiente de conexão e energia positiva. Por isso, assistir a um show de Roger Waters é entrar em uma atmosfera de comunhão com os fãs e com o próprio artista. Desta vez, muito provavelmente, sem a presença de xiitas pagando ingresso para xingar o próprio ídolo.

Eu te disse, eu te disse!

Lá no começo dos anos 1970 os estúdios Hanna-Barbera lançaram um desenho animado que no Brasil ganhou o título de Carangos e Motocas. Em cada aventura, toda vez que a turma comandada pela motocicleta vilã Chapa tinha um plano mal sucedido contra o mocinh” Willie, um fusca, entrava em cena o mais divertido integrante da trupe dos antagonistas. Representava o bom menino que andava com as más companhias, Confuso, uma motoneta de voz estridente, repreendia o amigos com um irritante “eu te disse, eu te disse!”. A advertência serve como metáfora para a nova vinda do cantor e compositor ao nosso país. Não tem como não imaginar Waters pensando em tudo o que passou por aqui durante os shows da tour anterior Us And Them, que rolaram nos dias que antecederam os dois turnos da eleição presidencial. Deve ser inevitável ver aquele belo sorriso de ironia no rosto, mesmo que cuidadosamente ensaiado para ser mostrado de modo discreto ao vivo.

Bela Vingança

Como a violência causada pelo estupro de uma mulher pode se refletir não só na vítima mas também em quem convive com ela

Texto por Ana Clara Braga

Foto: Universal Pictures/Divulgação

O que faz um filme nos emocionar ? Finais felizes? Resoluções de conflitos? O sentimento de satisfação que nos move a dizer se gostamos ou não de uma história? A utopia do “feliz para sempre” da ficção que nos atrai ao cinema? Bela Vingança (Promising Young Woman, EUA/Reino Unido, 2020 – Universal Pictures) subverte essa ordem sem medo. É uma obra ambiciosa e que pode não atender às expectativas de quem o vê.

Cassandra (Carey Mulligan) é uma mulher beirando os trinta anos e que largou a faculdade de medicina após algo ocorrer com sua melhor amiga de infância e colega de classe, Nina. Sem perspectiva de futuro e abalada pelo luto, Cassie trabalha em um café durante o dia e nas noites frequenta bares e baladas, onde finge estar bêbada para atrair homens mal intencionados. 

Essa é a estreia de Emerald Fennell na direção, atriz conhecida por interpretar Camilla Parker-Bowles na série The Crown. O filme é um drama-comédia ácida com sentimento e busca pela verdade. É uma boa ideia vê-lo sem assistir ao trailer antes, eles passam uma ideia deturpada do que será visto. O filme não é um thriller, nem uma jornada tensa por vingança. Embora o sentimento de vingança seja sim um elemento importante do enredo, o luto é a bússola condutora.

Todas as ações de Cassie são pautadas pelo trauma vivido por sua amiga na faculdade e que passa a ser carregado por ela. Quando as duas ainda eram estudantes de medicina, Nina sofre um abuso sexual que, mesmo reportada à insituição, não traz consequências aos abusadores. A indignação por conta da impunidade leva Cassie a virar uma espécie de vigilante da noite. Ao contrário do que o trailer dá a entender, não existe violência envolvida no filme: suas armas são palavras é a humilhação de pegar até o mesmo o mais legal dos homens tentando se aproveitar de uma mulher indefesa. A primeira cena é um bom resumo desse plano de vingança. Fingindo embriaguez, a moça é observada por um grupo de engravatados, o aparentemente mais decente do grupo se oferece para levá-la para casa e tenta se aproveitar de sua fragilidade. É uma interpretação da premissa de que todo homem é um predador em potencial, até os que não parecem ser.

A fotografia em tons pastéis contrasta com a atmosfera pesada da história. Os momentos ácidos de humor, principalmente ao lado de Ryan (Bo Burnham) são ótimos. A trama paralela de romance vivida por ele e Cassie ajuda a entender as dimensões do trauma carregado pela protagonista e é de extrema importância para o ato final do filme. 

O final de Promising Young Woman é controverso. Muitos não vão aprovar a escolha da diretora, mas faz sentido com a mensagem do filme. A justiça às vezes é amarga, triste, obscura. Não é um final satisfatório ou para trazer um sentimento de conforto. Pelo contrário: é dolorido, difícil de engolir. 

Intencionalmente a palavra estupro é pouco falada ao longo filme, sendo substituída por eufemismos e sinônimos. O grande momento catártico acontece quando Cassie consegue fazer um dos culpados proferir o termo. A confirmação da verdade escondida e renegada há anos é a verdadeira justiça.

Com isso, Promising Young Woman acaba sendo um filme bastante atual, pronto para atingir homens e mulheres de maneiras diferentes. É fruto de seu tempo, cria direta da era #metoo. Carey Mulligan, por entregar uma ótima atuação, prova que os efeitos de um abuso se estendem não só à vítima, mas a todos que convivem com ela. Seu amargor, portanto, replica a realidade.

>> Bela Vingança concorre no dia 25 de abril ao Oscar 2021 em cinco categorias: filme, direção, atriz, roteiro original e montagem

História de um Casamento

Scarlett Johansson comanda um time de grandes atuações em filme que mostra como um divórcio pode fazer mal sobretudo aos filhos

Texto por Janaina Monteiro

Foto: Netflix/Divulgação

Existe um ditado que diz mais ou menos assim: você só conhece uma pessoa de fato quando se separa dela. Ou seja, uma gatinha pode se tornar uma leoa da noite para o dia quando se trata de proteger a cria.

Enfrentar um divórcio é como entrar numa guerra. Raros são aqueles que chegam a um acordo de paz sem antes lutar contra justamente a pessoa que, um dia, entrou na sua vida para compartilhar o tempo, o espaço e a genética. Aquele que ontem era seu amigo e emprestava os ombros pra você chorar hoje dá de ombros e te faz chorar, transformando-se num rival. Durante o doloroso processo, muitas vezes é preciso cavar até o fundo do poço para, enfim, desmembrar aquele território edificado a dois com enorme dispêndio de energia, afeto, carinho, amor e, claro, dinheiro.

Casamento, enfim, é como qualquer sociedade. Pode ou não dar certo. Tentativa e erro. Para serem bem-sucedidos, os sócios devem estar muito bem alinhados. Caso contrário, o relacionamento chega ao fim, não se sustenta, desmorona, como tudo na vida que é efêmero. A única diferença é que, sem filhos, o adeus pode ser definitivo. Como é impossível dividir um filho, o desfecho pode tomar outro rumo. Nesse caso, o desgaste é maior e o poder de negociação atinge limites impensáveis, com trocas de acusações na frente do juiz, que revelam segredos e deixam feridas expostas. E todo o amor que um dia talvez tenha existido dá lugar à raiva, à amargura, como nos mostra o tocante longa História de um Casamento (Marriage Story, EUA/Reino Unido, 2019 – Netflix), do diretor e roteirista Noah Baumbach, hoje casado com a atriz, diretora e roteirista Greta Gerwig.

Separação, aliás, é um tema recorrente da filmografia de Baumbach. Em sua primeira obra, a autobiográfica A Lula e a Baleia, o diretor se inspirou na separação dos pais e conduziu a história sob o ponto de vista dele e do irmão. Já em seu mais recente e cultuado História de um Casamento, um dos nove indicados ao Oscar de melhor longa em 2020, ele se debruça em seu divórcio com a atriz Jennifer Jason Leigh, com quem tem um filho de 9 anos, praticamente a mesma idade do filho dos protagonistas vividos por Scarlett Johansson, exuberante no papel da atriz Nicole, e Adam Driver, que interpreta Charlie, um respeitado diretor de teatro.

A história do título (que lembra Cenas de um Casamento, de Ingmar Bergman) começa pelo fim do relacionamento entre Nicole e Charlie. Para quem não vivenciou a traumática experiência de uma separação, é bem possível que História de um Casamento seja percebido como uma obra mediana, com uma direção correta e um roteiro bem-feito. Talvez se fosse distribuído para o cinema e não exibido diretamente via streaming, a recepção fosse outra. Eu, no entanto, tive de pausá-lo algumas vezes por causa de tamanha identificação com a personagem de Scarlett, que também se inspirou na experiência pessoal para transmitir com um realismo pungente toda a angústia, frustração e tristeza do fim de um longo relacionamento.

O drama começa numa sessão de terapia de casal, uma tentativa vã de recuperar algo daquela faísca do amor primordial. Charlie escreve sobre as qualidades de Nicole e as lê em voz alta. Ela, por sua vez, não consegue fazer o mesmo. Para Nicole, não há mais salvação. A relação terminou e por motivos comuns a vários casais, como traição e desencanto pelo parceiro. Quando se casou, Nicole abriu mão de uma carreira promissora de atriz de cinema em Los Angeles para morar em Nova York, onde Charlie dirige uma companhia de teatro. Ao longo dos anos, ela passou a se sentir ofuscada pelo marido.

Com a união em colapso, Nicole aceita a proposta para estrelar o piloto de uma série de televisão e se muda para a casa da mãe em Los Angeles, levando com ela o filho Henry (Azhy Robertson). Charlie continua do outro lado do país. Perdido com toda a situação, parece não se dar conta de que Nicole não voltará mais. Os dois, então, permanecem separados física e emocionalmente e ele se desdobra para viajar até a Costa Oeste para visitar Henry.

O ressentimento, aliado ao fator filho, leva Nicole a procurar a advogada Nora, interpretada pela sensacional Laura Dern (que levou os principais prêmios de coadjuvante da temporada por este papel). Quando os advogados entram em cena, o drama toma o rumo bem ao estilo de Kramer vs Kramer, vencedor do Oscar de melhor filme em 1979, com Dustin Hoffman e Meryl Streep. O dilema que poderia se encerrar num acordo – e que seria mais benéfico para Henry – transforma-se em disputa judicial pela guarda da criança. As economias, até então reservadas para pagar a futura faculdade do filho, agora vão direto para o bolso dos advogados, que cobram honorários astronômicos, dignos de estrelas de Hollywood. Durante o litígio, a vida do casal é totalmente esmiuçada; cada detalhe, cada deslize, por mínimo que seja, pode ser usado perante o juiz, desde tomar uma mísera taça de vinho na frente do filho ou esquecer de acomodar o assento no carro.

Conforme a narrativa se desenvolve, Scarlett cresce no papel e nos envolve com sua personagem, como na cena de sua primeira reunião com Nora, quando subitamente começa a chorar ao contar a história. A advogada desce do salto e consola a atriz, num discurso que expõe toda a pressão sobre a figura materna rodeado pelo mito da irgem Maria: a sociedade tolera que o homem seja um pai ausente, mas à mãe jamais é permitido sair da linha.

Sem dúvida, a sequência mais visceral e desconcertante é a cena em que Charlie e Nicole discutem sozinhos e lavam toda a roupa suja. Não sobra nada, nem um par de meias. Nesse ponto, a direção de Baumbach insere o espectador lá dentro do apartamento, como se testemunhássemos a discussão.

Histórias de um Casamento pode não ter levado o Oscar, mas é um filme sensível e honesto, com foco no roteiro e atuação do elenco (tirando a mãe de Nicole, cujo papel é exagerado). E o belíssimo desfecho nos mostra que, para proteger a saúde mental do filho, a mágoa, a raiva e a culpa devem dar espaço à dignidade, à civilidade e ao respeito mútuo.

Patti Smith + Raconteurs + Hot Chip + CSS – ao vivo

Edição 2019 do Popload Festival coroa o reinado da musa punk com “abertura” de Jack White, retorno triunfal e plateia virando pista de dança

Texto por Fábio Soares

Fotos: Fabricio Vianna/Popload Festival

O décimo quinto dia de Novembro de cada ano definitivamente entrou no calendário de shows do paulistano. Repetindo a data pela terceira vez consecutiva, o Popload Festival trouxe em 2019 a diversidade ao Memorial da América Latina, local este que definitivamente deveria ser mais utilizado para a realização de grandes eventos devido à sua excelente localização e acesso. Desde o anúncio do line up, em março, a venda de ingressos custou a decolar mesmo com um nome de peso como atração principal. Inúmeras promoções foram divulgadas, sobretudo nos trinta dias que antecederam o festival e, apesar dos percalços, a organização disse que todos os 15 mil ingressos disponibilizados foram vendidos.

CSS

O Mondo Bacana chegou ao local por volta de 16h, ainda a tempo de presenciar um tão aguardado retorno. Após uma conturbada separação, com intensa troca de acusações com seu ex-integrante (e decano) Adriano Cintra, o CSS foi escalado devido à enésima desistência do grupo norte-americano Beirut. Por ironia do destino, a escalação do grupo de última hora caiu como uma luva no line up. O Cansei de Ser Sexy ainda possui uma legião de fãs desde quando tinha o mundo alternativo a seus pés lá no triênio 2006-2008.

Sob um clima de grande comoção, Lovefoxxx, Ana Resende, Luiza Sá e Carolina Parra subiram ao palco. A vocalista logo soltou um “Feliz 2004!” aos primeiros acordes de “Art Bitch”. A partir daí veio um set list para nenhum fã mais devoto reclamar: “Music Is My Hot Hot Sex”, “Bezzi”, “Meeting Paris Hilton”, “Alala” foram entoados em uníssono pela turma do gargarejo. Lovefoxxx ainda reina absoluta no imaginário de seus fãs, muitos deles ainda adolescentes quando o grupo explodiu há quase uma década e meia. Agora entre o trintão e o quarentão, o grupo finca de vez sua bandeira na causa LGBT. Visivelmente emocionada, Luísa Matsushita relembrou o recente período de exílio que incluiu uma temporada como moradora do estado do Amazonas, onde apreendeu (e praticou) um estilo de vida autossustentável, hoje continuado em Santa Catarina. “Quando era mais jovem, imaginei que tivesse de vir para uma cidade grande para encontrar minha identidade. Hoje, percebo que isso não é uma regra. A gente pode encontrar nossa identidade em qualquer lugar. Aqui, na praia ou no meio do mato, como eu fiz”, disse, antes dos primeiros acordes de “Superafim” encerrarem a apresentação. Para a alegria dos fãs e o desespero dos detratores, o CSS voltou para reescrever sua história. Quanto ao resto, o tempo dirá.

Set List: “Art Bitch”, “Music Is My Hot Hot Sex”, “Hits Me Like a Rock”, “Move”, “Bezzi”, “Meeting Paris Hilton”, “Alala”, “Dynamite”, “Fuck Everything”, “Let’s Reggae All Night”, “Let’s Make Love And Listen To Death From Above”, “City Grrrl” e “Superafim”.

HOT CHIP

Ainda sob a atmosfera de êxtase após o retorno triunfal do CSS, os veteranos britânicos subiram ao palco mais para confundir do que para explicar. Não seria inexato rotular o grupo como “cria do Devo” e. apesar de soar datado, o som do Hot Chip agrada muito mais aos quarentões do que à garotada. “One Life Stand” abriu os trabalhos com um tímido Alexis Taylor agindo como um Rivers Cuomo clubber. Postura esta que destoava do resto do time, que demonstrava uma alegria pujante por estar no palco. Talvez por isso a apresentação demorou um pouco a engrenar. Somente em “Spell”, quinta canção do set list, o público rendeu-se às batidas e linha de baixo pegajosas que transformaram o Memorial numa grande pista de dança.

Com o jogo ganho, “Over And Over”, “Melody Of Love” (do excelente e mais recente álbum A Bath Full of Ecstasy) e “Ready For The Floor” desceram como água para o que viria na sequência: uma inesperada versão de “Sabotage”, dos Beastie Boys, que agradou em cheio a plateia. A seguir, o único equívoco da apresentação: a chatíssima “I Feel Better”, como encerramento, não pareceu uma escolha acertada. A excelente “Brothers”, que inclusive é do mesmo álbum (One Life Stand, de 2010), seria uma ótima pedida para o até logo. Apesar disso, o Hot Chip não comprometeu. E não seria errado afirmar que a banda arrebatou novos fãs após esta mais recente passagem pelo Brasil .

Set List: “One Life Stand”, “Flutes”, “Hungry Child/Everywhere”, “And I Was a Boy From School”, “Spell”, “Over And Over”, “Melody Of Love”. “Ready For The Floor”, “Sabotage” e “I Feel Better”.

RACONTEURS

A alcunha de “multi-homem” dada a Jack White não é sem motivo. Um dos poucos casos de músicos que conseguiram desvincular a exclusividade de sua imagem ao grupo ou projeto que o alçaram ao estrelato, o produtor/compositor/cantor/guitarrista/pianista (mais outras funções que não cabem aqui) trouxe a São Paulo um de seus grupos sob grande expectativa. Com o fiel escudeiro Brendan Benson incluído neste projeto, ele escancara a influência do country blues americano nas canções do quarteto. “Bored And Razed” abriu os trabalhos para delírio dos mais devotos que, com quase certeza, ignoraram o restante das atrações e foram ao festival somente para vê-los. Ao vivo, os Raconteurs mais parecem um rolo compressor e a performance do grupo impressiona.

Como músico, White é um “Deus da Raça”: absoluto nas guitarras, ao piano e teclados, no violão, sabe como poucos usar o virtuosismo a seu favor. Já Benson tem a noção de que seu papel na banda é de escada para o ídolo indie e, mesmo assim, é um privilegiado espectador de luxo em cima do palco. Pontos altos deste show, “Level”, “Don’t Brother Me”, “Only Child” e “Broken Boy Soldier” foram formidáveis pílulas de uma apresentação impecável. O eterno hit “Steady As She Goes” foi executado em versão ampliada para um novo delírio da audiência. Ao final, duas certezas. Jack, o “Rei”, ainda terá súditos por muito tempo. Já pra quem nunca teve estômago para seu virtuosismo, teve nessa sexta-feira a chance de execrá-lo de vez.

Set List: “Bored And Razed”, “Level”, “Old Enough”, “You Don’t Understand Me”, “Don’t Bother Me”, “Only Child”, “Broken Boy Soldier”, “Now That You’re Gone”, “Sunday Driver”, “Help Me Stranger”, “Somedays (I Don’t Feel Like Trying)” e “Steady As She Goes”.

PATTI SMITH

Por mais que o Popload Festival tenha aura de alternativo, a escalação de cultuados veteranos se faz necessária como um chamariz de um certo tipo de público. Foi assim com PJ Harvey em 2017 e com o Blondie no ano passado. Para 2019, a escalação de Patti Smith mais pareceu um alinhamento de planetas. Cada vez mais engajada no universo literário, a musa do punk aproveitou sua passagem por São Paulo para lançar dois livros: o ficcional Devoção e o autobiográfico O Ano do Macaco. Com relação a ambos, uma concorridíssima tarde de lançamento lotou o teatro do Sesc Pompeia no dia anterior.

Mas vamos ao show que encerrou a noite do dia 15. Uma enorme nuvem de expectativa parava sobre a primeira vez de Patti Smith em São Paulo. Na plateia, cinquentões destoavam dos mais jovens e “moderninhos” (grande parte deles, aliás, deixou o local após o término dos Racounteurs). Pontualmente às 20h45 Patti surgiu ao palco ladeada por seus fiéis escudeiros Lenny Kaye (guitarras) e Jay Dee Daugherty (bateria). Ambos a acompanham há mais de quatro décadas. Com um som demasiadamente baixo (a equipe do Popload posteriormente explicou em nota que a responsabilidade pelo volume foi do técnico de mesa escolhido pela equipe da artista), os primeiros acordes de “People Have The Power” foram ouvidos dando o tom de engajamento do que seria a apresentação. Invariavelmente, a cantora explicava em breves introduções a história da canção que viria a seguir. Foi assim com “Beds Are Burning”, cover do Midnight Oil bem adequada ao momento de queimadas na Amazônia, e “Beneath the Southern Cross”. Já “Dancing Barefoot” (a predileta deste que vos escreve!) teve sua execução mais cadenciada, o que não prejudicou em nada sua pujança. Como o apelo emocional é parte integrante de seus shows, pequenos erros passam quase que despercebidos como sua confusão com a letra de “After The Gold Rush”, eterno clássico de Neil Young que levou às lágrimas fatia significativa dos presentes. Como uma sacerdotisa, Patti comandava seus seguidores apenas pela sua verborragia encharcada de ativismo e poesia. Acima de tudo, era uma apresentação para se degustar, com ares de recital em grande parte dela.

Na segunda metade, pausa para um rápido descanso. Patti deixou o palco para que Lenny Kaye e o baixista Tony Shanahan emendassem a dobradinha de covers “I’m Free” (Stones) e “Walk On The Wild Side” (Lou Reed) e retornou para um matador trio de canções reservado para o fim: a eterna “Because The Night”, a espetacular “Land” (seminal hino do clássico álbum Horses, de nove minutos de duração) e o apoteótico final com “Gloria”. A pérola de Van Morrisson que transformou-se numa das mais belas apropriações indébitas da história do rock levou o público presente ao delírio quando Patti literalmente arrancou “na unha” as cordas de sua Stratocaster.

No final, um clima de comoção tomou conta do Memorial. Todos ali sabiam que um show de Patti Smith nunca seria uma apresentação qualquer. Era a história do rock passando diante de nossos olhos como um clássico cinematográfico. Porque ela nos dá a certeza de que não há idade para se engajar e encher o mundo de poesia. Como também não há idade para encantar e ser encantado.

Set List: “People Have The Power”, “Ghost Dance”, “Dancing Barefoot”, “Beds Are Burning”, “Beneath The Southern Cross”, “Free Money”, “I’m Free/Walk On The Wild Side”, “After The Gold Rush”, “Pissing In a River”, “Because The Night”, “Land” e “Gloria: In Excelsis Dio”.

Vox Lux: O Preço da Fama

Natalie Portman interpreta uma estrela da música pop que sofre por ter a vida marcada por atos violentos

Texto por Leonardo Andreiko

Foto: Paris Filmes/Divulgação

O universo das estrelas da música é alvo de especulações e intromissões constantes. É partindo desta premissa que Brady Corbet escreve Vox Lux: O Preço da Fama (Vox Lux, EUA, 2018 – Paris Filmes), mas não é em sua volta que o longa se estrutura. Corbet cria um filme sobre a violência. Com narração de Willem Dafoe, a trama enfoca a história de Celeste (Raffey Cassidy), vítima de um atentado em seu colégio que acaba por fazê-la tornar-se cantora de sucesso. É com este evento que Vox Lux se inicia, numa fortíssima sequência que serve de epílogo aos três atos do filme, divididos como Genesis, Regenesis  eFinale.

Em Genesis, entendemos o início da jornada de Celeste, sua relação íntima com a irmã Eleanor (Stacy Martin) e seu produtor executivo (Jude Law). O ato finaliza com o segundo atentado marcante na vida da cantora, o Onze de Setembro. Com o terceiro atentado terrorista na vida de Celeste, referência ao massacre ocorrido em uma praia da Tunísia em 2015, inicia-se Regenesis. Aqui é quando Natalie Portman assume Celeste e Cassidy passa a interpretar sua filha. Na trama, o massacre ocorre na Turquia, em 2017, com os quatro atiradores utilizando máscaras desenhadas para um clipe da protagonista. Este ato encerra-se com o início do show da estrela em sua cidade natal, objeto de Finale.

A direção de Corbet e a fotografia de Lol Crawley criam uma atmosfera videoclipesca e, ao mesmo tempo, imersa em realidade para Vox Lux. O grafismo cru com que Corbet retrata os atentados que iniciam a obra e seu segundo ato opera como um soco na barriga, indicando que, no fundo, a trama pouco tem a ver com a guinada de uma cantora ao sucesso. A dicotomia com que Cassidy e Portman interpretam Celeste indica a transição entre o puritanismo e o descontrole que ocorreu com o advento do Século 21, além de servir – por elipse – como uma belíssima construção de personagem.

É, de certo modo, graças à sutil recorrência da temática – tão recorrente na rotina contemporânea – que a estética funciona tão bem, alçada pela eficaz montagem de Matthew Hannam. O trunfo, no entanto, reside na ótima coadunação entre a imagem de Corbet e a trilha sonora incidental de Scott Walker – que faleceu recentemente, no último dia 25 de março. As poderosas músicas ecoam, seja pelas abertas paisagens ou pelos ambientes mais fechados, amplificando o sentimento trabalhado pela direção e pela atuação estelar dos nomes principais do elenco.

Jude Law opera bem, mas o verdadeiro brilho do filme é a relação de Eleanor e Celeste, com Natalie Portman e Stacy Martin contracenando com a química de irmãs de fato. Portman, por sinal, entrega uma envolvente personagem que, quando comparada à sua versão de Raffey Cassidy, ganha camadas – pela transição de personalidades – fortíssimas.

Ainda assim, o ato final de Vox Lux é entediante e repetitivo, tentando alcançar reflexões que não o cabem. A resolução do roteiro, ainda por cima, substitui a crueza da trama pelo misticismo do cinema. Dessa forma, incapaz de entregar sua crítica social inteiramente, o filme de Brady Corbet corre, corre, mas atinge seu final mancando.