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Sisters Of Mercy – ao vivo

Andrew Eldritch e sua banda vivem de um passado cada vez mais distante mas os fãs nem ligam para a ausência de qualquer novidade

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Textos de Abonico Smith e Fábio Soares

Fotos: Abonico Smith

A discografia do Sisters Of Mercy é extremamente curta. Primeiro foram lançados dois EPs entre 1983 e 1984. Depois vieram três álbuns entre 1985 e 1990. Nos anos seguintes alguns singles e, enfim, duas coletâneas em 1992 e 1993. Depois mais nada. Neca de pitibiriba. O modelo de negócios do mercado da música mudou do vinil ao compact disc e depois à compressão digital do MP3 e nada de Andrew Eldritch se animar em compor algo novo.

Em 2016, um pouco antes da banda desembarcar pela primeira vez em Curitiba para uma apresentação, ele me disse por telefone que se sentia confortável com essa questão. Não havia planos de lançar material inédito. Três anos se passaram e o Sisters Of Mercy veio de novo à capital paranaense como uma das escalas de nova turnê pela América do Sul. E tudo continua da mesma maneira, com o repertório ao vivo passeando pelos dez anos fonográficos por uma hora e meia de show.

O que muda de tempos em tempos são os integrantes que o acompanham. Agora, na mesma Ópera de Arame, Eldritch trocou um dos guitarristas – o australiano Dylan Smith faz dobradinha com o veterano Ben Christo nas seis cordas. Um cara fica mais recuado comandando os computadores que detonam as bases pré-gravadas de baixo e bateria e lá atrás da plateia, junto ao operador das mesas de som e luz, um quinto músico incógnito se divide entre mais um computador e um teclado de cor laranja (?!?!) e de pendurar nos ombros que parece ter saído da uma típica banda tecnopop dos anos 1980.

Como já faz quase três décadas que Eldritch não faz a mínima questão de desovar material inédito do Sisters Of Mercy, todo o repertório é calcado em cima de velhos conhecidos do público. Não chegam a ser exatamente hits, mas para os fãs cada música que compõe o set list é um clássico. Recebido com urros, cantado em uníssono a plenos pulmões. A voz de Eldritch é bem grave. Não há backings, apenas o acompanhamento de todos os versos pela plateia. As guitarras de Ben e Dylan somente tecem camadas e mais camadas de riffs e harmonias que se somam ao peso dançante da cozinha que já vêm alto e direto dos computadores.

Com os músicos todos de preto e fazendo jogos coreográficos que aproveitavam-se da penumbra como o único elemento cênico, o som que o Sisters Of Mercy despejou na Ópera de Arame foi o convite perfeito para uma festa na antessala das trevas, com uma pista de dança exorcizando em passos lentos todas as suas angústias, melancolias e (por que não?) desejos ardentes e flamejantes.

O que, naquela noite em especial, tornou-se algo ainda mais curioso porque exatamente do lado da Ópera, na Pedreira Paulo Leminski, acontecia um evento cristão. Mais precisamente um concerto de canções de louvor e adoração sob o comando do grupo Hillsong United, formado há duas décadas pela união dos ministérios de uma gigantesca congregação carismática australiana chamada Hillsong. Enquanto a luz estava ali pertinho, Andrew Eldritch fazia nas sombras uma nova celebração gótica tão aguardada havia três anos. Para almas aflitas e torturadas não era preciso ter qualquer ineditismo. Vampiros, afinal, vivem por séculos e séculos e não fazem lá muita questão de novidades. (ARS)

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O que esperar de um show do Sisters Of Mercy em 2019? Quanto a você, eu não sei. Mas para mim um mínimo de dignidade a este expoente do dark não seria de todo mal. E foi com este ceticismo que me dirigi ao Tom Brasil no último sábado (9 de novembro). A plateia “quarentona” – como era de se esperar – não lotou o espaço por completo. Também é inexato rotular os fãs do Mercy com a simples alcunha de “gótico”. São seguidores fiéis. Um exército vestido de preto que acompanhará a banda tantas vezes ela pisar por aqui.

Calcado na onipresente figura de seu decano Andrew Eldritch, o grupo retornou a São Paulo com uma econômica formação com o eterno escudeiro Ben Christo e o novo guitarrista Dylan Smith. Para os efeitos de baixo e bateria, esqueça a seminal aura da Doktor Avalanche, histórica drum machine imortalizada pela banda nos anos 1980. O Sisters Of Mercy versão 2019 conta com um par de iBooks operados por um anônimo quarto integrante e que nem de longe faz lembrar o peso da engenhoca sisteriana.

“More” abriu os trabalhos na noite paulistana e o etéreo clima de um show dos Mercy mostrou que permanece com o passar dos anos: muita fumaça, iluminação à contraluz e Eldrich fazendo seu peculiar jogo de gato e rato com a plateia. Surge no centro do palco e desaparece. Ressurge no lado direito para novamente sumir em meio à fumaça no lado esquerdo. A dupla de guitarristas também procura preencher o resto como dá. Porém a proposital falta de iluminação do palco que deveria evidenciar a voz do frontman ressalta o óbvio. Com 60 anos de idade recém-completados, Eldritch tem extrema dificuldade em sustentar os tons graves de voz que os clássicos da banda exigem. Dificuldade esta explicitada em “Doctor Jeep/Detonation Boulevard”, na maravilhosa (no disco!) “Dominion” e na quase constrangedora interpretação de “Marian”. O público pouco importou-se para tal e tratou de reverenciar a figura do pai do dark enquanto pôde. Porém, a falta de punch nas programações de baixo e bateria trouxe um ar taciturno a cada canção. Uma chatíssima execução instrumental beirando os sete minutos e de nome desconhecido marcou a reta final da primeira parte da apresentação.

Parafraseando Mauro César Pereira, comentarista dos canais ESPN, o bis teve um início pífio, pragmático e resultadista com “Lucretia My Reflection” sendo executada sem a sua histórica linha de baixo. É isso mesmo o que você está lendo. “Lucretia My Reflection” sem a sua indefectível linha de baixo é o mesmo que Buchecha sem Claudinho. E cá estava eu a xingar três gerações antepassadas da Família Eldritch quando o par de ases final salvou a apresentação de um naufrágio histórico. “Temple Of Love” e “This Corrosion” foram executadas como se deve: com peso, batidas marciais e atmosfera de catarse coletiva. Ao final de noventa minutos, houve quem saiu de alma lavada, houve quem achou mais ou menos e teve este aqui que vos escreve. No fim das contas, esta apresentação só serviu mesmo para eu dizer que, um dia, vi um show dos Sisters of Mercy. Nada mais, nada menos… (FS)

Set list (SP e Curitiba): “More”, “Ribbons”, “Crash And Burn”, “Doctor Jeep/Detonation Boulevard”, “No Time To Cry”, “Alice”, “Show Me”, “Dominion/Mother Russia”, “Marian”, “Better Reptile”, “First And Last And Always”, (Unknown), “Something Fast”, “I Was Wrong”, “Flood II”. Bis: “Lucretia My Refletion”, “Vision Thing”, “Temple Of Love” e “This Corrosion”.

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Lauryn Hill – ao vivo

Cantora desconstrói seu repertório e divide Porto Alegre ao meio em sua primeira apresentação no retorno ao Brasil

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Texto e foto por Fábio Soares

Ela tinha contas a acertar com o Brasil. Afundada em problemas pessoais, concebeu uma desastrada apresentação em São Paulo há nove anos e, sem lançar material inédito há dezessete, retorna ao país com sua turnê comemorativa de duas décadas do multiplatinado Miseducation, o álbum que abalou 3/4 do mundo em 1998. Doze anos depois de sua última passagem pela capital gaúcha, o show em Porto Alegre foi anunciado sem alarde no início de março e em nada se comparou ao pandemônio de ingressos disputados a tapa e esgotados há meses para o show em São Paulo, no próximo dia 3. Faltando uma hora para o início da apresentação, na noite do Dia do Trabalhador (1º de maio) ainda era possível adquirir entradas nas bilheterias da Pepsi One Stage. Não se viam longas filas, tampouco superlotação da arena.

Com quase meia hora de atraso, Mrs. Lauryn Hill surgiu no palco com vestido longo e touca alaranjada na cabeça. Sua banda, formada por oito integrantes com um trio de hacking vocals incluso, superpovoa o espaço de dimensões diminutas. Coube a “Lost Ones” abrir os trabalhos. A segunda faixa de Miseducation tem punch gigantesco no álbum mas perde sua força ao vivo, sem sua a característica base de scratches. A qualidade de som da casa, muito distante de ser um primor, também não ajudou e grande foi a dificuldade dos técnicos em emulá-la. O clássico “Everything Is Everything”, cujo clipe assombrou o planeta há vinte anos, equivocadamente foi posicionado como segunda canção do set liste o resultado assustou: com andamento desacelerado e sem sua indefectível batida marcial, decepcionou os ouvidos mais atentos. O público, no entanto, não ligou nem um pouco e mais parecia preocupado em reverenciar a cantora, que sinalizava a todo instante aos técnicos reclamando de algo (muito provavelmente do som e da porcaria de acústica do local!).

O show prosseguiu e a presença de palco de Lauryn impressionava: às vésperas de completar 44 anos, sabe que não precisa de longos deslocamentos para se fazer presente. Sabe também que o repertório de sua principal obra fala por si: “Superstar”, “When It Hurts So Bad” e “Every Ghetto, Every City” automaticamente manteriam o alto nível da apresentação que gradativamente crescia, sobretudo em sua segunda metade – com destaque para “Forgive Them Father”, “Ex-Factor” e “To Zion”, eterna homenagem a seu primogênito filho, elevando sua interpretação a um máximo grau de impessoalidade.

Mas foi em “Killing Me Softly” que os contornos de catarse ganharam forma. O eterno clássico dos Fugees foi entoado a plenos pulmões por uma plateia completamente entregue aos pés da cantora. Semblantes emocionados eram vistos pelos quatro cantos da casa. Percebendo que o jogo está ganho, a banda estende sua execução que bateu à porta dos oito minutos.

A partir daí, só festa! “Can’t Take My Eyes Off You” é a carta na manga que todo artista gostaria de ter. O eterno clássico de Frankie Valli fez a audiência balançar e foi a deixa para a espetacular “Doo Wop (That Thing)” transformar a Arena Pepsi numa gigantesca pista de dança. Até o pessoal dos bares dançou com o verso “Guys you know you’d better, watch out (Watch out!)/ Some girls, some girls are only, about (About!)” A atuação impecável do trio de backing vocalscontinuou em “Ready Or Not” (mais uma dos Fugees), evidenciando o entrosamento da cantora com seu time. O som, finalmente equalizado a contento, permitiu que a sobreposição de vocais se tornasse perceptível. Jamais poderemos saber qual o verdadeiro sentimento de Lauryn ao revisitar a repertório do grupo que a alçou ao estrelato e ao lado dos ex-companheiros (e eternos desafetos) Wyclef Jean e Pras Michel. O fato é que resgatá-lo é uma necessidade, tendo em vista seu escasso material solo.

E foi justamente mais uma dos Fugees, a responsável por encerrar a noite: “Fu-Gee-La” não perdeu sua magnitude mesmo após vinte e três anos de seu lançamento. Sua execução porém, foi irregular. Faltam as batidas de Jean e Michel e mesmo negando, o “fantasma Fugees” sempre estará presente e tatuado na pele da cantora.

Após 90 minutos, opiniões divididas. Houve quem achou que a falta de punch em algumas canções não permitiu que a apresentação atingisse um grau de excelência (eu) e houve quem saiu da Arena Pepsi com a alma lavada somente com a onipresença da cantora. Será que o show de São Paulo será diferente? Veremos. Resta saber se a Lauryn 2019, que dividiu o Rio Grande em dois, dividirá a capital paulista também.

Set List: “Intro”, “Lost Ones”, “Everything Is Everything”, “Superstar”, “When It Hurts So Bad”, “Final Hour”, “Every Ghetto, Every City”, “Forgive Them Father”, “Ex-Factor”, “Can’t  Take My Eyes Off You”, “To Zion”, “The Miseducation Of Lauryn Hill”, “Doo Wop (That Thing)”, “Killing Me Softly With His Song” e “Ready Or Not”. Bis: “Fu-Gee-La”.

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Arquivo MB: E.S.S. (2002)

Texto publicado nos primeiros meses deste site celebrava o futuro da banda curitibana de digital rock, comandada por André Sakr

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Texto por Abonico R. Smith

Foto: Reprodução Facebook (obs: se foi você quem fez este clique, por favor, entre em contato para que possamos dar o devido crédito)

Não faz muito tempo assim. Década e meia atrás, na Inglaterra, o amor tomava conta de todos os dias do verão, guitarras andavam de braços dados com baterias eletrônicas e sintetizadores. Todo mundo só pensava em se divertir. Descendo o hemisfério e cruzando o Oceano Atlântico, porém, o panorama estava longe de ser igual. Música de pista era tudo taxada de dance music (ou – pior ainda – algo 100% comercialóide e por isso mesmo totalmente condenável e indefensável), sair para se acabar de dançar até o sol raiar e relatar publicamente a simpatia pelas músicas de Depeche Mode e New Order para todos os defensores do “rock-testosterona” significava o mesmo que assumir uma “orientação sexual heterodoxa”, mesmo que você não a tivesse.
Pois patrulhamento e preconceito acabaram. Com a (r)evolução tecnológica tomando o mundo a passos largos, a música eletrônica não só transformou-se em algo completamente usual como também oficializou de vez seu casamento com as guitarras – raivosas ou sentimentais, dedilhadas ou à base de riffs, reprocessadas ou orgânicas. E em Curitiba uma turma vem se especializando em promover cada vez mais esta espécie de ex-bicho papão, o digital rock.
Igor Ribeiro (teclados, guitarras e vocais; também integrante dos grupos/projetos Tods, OAEOZ e Iris), André Sakr (bateria, teclados, programações e vocais; também Iris), Fernando Lobo (baixo e vocais; também Tods) e Alessandro Oliveira (guitarra e vocais – nota posterior do autor: o mesmo que, futuramente, tocaria no Copacabana Club e no Audac) formam o E.S.S., quarteto que está com seu primeiro álbum quase finalizado. Enquanto o disco não fica pronto, o grupo se divide entre a produção de algumas festas bacanas (que já contaram com apresentações de bandas como Bad Folks, Mosha, Grenade, Suite Number Five e o hoje “importado” Wry) e viagens para o exterior (mais precisamente Igor e André, que passaram um tempo em Londres ao lado dos outros companheiros do Tods). Há ainda um EP chamado Rossfield rolando pelas mãos mais antenadas da cidade.
Rossfield é uma grande viagem para a cidadezinha que existe no interior de cada um”, explica vagamente Sakr, parafraseando uma antiga entrevista dada pelo grupo a uma emissora de rádio do litoral de Santa Catarina. O ponto de partida começa nos cem segundos de “Introducting Myself”, gravada na véspera do embarque de Igor e Fernando para Londres, no início deste ano. A faixa de abertura é um irresistível big beat construído a partir de biblioteca própria de samples. Enquanto o loop com o batidão funky rola solto, uma voz grave, reverberante e alterada pelo pitch serve de mestre-de-cerimônias para a própria banda. Entram alguns efeitos sobrepostos, uma linha melódica cantarolada e, enfim, palmas quando é anunciado o grupo.
Chega então, o “verdadeiro” E.S.S. em “Nine”, épico de quase nove minutos aberto pela confluência de graves teclados kraftwerkianos, batida com variação entre o housee o glammais e guitarras com linhas e riffs calcados na herança do blues e do rockabilly. A sonoridade à la Depeche Mode vai aumentando à medida que entra a primeira voz. “Things you do don’t make me change my mind/ Things you do don’t make me change my way of thinking about you”, protesta Igor. Depois entram camadas de órgãos e outros teclados e berros sufocados de Sakr, para os versos serem repetidos algumas vezes, agora com guitarras mais fortes (com muito delay) e em primeiro plano. Gravada ao vivo e em apenas dois canais, a música é um mistério até mesmo para seus integrantes. “Acho que é sobre estar puto com alguém”, arrisca o maior responsável pelas programações eletrônicas do grupo.
No mesmo dia e esquema de “Nine” o quarteto gravou “Mr Alexander”. Esta é uma faixa dividida em duas partes distintas. A primeira puxa um pouco mais para o lado psicodélico, com profusão de ecos, órgãozinho e batida funkeada. Lembra um pouco da veia rocker de Manchester do começo dos anos 1990 (leia-se a trinca Stone Roses, Inspiral Carpets, Happy Mondays) e abusa dos vocais de Alessandro invertidos no software usado para a edição. Enquanto isso, os versos retratam uma típica noite adolescente em Curitiba – mais precisamente ao encontrar os amigos em um dos mais famosos pontos indie da capital paranaense, o James Bar. “Talvez até esteja cantando algo autobiográfico”, revela Sakr. Alessandro então assume sua porção guitar hero entre solos e novos riffs e lá pela metade o arranjo começa a acelerar de maneira absurda, bombardeando os ouvidos por quase quatro minutos de pura viagem.
“Wake up/Look Around”, comanda uma misteriosa voz no terceiro épico do disco. House de dez minutos e a primeira música a ser composta pela banda, “Rossfield” está cheia de mensagens subliminares (pelo menos é o que garante André, que não quis entrar em maiores detalhes). Quem não quiser ficar de ouvido ligando procurando pistas feito Mulder e Scully, porém, pode se ligar no riff do baixo distorcido de Fernando – seguindo a escola do Primal Scream. E depois de um breve interlúdio ambient, volta a detonação de ritmo e barulho, cheia de efeitos, guitarras e gritos por Rossfield.
A julgar pela prévia, o E.S.S. (segundo André, “a sigla veio da expressão Experimental Sex Sound, mas hoje não significa nada em especial”) promete dar muito o que falar em 2003. Apostas estão feitas.

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André Sakr faleceu em São Paulo, neste último domingo, 3 de março de 2019.

Music, Videos

Clipe: Fat White Family – Feet

Artista: Fat White Family

Música: Feet

Álbum: Serfs Up! (2019)

Por que assistir: Coloque no mesmo caldeirão guitarras e bongôs, aquelegrooveesperto mandado pelo contrabaixo, um bando de músicos doidões (liderados por um vocalista não menos), dorgas liberadas no estúdio e uma infinita vontade de sair dançando por horas e horas. Happy Mondays? Primal Scream? Não, não. Mas se você andava sentindo falta de uma nova banda que pudesse reviver o clima instaurado por essas duas outras lá no início dos anos 1990, pode comemorar e procurar pelo Fat White Family. Na verdade, este combo formado ao sul de Londres não é tão nova assim: foi formada em 2011 e já lançou dois celebrados álbuns pelo selo independente Fat Possum (Champagne Holocaust, em 2013, e Songs For Our Mothers, três anos mais tarde) que chegaram a fazer burburinho na imprensa alternativa. Entretanto, agora, com a força da gravadora Domino no cenário indie mundial, o novo álbum tem tudo para alcançar paradas, tocar nas rádios ou nos alto-falantes de lojas descoladas de roupa na cidade de Londres, vender bastante e espalhar o nome do FWF mundo afora. E já nos primeiros dias de janeiro o grupo liberou a primeira faixa do trabalho, “Feet”, com um arranjo que enche de alegria quem até hoje se esbalda na pista de dança ao som de clássicos como “Step On” (HM) e “Loaded” (PS). Se é grudenta a canção – que ainda traz o vocalista Lias Kaci Saoudi “recitando” versos no melhor estilo Leonard Cohen – o videoclipe feito para ela corrobora sua qualidade e estende ainda mais a pira da banda. Aqui ela é transformada em militares no front de guerra, com Lias assumindo o protagonismo na pele de um oficial que rasteja pelado pela trincheira, envolve-se em situações homoafetivas e ainda não hesita em assassinar discretamente os outros a sangue frio. Em recentes declarações para divulgar o novo disco, Saoudi e seus asseclas consideram as novas músicas como um conjunto mais diverso de tudo o que já fora feito antes por eles e uma forma mais arrojada de entender a cultura das sonoridades anglo-saxônicas baseadas nas guitarras. “Feet” é a faixa de abertura de Serfs Up!, que contará com outras nove e será lançado no dia 19 de abril.

Texto por Abonico R. Smith