The White Lotus

Segunda temporada da série que explora a aventura no mundo do turismo luxuoso e sua fauna desconcertante encanta os olhos

Texto por Taís Zago

Foto: HBO Max/DIvulgação

Eu preciso confessar para vocês que a primeira temporada de The White Lotus, vencedora de onze Emmys em 2022, à primeira vista, não me empolgou muito. O elenco é inegavelmente espetacular, em especial as atuações de Murray Bartlett como Armond (o gerente da filial havaiana da franquia de hotéis de luxo) e Jennifer Coolidge, como a insensível, autocentrada e deprimida milionária Tanya. O enredo sob o sol escaldante do Havaí, apesar de multifacetado, causou-me incômodo, talvez pela simplicidade dos seus temas. Possivelmente, também, eu não tenha levado em consideração que durante sua concepção e realização estávamos vivendo tempos pandêmicos – o auge da produção data de meados de 2021, e, dadas as condições e as restrições internacionais e sanitárias, foi feito um esforço para criar um conteúdo de qualidade da forma mais segura e rápida possível. O ator, autor, produtor e diretor Mike White, mais conhecido por ter escrito especialmente para Jack Black o blockbuster Escola de Rock (2003), conseguiu criar uma trama em um ambiente relativamente hermético – a cadeia White Lotus é uma espécie de Club Med do nouveau riche norte-americano – e unir de forma interessante drama e humor macabro com bastante equilíbrio.

Na segunda temporada de The White Lotus (EUA, 2022 – HBO Max), com maior liberdade tanto criativa quanto espacial, Mike nos leva para a sede siciliana da cadeia da flor exótica. Temos diante de nós uma nova equipe de funcionários locais trabalhando no hotel e novos hóspedes a serem paparicados sem restrições. O formato da série nos lembra uma versão Upstairs, Downstairs (1971) contemporânea – sucesso britânico da década de 1970 cujo formato televisivo influenciou várias produções, entre elas a festejada série Downtown Abbey (iniciada em 2010), onde os dramas da crew do hotel têm o mesmo peso na narrativa dos dramas dos privilegiados visitantes.

Como personagens recorrentes da primeira temporada temos apenas a confusa Tanya (Jennifer Coolidge) e seu “novo” marido Greg (Jon Gries). Tanya chega ao encantador resort com uma nova assistente a tiracolo, Portia (Haley Lu Richardson). Junto a ela no barco estão dois casais de jovens amigos milionários – Cam (Theo James) e a esposa Daphne (Meghann Fahy), Harper (Aubrey Plaza) e o marido Ethan (Will Sharpe), completando a trupe dos bem-sucedidos temos os Di Grasso – o pai Domenic (Michael Imperioli), o avô Bert (F. Murray Abraham) e o filho/neto Albie (Adam DiMarco). Na frente do comando dos funcionários do hotel fica a gerente italiana Valentina (Sabrina Impacciatore), que nessa temporada assume o papel que Bartlett interpretou na primeira temporada. Completam o elenco ainda as duas garotas de programa locais Luccia (Simona Tabasco) e Mia (Beatrice Grannò). 

Mike White não nos economiza no quesito encontros e desencontros. O roteiro possui várias reviravoltas e requisita a nossa atenção aos detalhes, às vezes, escondidos nas próprias imagens paradisíacas e objetos luxuosos. Repetindo o formato da primeira temporada, iniciamos essa jornada com mais corpos sendo encontrados. Do primeiro capítulo, então, voltamos no tempo até a chegada dos turistas ao hotel onde percorremos todo o caminho de volta à cena inicial. Um formato que vagamente lembra a antiga série Ilha da Fantasia, onde os visitantes usam suas férias para trabalhar seus problemas pessoais, dificuldades de comunicação, mistérios e conflitos familiares que a rotina do dia a dia teimava em enterrar.

As atuações são um deleite à parte. Todos os atores italianos merecem aplausos de pé, principalmente Sabrina, Simona e Mia. A leveza e a pungência do humor desse país dão à segunda temporada exatamente o tempero exótico que faltou à antecessora. Gargalhamos do absurdo, assim como gargalhamos do desespero. Ao mesmo tempo nos comovemos e somos encantados por um charme tão natural e genuíno que pensamos que em Taormina, o pitoresco vilarejo siciliano, tudo é permitido.

Visualmente, The White Lotus é uma série de tirar o fôlego. A fotografia, a música, a ambientação, tudo nos leva a viajar pelo mundo do luxo dos resorts e dos cenários de nossos sonhos. É o olhar do turista e, portanto, também há um amontoado de clichês bem selecionados, como um catálogo de uma agência de viagens. A Sicília nos é mostrada pelos olhos encantados dos norte-americanos – com vulcão, praias de água turquesa, palazzos decadentes cobertos de ouro e pinturas renascentistas, vinhedos e ilhas rochosas cheias de mistério. White também não poupou recursos para nos alimentar os olhos. Por outro lado, também não economiza recursos ao esfregar na nossa cara a amargura, a feiúra e a traição latentes no âmago de seus personagens. De novo, não existem aqui mocinhos e bandidos: existem pessoas que ora nos encantam ora nos causam repulsa com suas atitudes. E nós, de uma distância segura, rimos muito de tudo isso.

Em uma entrevista recente, o criador explicou que o tema da primeira temporada no Havaí foi o amor, o da segunda na Sicília foi o sexo e que o da terceira será a espiritualidade. Com isso, já nos deixa na expectativa de qual paraíso desse mundo será o novo destino e na certeza da confirmação da produção da próxima aventura no mundo do turismo luxuoso e sua fauna desconcertante.

Burt Bacharach

Homenagem ao autor de dezenas canções que viraram inesquecíveis clássicos da música pop do século 20

Textos por Abonico R. Smith

Foto de Leandro Delmonico/Mondo Bacana (show em Curitiba) e reprodução (com os oscars)

O final da manhã desta quinta-feira, dia 9 de fevereiro, trouxe a notícia de mais uma perda de um integrante estelar na história da música pop do século 20 nessas intensas semanas dos últimos três meses. Depois de Terry Hall (Specials), Thom Bell (produtor, criador do Philadelphia soul), Tim Stewart (cofundador da Stax), Vivienne Westwood (estilista, mentora do visual dos Sex Pistols), Alan Rankine (Associates), David Crosby (Byrds, Crosby Stills & Nash/Crosby Stills Nash & Young), Jeff Beck (Jeff Beck Group, Yardbirds) e Tom Verlaine (Television), chegou a vez deste plano espiritual se despedir de Burt Bacharach. O maestro, pianista, arranjador, compositor e cantor faleceu de causas naturais, aos 94 anos de idade, em Los Angeles, onde morava.

Bacharach e seu parceiro e letrista Hal David criaram centenas de canções a partir do final dos anos 1950 que os colocaram no panteão dos grandes times de compositores da música em todos os tempos. Em popularidade, talvez só tenham rivalizado com John Lennon e Paul McCartney.

Para homenagear este magistral artista, o Mondo Bacana reposta uma resenha de uma década atrás, que analisa como foi o concerto realizado por ele em terras curitibanas, durante sua última passagem pelo Brasil, em abril de 2013. Aqui estão descritos todos os porquês de sua genialidade, que residirá para sempre no inconsciente coletivo do cancioneiro internacional.

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>> Texto originalmente publicado pelo Mondo Bacana em abril de 2013

Burt Bacharach – ao vivo

O roteirista Charlie Kaufman escreveu o filme Being John Malkovich (1999), no qual se descobria um portal que levava para dentro da mente de um dos mais cultuados diretores e produtores das últimas décadas do cinema dos EUA. No fim da noite daquela terça-feira 16 de abril de 2013 muita gente deve ter saído do Teatro Positivo, em Curitiba, querendo achar uma entrada secreta para a cabeça de outro ícone do entretenimento americano: o maestro e pianista e arranjador e compositor e cantor Burt Bacharach.

Ele é um dos grandes gênios da canção do século 20. Entre as décadas de 1960 e 1980, compôs quase uma centena de músicas capazes de grudar no cérebro humano como um chiclete e de lá nunca mais sair em tempo algum. São melodias, riffs e letras (grande parte delas sobre o amor e suas variáveis) que qualquer pessoa que tenha prazer em ouvir música popular já escutou por aí na vida e nunca mais conseguiu se esquecer. Não adianta. Estão lá, guardadas em algum cantinho. Em algum momento você vai acabar se lembrando disso. Mesmo que não saiba quem é Burt Bacharach e que quem criou foi ele.

Burt está hoje com 84 anos de idade. Muito lúcido e surpreendentemente ainda na ativa. Não só viajando pelo mundo para apresentar ao vivo suas grandes criações. Mas ainda compondo, arranjando e gravando obras inéditas, como o musical Some Lovers, que estreou em um teatro de San Diego no ano passado. Atualmente ele trabalha ao lado do fã e discípulo Elvis Costello, um dos grandes nomes revelados durante a explosão do punk rock inglês na segunda metade dos anos 1970.

Curitiba foi a primeira das três cidades a receber a nova passagem de Bacharch pelo Brasil. Na capital paranaense, o show foi um pouco mais curto do que no Rio e em SP, já que o maestro chegara pouco tempo antes. Ele mesmo brincou a respeito disso em uma de suas conversas dirigidas à plateia: “música é bom para tudo nesta vida, até mesmo para fazer passar o jet leg”. Mesmo assim, o que se viu foi uma inacreditável sequência de 31 canções, quase todas com extremo poder para seduzir imediatamente quem as ouve. Afinal, não se cria à toa uma extensa coleção de prêmios como o Grammy (seis), Emmy (um), Globo de Ouro (dois) e Oscar (três).

À frente de sua competente banda de apoio formada por sete outros músicos e três vocalistas, o set list foi daqueles de deixar o espectador sem fôlego. Uma porrada atrás da outra, sempre com socos fortes e muitas vezes sem interrupção, chegando a emendar várias canções em um mesmo medley. Burt ainda pode se dar ao luxo de interpretar seus greatest hits não por inteiro, mas apenas através de seus trechos mais marcantes. E é impressionante também a precisão da distribuição dos instrumentos nos arranjos. O piano e os teclados cumprem o lado harmônico (vale lembrar que não há a presença das cordas da guitarra ou do violão) e o flugelhorn (sopro da família dos metais de trompetes) acaba sendo bastante privilegiado durante a execução de muitos riffs. Bateria e baixo assumem escancaradamente a função de cozinha e dão a cama rítmica que passeia entre a bossa nova, o rock, o jazz e outros grooves derivados dos negros norte-americanos.

No meio de tudo isso, Burt se concentra tanto em cada música que ele entra no espírito de cada uma dela durante a interpretação. E quando o momento é só seu, tocando piano e cantando sem qualquer acompanhamento como em “Alfie”, ele eleva o transe à plateia, que fica enfeitiçada e em silêncio absoluto só para curtir as emoções da viagem particular do astro da noite.

Este arsenal de hits planetários que ficaram célebres nas vozes de cantores como Dionne Warwick (sua principal e mais conhecida intérprete até hoje), Aretha Franklin, Dusty Springfield, Tom Jones, Walker Brothers, BJ Thomas, Barbra Streisand, Whte Stripes e Carpenters (e os Beatles!) ou trilhas sonoras de filmes de sucesso produzidos em Hollywood (Butch Cassidy & Sundance Kid; Alfie; Arthur, o Milionário; O que é que há, Gatinha?) foi quase todo assinado em parceria com o letrista Hal David, falecido em setembro de 2012, aos 91 anos de idade. Iniciada em 1957, a alquimia entre Hal e Burt se transformou em uma das mais bem-sucedidas crias do Brill Building, prédio nova-iorquino no qual compositores batiam ponto diariamente como trabalhadores e tinham como função a criação de obras musicais inéditas para serem gravadas, ali mesmo, por diversos cantores e grupos de pop e rock do final das décadas de 1950 e 1960.

Isso explica toda a classe e maestria das composições de Bacharach: o trabalho apurado de lapidação autoral e a adoção de uma rotina de labuta constante em busca da melhor resolução musical entre acordes, melodias e palavras para se encaixar na métrica. Ele diz que pensa em música em todas as horas e já criou hits até quando estava no trânsito. Deve ser mesmo algo fenomenal descobrir o que se passa – e o que já se passou nas últimas seis décadas – dentro de sua cabeça.

Set List: “What The World Need Now Is Love”, “Don’t Make Me Over”, “Walk On By”, “This Guy Is In Love With You”, “Save A Little Prayer”, “Tranis & Boats & Plains”, “Wishin’ & Hopin’”, “Always Something To Remind Of”, “One Less Bell To Answer”, “I’ll Never Fall In Love Again”, “Only Love Can Break A Heart”, “Do You Know The Way To San José?”, “Anyone Who Had A Heart”, “I Don’t Know What To Do With Myself”, “Waiting For Charlie To Come Home”, “My Little Red Book”, “(They Long To Be) Close To You”, “The Look Of Love”, “Arthur’s Theme”, “What´s New, Pussycat?”, “The April Fools”, “Raindrops Keep Fallin’ On My Head”, “The Man Who Shot Valance”, “Making Love”, “Wives And Lovers”, “Alfie”, “A House Is Not A Home”, “That’s What Friends Are For”. Bis: “Every Other Hour”, “Hush”, “Any Day Now” e “Raindrops Keep Fallin’ On My Head”.

Patti Smith + Raconteurs + Hot Chip + CSS – ao vivo

Edição 2019 do Popload Festival coroa o reinado da musa punk com “abertura” de Jack White, retorno triunfal e plateia virando pista de dança

Texto por Fábio Soares

Fotos: Fabricio Vianna/Popload Festival

O décimo quinto dia de Novembro de cada ano definitivamente entrou no calendário de shows do paulistano. Repetindo a data pela terceira vez consecutiva, o Popload Festival trouxe em 2019 a diversidade ao Memorial da América Latina, local este que definitivamente deveria ser mais utilizado para a realização de grandes eventos devido à sua excelente localização e acesso. Desde o anúncio do line up, em março, a venda de ingressos custou a decolar mesmo com um nome de peso como atração principal. Inúmeras promoções foram divulgadas, sobretudo nos trinta dias que antecederam o festival e, apesar dos percalços, a organização disse que todos os 15 mil ingressos disponibilizados foram vendidos.

CSS

O Mondo Bacana chegou ao local por volta de 16h, ainda a tempo de presenciar um tão aguardado retorno. Após uma conturbada separação, com intensa troca de acusações com seu ex-integrante (e decano) Adriano Cintra, o CSS foi escalado devido à enésima desistência do grupo norte-americano Beirut. Por ironia do destino, a escalação do grupo de última hora caiu como uma luva no line up. O Cansei de Ser Sexy ainda possui uma legião de fãs desde quando tinha o mundo alternativo a seus pés lá no triênio 2006-2008.

Sob um clima de grande comoção, Lovefoxxx, Ana Resende, Luiza Sá e Carolina Parra subiram ao palco. A vocalista logo soltou um “Feliz 2004!” aos primeiros acordes de “Art Bitch”. A partir daí veio um set list para nenhum fã mais devoto reclamar: “Music Is My Hot Hot Sex”, “Bezzi”, “Meeting Paris Hilton”, “Alala” foram entoados em uníssono pela turma do gargarejo. Lovefoxxx ainda reina absoluta no imaginário de seus fãs, muitos deles ainda adolescentes quando o grupo explodiu há quase uma década e meia. Agora entre o trintão e o quarentão, o grupo finca de vez sua bandeira na causa LGBT. Visivelmente emocionada, Luísa Matsushita relembrou o recente período de exílio que incluiu uma temporada como moradora do estado do Amazonas, onde apreendeu (e praticou) um estilo de vida autossustentável, hoje continuado em Santa Catarina. “Quando era mais jovem, imaginei que tivesse de vir para uma cidade grande para encontrar minha identidade. Hoje, percebo que isso não é uma regra. A gente pode encontrar nossa identidade em qualquer lugar. Aqui, na praia ou no meio do mato, como eu fiz”, disse, antes dos primeiros acordes de “Superafim” encerrarem a apresentação. Para a alegria dos fãs e o desespero dos detratores, o CSS voltou para reescrever sua história. Quanto ao resto, o tempo dirá.

Set List: “Art Bitch”, “Music Is My Hot Hot Sex”, “Hits Me Like a Rock”, “Move”, “Bezzi”, “Meeting Paris Hilton”, “Alala”, “Dynamite”, “Fuck Everything”, “Let’s Reggae All Night”, “Let’s Make Love And Listen To Death From Above”, “City Grrrl” e “Superafim”.

HOT CHIP

Ainda sob a atmosfera de êxtase após o retorno triunfal do CSS, os veteranos britânicos subiram ao palco mais para confundir do que para explicar. Não seria inexato rotular o grupo como “cria do Devo” e. apesar de soar datado, o som do Hot Chip agrada muito mais aos quarentões do que à garotada. “One Life Stand” abriu os trabalhos com um tímido Alexis Taylor agindo como um Rivers Cuomo clubber. Postura esta que destoava do resto do time, que demonstrava uma alegria pujante por estar no palco. Talvez por isso a apresentação demorou um pouco a engrenar. Somente em “Spell”, quinta canção do set list, o público rendeu-se às batidas e linha de baixo pegajosas que transformaram o Memorial numa grande pista de dança.

Com o jogo ganho, “Over And Over”, “Melody Of Love” (do excelente e mais recente álbum A Bath Full of Ecstasy) e “Ready For The Floor” desceram como água para o que viria na sequência: uma inesperada versão de “Sabotage”, dos Beastie Boys, que agradou em cheio a plateia. A seguir, o único equívoco da apresentação: a chatíssima “I Feel Better”, como encerramento, não pareceu uma escolha acertada. A excelente “Brothers”, que inclusive é do mesmo álbum (One Life Stand, de 2010), seria uma ótima pedida para o até logo. Apesar disso, o Hot Chip não comprometeu. E não seria errado afirmar que a banda arrebatou novos fãs após esta mais recente passagem pelo Brasil .

Set List: “One Life Stand”, “Flutes”, “Hungry Child/Everywhere”, “And I Was a Boy From School”, “Spell”, “Over And Over”, “Melody Of Love”. “Ready For The Floor”, “Sabotage” e “I Feel Better”.

RACONTEURS

A alcunha de “multi-homem” dada a Jack White não é sem motivo. Um dos poucos casos de músicos que conseguiram desvincular a exclusividade de sua imagem ao grupo ou projeto que o alçaram ao estrelato, o produtor/compositor/cantor/guitarrista/pianista (mais outras funções que não cabem aqui) trouxe a São Paulo um de seus grupos sob grande expectativa. Com o fiel escudeiro Brendan Benson incluído neste projeto, ele escancara a influência do country blues americano nas canções do quarteto. “Bored And Razed” abriu os trabalhos para delírio dos mais devotos que, com quase certeza, ignoraram o restante das atrações e foram ao festival somente para vê-los. Ao vivo, os Raconteurs mais parecem um rolo compressor e a performance do grupo impressiona.

Como músico, White é um “Deus da Raça”: absoluto nas guitarras, ao piano e teclados, no violão, sabe como poucos usar o virtuosismo a seu favor. Já Benson tem a noção de que seu papel na banda é de escada para o ídolo indie e, mesmo assim, é um privilegiado espectador de luxo em cima do palco. Pontos altos deste show, “Level”, “Don’t Brother Me”, “Only Child” e “Broken Boy Soldier” foram formidáveis pílulas de uma apresentação impecável. O eterno hit “Steady As She Goes” foi executado em versão ampliada para um novo delírio da audiência. Ao final, duas certezas. Jack, o “Rei”, ainda terá súditos por muito tempo. Já pra quem nunca teve estômago para seu virtuosismo, teve nessa sexta-feira a chance de execrá-lo de vez.

Set List: “Bored And Razed”, “Level”, “Old Enough”, “You Don’t Understand Me”, “Don’t Bother Me”, “Only Child”, “Broken Boy Soldier”, “Now That You’re Gone”, “Sunday Driver”, “Help Me Stranger”, “Somedays (I Don’t Feel Like Trying)” e “Steady As She Goes”.

PATTI SMITH

Por mais que o Popload Festival tenha aura de alternativo, a escalação de cultuados veteranos se faz necessária como um chamariz de um certo tipo de público. Foi assim com PJ Harvey em 2017 e com o Blondie no ano passado. Para 2019, a escalação de Patti Smith mais pareceu um alinhamento de planetas. Cada vez mais engajada no universo literário, a musa do punk aproveitou sua passagem por São Paulo para lançar dois livros: o ficcional Devoção e o autobiográfico O Ano do Macaco. Com relação a ambos, uma concorridíssima tarde de lançamento lotou o teatro do Sesc Pompeia no dia anterior.

Mas vamos ao show que encerrou a noite do dia 15. Uma enorme nuvem de expectativa parava sobre a primeira vez de Patti Smith em São Paulo. Na plateia, cinquentões destoavam dos mais jovens e “moderninhos” (grande parte deles, aliás, deixou o local após o término dos Racounteurs). Pontualmente às 20h45 Patti surgiu ao palco ladeada por seus fiéis escudeiros Lenny Kaye (guitarras) e Jay Dee Daugherty (bateria). Ambos a acompanham há mais de quatro décadas. Com um som demasiadamente baixo (a equipe do Popload posteriormente explicou em nota que a responsabilidade pelo volume foi do técnico de mesa escolhido pela equipe da artista), os primeiros acordes de “People Have The Power” foram ouvidos dando o tom de engajamento do que seria a apresentação. Invariavelmente, a cantora explicava em breves introduções a história da canção que viria a seguir. Foi assim com “Beds Are Burning”, cover do Midnight Oil bem adequada ao momento de queimadas na Amazônia, e “Beneath the Southern Cross”. Já “Dancing Barefoot” (a predileta deste que vos escreve!) teve sua execução mais cadenciada, o que não prejudicou em nada sua pujança. Como o apelo emocional é parte integrante de seus shows, pequenos erros passam quase que despercebidos como sua confusão com a letra de “After The Gold Rush”, eterno clássico de Neil Young que levou às lágrimas fatia significativa dos presentes. Como uma sacerdotisa, Patti comandava seus seguidores apenas pela sua verborragia encharcada de ativismo e poesia. Acima de tudo, era uma apresentação para se degustar, com ares de recital em grande parte dela.

Na segunda metade, pausa para um rápido descanso. Patti deixou o palco para que Lenny Kaye e o baixista Tony Shanahan emendassem a dobradinha de covers “I’m Free” (Stones) e “Walk On The Wild Side” (Lou Reed) e retornou para um matador trio de canções reservado para o fim: a eterna “Because The Night”, a espetacular “Land” (seminal hino do clássico álbum Horses, de nove minutos de duração) e o apoteótico final com “Gloria”. A pérola de Van Morrisson que transformou-se numa das mais belas apropriações indébitas da história do rock levou o público presente ao delírio quando Patti literalmente arrancou “na unha” as cordas de sua Stratocaster.

No final, um clima de comoção tomou conta do Memorial. Todos ali sabiam que um show de Patti Smith nunca seria uma apresentação qualquer. Era a história do rock passando diante de nossos olhos como um clássico cinematográfico. Porque ela nos dá a certeza de que não há idade para se engajar e encher o mundo de poesia. Como também não há idade para encantar e ser encantado.

Set List: “People Have The Power”, “Ghost Dance”, “Dancing Barefoot”, “Beds Are Burning”, “Beneath The Southern Cross”, “Free Money”, “I’m Free/Walk On The Wild Side”, “After The Gold Rush”, “Pissing In a River”, “Because The Night”, “Land” e “Gloria: In Excelsis Dio”.

Morrissey – ao vivo

Ídolo britânico presenteia os fãs com repertório multifacetado e performance inspirada em São Paulo

Texto por Abonico R. Smith e Silvia Macedo

Foto: Fernando Pires/Ultimate Music/Divulgação

Qual Morrissey é o que você quer ver? A maioria de quem já passou dos 40 anos de idade certamente prefere manter na memória aquele jovem topetudo do tempo dos Smiths, que cantava palavras de dor e sofrimento emolduradas pela luxuosa combinação entre batida e dedilhado das cordas da guitarra de Johnny Marr? Tem também aquele horroroso monstro, desprovido de escrúpulos e forrado de preconceitos, que volta e meia veículos corporativos sobre música pop (incluindo aqueles que outrora era independentes e hoje pertencem a grandes grupos de comunicação) andam pintando por aí, como se frases de impacto negativo corressem soltas em sua boca. Tem ainda um impávido senhor quase sexagenário, sagaz, perspicaz e muito bem-humorado, que não perde a chance de brincar com quem está na sua frente e fazer declarações pelas quais escorrem ironia e sarcasmo. Tem também o ídolo decadente, para quem ele parou de fazer algum álbum de boa qualidade faz tempo – as mesmas pessoas, aliás, que procuram sempre ouvir os mesmos discos mais antigos e esperam que os recentes sejam um ctrl C + ctrl Vdas mesmas coisas de sempre. Tem os que se deliciam a cada boa novidade que chega, ao notar que a atual banda está cada vez mais afiada e o acréscimo de parceiros musicais (quatro dos cinco músicos que o acompanham) só resultou em um genial painel de diversidade na sua literatura sonora.

Todos estes Morrisseys eram esperados, de uma forma ou de outra, por quem esteve em 2 de dezembro no Espaço das Américas, em São Paulo. Tinha até aquele fã mais desesperado e obcecado, formando fila na casa desde a manhã daquele domingo com o objetivo de pegar aquele lugar privilegiado à beira do palco, junto à grade da frente da Pista Premium. Tinha também quem não era nem nascido quando o poeta de Manchester irrompeu no cenário musical britânico à frente de sua primeira banda, entre os anos de 1982 e 1987. Mas o Morrissey que subiu ao palco era apenas um: a pessoa inspirada e de bem com a vida, desfrutando de novo período de intensa fertilidade criativa, gravando um disco após o outro, fazendo longas turnês no intervalo entre as sessões de estúdio e sem nenhum grande protesto por ora, interessado apenas em fazer aquilo que faz de melhor, que é cantar.

E como canta! Às vésperas de completar 60 anos, Morrissey canta hoje muito mais e melhor do que já cantava, sem abrir mão de estilo, técnica, doçura e interpretação das palavras. Sua performance também está mais tranquila, sem os arroubos de antes, mas ainda intimamente ligada a seus fãs mais histéricos, como aqueles que levam vinis para o ídolo assinar em plena ação no palco (e ele, bem simpático, fez isso!) ou disputam a tapas pedaços das camisas que ele tira do corpo, rasga e arremessa à plateia.

Antes da subida do sexteto ao palco a já tradicional seleção de repertório em audiovisuais feita a dedo pelo próprio vocalista. Desta vez, começou o punk dos Ramones e culminou com o glam de David Bowie em “Rebel Rebel”. Depois foram cem minutos de intenso bom humor e  boa forma de Morrissey. Quem queria um reencontro com faixas dos Smiths ganhou três delas de presente (“William It Was Really Nothing”, “Is It Really So Strange?” e “How Soon Is Now”). Quem queria novidades ficou com outras três do mais recente trabalho, o álbum Low In High School, lançado no final do ano passado (“Spent The Day In Bed”, “Jacky Is Only Happy When She’s Up On a Stage”, “I Wish You Lonely”). Quem queria o resgate de faixas que havia tempos não apareciam no repertório dos shows também pode saborear preciosidades como “Sunny”, “Jack The Ripper”, “Hold On To Your Freinds”, “Break Up The Family e “Hairdresser On Fire”. Teve o novíssimo single ainda inédito em álbum, a cover de “Back On The Chain Gang”, dos Pretenders (aliás, ele pediu aos fãs que comprasse o trabalho de regravações que lançará no início do ano que vem). Quem procurava por raridades também ganhou “Dial-a-Cliché” (do primeiro pós-Smiths, Viva Hate, de 1988, e até a atual turnê latino-americana nunca cantada em shows) e b sidesde compactos como “If You Don’t Like, Don’t Look At Me” e “Munich Air Disaster 1958”. Também teve hitsda primeira fase solo (“Alma Matters”, “November Spawned a Monster”, “Everyday Is Like Sunday). Por fim, uma breve espanada pelos bons trabalhos mais recentes (“Life Is a Pigsty”, “The Bullfighter Dies” e uma inesperado “First Of The Gang To Die” para encerrar o bis e jogar mais uma camisa na direção dos fãs).

Steven Patrick Morrissey incorpora tantos Morrisseys – tanto em seu dia a dia quanto no imaginário de seus fãs e detratores ou ambos ao mesmo tempo – que ele ainda se dá ao luxo de usar no show uma camiseta estampada com seu próprio nome e rosto (daquelas oficiais à venda foi a que se esgotou mais rapidamente, deixando muita gente a ver navios após o show) e por isso mesmo se torna a cada dia ainda mais fascinante. Desta vez ao menos, todos devem ter saído contentes do show. Sem reclamações.

Set list: “William, It Was Really Nothing”, “Alma Matters”, “I Wish You Lonely”, “Is It Really So Strange?”, “Hairdresser On Fire”, “November Spawned a Monster”, “Break Up The Family”, “Back On The Chain Gang”, “Spent The Day In Bed”, “Sunny”, “If You Don’t Like Me, Don’t Look At Me”, “Munich Air Disaster 1958”, “Dial-a-Cliché”, “The Bullfighter Dies”, “How Soon Is Now?”, “Hold On To Your Friends”, “Life Is a Pigsty”. “Jack The Ripper” e “Jacky’s Only Happy When She’s Up On The Stage”. Bis: “Everyday Is Like Sunday” e “First Of The Gang To Die”.