Retrato de uma Jovem em Chamas

Obra francesa sobre um amor intenso entre duas mulheres é um primoroso exemplo de como o cinema pode emocionar

Texto por Leonardo Andreiko

Foto: Supo Mungam/Divulgação

Há alguns meses, a declaração de Martin Scorsese diferenciando o cinema “arte” dos filmes “parque de diversões” rendeu fervorosos debates, angariando defensores dos dois lados da pergunta “filmes tais como os da Marvel são cinema?”. Em Retrato de uma Jovem em Chamas (Portrait de la Jeune Fille en Feu, França, 2019 – Supo Mungam), temos um exemplo perfeito do que Scorsese quis dizer com sua distinção.

Dirigido e escrito por Céline Sciamma, o longa retrata a jornada de Marianne (interpretada por Noémie Merlant), uma pintora contratada para fazer um retrato de Heloise (Adèlie Haenel), que, prometida a um cavaleiro milanês, não deseja ser pintada. Portanto, Marianne é instruída a agir como sua acompanhante, pintando sua senhora em segredo ao longo de seis dias. A premissa, simples, abre espaço para o desenvolvimento silencioso de suas três personagens principais, as já citadas e a jovem Sophie (Luàna Bajrami), criada da mansão de Heloise. As três desenvolvem amizade e confiança inabaláveis ao longo destes dias, que inevitavelmente se transforma em amor entre Marianne e Heloise.

Amor, não paixão, como Sciamma deixa perfeitamente claro no decorrer do desenvolvimento da trama e de sua linguagem enquanto diretora. A câmera é calma, estática por vezes, mas movimentando-se de acordo com suas personagens. Terna, ela opta por closes não muito fechados, mas de modo suficiente para isolar as reações formidáveis do elenco. Com diálogos típicos da frieza europeia, cabe a Merlant e Haenel transmitir todo o mar de emoções pelas quais passam com o olhar e a linguagem corporal – o que fazem de maneira exemplar. Vemos como o desejo se estabelece e, lentamente, torna-se paixão e, então, um amor capaz de durar toda a vida das mulheres. E, numa demonstração do talento de Sciamma, a sensibilidade com a qual Retrato de uma Jovem em Chamas o faz é primorosa.

Grande parte do subtexto da obra pode ser enxergada em torno da arte, seja ela a pintura de Marianne ou a música, diegética ou não. É por meio daquilo que está implícito e, principalmente, pela elipse, que a direção e a montagem alçam o filme para uma densidade tremenda, muito maior que o mero romance. A condução de Sciamma (uma mulher lésbica) de um relacionamento lésbico que deve permanecer em segredo é emocionante, sem se manter superficial, muito menos correr atrás do sexo explícito fetichista que, para muitos, seria a saída fácil – vide a trajetória abusiva de Abdellatif Kechiche (Azul é a Cor mais Quente e Mektoub My Love).

O ritmo da montagem assinada por Julien Lacheray é tão calmo e espaçoso quanto a direção do longa, o que permite que a condução das cenas seja feita pelo simples olhar das atrizes. Ainda, há momentos onde a necessidade (dada puramente por convenção) do corte é sentida, mas Lacheray insiste em segurar o plano, amplificando o poder de toda a linguagem de Sciamma e desenvolvendo uma coesão não somente narrativa, mas artística entre começo, meio e fim de uma história tão bela, porém tão triste. Há dois momentos que, logo que acontecem, causam um estranhamento pelo descolamento estético com o resto do filme, mas que se pagam ao final, numa das últimas cenas da obra, que introduz o sentido que faltava a tal escolha.

Retrato de uma Jovem em Chamas é um exemplo primoroso de como o cinema tem capacidade emocional e artística por muitas vezes desperdiçada para dar lugar a Velozes e Furiosos 47, Transformers 12 e a vigésima história de origem de um super-herói nos cinemas. Sem pretender demais e paralelamente, alcançando muito, esta obra se desenvolve em um romance belíssimo, acalentador, para transformar-se num balde de água fria, carregando consigo as marcas de um amor proibido, intenso e perene. Digo isso, é claro, sem spoiler algum.

Patti Smith + Raconteurs + Hot Chip + CSS – ao vivo

Edição 2019 do Popload Festival coroa o reinado da musa punk com “abertura” de Jack White, retorno triunfal e plateia virando pista de dança

Texto por Fábio Soares

Fotos: Fabricio Vianna/Popload Festival

O décimo quinto dia de Novembro de cada ano definitivamente entrou no calendário de shows do paulistano. Repetindo a data pela terceira vez consecutiva, o Popload Festival trouxe em 2019 a diversidade ao Memorial da América Latina, local este que definitivamente deveria ser mais utilizado para a realização de grandes eventos devido à sua excelente localização e acesso. Desde o anúncio do line up, em março, a venda de ingressos custou a decolar mesmo com um nome de peso como atração principal. Inúmeras promoções foram divulgadas, sobretudo nos trinta dias que antecederam o festival e, apesar dos percalços, a organização disse que todos os 15 mil ingressos disponibilizados foram vendidos.

CSS

O Mondo Bacana chegou ao local por volta de 16h, ainda a tempo de presenciar um tão aguardado retorno. Após uma conturbada separação, com intensa troca de acusações com seu ex-integrante (e decano) Adriano Cintra, o CSS foi escalado devido à enésima desistência do grupo norte-americano Beirut. Por ironia do destino, a escalação do grupo de última hora caiu como uma luva no line up. O Cansei de Ser Sexy ainda possui uma legião de fãs desde quando tinha o mundo alternativo a seus pés lá no triênio 2006-2008.

Sob um clima de grande comoção, Lovefoxxx, Ana Resende, Luiza Sá e Carolina Parra subiram ao palco. A vocalista logo soltou um “Feliz 2004!” aos primeiros acordes de “Art Bitch”. A partir daí veio um set list para nenhum fã mais devoto reclamar: “Music Is My Hot Hot Sex”, “Bezzi”, “Meeting Paris Hilton”, “Alala” foram entoados em uníssono pela turma do gargarejo. Lovefoxxx ainda reina absoluta no imaginário de seus fãs, muitos deles ainda adolescentes quando o grupo explodiu há quase uma década e meia. Agora entre o trintão e o quarentão, o grupo finca de vez sua bandeira na causa LGBT. Visivelmente emocionada, Luísa Matsushita relembrou o recente período de exílio que incluiu uma temporada como moradora do estado do Amazonas, onde apreendeu (e praticou) um estilo de vida autossustentável, hoje continuado em Santa Catarina. “Quando era mais jovem, imaginei que tivesse de vir para uma cidade grande para encontrar minha identidade. Hoje, percebo que isso não é uma regra. A gente pode encontrar nossa identidade em qualquer lugar. Aqui, na praia ou no meio do mato, como eu fiz”, disse, antes dos primeiros acordes de “Superafim” encerrarem a apresentação. Para a alegria dos fãs e o desespero dos detratores, o CSS voltou para reescrever sua história. Quanto ao resto, o tempo dirá.

Set List: “Art Bitch”, “Music Is My Hot Hot Sex”, “Hits Me Like a Rock”, “Move”, “Bezzi”, “Meeting Paris Hilton”, “Alala”, “Dynamite”, “Fuck Everything”, “Let’s Reggae All Night”, “Let’s Make Love And Listen To Death From Above”, “City Grrrl” e “Superafim”.

HOT CHIP

Ainda sob a atmosfera de êxtase após o retorno triunfal do CSS, os veteranos britânicos subiram ao palco mais para confundir do que para explicar. Não seria inexato rotular o grupo como “cria do Devo” e. apesar de soar datado, o som do Hot Chip agrada muito mais aos quarentões do que à garotada. “One Life Stand” abriu os trabalhos com um tímido Alexis Taylor agindo como um Rivers Cuomo clubber. Postura esta que destoava do resto do time, que demonstrava uma alegria pujante por estar no palco. Talvez por isso a apresentação demorou um pouco a engrenar. Somente em “Spell”, quinta canção do set list, o público rendeu-se às batidas e linha de baixo pegajosas que transformaram o Memorial numa grande pista de dança.

Com o jogo ganho, “Over And Over”, “Melody Of Love” (do excelente e mais recente álbum A Bath Full of Ecstasy) e “Ready For The Floor” desceram como água para o que viria na sequência: uma inesperada versão de “Sabotage”, dos Beastie Boys, que agradou em cheio a plateia. A seguir, o único equívoco da apresentação: a chatíssima “I Feel Better”, como encerramento, não pareceu uma escolha acertada. A excelente “Brothers”, que inclusive é do mesmo álbum (One Life Stand, de 2010), seria uma ótima pedida para o até logo. Apesar disso, o Hot Chip não comprometeu. E não seria errado afirmar que a banda arrebatou novos fãs após esta mais recente passagem pelo Brasil .

Set List: “One Life Stand”, “Flutes”, “Hungry Child/Everywhere”, “And I Was a Boy From School”, “Spell”, “Over And Over”, “Melody Of Love”. “Ready For The Floor”, “Sabotage” e “I Feel Better”.

RACONTEURS

A alcunha de “multi-homem” dada a Jack White não é sem motivo. Um dos poucos casos de músicos que conseguiram desvincular a exclusividade de sua imagem ao grupo ou projeto que o alçaram ao estrelato, o produtor/compositor/cantor/guitarrista/pianista (mais outras funções que não cabem aqui) trouxe a São Paulo um de seus grupos sob grande expectativa. Com o fiel escudeiro Brendan Benson incluído neste projeto, ele escancara a influência do country blues americano nas canções do quarteto. “Bored And Razed” abriu os trabalhos para delírio dos mais devotos que, com quase certeza, ignoraram o restante das atrações e foram ao festival somente para vê-los. Ao vivo, os Raconteurs mais parecem um rolo compressor e a performance do grupo impressiona.

Como músico, White é um “Deus da Raça”: absoluto nas guitarras, ao piano e teclados, no violão, sabe como poucos usar o virtuosismo a seu favor. Já Benson tem a noção de que seu papel na banda é de escada para o ídolo indie e, mesmo assim, é um privilegiado espectador de luxo em cima do palco. Pontos altos deste show, “Level”, “Don’t Brother Me”, “Only Child” e “Broken Boy Soldier” foram formidáveis pílulas de uma apresentação impecável. O eterno hit “Steady As She Goes” foi executado em versão ampliada para um novo delírio da audiência. Ao final, duas certezas. Jack, o “Rei”, ainda terá súditos por muito tempo. Já pra quem nunca teve estômago para seu virtuosismo, teve nessa sexta-feira a chance de execrá-lo de vez.

Set List: “Bored And Razed”, “Level”, “Old Enough”, “You Don’t Understand Me”, “Don’t Bother Me”, “Only Child”, “Broken Boy Soldier”, “Now That You’re Gone”, “Sunday Driver”, “Help Me Stranger”, “Somedays (I Don’t Feel Like Trying)” e “Steady As She Goes”.

PATTI SMITH

Por mais que o Popload Festival tenha aura de alternativo, a escalação de cultuados veteranos se faz necessária como um chamariz de um certo tipo de público. Foi assim com PJ Harvey em 2017 e com o Blondie no ano passado. Para 2019, a escalação de Patti Smith mais pareceu um alinhamento de planetas. Cada vez mais engajada no universo literário, a musa do punk aproveitou sua passagem por São Paulo para lançar dois livros: o ficcional Devoção e o autobiográfico O Ano do Macaco. Com relação a ambos, uma concorridíssima tarde de lançamento lotou o teatro do Sesc Pompeia no dia anterior.

Mas vamos ao show que encerrou a noite do dia 15. Uma enorme nuvem de expectativa parava sobre a primeira vez de Patti Smith em São Paulo. Na plateia, cinquentões destoavam dos mais jovens e “moderninhos” (grande parte deles, aliás, deixou o local após o término dos Racounteurs). Pontualmente às 20h45 Patti surgiu ao palco ladeada por seus fiéis escudeiros Lenny Kaye (guitarras) e Jay Dee Daugherty (bateria). Ambos a acompanham há mais de quatro décadas. Com um som demasiadamente baixo (a equipe do Popload posteriormente explicou em nota que a responsabilidade pelo volume foi do técnico de mesa escolhido pela equipe da artista), os primeiros acordes de “People Have The Power” foram ouvidos dando o tom de engajamento do que seria a apresentação. Invariavelmente, a cantora explicava em breves introduções a história da canção que viria a seguir. Foi assim com “Beds Are Burning”, cover do Midnight Oil bem adequada ao momento de queimadas na Amazônia, e “Beneath the Southern Cross”. Já “Dancing Barefoot” (a predileta deste que vos escreve!) teve sua execução mais cadenciada, o que não prejudicou em nada sua pujança. Como o apelo emocional é parte integrante de seus shows, pequenos erros passam quase que despercebidos como sua confusão com a letra de “After The Gold Rush”, eterno clássico de Neil Young que levou às lágrimas fatia significativa dos presentes. Como uma sacerdotisa, Patti comandava seus seguidores apenas pela sua verborragia encharcada de ativismo e poesia. Acima de tudo, era uma apresentação para se degustar, com ares de recital em grande parte dela.

Na segunda metade, pausa para um rápido descanso. Patti deixou o palco para que Lenny Kaye e o baixista Tony Shanahan emendassem a dobradinha de covers “I’m Free” (Stones) e “Walk On The Wild Side” (Lou Reed) e retornou para um matador trio de canções reservado para o fim: a eterna “Because The Night”, a espetacular “Land” (seminal hino do clássico álbum Horses, de nove minutos de duração) e o apoteótico final com “Gloria”. A pérola de Van Morrisson que transformou-se numa das mais belas apropriações indébitas da história do rock levou o público presente ao delírio quando Patti literalmente arrancou “na unha” as cordas de sua Stratocaster.

No final, um clima de comoção tomou conta do Memorial. Todos ali sabiam que um show de Patti Smith nunca seria uma apresentação qualquer. Era a história do rock passando diante de nossos olhos como um clássico cinematográfico. Porque ela nos dá a certeza de que não há idade para se engajar e encher o mundo de poesia. Como também não há idade para encantar e ser encantado.

Set List: “People Have The Power”, “Ghost Dance”, “Dancing Barefoot”, “Beds Are Burning”, “Beneath The Southern Cross”, “Free Money”, “I’m Free/Walk On The Wild Side”, “After The Gold Rush”, “Pissing In a River”, “Because The Night”, “Land” e “Gloria: In Excelsis Dio”.

A Vida Invisível

Com extrema sensibilidade, Karim Aïnouz emociona ao retratar a invisibilidade feminina na sociedade brasileira de algumas décadas atrás

Textos por Janaina Monteiro e Leonardo Andreiko

Fotos: Sony/Divulgação

Quando A Vida Invisível (Brasil/Alemanha, 2019 – Sony) termina e surgem os letreiros, a sensação é de que acabamos de vivenciar uma profunda imersão na vida secreta de nossas avós, principalmente para os espectadores – como eu – cujo sangue português corre nas veias. É bem possível que você fique atônito, perplexo, abalado, devastado ou se renda a qualquer outro sentimento que talvez provoque lágrimas, como ocorreu à plateia de críticos do último festival de Cannes, onde o filme do diretor Karim Aïnouz ganhou o prêmio da mostra paralela Um Certo Olhar. Em agosto, o título também foi escolhido pelo país como o seu candidato a uma possível vaga ao Oscar de filme em língua não inglesa em 2020, superando o também premiado, badalado e cultuado Bacurau.

Martha Batalha, autora do livro que inspirou o filme e cuja história retrata a vida de duas irmãs separadas primeiro pela paixão, depois pelo pai e então pelo destino, já adverte na introdução: as personagens Eurídice e Guida foram, sim, baseadas “na vida das minhas e das suas avós”. Eurídice, Guida e todo o núcleo feminino são retratos da mulher que teve de abandonar – ou pelo menos adiar – os sonhos para se dedicar à família, aos próprios filhos ou aos filhos dos outros. Elas são o espelho da mãe solteira e da mulher que era chamada de biscate caso ferisse os bons costumes. É sinônimo da mulher invisível, que tinha como dever obedecer às regras sociais, ser refém do marido. Sua frustração era combatida com esperança, convertida em forma de netos em vez de diplomas pós-doc.

O melodrama tropical (como fora rotulado o filme) nos remete à tradicional família de imigrantes portugueses na época pré-pílula anticoncepcional, quando a mulher era feita para ser mãe e ainda precisava, sim, trabalhar fora. Para adaptar a história às telas, o diretor Aïnouz e os roteiristas Inês Bortagaray e Murilo Hauser (este, um curitibano da gema) trabalharam por três anos a fim de extrair a essência da obra de Martha e conseguiram retratar a sociedade patriarcal daquele tempo com uma verossimilhança impressionante.

O cenário é a cidade do Rio de Janeiro, a Floresta da Tijuca, o bairro de Santa Tereza. Eurídice (Carol Duarte) mora com os pais e a irmã mais velha Guida (Julia Stockler) numa casa em São Conrado. A jovem, de 18 anos, é um talento nato no piano, sonha em ser concertista e sempre dá cobertura à Guida, interpretada no final do filme pela magnífica Fernanda Montenegro. Dona de um temperamento extrovertido, Guida se apaixona e decide fugir com o namorado grego sem ao menos saber dizer uma palavra do idioma. De mala e cuia, ela deixa a casa, rumo ao porto, onde embarca de navio para sua aventura amorosa.

Com o sumiço da irmã, Eurídice fica à deriva e se apega ao brinco perdido por Guida. Carol exterioriza essa condição de desorientação de forma surpreendente, com seu olhar sempre perdido, tentando encontrar alguma resposta no horizonte. Quando Guida volta ao Brasil, pouco tempo depois de terminado o romance, ela é expulsa de casa e as duas se separam. O restante do filme é sobre a busca de Eurídice em rever a irmã, que para seu marido Antenor Campelo, funcionário dos Correios e amigo da família, já está morta. Gregorio Duvivier, ator dedicado à comédia e que até surpreende no teatro, tenta convencer ao interpretar o estereotipo do marido dos anos 1950, porém se perde no meio do caminho. Fica caricato, ora exagerando na veia cômica, ora se esforçando no drama.

Guida consegue sobreviver sozinha na capital do país. Toma um rumo que nunca sonhou e paga o preço por ter fugido de casa. Enquanto vive à procura de Guida, Eurídice também toca a vida: engravida e adia o sonho de ser musicista.

Enfim, A Vida Invisível é uma obra que retrata estereótipos e costumes da metade do século passado, revirando a memória afetiva do espectador. Mostra o pai português severo, a mãe que vive na cozinha trabalhando e cuidando da casa, a família que se reúne ao redor da bacalhoada e da rabanada na ceia de Natal. O realismo e a naturalidade como o diretor trabalha essas figuras são surpreendentes. Nada fica de fora, seja o suor de seus corpos, o sangue pós-parto, as relações sexuais não consentidas. Aliás, as cenas de sexo, sem cortes e explícitas, nos remetem a muitos títulos dos anos 1970 e 1980 que hoje são exibidos de madrugada no Canal Brasil. Assim como a textura e proporção de tela escolhidos por Aïnouz que costuma ser comparado a Pedro Almodóvar. Isso porque ele consegue imprimir uma visão feminina da história, ao dar corpo a personagens com atitude feminista, no limiar da segunda onda do feminismo. Os saltos temporais também são executados com maestria. Apenas os erros de continuidade prejudicam a perfeição do filme.

Depois de A Vida Invisível certamente vamos olhar para essas senhoras de cabelos brancos com mais curiosidade e atenção. Mulheres podem, agora, ter o canudo que quiser, escolher o parceiro ou parceira, decidir pela maternidade. Somos fruto de cada Eurídice e cada Guida, as irmãs que resistiram ao fardo de pertencer a uma sociedade conservadora. Sociedade que, ainda hoje, guarda o ranço do machismo. (JM)

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Karim Aïnouz é um autor. Seu forte estilo de direção, bastante focado em seus personagens, como ele próprio definiu, angariou fãs dentro e fora do Brasil, além de diversos prêmios. No entanto, ele confidenciou ao espectador curitibano durante a pré-estreia do filme, na noite de 24 de outubro no Cine Passeio, que A Vida Invisível (Brasil/Alemanha, 2019 – Sony) surgiu da vontade de alçar voos mais próximos do público, distanciando-se do estigma do cinema arte de salas vazias e lançamentos modestos, antes mesmo da crescente – e absurda – desvalorização da indústria audiovisual brasileira.

Seu melodrama ambientado no Rio de Janeiro dos anos 1950, corroteirizado por Murilo Hauser e Inés Bortagaray, revolve em torno da relação de duas irmãs, Eurídice e Guida Gusmão, cada uma de espírito fortemente distinto da outra, separadas pelas circunstâncias da vida e desejando o reencontro. Tanto o roteiro quanto a direção de Aïnouz propõem um rumo diferente da tomada por Martha Batalha no romance que inspirou a obra – portanto, comparações se tornam ainda menos necessárias que de costume.

O título anterior da obra (quando venceu a mostra Um Certo Olhar do último Festival de Cannes, em maio, o filme se chamava A Vida Invisível de Eurídice Gusmão, assim como o livro) trazia, a princípio, um foco maior nesta, interpretada por Carol Duarte. O longa, porém, trata Guida e sua irmã como protagonistas, ambas seguindo suas histórias, enormemente distantes e distintas. Este, talvez, seja um forte trunfo da obra. Pois tanto Duarte quanto Julia Stockler têm seu respectivo espaço para construir suas personagens, cujos contrastes dão tom à trama, ao mesmo tempo que são muito aproveitados metaforicamente. Enquanto Guida é altiva e senhora de si, Eurídice é contida e, embora tão forte e sonhadora quanto sua irmã, acaba envolvida na opressora máquina da família tradicional, cujo vigor era ainda maior na época. Assim, a audiência é capaz de torcer para que ambas se reencontrem, ainda que torça para que suas tramas individuais deem certo.

A cumplicidade de A Vida Invisível com suas personagens é outro amplificador à imersão da obra. A câmera de Aïnouz e da diretora de fotografia Hélène Louvart as acompanha e, numa instância mais poética, torna-se parte delas. Sentimos o que elas sentem, desde as emoções transpassadas pela maravilhosa atuação até as emoções mais abstratas, como o constante desfoque que sequestra os quadros de Eurídice. Ampliada pela belíssima direção de arte e ambientação, a fotografia é capaz de evocar naturalismo fotográfico e, num plano subsequente, flertar com o imaginário e figurar os fortes vermelhos característicos da filmografia de seu diretor.

No entanto, o longa-metragem sofre de um problema, no mínimo impactante. Ao retratar algumas cenas com intensidade maior que a necessária, Aïnouz passa do ponto, o que pode causar fortes desconfortos a audiências com gatilhos envolvendo abusos sexuais. A sensibilidade que permeia os momentos introspectivos da obra se perde na noite de núpcias de Eurídice com Antenor, interpretado muito bem por Gregório Duvivier – que não perde seu jeito característico no humor e, mesmo assim, desenvolve um personagem distante de sua figura porta-dos-fundesca, por assim dizer. Fica aqui o alerta de gatilho, portanto.

Ainda assim, a obra é repleta de acertos, que se aglomeram e transformam A Vida Invisível numa história emocionante e envolvente. Quando imaginamos que tudo já poderia acabar, é claro que estamos enganados. Fernanda Montenegro tem a sensacional – ou terrível, caso precise escrever sobre sua atuação – mania de transcender, em seu ofício, quaisquer elogios, adjetivos ou análise que possa ser feita. Em poucas palavras e muitos olhares, a nonagenária atriz amplifica a já belíssima personagem de Carol Duarte. A Eurídice Gusmão de Fernanda, já calejada de uma vida inteira, emociona do primeiro ao último olhar. Aïnouz soube dirigi-la com maestria e, assim, amarrar com finesse a trama que constrói em seu filme.

Capaz de argumentar sobre a invisibilidade das mulheres na sociedade, o machismo estrutural e suas vítimas em ambos gêneros e a perda da esperança, o longa não se esforça em desenvolver quaisquer destes temas. Antes do tema, vêm as personagens. Essa é a história de Eurídice e Guida, mas poderia e deveria ser a história de muitas mulheres. Nossas bisavós, avós e mães. (LA)

Corgi: Top Dog

Obra assinada por estúdio belga traz humor não muito infantil e diversidade ao mundo dos longas-metragens em animação

Texto por Leonardo Andreiko

Foto: Imagem Filmes/Divulgação

Dominado por Pixar, Dreamworks e Illumination, o mercado dos longas-metragens animados ocidentais precisa de um respiro de seu monopólio, a fim de garantir novidade. Não que estas empresas façam trabalhos ruins apesar de nem sempre vemos bons resultados, mas toda diversidade é benéfica. Corgi: Top Dog (The Queen’s Corgi, Bélgica, 2019 – Imagem Filmes), produção do estúdio belga nWave Pictures, traz uma boa supresa para o cenário da animação neste ano.

A trama, dirigido por Vincent Kesteloot e Bem Stassen, revolve em torno da fuga do corgi Rex, que ocupa o posto de Top Dog da Rainha da Inglaterra, quando este sofre uma tentativa de assassinato de seu melhor amigo, que cobiça seu posto. Rex para num canil, conquista amigos por lá, enfrenta um bravo pitbull e volta para casa a tempo de salvar o dia. Estruturalmente, o roteiro de Rob Sprackling e Johnny Smith não inova o gênero, muito menos se destaca por seu humor. Ao longo do filme, cujo público-alvo é claramente o infantil, o espectador sente-se inclinado a não gostar do protagonista. Afinal, Rex beira a arrogância em seus confrontos iniciais, e, principalmente, sente falta do humor infantil. Embora as sutis indicações de humor adulto sejam mais que bastante para animar os adultos da sala, sua correspondência infantojuvenil é praticamente inexistente. Além disso, os personagens da trama são rasos demais para garantir a empatia do público. Não temos indicações suficientes de quem eles são, a não ser o que nos é contado pelos mesmos. Assim, a camada de apoio da trama fica diminuta perante um Rex responsável por todo o arco do filme.

Tecnicamente, porém, o trabalho é muito promissor. Com exceção de um único personagem, todo o traço de Corgi: Top Dog, bem como sua animação de fato, procuram criar uma estética e fluidez próprias de seu universo. Aqui, a nWave desenvolve um estilo próprio de Rex e seus amigos, sem fiar-se no visual já consolidado de outras empresas. Neste sentido, Kesteloot e Stassen operam com eficiência. As cenas de ação do longa também funcionam bem – este é um filme bem feito, afinal de contas.

A dublagem brasileira, como de costume, é competente. No entanto, acredito ser necessário assistir a quaisquer filmes em sua linguagem original, a fim de obter a visão intentada por seus criadores na totalidade. Sendo assim, não há muito a declarar a respeito da atuação aqui.

Esta é mais uma animação capaz de entreter os adultos (em especial durante a primeira metade, recheada de humor ininteligível pelas crianças da sala), mas que lutará pela atenção de seu público-alvo, ainda que com uma estética fofa o suficiente para instigá-los. Resta saber se Corgi: Top Dog venderá satisfatoriamente, alçando sua produtora ao rol das grandes da animação ocidental.