Letrux + Geo + Subburbia – ao vivo

Contando também com DJs e performance, primeira edição do festival Saliva incentiva o diálogo através das artes em Curitiba

Letrux

Texto por André Mantra (Cena Low-Fi)

Fotos: Hay Ramos/SLV/Divulgação

Na noite de 29 de novembro de 2018, nas dependências do curitibano Hermes Bar nasceu o Festival Saliva – concebidos pelo trio ativo e criativo formado por Carol Scabora, André Gosmma e Vini Buzze. O conceito é o de incentivar o diálogo através das artes, embora a música seja a protagonista. Na programação, as DJs Adri Menegale (Misturi-C) e Barbara Oeiras (Um Baile Bom) colocaram o público (formado por pessoas na média dos 25 anos, comunicativas e baladeiras) para cantar e dançar durante o festival, exceto, obviamente, nos momentos em que o palco era devidamente ocupado por artistas: três bandas, todas com mulheres envolvidas, e a performer, também do gênero feminino.

Quem deu início aos trabalhos no palco do Hermes Bar foi o agora duo Subburbia – banda veterana e de um nome bastante concorrido, tanto que no caso deles a grafia é diferenciada. Após dez anos de fundação e algumas mudanças, desta vez a redução para uma dupla, o que poderia facilitar a sua apresentação e audição ao menos naquela apresentação, deu ruim. Nem havia tanta gente naquela altura (por volta das 22h30). Até aí, tudo bem – a proposta deles Marina (voz +  guitarra) e E1000 (synth+ voz) nunca foi ser acessível, pop ou facilmente rotulável. Todavia, vale salientar que a ausência de boa acústica do local e de uma provável apresentação sem passagem de som, mesmo através de um set simples (dois microfones + guitarra + amp + sample) não estava com uma boa saída de som nos PAs (caixas cuja intenção principal é o som destinado ao público). Isso fez da apresentação uma experiência estranha.

Após alguns minutos de som das DJs, veio a santista Geovana Mantovani ao lado dos produtores e instrumentistas Aércio de Souza (bateria) e Guilherme Miranda (baixo + samples). O trio Geo realizou uma apresentação correta e já era perceptível a melhora da qualidade do som no ambiente. O projeto musical centrado na vocalista foi iniciado apenas em 2017 mas isso não o impediu de ser notado em pouco tempo, pois há certo frescor na sua proposta musical – tanto que ainda é possível arriscar como sintetizar sua sonoridade através de gêneros musicais. No palco, Geo apresenta-se como uma espécie de personagem binário (robô). Sim, ela investe muito numa apresentação bastante (audio)visual através do seu make combinado a versos que abordam relacionamentos mal sucedidos e bases eletrônicas acompanhadas da “cozinha” (baixo e bateria) e um canto técnico, sem excessos. O início do  sucesso no YouTube ocorreu covers e uma vida musical bem nutrida de boas referências interpessoais e fonográficas.

A sua segunda aparição pública na capital paranaense foi repleta de novidades no set list: “Nós”, “Acrílico” e “Monstro” deram o tom do que deve ser seu primeiro álbum, que virá após alguns singles muito bem sucedidos. Este foi um dos grandes acertos da produção, sem dúvidas, embora as pessoas estivessem muito ansiosas por Letícia Novaes, agora simplesmente Letrux. Vale salientar que Geo ainda não lançou um álbum (o primeiro está previsto para fevereiro) e no decorrer do ano terá muito mais visibilidade e participação dos seus ouvintes in loco. É certamente uma das revelações nacionais para os próximos meses lotar os inferninhos e baladas do cenário independente brazuca.

Geo

Antes da principal atração da primeira edição do Saliva, houve espaço para a obra performática de Mariana Barros – uma apresentação de cerca de 20 minutos com colagens de depoimentos e trechos de músicas que iam de Hebe Camargo a MC Kevinho e teve seu ápice em “Capim Guiné”, do grupo BaianaSystem (Titica + Margareth Menezes). Foi uma espécie de strip tease que dialogava com a plateia através do seu corpo, numa apresentação de conceito “meu corpo é político”. Talvez tenha sido a atuação que mais alcançou a meta de interação ou burburinho através da arte de forma espontânea.

Então, por volta de 1h20m da madrugada de sexta, entrou em cena estrela Letrux. Ela veio acompanhada por Arthur Braganti (teclados e synths), Martha V (guitarra, percussão e MPC), Natália Carrera (guitarra, synths e programações), Lourenço Vasconcellos (bateria e percussões) e Thiago Rebello (baixo), todos tão experientes quanto Letícia, artistas da música, compositores e produtores fonográficos como ela, uma verdadeira superbanda do cenário indie carioca em atividade desde o início da década passada. A expectativa não cabia no Hermes, lotado e pulsando. Não é surpresa afirmar que os hits “Ninguém Perguntou Por Você”, “Vai Render”, “Noite Estranha, Geral Sentiu” e “Que Estrago” foram catárticos, já que esta era simplesmente a primeira apresentação do projeto Letrux na capital paranaense. A metrópole curitibana é mal acostumada a receber, antecipadamente, os espetáculos artísticos em relação às demais regiões “fora do eixo” do território nacional, ainda mais se for um projeto musical premiado e hypado (naquilo que o cenário musical autoral independente compreende).

Justamente por proporcionar este e outros encontros e interações, aliás, que o Festival Saliva teve em seu debut um saldo muito positivo. Entretanto, é nosso dever apontar, também, o que precisa ou deveria ser melhorado/revisto. O Hermes Bar tem a localização e o “tamanho” interessante para um evento com “os pés no chão” só que sempre exige da produção de cada evento adaptações para receber artistas e imprensa caso necessite de demanda acima da cobertura jornalística parceira, além de não oferecer espaço físico para que a atração se acomode no local. O “camarim” deve ter uns três metros quadrados de largura e comprimento: tem muita cozinha de apartamento que comporta melhor duas bandas formadas por três integrantes. Essa característica inibe o artista a interagir com qualquer fã antes ou depois de uma apresentação. A sonorização também é sempre polêmica, pois os ouvidos mais experientes sabem que as frequências se perdem no local, principalmente os graves. Se corrigidas estas questões, o Hermes mudará de patamar de forma muito consistente, até porque não temos na região opções superiores disponíveis e com a mesma localização, centralizada, em Curitiba.

Também é preciso reforçar que se tratou da primeira edição de um festival que tem um papel importantíssimo no mercado local: realizar encontros como esses relatados para um nicho de mercado cultural da cidade. Curitiba não possui população do porte do Rio de Janeiro, São Paulo, Belo Horizonte e Brasília, por exemplo, embora econômica e culturalmente o seu potencial seja muito mais próximo das nossas maiores megalópoles. Sim, é uma missão árdua e que felizmente teve apoio de empresas e microempresas atentas ao público que o Saliva atende.

Rumores já circulam dizendo que a próxima atração do evento tem ligação forte com a Letrux, reside no Rio de Janeiro embora seja pernambucana e esteja igualmente forte nos ouvidos e corações das pessoas que compareceram ou gostariam de estar na primeira edição do Festival Saliva. “Força na peruca” aos envolvidos e seguimos aguardando boas novas.

Assunto de Família

Longa japonês vencedor de Cannes no ano passado emociona ao questionar limites e necessidades para a formação familiar

Texto por Abonico R. Smith

Foto: Imovision/Divulgação

Família é aquela que é imposta a você por causa de laços sanguíneos ou a que o livre-arbítrio permite que, qualquer que seja o motivo, a escolha de ambos os lados? Este é o ponto central de um dos filmes de língua não inglesa mais badalados do ano passado, vencedor da Palma de Ouro no Festival de Cannes, indicado ao Globo de Ouro e um dos nove finalistas que concorrem à indicação ao Oscar, no fim da atual temporada de prêmios do cinema norte-americano.

Assunto de Família (Manbiki Kazoku, Japão, 2018 – Imovision) chega aos cinemas brasileiros neste começo de ano trazendo esta discussão. Aparentemente os Shibata são uma família unida, apesar das grandes dificuldades do dia a dia. Moram em um bairro pobre da grande cidade, ganham pouco em subempregos sem muita perspectiva de melhoria de salários e cargos, sobrevivem basicamente da uma misteriosa pensão recebida pela matriarca da família. Avó, duas irmãs, o genro e um menino dividem o mesmo cubículo, entulhado de quinquilharias de casa. No dia a dia, pai e filho praticam pequenos furtos de comida para os jantares em casa e alguns objetos que possam ser vendidos para garantir um trocado a mais no orçamento já apertado (daí o título dado em inglês, Shoplifters, para o lançamento no mercado internacional). A mãe, por sua vez, colabora trazendo mais coisas do seu trabalho. Já a irmã dela assume um novo nome para fazer strip tese ao vivo para os homens do outro lado de uma tela de vidro. O pequeno garoto não vai à escola e apenas lê os livros disponíveis que estão jogados em algum canto de casa.

No trato cotidiano os Shibata são a família mais afável e unida que o espectador poderia acompanhar. Aos poucos, porém, vão surgindo na história novos elementos que podem vir a fazer ruir todo o castelo de cartas construído pelo núcleo e trazer desavenças aos seus integrantes. Tudo começa quando, no caminho de volta para o cubículo, após um passeio noturno, Osamu (Lily Frankie) se depara com uma garotinha de quatro aonde idade abandonada em uma casa vizinha. A pequena Yuri é largada ao léu pelos pais, sofrendo diariamente abuso psicológico e violência física. Levada na surdina para os Shibata, ela acaba sendo adotada informalmente e nunca mais devolvida ao seu lar de origem, para a alegria de qualquer espectador mais sentimental aliás. Esta decisão, apesar de inicialmente parecer acertada para este mesmo espectador com o coração de manteiga, acaba por desenrolar todo um novelo de complicações até o fim da projeção.

Enquanto isso, o diretor Hirokazu Koze-eda – que aqui assina também o roteiro – faz de seu novo filme mais uma bela experiência sobre as pequenas coisas cotidianas. Seu um apurado olhar contemplativo explora ângulos de impacto em espaços diminutos e embarca naquele ritmo lento característico do cinema nipônico – a ponto de explorar com extrema sutileza a sucessão das quatro estações durante as cenas externas, por exemplo. O que torna ainda mais lírica a sua visão de como diferentes pessoas e personalidades podem muito bem formar e se sentir uma família, mesmo com suas divergências. Morais, ideais ou até mesmo de sangue.

Virgens Acorrentadas

Diretor curitibano Paulo Biscaia Filho acerta a mão na sátira à vertente slasher das histórias de horror em sua primeira empreitada norte-americana

Texto por Abonico R. Smith

Foto: Moro Filmes/Divulgação

O que fazer quando você envia o roteiro de um filme para várias empresas e todas elas retornam com uma resposta negativa somada a uma desculpa esfarrapada qualquer? O jeito é se desvencilhar das expectativas e frustrações e partir para o empreendimento próprio, bancando e produzindo a própria obra. É o que faz o personagem Shane em Virgens Acorrentadas (Virgin Cheerleaders In Chains, EUA/Brasil, 2017 – Moro Filmes), produção independente americano com pitadas brasileiras que estreia hoje, de forma hercúlea, em quase duas dezenas de salas comerciais nacionais.

Na verdade, VCIC é o nome do filme que Shane, sua namorada e seus colegas começam a fazer dentro do filme. A história dentro da história. Metalinguagem. Surge de sonhos frequentes que o roteirista e agora produtor de si próprio anda tendo. Segue a vertente do slasher (também conhecida entre os fãs do horror como torture porn, por misturar imagens de sugestão sexual e violência gráfica). Então, a turma segue para uma chácara afastada, escolhida como locação. Seus moradores são gente estranha. E, claro, como não poderia deixar de acontecer em um filme de horror, a coisa toda começa a desandar quando espirram as primeiras gotas de sangue.

Só que, de uma certa forma, a história desenvolvida neste longa-metragem também é o que aconteceu ao norte-americano Gary Gannaway. Desiludido com os sucessivos não tomados diante do roteiro escrito para VCIC, resolveu ele mesmo tomar a frente da produção e financiar o projeto com a ajuda de alguns benfeitores e vaquinha de colaboradores. Para dividir a direção, convocou o curitibano Paulo Biscaia Filho, de quem havia se tornado amigo em 2012, quando os dois estiveram dando um rolê pelo NOLA Horror Film Fest, o festival de cinema de horror realizado na cidade de New Orleans. O diretor e cabeça da companhia Vigor Mortis de teatro e filmes topou a empreitada e embarcou para a cidade de Austin, no Texas, para rodar as filmagens com atores locais em um período de três semanas.

Saber que o nome de Biscaia está no projeto significa que este está longe de ser um filme slasherconvencional. Pelo contrário. Diretor e roteirista aqui afinam sua parceria para exibir um humor inteligente e mordaz. Volta e meia os diálogos satirizam o mercado cinematográfico em geral, suas batidas fórmulas comerciais (enem sempre eficazes, diga-se de passagem), as condutas de seus profissionais. Em uma hora, a namorada de Shane, a co-produtora Chloe, solta a pérola de que “o recurso da “metametalinguagem” fica algo meio impossível para ser utilizado na trama. Ao mesmo tempo, porém, brindam o espectador com algo em comum à dupla: o amor pelo cinema, algo que move alguém a fazer um filme com orçamento irrisório (segundo o próprio Biscaia, algo que não chega a uma fração representativa do budget mais barato das produções mais baratas de estúdios norte-americanos) e, ainda assim, entregar uma obra com qualidade, paixão e, o principal, inteligência para nunca subestimar o espectador.

VCIC também atira farpas nos clichês do estabilishment cultural dos Estados Unidos. Já começa pela inclusão do símbolo da cheerleader sendo preso em correntes e massacrado fisicamente – por sinal, a adaptação do título para o português tirou a palavra exatamente por esta não ter tradição no Brasil. Questões econômicas (o pai que banca o filho empreendedor), profissionais (a aspirante a atriz que, para pagar as contas, trabalha num inferninho à noite fazendo pole dance e strip tease) e das drogas (o irmão de Shane, envolvido no fumacê constante e que às vezes costuma ter sacadas melhores que o profissional da área).

VCIC é um típico representante metaslahser, capaz de entreter sem dispensar questionamentos e críticas ao subgênero do horror pelo qual o próprio enredo segue. O melhor é que o roteiro vai surpreendendo quem está sentado na cadeira da sala de projeção durante todo o desenrolar da história. Por fim, vão duas dicas importantes. Não pisque durante nenhum segundo até a cena final do filme e, sobretudo, não confie principalmente em quem mais parece ser uma pessoa ingênua e inocente ali.

PS: Sim, assim como fizera em longas anteriores (Morgue Story: Sangue, Baiacu e Quadrinhos e Nervo Craniano Zero), Biscaia faz uma rápida aparição em VCIC. Agora gastando o inglês na frente das câmeras apenas para esbanjar bom humor em uma reunião de executivos do mundo do cinema.