Movies

O Caso Richard Jewell

Clint Eastwood segue na zona de conforto dirigindo mais um longa que aposta a temática do heroísmo americano

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Texto por Ana Clara Braga

Foto: Warner/Divulgação

A ideia do heroísmo americano é trabalhada exaustivamente em diversas produções cinematográficas. Clint Eastwood fez toma uma carreira interpretando papéis e dirigindo filmes que abordam o tema, como, mais recentemente, Sully – O Herói do Rio Hudson e Sniper Americano. Seu mais novo longa não foge a regra.

Contando a história real do segurança que consegue identificar uma bomba durante as Olimpíadas de Atlanta em 1996 e evitar uma tragédia maior, O Caso Richard Jewell (Richard Jewell, EUA, 2019 – Warner) traça uma narrativa rica sobre a construção e destruição de ídolos pela mídia. Em um primeiro momento, o protagonista é considerado um herói. Contudo, após a imprensa divulgar que ele está sob investigação, sua imagem é drasticamente transformada na do vilão.

Essa seria uma ótima reflexão, se o rumo escolhido pelo diretor não fosse tão tortuoso. Olivia Wilde interpreta a ambiciosa jornalista Kathy Scruggs, retratada no filme como uma mulher implacável, sem empatia e disposta a oferecer favores sexuais para conseguir um furo. A empresa de mídia Cox Enterprises, dona do Atlanta Journal-Constitution, jornal em que a verdadeira Kathy trabalhava, levantou acusações contra a produção por conta da retratação errônea e difamatória da jornalista. Segundo o The New York Times, não existem relatos de que a jornalista agia de tal maneira. Considerando em que vive-se a época do movimento #MeToo, é absurda a direção escolhida para a personagem de Wilde.

Richard Jewell (Paul Walker Hauser) é apresentado como um cidadão comum, que só quer servir e fazer o bem. Exageradamente ingênuo, Jewell tem fascinação por policiais e sua maior meta é tornar-se um. A empatia que deveria ser dedicada a ele é quase toda destinada a sua mãe Bobi, em uma bela atuação da sempre incrível Kathy Bates.

O filme é mais um conto americano em que “qualquer um pode ser tornar um herói”. Porém, com críticas à máquina da mídia e ao governo, que usam seus poderes para interferir na vida de pessoas comuns.

Clint Eastwood, hoje com 89 anos de idade, certamente sabe produzir dentro de sua zona de conforto. O Caso Richard Jewell é uma obra que não poderia ser feita por outro diretor e isso não é nem uma crítica tampouco um elogio. Sem ousar mas certamente causando polêmica, o diretor alcançou aqui um filme mediano e 100% americano.

Music

Max & Iggor Cavalera – ao vivo

Espinha dorsal da formação clássica do Sepultura volta a Curitiba para tocar faixas dos dois álbuns que levaram a banda ao reconhecimento mundial

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Texto por Guilherme Motta

Foto: Renata Kalkmann/Divulgação

Quantos de vocês estavam naquele show debaixo de chuva torrencial e raios do Sepultura em 1994 na Pedreira Paulo Leminski?

Bom, eu não estava, infelizmente. Mas grande parte das pessoas presentes no último 13 de junho (quinta) na Usina Cinco, na capital paranaense, com certeza estavam lá 25 anos atrás. Desde aquele dia, os curitibanos nunca mais viram o Sepultura com a formação “clássica”, que contava com Max (vocais e guitarra) e Iggor Cavalera (bateria), ao lado de Paulo Jr (Baixo) e Andreas Kisser (guitarra) – pois Max deixaria o grupo cerca de pouco tempo depois.

Passado um quarto de século, os irmãos subiram juntos ao palco em Curitiba, para tocar especialmente os dois históricos albuns de thrash metal que levaram o Sepultura ao reconhecimento mundial: Beneath The Remains (1989) e Arise (1991). Particularmente falando, eu achei que nunca na minha vida ouviria essas músicas ao vivo, muito menos sendo executadas por esses dois juntos – vale ressaltar que em 2015 Max e Iggor vieram à cidade mas com o repertório do Cavalera Conspiracy.

O show começou relativamente cedo e sem muito atraso. Por volta das 22h15 o quarteto já estava despejando riffs nos que ali se encontravam. O set list foi aberto com “Beneath the Remains” e “Inner Self”. Assim que Marc Rizzo – também integrante do Soulfly e do Cavalera Conspiracy – tocou o primeiro acorde, formou-se imediatamente um enorme circle pit em meio aos espectadores. E ssim se seguiu até o último chiado do amplificador.

Foram aproximadamente duas horas de show comandadas pela espinha dorsal do velho Sepultura. Ainda em plena química e forma, mesmo sem ter tocado muitas destas músicas por muito tempo juntos. E quem estava esperando ouvir apenas os dois albuns que intitulam a turnê se enganou. As lendas tocaram ainda uns covers: “War Pigs” (Black Sabbath), “Ace Of Spades” e “Orgasmatron (Motörhead), “Hear Nothing See Nothing Say Nothing” (Discharge) e mais a sempre surpreendente “Polícia” (esta, dos Titãs, assim como “Orgasmatron”, regravada pelo Sepultura). Tocaram também algumas faixass de outros discos, como “Refuse/Resist”, do album Chaos A.D. (1993), e a clássica “Roots Bloody Roots”, de Roots (1996). Para os fãs bem mais antigos, também “Troops of Doom” do disco de estreia do Sepultura, Morbid Visions, lançado em 1986.

Com toda a certeza, esta foi a noite mais emocionante dos últimos anos para a comunidade headbanger curitibana, os quatro integrantes estavam visivelmente muito empolgados e satisfeitos com o que viram e sentiram naquela noite. Max, Iggor, Marc e o baixista Mike Leon (também membro do Soulfly) deram aula de como fazer uma performance de metal da melhor qualidade. Claro que nós, curitibanos, como sempre, demos outro show de como apreciar um espetáculo de música extrema.

Set list: “Beneath The Remains”, “Inner Self”, “Stronger Than Hate”, “Mass Hypnosis”, “Slaves Of Pain”, “Primitive Future”, “Arise”, “Dead Embryonic Cells”, “Desperate Cry”, “Altered State/War Pigs”, “Infected Voice”, “Orgasmatron” e “Ace Of Spades”. Bis 1: “Troops Of Doom”, “Refuse/Resist” e “Polícia”. Bis 2: “Roots Bloody Roots”, “Hear Nothing See Nothing Say Nothing” e “Beneath The Remains/Arise/Dead Embryonic Cells”).

Music

Michael Jackson

Dez curiosidades a respeito deste grande ídolo que há uma década deixa saudades entre os fãs de música pop

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Texto por Janaina Monteiro

Foto: Reprodução

Uma década sem Michael Jackson são dez anos privados de um dos artistas mais criativos e excêntricos da história da música pop. Não há – e dificilmente haverá – quem chegue aos pés do autor de “Billie Jean”, “Man In The Mirror”, “Beat It”, “Black Or White”, “Thriller” e tantos outros megahits.

Polêmicas à parte, o fato é que Michael cresceu artista, forçado desde muito cedo pelo pai a entrar no showbiz – o que explica boa parte de seu comportamento como adulto e perante suas doenças, como o vitiligo. Michael sempre foi um garoto com sua síndrome de Peter Pan; tanto é que batizou seu rancho de Neverland (Terra do Nunca, em português).

Nunca teve sossego esse Rei do Pop, sempre perseguido pelos olhares da mídia. Em contrapartida, era amado por milhões de fãs ao redor da Terra. O artista superlativo vendeu milhões e rendeu centenas de curiosidades. Que ele ganhou treze prêmios Grammy ou que Thriller é o álbum mais vendido do mundo até hoje todos já sabem, certo? Mas você fazia ideia que Michael não compôs “Thriller” (na verdade, o autor é o produtor Rod Temperton, o mesmo que fez outro hit seu, “Rock With You”)? Ou que seu super-herói favorito era Morfo, do X-Men?

Em busca de peculiaridades, o Mondo Bacana fez uma pesquisa a respeito do ídolo, que morreu no dia 25 de junho de 2009, de overdose acidental de medicamentos, aos 50 anos de idade. Veja só o que encontramos de muito curioso.

>> Como Michael era testemunha de Jeová, quando ele estava em turnê nunca comemorava seu aniversário. “Todo ano seu assistente tinha de lembrar todo mundo: okay, o aniversário de Michael está chegando, mas ele não celebra”, contou a chef Mani Nail em entrevista à revista People, que conheceu o astro em 1982.

>> Michael era bastante rígido com sua alimentação. Sempre magrinho porque comia pouco e dava preferência à dieta veggie. No site da revista People, uma das chef que trabalhava para ele conta que o astro ficava horas sem comer e que gostava de pizza, mas não tolerava macarrão. MJ também era guloso e adorava doces, mas detestava chocolate. O cantor era fã mesmo de comida mexicana, como enchiladas bem picantes. Também gostava de kebab de tofu grelhado com cuscuz e molho marroquino. Michael também teve uma cozinheira brasileira, chamada Remi Vale Real. Ele adorava panquecas de vegetais, crepes e arroz com feijão que a mineira fazia. Remi uma vez, disse em entrevista à imprensa, que o ídolo pop adorava melancia.

>> Que Michael foi ferido na cabeça durante uma explosão acidental enquanto participava da gravação do comercial da Pepsi, em 1984, todo mundo sabe. Mas você poderia desconfiar que, apesar de ser o garoto-propaganda da marca, ele não gostava do refrigerante?

>> Meias brancas com mocassim preto, chapéu tipo Fedora ou Borsalino e luva de lantejoulas eram a marca registrada do astro. MJ começou a usar a luva na mão direita provavelmente para esconder o vitiligo. Ele vestiu o acessório pela primeira vez no clipe de “Billie Jean”, lançado na MTV no dia 10 de março de 1983.

>> Aliás, existem N teorias sobre a identidade de Billie Jean. Todos sabem que ela era apenas uma garota, como diz a letra da canção. Mas você fazia ideia de que Michael compôs “Billie Jean” enquanto dirigia seu Rolls-Royce. Ele ficou tão compenetrado em sua criação, inclusive, que simplesmente não notou que o carro começou a pegar fogo. Esta canção, o primeiro single do álbum Thriller, já recebeu dezenas de versões em vários estilos. Entre os que a regravaram estão Chris Cornell e Caetano Veloso. “Billie Jean” também foi o primeiro videoclipe de um cantor negro a aparecer na MTV.

>> E foi cantando “Billie Jean” que Michael executou o moonwalk pela primeira vez, em rede nacional, durante a comemoração dos 25 anos da gravadora Motown, em 1983. O famoso passo, porém, não foi inventado pelo Rei do Pop, mas pelo sapateador Bill Baily na década de 1950. MJ deu seu toque de mágico e o transformou na dancinha mais imitada mundo afora.

>> Michael arrastava uma multidão de fãs enlouquecidos por onde passava. E muitos deles tentavam imitá-lo. Na França, em 1984, um alucinado matou-se porque não havia conseguido realizar uma cirurgia plástica para ficar com a cara do astro. Aliás, estima-se que o cantor tenha feito de dez a doze procedimentos em apenas dois anos. Há quem diga que isso era para ficar com o nariz do Peter Pan.

>> Além de Peter Pan, Michael era fã de Pinocchio (olha só o elemento “nariz” de novo!) e dos Três Patetas. Seus livros preferidos eram O Velho e o Mar, de Ernest Hemingway, e Rip Van Winkle, um conto escrito pelo americano Washington Irving em 1819. A história – baseada na obra dos irmãos Grimm – é sobre um homem que cochilou à sombra de uma árvore e dormiu durante vinte anos. Quando ele acordou, seu país não era mais colônia inglesa: em vez do Rei George III todos celebravam George Washington.

>> O cantor era apaixonado pelo Brasil e pisou pela primeira vez em solo brasileiro antes mesmo de lançar o brilhante álbum solo Off The Wall, em 1979. Cinco anos antes, ele fez cinco concertos nem nosso país (São Paulo, Rio de Janeiro, Porto Alegre, Belo Horizonte e Brasília) com os irmãos do Jackson 5. Depois voltou em 1996, e para gravar o clipe da faixa “They Don’t Care About Us”, dirigido pelo cineasta Spike Lee. As locações escolhidas foram o Pelourinho, em Salvador, e na favela Dona Marta do Rio de Janeiro. Nessa última vinda, há relatos de que o Rei do Pop cantou durante toda a viagem de tão contente de estar voltando para o Brasil. E também que, no hotel, experimentou várias frutas tropicais.

>> Para o final, uma descoberta e tanto às gerações mais novas de fãs do cantor. A doce balada “Ben” foi lançada em single por Michael em 1972 e se engana quem acha que a letra se refere a um bichinho fofinho. Uma das faixas mais tocadas nas rádios naquele ano, ela foi gravada para os créditos finais do filme que, no Brasil, ganhou o título de Ben, O Rato Assassino. É uma história de terror que retrata a amizade entre um garoto solitário e um ratinho. Mas o camundongo, na verdade, é o líder de um bando de roedores assassinos. A canção foi escrita pelo astro teendos anos 1960, Danny Osmond, que integrava o grupo Osmonds. Ela apenas foi interpretada por Michael, que na época tinha apenas 12 anos de idade, porque Danny não teve tempo de gravá-la para o filme por estar em turnê.

Music

Aurora

Oito motivos para você não perder a passagem da cantora por Curitiba em sua nova vinda ao Brasil

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Texto por Abonico R. Smith

Foto: Divulgação

Revelação do pop feminino dos últimos anos, Aurora está percorrendo várias cidades do país com sua banda. Ela já se apresentou em três cidades (Rio de Janeiro, São Paulo, Belo Horizonte) e nesta quarta, 22 de maio, passa por Curitiba (saiba mais informações sobre o show na Ópera de Arame clicando aqui). Conhecida por ter regravado a música folk tradicional “Scaborough Fair” especialmente para a faixa de abertura da novela Deus Salve o Rei, exibida no ano passado pela Rede Globo, a cantora e compositora de pele muito branca, cabelos naturalmente platinados e aquela clássica beleza nórdica não costuma incluir esta canção no repertório de suas apresentações ao vivo. Para quem ainda não a conhece além desta releitura, o Mondo Bacana apresenta oito motivos pelos quais você não pode perder de maneira nenhuma a sua passagem pela capital paranaense.

Noruega

A culpa é do A-ha. Não fosse o trio ter tomado a MTV e, de quebra, o planeta todo de assalto lá em 1985 com o megahit “Take On Me”, talvez a produção de artistas noruegueses dos segmentos pop e rock não tivesse assim lá tanta importância posteriormente. Sondre Lerche, Ida Maria, Ane Brun, Jenny Hval, Royksopp, Kings Of Convenience/Erlend Oye, Datarock, Casiokids, Todd Terje, Turbonegro… Isso sem falar em toda uma peculiar cena de black, doom, gothic e outras subvertentes afins do metal (Burzum, Dimmu Borgir, Darkthrone, Gorgoroth, Mayhem, Ragnarok, Emperor, Tristania entre tantos outros nomes) ficando famosa não apenas pela sua música como também por atos como incendiar igrejas e assassinar a sangue frio companheiros de banda. Aurora Aksnes nasceu em 15 de junho de 1996 em Stavanger, a terceira maior cidade do país, e cresceu em Os, município do sul do país, próximo ao grande centro urbano de Bergen, localidade com número de habitantes inferior apenas à capital Oslo, onde ela reside atualmente.

Extensão vocal

Aurora é soprano, mas a elasticidade de sua extensão vocal certamente arrebata corações e expressões surpresa para quem ainda não conhece seu trabalho. Vai com muita naturalidade de oitavas mais graves a notas bastante altas.

Intimidade musical

Desde cedo Aurora sempre encontrou na música um refúgio para canalizar seus sentimentos. Sem a própria família saber, começou a ter aulas de piano aos 6 anos de idade, já experimentando compor as primeiras melodias. Aos 9 estendeu os estudos e treinamentos à voz. Na adolescência, fez sua primeira apresentação em público na escola, que a levou a fazer sucesso em programas locais de TV e sites de streaming musical. Isso a levou a assinar contrato com uma grande agência nacional de gerenciamento de carreira artística e ofertas de lançamento pelas gravadoras Glassnote e Decca. Não por acaso, o primeiro álbum da carreira saiu quando ela tinha apenas 19 anos, em março de 2016, reunindo registros feitos e compostos da infância a época de então.

“Runaway”

Se você quer ter o primeiro contato com a obra de Aurora e precisa escolher uma música para fazer isso, não tenha dúvidas: vá de “Runaway”, faixa incluída em All My Demons Greeting Me As Friend (o primeiro álbum) e também no EP de estreia, Running With The Wolves (de apenas quatro faixas, lançado em 2015). O conselho é dado pela própria artista, sempre que a perguntam sobre sua principal composição até aqui. “Como esta é uma das primeiras composições que eu fiz, torna-se uma maneira muito lógica de iniciar uma jornada pelo meu mundo”, declarou a artista em uma entrevista para a Billboard americana. Os versos falam sobre a fuga do mundo real para um local onde sentimentos e abstrações se encontram envoltos em um misto de paz, sossego e pertencimento. Assim, na verdade, podem ser descritas as letras escritas por Aurora: um universo particular e sensorialmente etéreo.

“Churchyard”

Estrategicamente escalada no início dos shows da atual turnê, esta faixa já empolga desde o início, com a cantora sendo acompanhada pelos músicos de sua banda em versos do refrão entoados a capella. Sexta faixa do segundo disco da cantora, Infections Of A Different Kind, “Churchyard” fala, segundo ela, sobre alguém que, em uma posição muito superior, utiliza seu poder na atual situação de uma forma completamente errada. Muita gente pode ter ligado isso, na época de lançamento do EP, ao presidente dos Estados Unidos, Donald Trump, mas a própria Aurora tratou de afirmar que este é um simbolismo mais generalizado, embora isso aconteça o tempo todo na política mundial. Explicações à parte, o fato é que não tem como não se deixar levar pelo refrão poderoso e o arranjo percussivo que permeia toda a música.

“Queendom”

Outra faixa de destaque de Infections…, “Queendom” é o libelo feminista da norueguesa. Empoderamento, alegria e igualdade são três dos sentimentos que a cantora que passar diante de um mundo que vem aprendendo, mesmo que ainda a duras penas, a ser menos machista e patriarcal. Mas não apenas as mulheres são festejadas nestes versos, segundo ela. Há também espaço para as crianças, os animais e aquela parcela masculina que se sente deslocada da representatividade usual do gênero, como as pessoas mais introvertidas e quietas. Décimo single da carreira e talvez o maior hit de Aurora, a música vem disposta no encerramento do show.

Novo disco

O repertório da atual turnê costuma se equilibrar as atenções de modo igual entre All My Demons…e Infections…Porém, contempla ainda novidades para os fãs, acrescentando três ou quatro faixas do próximo disco, o quarto em quatro anos de trajetória profissional. A Differet Kind Of Human está previsto para chegar às lojas físicas e virtuais no comecinho de junho (mais precisamente no dia 7) e traz um conjunto de onze faixas que servem como complemento para as oito anteriores de Infections Of A Different Kind. Três singles já foram lançados desde o início deste ano e dois deles são presença certa no set listdos atuais shows: “The Seed” e “The River”. O terceiro, “Animals”, costuma aparecer em alguns concertos, assim como a ainda inédita “In Bottles”.

Peso no palco

A sonoridade de Aurora contempla o ecletismo de suas influências e referencias musicas. Enquanto ela diz carregar muito consigo de nomes díspares como Leonard Cohen e Enya, os arranjos dos discos unem orquestrações, programações eletrônicas e a herança da folk music escandinava. Quando se transporta para o palco, contudo, a artista norueguesa se revela muito mais pesada do que nas gravações de estúdio. Sua banda conta com um baterista, dois tecladistas (sendo uma sua vocalista de apoio para dobrar vozes e realizar contracantos) e um guitarrista (que às vezes faz a função do baixo nas cordas mais graves do instrumento). Já funcionou em local aberto anteriormente por aqui (o Autódromo de Interlagos, em São Paulo, quando fez parte da programação do Lollapalooza Brasil de 2018) e em espaços menores, onde ela fica mais próxima da plateia, tem tudo para colocar ainda mais fogo do começo ao fim do repertório.

Music

Dado Villa-Lobos + Marcelo Bonfá + André Frateschi – ao vivo

Em Curitiba, trio relembra (quase) na íntegra as faixas dos álbuns Dois e Que País é Este 1978/1987, da Legião Urbana

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Texto por Abonico R. Smith

Fotos de Igor Filus/Charme Chulo (Dado e Bonfá) e Abonico R. Smith (André Frateschi)

Nove de abril de 1988. Aquela não era uma noite qualquer. O cheiro de tensão já estava no ar desde antes de começar o show. Depois de um bom tempo de atraso, eis que sobem ao palco montado no Ginásio do Tarumã, em Curitiba, os quatro integrantes da Legião Urbana. Naquela época, a banda ainda era um quarteto, com Renato Rocha tocando o baixo e sem a presença de músicos de apoio nos teclados, violões e segunda guitarra.

Por pressão da gravadora, o terceiro álbum da banda, Que País É Este 1978/1987 tinha acabado de sair no final do ano passado. Foi algo montado às pressas, ainda para aproveitar a carona do extremo sucesso do anterior Dois, lançado em 1986, em um ano de extrema euforia econômica por causa do Plano Cruzado e que impulsionava a vendagem de discos. O novo repertório havia ficado no meio do caminho. Para completar o disco, a banda pegou antigas canções escritas por Renato Russo nos tempos de Aborto Elétrico ou Trovador Solitário, durante o final da adolescência em Brasília.

A banda vivia um período de intensas turbulências internas. Rocha, logo depois, seria desligado da formação por problemas de comportamento. Russo tentava driblar os problemas emocionais trazidos pela fama meteórica com abusos químicos e etílicos. E de certa forma comportamentais. O que viria a se refletir nesta apresentação no Tarumã. Na plateia, um séquito de fãs ensandecidos à espera de seu líder. Sim, porque um show da Legião Urbana com Renato Russo à frente do palco não era uma mera performance artística naquela ocasião. Parecia quase todo mundo ali um exército com o poder de ser comandado (ou sair do controle a qualquer instante) pelo seu grande chefe.

O que rolou dentro no Tarumã foi quase um barril de pólvora pronto para explodir. Russo, sempre imprevisível, improvisava e mandava seus pensamentos sobre vida e política e mais frases impactantes ao microfone entre cada música. A multidão se inflamava. Passou um bom tempo cantando se jogando e deitando no chão, como às vezes costumava fazer. A multidão se inflamava mais. Cantava os versos magnéticos e poderosos de suas músicas, muitas delas sobre revoluções pessoais e coletivas. A multidão se inflamava cada vez mais. Ao final do show, veio a sensação de alívio por nada de errado, estranho ou violento ter acontecido ali dentro. Entretanto, lá fora, quando as pessoas começaram a sair todas ao mesmo tempo por um mesmo portão, tudo explodiu. Policiais batiam em vários. Outros, a cavalo, tentavam conter a fúria ao mesmo tempo em que quase jogavam os animais em cima dos fãs. Algumas bombas de efeito moral explodiam aqui e ali. Eu, um garoto prestes a completar 16 anos de idade e acompanhado apenas por amigos da mesma faixa etária, tentava me proteger e sair são e salvo para um lugar mais distante e sem confusão.

Dois meses depois, em junho o que não havia saído do controle durante o show de Curitiba acabou saindo no fatídico retorno da banda a Brasília. Resultado foram cenas de tensão, horror e vandalismo que pôs em risco a integridade física dos próprios músicos, destruíram o estádio Mané Garrincha, e tomou as ruas da cidade que havia revelado a banda e não a mais queria nas redondezas. Fato que foi determinante para a suspensão das apresentações e viagens pelo país durante um bom tempo e marcou uma virada de página na carreira da banda. Depois disso ver assistir a um show da Legião Urbana tornou-se um fato ainda mais difícil de acontecer quando Russo, Dado e Bonfá decidiram por retomar as turnês.

>> Clique aqui para ouvir a gravação do show de 9 de abril de 1988 em Curitiba

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Exatos trinta anos depois o repertório baseado nos discos que sustentavam aquela tensa e polêmica fase voltou a Curitiba. À meia-noite e meia da madrugada do último sábado, dia 24 de novembro de 2018, Dado e Bonfá, novamente acompanhados pelo vocalista André Frateschi e a mesma banda de apoio da turnê anterior (Lucas Vasconcellos nas guitarras e violões, Mauro Berman no baixo e direção musical e Roberto Pollo nos teclados e programações eletrônicas), que comemorava as três décadas de lançamento do álbum de estreia, agora estavam na Live Curitiba para tocar (quase) integralmente Dois e Que País É Este 1979/1988. Das 21 faixas, apenas uma, a vinheta instrumental “Central do Brasil” ficou de fora do set list do live project.

Em primeiro lugar devem ser feitas considerações a respeito da plateia que parecia que iria comparecer em bom número e, mais próximo ao início da apresentação, acabou enchendo a casa. Poucos eram os que tinham abaixo dos 30 anos de idade – ainda assim os teens estavam devidamente acompanhados por pais ou familiares. A maioria claramente era de gente que cresceu/adolesceu quando as músicas cantadas por Renato Russo povoavam a playlist da maioria das rádios FM e discos físicos – em vinil ou a laser – eram vendidos aos borbotões, os brasileiros não votavam para presidente baseados em fatos irreais do WhatsApp e a juventude ainda carrega uma certa esperança ingênua em um país que mal havia se libertado de duas décadas de ditadura militar. Portanto, não houve renovação do público da Legião Urbana. Apesar de suas canções mais antigas exalarem espírito juvenil, a garotada de hoje não se conecta mais com Renato, Dado e Bonfá. Nisso também ajudou – e muito – a interminável rusga com o herdeiro do vocalista, seu filho, detentor dos direitos sob o nome da banda e, que, segundo a dupla remanescente, impede o lançamento oficial de projetos novos e antigas gravações ainda inéditas.

Contudo, quando Dado e Bonfá sobem ao palco a coisa muda de figura. “Ah, mas não tem Renato Russo!”, muita gente pode  tentar argumentar. Bom, não tem mesmo. Infelizmente Renato morreu em 1996, o que não pode ser revertido e ainda determinou o fim oficial da banda. Portanto este não é um show da Legião Urbana em si, mas uma celebração de dois artistas que compuseram e gravaram com o amigo as canções que construíram a carreira de todos eles. E também André Frateschi se transformou em um grande achado para compensar as saudades do vocalista. O ator e cantor – com respeitável carreira solo no underground brasileiro – não quer substituir, muito menos imitar o seu também ídolo. Não faz os mesmos trejeitos e coreografias, não tem o mesmo timbre vocal, mas está cada vez mais solto e acostumado à condição de estar à frente do guitarrista e baterista. Sua performance é própria, ele toca instrumentos (bateria e harmônica) e tudo é tão energético quanto as músicas que canta. Sem falar que, em determinados momentos, é um dos dois que assume a função de bandleader.

“Ah, mas não tem coisa inédita!”, outros tantos podem disparar. Não tem mesmo e ainda bem. Banda brasileira não sabe acabar após uma longa carreira e fica se arrastando ao tocar pelo país quase sempre o mesmo repertório, com os mesmos hits que já foram executas outras 35 mil vezes ao vivo. Quando aparecem faixas novas, elas são bem poucas e estão aquém de distância na qualidade se comparada aos velhos clássicos. Com Dado e Bonfá não tem isso. Velhos sucessos, sim, podem muito bem sumir do set list e a intenção destas duas últimas turnês é executar os discos no palco, de cabo a rabo. Por isso ouvir pérolas escondidas dos álbuns (como “Depois do Começo”, “Metrópole”, “Música Urbana 2”, “Química”, “Mais do Mesmo”, “Conexão Amazônica”, “Acrilic on Canvas”, “Plantas Embaixo do Aquário” e “Fábrica”) é muito mais importante, neste momento, do que ficar relembrando “Quando o Sol Bater na Janela do Seu Quarto”, “Monte Castelo”, “Meninos e Meninas”, “Geração Coca-Cola”, “Ainda é Cedo” ou “Por Enquanto”.

O set é temático e brinda as canções gravadas entre 1986 e 1987. Portanto, o tom das canções vai do folk (soberano em Dois, gravado com muitos instrumentos acústicos de corda) ao punk (herança deixada pelo Aborto Elétrico absorvida em Que País É Este 1978/1987), abandonando as nuances pós-punk da estreia (1985) e ainda sem soar tão pop ou progressivo quanto os vindouros quarto e quinto álbum As Quatro Estações (1989) e (1991). Ainda era uma época em que as palavras bem trabalhadas valiam em letras de música neste país. O discurso era virulento ao mesmo tempo em que tentava buscar a tomada de consciência para um amanhã melhor. Buscava sintonia com os jovens da mesma época, empolgados por uma suposta mudança dos rumos que estaria por vir. Os fãs respondiam à altura, com ardor e devoção jamais vistas até então no rock brasileiro, alçado à condição de megagênero naquele momento do mercado fonográfico nacional.

Hoje a graça está mais em cima do palco do que do lado de cá dele. É bom ver como muitos versos (“Fábrica”, “Que País é Este”, “Faroeste Caboclo”, “Angra dos Reis”, “’Índios’”, “Mais do mesmo”, “Conexão Amazônica”) até hoje dizem muito a respeito de nosso universo cotidiano ao redor. E que quem as interpreta ali, na frente de muitos (e isso inclui os três músicos de apoio) parece que está se divertindo tanto quanto em quase duas horas e meia de show. Tudo passa longe de ser um relógio-ponto burocrata que funciona com base em harmonias e melodias. O que, por sinal, a Legião Urbana sempre foi. Uma banda movida apenas pelo compromisso consigo mesma e a sua necessidade de expressão e não pelo o que os outros pensam ou querem dela. Dado e Bonfá já passaram dos 50 anos de idade mas parecem ter alma muito mais jovem do que a maioria do público que foi vê-los na Live Curitiba. Estes, sim, parecem eternamente satisfeitos em ter sempre mais do mesmo.

PS: Para o bis, foi escolhido um minirrepertório pinçando, de brinde aos fãs, uma faixa representativa de cada um dos outros quatro álbuns executados ao vivo em turnês pelo trio. No caso do sexto, O Descobrimento do Brasil (1993), ainda houve uma “música-bônus”: “Giz” (anunciada como a preferida entre todas as da banda pelo vocalista) e “Perfeição” (o sempre indispensável “Hino Nacional Brasileiro” alternativo).

Set list: “Daniel na Cova dos Leões”, “Quase Sem Querer”, “Eu Sei”, “‘Índios’”, Acrilic on Canvas”, “Tédio (Com um T Bem Grande Pra Você)”,  “Mais do Mesmo”, “Metrópole”, “Química”, “Plantas Embaixo do Aquário”, “Depois do Começo”, “Conexão Amazônica”, “Música Urbana 2”, “Eduardo e Mônica”, “Faroeste Caboclo”, “Que País é Este”, “Angra dos Reis”, “Andrea Doria”, “Fábrica” e “Tempo Perdido”. Bis: “Vento no Litoral”, “Giz”, “Há Tempos”, “Será” e “Perfeição”.