The Eyes Of Tammy Faye

Jessica Chastain brilha como a pioneira do televangelismo americano que ia muito além do moralismo habitual do gênero

Texto por Taís Zago

Foto: Star+Searchlight/Divulgação

Tammy Faye e Jim Bakker são o casal mais famoso do televangelismo americano. Nos anos 1970 e 1980, eles praticamente “inventaram” a “TV da fé” nos moldes que conhecemos hoje também no Brasil. Ao mesmo tempo, os dois foram protagonistas de um dos maiores escândalos de fraude e desvio de dinheiro do canal PTL – Praise The Lord, a rede televisiva que criaram. Contavam nessa jornada com o apoio de outros agentes religiosos da época, como o pastor homofóbico e misógino Jerry Falwell, que ficou famoso ao travar uma guerra contra os Teletubbies por considerar os personagens infantis uma “propaganda homossexual”. Semelhanças com Malafaia et caterva não são mera coincidência. Os pastores brasileiros se inspiraram no modelo dos cristãos evangélicos norte-americanos ao montar seu império (dourado) da fé por essas bandas.

Jim e Tammy se conheceram quando eram estudantes no Bible College de Minneapolis, Minnesota. E a atração foi imediata. Tammy viu em Jim a personificação do pastor evangelista moderno – aquele que, ao invés de defender as sandálias da humildade, não condenava o enriquecimento e o amor ao dinheiro. Jim sabia pregar, tinha desenvoltura e um arsenal prontinho de platitudes para converter e atrair cristãos para seus sermões. Tammy, por sua vez, era, à primeira vista, a própria imagem da religiosa näif – ingênua, wide eyed, devota e idealista. Com voz de Betty Boop e uma presença sensual, mesmerizava os fiéis com cabelos e figurinos extravagantes e com cílios imensos, que viraram sua marca registrada. Mais tarde ela viraria chacota em sketches de programas de humor de TV como o Saturday Night Live por causa da maquiagem exagerada e permanente. Tammy era 100% entretenimento, fazia entrevistas, shows de bonecos e encantava fiéis com suas performances exageradas de hinos religiosos. 

Enquanto Bakker se limitava a seguir a austera cartilha de pregações morais, aquela que conhecemos bem – família, costumes, pecados e punições e propaganda republicana – ditada pelos pastores, todos homens, que o cercavam, Tammy rompeu muitas regras e arrepiou os cabelos dos devotos mais conservadores ao defender direitos LGBT, discutir a aids nos anos 1980 e defender o amor ao próximo acima das regras religiosas. Por essa sua atuação quase ativista e, claro, também pela sua opulenta aparência, Ela foi festejada como a primeira drag queen, servindo de inspiração para muitos outros artistas.

The Eyes Of Tammy Faye (EUA, 2021 – Star+/Searchlight) é baseado no documentário do mesmo nome, de 2000, narrado em parte por RuPaul. O diretor de obras de dramedy Michael Showalter tomou para si a tarefa de transformar Jessica Chastain em Tammy e Andrew Garfield em Jim. Contudo, os louros aqui vão diretamente para os atores. Garfield incorpora Jim como uma figura fraca, infantilizada, dependente, narcisista, gananciosa, insegura e em claro conflito com sua sexualidade, algo que não é confirmado mas insinuado em várias cenas do filme. Já Chastain personifica em Tammy um leque muito maior de características conflitantes. Por um lado vemos uma protagonista que possui fé genuína, empolga todos ao seu redor, está sempre feliz e sempre otimista e é aparentemente alheia a todas as malandragens feitas com o dinheiro dos fiéis. Por outro, vemos uma figura viciada em comprimidos, infeliz e insatisfeita em seu casamento, que não economiza um tostão em suas indulgências materiais e que faz vista grossa para toda a sujeira ao seu redor. Os olhos de Tammy são seletivos e Jim, junto com seus associados, contam com isso para suas falcatruas. O filme recebeu duras criticas por ficar apenas na superfície das relações, por enfatizar o glamour e esconder fatos desconcertantes do casal, como todo o processo da acusação de estupro contra Jim, que junto ao escândalo das fraudes o colocaram na cadeia.

O que temos aqui uma história clássica de ascensão e queda sem que haja uma verdadeira redenção no final, e que, em alguns momentos, parece muito enamorada de Tammy e sua aparência física. Jessica Chastain, favorita ao Oscar de melhor atriz pelo papel, levou-o para casa. O filme também concorreu ao Oscar de melhor cabelo e maquiagem – e venceu. É inegável o delicioso e colorido pulo entre as décadas de 1960-1980 na produção das músicas, figurinos e fotografia. Todos são fantásticos.

A forma como Jessica transita na personagem entre os opostos, indo da completa euforia até o abismo e a paralisia da depressão é, sem dúvida, sensacional. Tammy coloca um sorriso no rosto, ajeita a maquiagem, abre uma lata de coca-cola light, respira fundo e é cordial até mesmo com quem a ataca. Ela sobe ao palco sempre como se fosse a sua última vez e se entrega de corpo e alma ao que considerava ser sua vocação divina. E nós, aqui, do outro lado da tela, quase nos convertemos.

Coringa

Joaquin Phoenix encarna com maestria o clássico vilão de Gotham em contundente história que metaforiza a psicopatia da sociedade atual

Texto por Janaina Monteiro

Fotos: Warner/Divulgação

Sorria, mesmo que seu coração esteja dolorido. Sorria, mesmo que ele esteja partido. Charles Chaplin, que deu vida ao palhaço Carlitos, escreveu esses versos em “Smile”, música composta nos anos 1930 para o filme Tempos Modernos.

Mas como sorrir quando se é miserável de alma e conta bancária? Quando se é vítima de toda a sujeira mais imunda que o ser humano pode produzir? Quando o bullying e o abandono se arrastam pela vida adulta? Quando você perde emprego, vive sozinho, deprimido, e, pra piorar, sofre de transtorno psicótico? Esse é o dilema de Coringa (Joker, EUA, 2019 – Warner). No filme que leva o nome em português do personagem, o vilão se transforma em herói retratado de forma humanizada pelo diretor Todd Phillips (mais conhecido pela trilogia Se Beber Não Case). O aguardado e aclamado longa sobre um dos antagonistas de Batman, vencedor do último Leão de Ouro em Veneza, estreia nesta quinta-feira no Brasil cercado de polêmicas e protagonizado por Joaquin Phoenix, um ator com estrutura física e psicológica para viver o papel que já foi interpretado por Heath Ledger (morto por overdose acidental de medicamentos logo após terminar as filmagens de Batman: O Cavaleiro das Trevas), Jared Leto e Jack Nicholson.

O Coringa de Phoenix sorri por conta de sua psicose acompanhada de um distúrbio neurológico (ele ri incontrolavelmente a ponto de quase sufocar) e do seu trabalho como palhaço de rua. Arthur, na verdade, chora através de suas risadas histéricas. Ele é o freak, o weirdo, em busca de sentido de pertencimento no mundo cada vez mais apático e egocêntrico. Faz parte da escória da humanidade, que de tanto sofrer assume a personalidade de Joker e se transforma num monstro guiado pela violência nua e crua, similar à praticada por jovens armados em escolas e cujos massacres são exibidos e reexibidos pelos telejornais. Por isso a preocupação com a censura: no Brasil, o filme não é recomendado para menores de 16 anos.

A introdução mostra o drama de Arthur em seu ambiente hostil. Gotham City está infestada por ratos reais, numa analogia à Nova York do início dos anos 1980 quando o número de habitantes roedores quase ultrapassou a população. Arthur mora com a mãe num prédio decadente do Bronx e sonha em ser comediante de stand-up. O tempo todo ele é esculhambado, ridicularizado por colegas, agredido por gangue de adolescentes, refém de sua doença, dos remédios e da pilhéria da sociedade em que vive.

Phillips, que coescreveu o roteiro, conseguiu de forma soberba traduzir essa personagem dos quadrinhos capaz de causar tanto fascínio e terror. E humanizar o vilão, digno de pena. Todo o sofrimento serve como base de seu comportamento no decorrer da trama. Arthur não chega a ser um psicopata, pois consegue sentir compaixão: cuida da mãe tão perturbada quanto ele. E como todo psicótico, encontra fuga numa realidade paralela. Quando assiste, por exemplo, ao seu talk show preferido, chamado Live With Murray Franklin, imagina-se dentro do programa. Delira e encontra no apresentador  (interpretado por Robert De Niro) o pai que nunca teve. O mundo de Arthur está em vias de explodir quando perde o emprego, momento em que seu alterego passa a dominar.

O turning point acontece quando ele descobre a verdade sobre sua mãe, sobre o seu passado, sua doença, sobre o pai que nunca conheceu e que poderia ser o mesmo pai de Bruce Wayne, o Batman, super-herói nascido em berço de ouro. Thomas Wayne, bem ao estilo Donald Trump, é candidato a prefeito de Gotham e se refere aos pobres como sendo palhaços. O filme, aliás, faz um paralelo surpreendente com a história de Batman e confronta as duas personagens, dando uma suposta prévia do novo filme sobre o Homem-Morcego.

Na mente do Joker (o nome original do Coringa, em inglês), Arthur passa do homem ridicularizado, vítima de chacota e agressão, ao palhaço vingativo, terrorista. Sua satisfação vem através da violência. Em vez de estourar seus miolos, Arthur decide eliminar quem o ridicularizou. E poupa aqueles que o trataram bem, na maioria das vezes também minorias.

Cenas chocantes não faltam no filme, que alimentam a polêmica de fomentar atos de violência. Entretanto, o roteiro consegue a proeza de, em algumas delas, nos fazer rir com uma certa culpa por conta da atitude perturbada do protagonista. Phillips e Phoenix transformam em arte cenas de dança em que o Coringa comemora e parece emular Carlitos, incorporando gestos de tai chi. Aliás, o balé do Coringa foi feito de improviso. Joaquin e Todd não gostaram do primeiro resultado e o ator, gênio, começou a dançar, o que rendeu uma cena de beleza poética e transformou em marca registrada desse Joker.

A tensão é mantida do início ao fim, garantida pela riqueza da personagem e o brilhantismo do ator. Como é possível esperar qualquer coisa da mente de um psicótico, há tomadas tão carregadas de suspense que o espectador sente aquele frio na espinha. Somando a isso, a trilha sonora do filme é fundamental na manutenção dessa condição de ansiedade e expectativa. Muitas vezes, por si só, uma canção é capaz de dar sentido à determinada sequência. Como “Send In The Clows” (gravada originalmente por Frank Sinatra e interpelada por uma das vítimas do Coringa) e “Smile”, de Chaplin, sobre quem há faz várias referências durante esta história (o homem por trás de Carlitos era um gênio, filho de mãe doente mental e que acabou tendo fama de pedófilo).

Além de close-ups reveladores e movimentos de câmeras sempre em sintonia com o tom sombrio do filme, Phillips também faz uso de elementos não verbais para mostrar o conflito de personalidade e a angústia de Arthur. Exemplos disto são as cenas em ele aparece numa escadaria, sinônimo de verticalidade, representando os planos do espírito, da mente, a ligação entre o céu e a Terra. A trama, aliás, é tão bem costurada que o espectador não consegue definir quais são momentos de delírio e sanidade da personagem até que, quase na metade do filme, um flashback desnecessário surge como uma explicação para os improváveis desatentos.

Muito mais que a história de um conflito pessoal, Coringa é a metáfora de uma sociedade que caminha para uma psicopatia, na qual seus cidadãos usam da violência, desprezo, abandono para resolver diferenças e exigir seus direitos, num mundo em que a raiva toma conta e os fins justificam os meios. Essa sociedade exclui, ignora, marginaliza e trata essas pessoas como meros clowns.

Quando o protagonista se transforma em vigilante, há referências claras a Guy Fawkes e críticas evidentemente políticas a injustiças sociais, como o fato da extinção do serviço social que garante os remédios de Arthur.

Coringa é um soco na cara. Pisa na ferida e escancara a violência de modo brutal, pura, ácida, nua e crua. É um papel tão forte, poderoso, trágico que só um Phoenix (irmão do ator River, morto por overdose em 1993, aos 23 anos de idade) para encará-lo de forma esplêndida. O ator emagreceu 23 quilos para encarnar o vilão e lembra Christian Bale em O Operário (Bale, aliás, foi Batman nas telas). Nessa nossa sociedade delirante, nem todos são psicóticos, mas pobres mortais são, sim, todos palhaços.

Represálias

Por evocar a violência e transformar o vilão em herói, embora a Warner negue isso, o filme vem sofrendo represálias e chegou a ser proibido em Aurora, cidade norte-americana onde um rapaz supostamente inspirado no Coringa abriu fogo numa sala de cinema matando doze pessoas em 2012. O medo é que este novo filme inspire novas tragédias. O diretor Todd Phillips, porém, diz que não é justo fazer essa associação. “É um personagem de ficção num mundo fictício que existe há 80 anos”, justificou Phillips numa entrevista.

A Warner divulgou um comunicado respondendo a uma carta escrita por familiares do massacre de Aurora, enfatizando que violência por arma de fogo é um assunto crítico e que o estúdio tem uma longa história de doações a vítimas de violência, incluindo esta cidade do estado do Colorado. “Ao mesmo tempo, a Warner Bros acredita que uma das funções da arte de contar histórias é provocar diálogos difíceis sobre questões complexas. Não se engane: nem o personagem fictício Joker, nem o filme, é um endosso de qualquer tipo de violência no mundo real. Não é esta a intenção do filme, dos cineastas ou do estúdio manter esse personagem como um herói”, declarou a empresa.

Kardec

Cinebiografia do “pai do espiritismo” promove reflexões a respeito do retrocesso da humanidade em tempos sombrios

Texto por Janaina Monteiro

Foto: Sony Pictures/Divulgação

Filmes sobre o espiritismo costumam ser fenômenos de bilheteria nacional. Vide Nosso Lar, dirigido por Wagner de Assis, e a história do médium brasileiro Chico Xavier, de Daniel Filho, produções de 2010 baseadas em livros que arrastaram multidões ao cinema. Isso se explica pelo fato de que o Brasil possui a maior comunidade espírita do mundo. A doutrina de Allan Kardec surgiu na França, na metade do Século 19, e ganhou status de religião no Brasil, onde 3,8 milhões de pessoas se declararam seguidores, de acordo com o censo de 2010.

Nesta semana, mais uma produção do gênero entrou em cartaz nos cinemas brasileiros. Desta vez, é a história do pai do Espiritismo que é levada às telas numa produção ousada e detalhista ao recriar a época em que o pedagogo Hippolyte Léon Denizard Rivail, um homem cético, deparou-se com as tais “mesas girantes” e mudou a história da humanidade, unindo ciência, filosofia e religião.

Kardec (Brasil, 2019 – Sony Pictures) lembra os 150 anos da morte do pai do espiritismo. Para muitos espectadores pode ser uma simples panfletagem, mas na essência é mais que uma cinebiografia. A produção que estreou na última quinta-feira nos faz refletir sobre como a humanidade caminha a passos curtos em sua incredulidade, ódio e intolerância; como somos capazes de atravessar séculos e ainda cometer retrocessos.

Wagner de Assis (que também foi roteirista de novelas Além do Tempo e Espelho da Vida) volta à temática espírita assinando a direção do longa baseado no livro Kardec: O homem que Desvendou os Espíritos, do jornalista Marcel Souto Maior. Quem incorpora o pai da doutrina é o ator Leonardo Medeiros (com vasta experiência em teatro e na televisão), cuja interpretação impecável carrega o filme do início ao fim ao lado da atriz Sandra Corvelone (Amélie-Gabi, mulher do professor).

A história começa em 1852, quase meio século depois da Revolução Francesa influenciada pelo Iluminismo e um ano após o golpe bem-sucedido do imperador Napoleão III na sequência da Revolução de 1848, também conhecida como Primavera dos Povos. O sobrinho de Napoleão I promoveu a modernização de Paris. Foi na segunda metade do Século 19 que a catedral de Notre Dame (recentemente atingida por um incêndio de grandes proporções) passou por uma grande restauração. O ensino nas escolas, porém, sofria forte intervenção da igreja.

O professor Rivail era um intelectual de quase meia idade e sem filhos, que decide abandonar o emprego de professor numa escola ao ser contrário aos dogmas da igreja católica. “A fé não deve ser imposta a ninguém”, dizia. Rivail tinha um conhecimento eclético – gramática, física, química, contabilidade, astronomia – e passou a sobreviver dando aulas particulares em casa.

Até que certo dia um conhecido lhe chamou a atenção para o fenômeno das “mesas girantes”, que flutuavam comandadas supostamente por espíritos de pessoas mortas. A moda tomou conta de Paris entre nobres e burgueses e virou até chacota no teatro.  Rivail, no início, resistia e não acreditava no que via. Para ele, tudo era magnetismo, truque. Até que participou de uma sessão restrita onde médiuns – mulheres no filme – passaram a incorporar os espíritos. Então, viveu experiências inexplicáveis como presenciar mensagens e textos inteiros psicografados e assinados por quem já havia falecido. O professor tomou a iniciativa de levar uma dessas assinaturas (de um escritor francês) para ser autenticada e quando percebeu que não se tratava de fraude, começou a desconfiar que “havia mais coisas entre o céu e a terra do que pode sonhar nossa vã filosofia”, como disse Shakespeare.

Numa dessas sessões, um espírito amigo de vidas passadas se comunicou e revelou que Rivail era a reencarnação de um druida celta chamado Allan Kardec. E conferiu ao professor a missão de “abalar e transformar o mundo”. Mas, para isso, era preciso estar preparado para enfrentar ódio e a descrença dos homens e a força contrária dos “espíritos maus”. Rivail, sempre com apoio de sua mulher, encarou o sacrifício e adotou a metodologia científica para provar os fenômenos sobrenaturais.

Sob o pseudônimo de Allan Kardec, ele publicou O Livro dos Espíritos em 1857, que marcou a fundação da doutrina. A partir daí, começou sua luta contra a igreja católica e sua “caça às bruxas”. Livros foram queimados e os médiuns, perseguidos.

O longa de Assis teve cenas rodadas em Paris e no Rio de Janeiro. A presença do catolicismo no filme é marcada pelas frequentes cenas em que a catedral de Notre Dame surge como elemento central. Aliás, nas tomadas mais amplas feitas em Paris, como em umas das pontes que atravessam o Rio Sena, são perceptíveis os efeitos de computação gráfica (a cidade está vazia!), provavelmente por conta do orçamento reduzido. A maioria das cenas são internas e valorizam os diálogos trocados entre Rivail e Gabi, como o momento de romantismo entre o casal (“é preciso olhar os céus para se inspirar em tempos sombrios”). Qualquer semelhança com a atualidade não é mera coincidência, aliás.

No Brasil

Até sua morte, em 1869, Rivail publicou outros quatro títulos sob o mesmo pseudônimo: O Livro dos Médiuns, O Evangelho Segundo o Espiritismo, O Céu e o Inferno e A Gênese. O pentateuco é a base da doutrina espírita, que não vingou na França. No Brasil, ao contrário, o número de interessados em conhecer essa filosofia de vida só cresce. Segundo o último censo, realizado em 2010, houve um aumento de 65% no número de espíritas no país. A maioria dos adeptos tem nível superior completo (31,5%). O escritor Marcel Souto Maior, autor das biografias de Allan Kardec e Chico Xavier, contou em entrevista à Folha de S. Paulo que após a morte de Kardec houve o chamado Processo dos Espíritas (1875), que ridicularizou suas obras, consideradas fraudulentas. Mas se lá os inimigos e “espíritos do mal” aparentemente ganharam a guerra, aqui os espíritas não sucumbiram e a doutrina renasceu com os médiuns Bezerra de Menezes e Chico Xavier, que psicografou mais de 400 livros.

Divaldo

Além de Bezerra de Menezes e Chico Xavier, outro nome que popularizou o espiritismo além das fronteiras brasileiras é o baiano Divaldo Franco. Em setembro deste ano, será lançado nos cinemas o filme Divaldo – O Mensageiro da Paz, com Bruno Garcia no papel do médium. Divaldo publicou 270 livros, realizou mais de 13 mil palestras em duas mil cidades e foi nomeado “Embaixador da Paz no Mundo” pela Embassade Universalle Pour la Paix, em Genebra, na Suíça. Com seus 92 anos, segue firme na divulgação da doutrina e na dedicação à caridade com os trabalhos da Mansão do Caminho, obra social do Centro Espírita Caminho da Redenção, fundada em 15 de agosto de 1952 em Salvador. Ao longo de sete décadas, retirou mais de 160 mil pessoas da miséria. Atende cerca de cinco mil pessoas por dia, entre crianças, adolescentes, adultos e idosos.

Vingadores: Ultimato

Universo Cinematográfico Marvel encerra ciclo de 11 anos e 21 filmes com emocionante tributo aos super-heróis e seus fãs

Texto por Andrizy Bento

Foto: Marvel/Disney/Divulgação

“Avengers Assemble!” – Steve Rogers

Após o estalar de dedos de Thanos (Josh Brolin) que dizimou metade da vida no universo e conferiu um final trágico e melancólico para Vingadores: Guerra Infinita (2018), muito se especulou acerca de como a catástrofe seria abordada em Vingadores: Ultimato(Avengers: Endgame, EUA, 2019 – Marvel/Disney) e, o mais importante, se seria possível revertê-la. O filme vinha cercado de inúmeras expectativas desde antes mesmo de possuir um trailer. E o burburinho aumentava conforme o material promocional era divulgado. Comum quando se trata de qualquer fenômeno pop.

Portanto, é interessante notar como todas as teorias que circularam pela internet e foram temas de vídeos intermináveis no YouTube e posts eloquentes no Reddit e outras mídias sociais não chegaram nem próximas de se concretizar. O fato de o filme da Capitã Marvel (2019) ser situado na década de 1990, dando a ideia de que seria ela a alterar o passado de modo a consertar o futuro, foi uma das primeiras conjecturas derrubadas assim que o filme solo da heroína entrou em cartaz. Presença de Adam Warlock, figura emblemática dos quadrinhos? Existência de universos paralelos que separavam o grupo de sobreviventes dos dizimados? Nem pensar. Ainda que viagem no tempo e o Reino Quântico introduzido em Homem-Formiga (2015) sejam realmente de vital importância para a história – bem como os fãs haviam teorizado – a maneira como estes elementos são empregados, nós nem havíamos chegado a cogitar.

Deveríamos ter confiado apenas em Robert Downey Jr, intérprete de Tony Stark/Homem de Ferro, que garantiu em entrevistas que o filme era totalmente imprevisível. Os teares e trailers pouco revelavam acerca do que vimos na tela. Os fãs até chegaram a criticar uma das prévias finais que mostrava Tony Stark retornando ao Planeta Terra ao lado de Nebula (Karen Gillan), contrariando a sugestão de que ele morreria no espaço, como um teaser anterior pareceu apontar. Bobagem chamar de spoiler. Ninguém esperava que uma suposta morte de um dos personagens principais fosse alardeada em um vídeo promocional, não é mesmo? Era óbvio que o herói retornaria à Terra e isso ocorre já nos primeiros minutos de projeção. No mais, Vingadores: Ultimatotraz uma surpresa a cada novo frame.

“A única coisa permanente na vida é a impermanência” – Thor

Em seus minutos iniciais, o longa se concentra em mostrar como os Vingadores remanescentes estão lidando com o trauma resultante de seu fracasso no épico embate contra Thanos e a concretização de seu abominável plano de restaurar o equilíbrio do universo, aniquilando metade da população universal. Thor (Chris Hemsworth) é, de longe, um dos que mais sofre com a culpa que carrega por não ter conseguido deter o Titã Louco, tendo sido o último dos heróis a confrontá-lo. Após o retorno de Carol Danvers/Capitã Marvel (Brie Larson) à Terra, o grupo parece se sentir mais confiante para encarar o vilão outra vez em busca de reverter o mal que ele causou. No entanto, o reencontro com o déspota não sai bem como eles esperavam, afinal Thanos não possui mais as Joias do Infinito. Frente às novas frustrações e desesperanças, boa parte do time se dispersa – resolvendo cuidar de suas próprias vidas, aprender a superar a tragédia e tentar cicatrizar as feridas.

Há um salto de cinco anos e vemos Steve Rogers/Capitão América (Chris Evans) participando de um grupo de apoio aos sobreviventes à dizimação e lamentando a perda de entes queridos, Tony Stark constituindo família e Thor no fundo do poço, como um completo desistente. Natasha Romanoff/Viúva Negra (Scarlett Johansson) ainda mantém contato com alguns dos heróis, como Rocket Raccoon (Bradley Cooper), Carol Danvers e James Rhodes/Máquina de Combate (Don Cheadle). Este último, inclusive, é quem a atualiza acerca do paradeiro de Clint Barton/Gavião Arqueiro (Jeremy Renner), que se revoltou completamente após sua família ser vitimada por Thanos. Com o ressurgimento de Scott Lang/Homem-Formiga (Paul Rudd) e um elemento chave que pode ser a porta de saída para o pesadelo em que os Vingadores mergulharam após o fracasso, é hora de pedir auxílio a Stark, ir atrás de Barton, convencer Thor a regressar e contar com as habilidades de Dr. Bruce Banner (Mark Ruffalo), agora que ele finalmente conseguiu fazer as pazes com seu monstro pessoal, o Hulk.

Viagens temporais para mudar eventos do passado em ordem de restaurar o futuro não representam novidade. Pelo contrário, têm sido usadas à exaustão no cinema de entretenimento. Tanto é que vários títulos hollywoodianos do gênero são mencionados em linhas de diálogo certeiras de Ultimato. No entanto, o recurso que é apontado como manjado e simplista por muitos espectadores aqui é executado de maneira funcional e passando longe de qualquer clichê que os fãs pudessem ter imaginado. A missão dos Vingadores é voltar no tempo de modo a resgatar as Joias do Infinito – respeitando a cronologia estabelecida pelo MCU – para inseri-las na Manopla e desfazer o que Thanos ocasionou.

O resultado é um passeio nostálgico pelos filmes que integram a megaestrutura que é o Universo Cinematográfico Marvel, atribuindo a devida importância a todos os títulos que vieram anteriormente, mesmo filmes considerados mais fracos como Thor: O Mundo Sombrio (2013) ou outros menos alardeados como os longas dos Guardiões da Galáxia (2014 e 2017).

“Algumas pessoas superam, mas nós não. Nós não” – Steve Rogers

Em um digno tributo aos seis membros originais dos Vingadores, aqueles que deram início a esse grande evento, a viagem no tempo serve explicitamente para revisitar a mitologia construída até aqui, com propósitos que vão muito além de apenas satisfazer aos fãs. É quando temos a constatação de que nenhum elemento foi utilizado gratuitamente nos filmes que precederam Ultimato. E estamos falando dos 21 longas que compõem o MCU! Sim, tem uma quantidade razoável de fanservice na produção, mas é fanservice aliado a um roteiro engenhoso e brilhantemente escrito. O texto é inteligente, divertido e emocionante, equilibrando muito bem a intensa carga dramática com a comédia, a tensão e a ação. Tudo na medida certa.

Novamente, os irmãos Joe e Anthony Russo mostram sua destreza ao trabalhar com um numeroso elenco. Por mais que grande parte dos heróis só reapareça mesmo no clímax do filme e alguns personagens praticamente nem possuam muitas falas, todos possuem seu momento. Os embates, eximiamente coreografados e amparados por um desenho de produção primoroso, dão a oportunidade, nem que seja mínima, para cada herói brilhar, exibindo suas habilidades e mostrando do que são capazes. Diferentes núcleos colidem e o longa reserva um tempo de tela adequado para a conclusão de cada arco; resolvendo tudo a seu tempo, com o devido tratamento de respeito pelos personagens (pela maioria deles, pelo menos… Mas já retomamos esse tópico) e sem tornar o longa arrastado ou apressado demais. São três horas que passam voando e deixam os espectadores ansiando por mais. Você simplesmente não quer que o filme acabe.

E, por se tratar de uma homenagem aos membros fundadores da superequipe – merecida, afinal o elenco não fez uma tatuagem com o símbolo dos Vingadores à tôa; os atores realmente se importam com seus personagens – é a liderança do Capitão América, a cumplicidade entre Natasha e Clint, a devastação emocional de Thor, o pragmatismo de Bruce Banner e o coração de Tony Stark que representam o foco de Ultimato. Por mais que as cenas de ação – especialmente a épica batalha final – sejam espetaculares, é a humanidade dos heróis que vem em primeiro lugar.

O longa também presta um tributo aos próprios fãs. Várias passagens irão ficar gravadas na cabeça dos marvetes ao final da projeção: [atenção: spoilers] o glorioso momento em que os heróis, abatidos no longa anterior, retornam triunfantes para o confronto final contra Thanos e seu exército; Carol Danvers garantindo a Peter Parker/Homem-Aranha (Tom Holland) que conta com um time de peso para ajudá-la a derrotar o Titã Louco e, enfim, reunindo o clã feminino do MCU, enfatizando a força das heroínas da casa; a emocionante sequência que envolve o Capitão América e o Mjölnir de Thor, que confere até um momento de humildade ao asgardiano quando este expressa sua alegria e fascínio ao ver que há outro digno de invocar o artefato; a breve aparição de Loki (Tom Hiddleston); a participação especial de Edwin Jarvis (James D’Arcy), mordomo de Howard Stark, e da Agente Peggy Carter (Hayley Atwell), fundadora da S.H.I.E.L.D. e grande amor da vida do Capitão América; a cena final entre Peter Parker e Tony Stark. Outra vez, é este o duo que arranca lágrimas dos olhos dos fãs.

Se há algum demérito, este é o arco de Thor. Um desserviço para o personagem e que apenas ajuda a reforçar um estereótipo que não deve, nem nunca deveria ser motivo de comédia. Mas, ainda assim, o texto acerta pontualmente com relação ao herói, especialmente ao humanizá-lo, mostrando que o todo poderoso e antes ególatra Deus do Trovão é um homem falho e capaz de admitir e se responsabilizar pelos seus próprios erros.

Talvez seja este um dos poucos descuidos realmente notórios da produção, visto que até mesmo o novo uniforme dos Vingadores, tão criticado quando do lançamento do trailer e que soava duvidoso na ocasião, passa a ser aceitável quando finalmente compreendemos a razão e o contexto de terem sido adotados pelo grupo.

“Parte da jornada é o fim” – Tony Stark

Foi com Homem de Ferro, em 2008, que o MCU teve início. Dirigido por Jon Favreau, o longa tinha a complexa missão de dar um pontapé inicial aos filmes produzidos pela Marvel Studios. Até então, a empresa licenciava seus personagens para outras companhias, como é o caso dos X-Men, Demolidor e Quarteto Fantástico para a 20th Century Fox e o Homem-Aranha para Sony Pictures Entertainment. Tratava-se de um negócio deveras arriscado, pois o Homem de Ferro era um veterano das HQs, mas relativamente desconhecido do grande público. Stark estava bem distante da popularidade de um Peter Parker da vida, mas acabou se tornando o principal rosto da Marvel, roubando o trono do Homem-Aranha com facilidade, graças ao carisma e talento interpretativo de Robert Downey Jr e a competência e carinho com que Favreau adaptou o personagem para as telas. E, talvez por isso mesmo, a participação do cineasta em Ultimato, ainda que pequena, seja tão significativa. Bem como todo o clima de despedida do Homem de Ferro.

É visível em cada fotograma como a jornada de Tony Stark, nesta fase do MCU, está prestes a se encerrar. Durante sua volta no tempo, o herói tem um momento com Howard Stark e uma oportunidade de tratar de assuntos mal resolvidos com seu pai. A família que forma, sua participação na missão, o resgate ao garoto por quem ele se afeiçoou… Tudo deixa nítido que ele está cumprindo sua jornada e que, parte dela, é o fim. E valeu a pena.

Algo que o cinema blockbuster e a cultura pop em geral têm nos ensinado desde o início é que não existem batalhas do bem contra o mal que não resultem em baixas de ambos os lados. Desde Star Wars, passando por Senhor dos Anéis, Harry Potter, X-Men até o fenômeno televisivo Game Of Thrones, entendemos que, assim como na vida real, também na ficção a morte faz parte da vida e não existem vitórias sem sacrifícios. O que importa é que nenhum destes sacrifícios seja em vão. Perdemos vilões emblemáticos, mas também gloriosos heróis. Afinal, não é possível que apenas o lado do mal perca seus combatentes. Aqueles que lutam por justiça também pagam um preço alto por essa escolha. Algo atestado, inclusive, pela cena final de Natasha Romanoff, de uma nobreza incomparável.

Assim como Guerra Infinita, Ultimato é um filme bem resolvido, que se fecha em si mesmo, apara arestas, proporciona um encerramento digno para alguns personagens, enquanto aponta futuros promissores para outros e representa nada menos do que um dos mais grandiosos blockbusters de todos os tempos. A produção assume riscos e os defende com dignidade e sabedoria. Entrega um final feliz, mas melancólico. Contraditório, eu sei. Todavia, depende do ângulo pelo qual você o analisa. É agridoce, pois tem sabor de missão cumprida, mas também de despedida. Leva às lágrimas, embora também renove as esperanças. Surpreende, mas não se poderia imaginar outro encerramento que não aquele que vemos na tela. Não deixa pontas soltas, porém, o futuro ainda nos reserva algumas surpresas e respostas.

Seja o que for que o Universo Cinematográfico da Marvel esteja preparando para nos oferecer futuramente, a sua principal missão, ele já cumpriu com louvor. Muito mais do que simplesmente realizar filmes-eventos, o MCU transportou para a tela toda a energia, a dinâmica, a ação e o carisma de personagens lendários das HQs, concretizando o sonho de todo leitor de quadrinhos e fãs de longa data desses magníficos e nobres heróis que sempre desejaram vê-los no cinema.

E que venha a fase 4 da Marvel!

>> A jornalista assistu ao filme a convite da sala TSX Laser Cineplus Shopping Jardim das Américas