Interpol

Oito motivos (entre eles o novo álbum The Other Side Of Make-Believe) para não perder os shows do trio nova-iorquino no Brasil

Texto por Abonico Smith

Foto: Ebru Yildiz/Divulgação

Vinte anos atrás, em agosto de 2002, saia o primeiro álbum de uma das bandas mais sensacionais daquela efervescente cena que recolocava o underground de Nova York no destaque do mapa-múndi do rock. Turn On The Bright Lights apresentava o Interpol, com hits como “Untitled”, “PDA”, “Obstacle 1”, “NYC” e “Say Hello To Angels” fazendo uma das mais bombásticas sequências iniciais de um disco neste século 21 – ao lado de contemporâneos trabalhos de estreia de gente como Strokes, Yeah Yeah Yeahs e Arcade Fire. De lá para cá, o então quarteto (transformado em trio em 2010, após a saída do baixista original, Carlos Dengler) firmou-se como um dos grandes nomes do indie rock, gravando e lançando discos com constância e sendo atração de peso de festivais espalhados por todo o planeta.

Corta para 2022. Vinte anos depois da avassaladora estreia, o Interpol acaba de soltar um novo álbum, o sétimo de estúdio. Com onze faixas e lançado no útlimo mês de julho, The Other Side Of Make-Believe resgata a qualidade e a sonoridade lá do começo, também flertando com uma estética gráfica semelhante. Tudo foi gravado online durante a pandemia da covid-19, com cada integrante fazendo as coisas de sua casa, pontos diferentes do mundo. Entretanto, manteve-se o compromisso da criação conjunta, sem ter um integrante que necessariamente monte um esqueleto inicial de letra e música antes de trabalhar o arranjo com demais. Com o Interpol os rascunhos sempre são feitos de modo coletivo, o que, de certa firma, garante uma certa peculiaridade no seu som, que se reflete disco após disco. E chega neste mais recente com uma coesão e uma força igual àquela dos primeiros anos de estrada.

Para divulgar The Other Side Of Make-Believe, a turnê Lights, Camera, Factions teve início em 25 de agosto, nos Estaods Unidos e Canadá, com datas quase diárias que se estenderam até meados de setembro. Agora, depois de uma breve escala na Alemanha, o grupo chega ao Brasil para três apresentações. O pilar central é a primeira edição em verde e amarelo do Primavera Sound, em São Paulo, no Distrito Anhembi (outras informações sobre o festival você tem aqui). Na véspera (dia 4), fazem um dos sideshows do Primavera no Rio de Janeiro na Jeneusse Arena. O segundo compromisso (dia 8) será em Curitiba, na Pedreira Paulo Leminski. Em ambas as oportunidades, o Interpol também fará a abertura da noite para os Arctic Monkeys, também escalados como headliners do Primavera BR. Mais sobre os ingressos desses dois concertos paralelos você pode encontrar clicando aqui. Depois de passar pelo solo brasileiro, a banda vai ainda ao Paraguai, Chile, Argentina e Peru.

Como esquenta dessa nova vinda ao país de Paul Banks (guitarra, baixo e voz), Daniel Kessler (guitarra) e Sam Fogarino (bateria), o Mondo Bacana preparou oito motivos para você nem sequer pensar em perder a nova passagem deles por aqui.

Meet me in the bathroom

Lizy Goodman publicou em 2017 o livro Meet Me In The Bathroom. A publicação é uma história oral do indie rock de Nova York durante a primeira década deste século. Foi um tempo de glórias sonoras, com o surgimento e o crescimento de uma safra de bandas que recolocou o rock’n’roll, tão básico quanto vigoroso, tão sujo quanto envolvente, na ordem do dia das publicações voltadas à música. Então o mundo conheceu e se apaixonou por nomes como Strokes, Yeah Yeah Yeahs, LCD Soundsytem, Vampire Weekend, Walkmen e Interpol. Agora este livro virou um documentário, que irá estrear no próximo mês de janeiro, também com o depoimento de vários músicos e testemunhas oculares da história recente do underground nova-iorquino que se tornou um belo nicho de gente que gostava de descobrir novidades através das primeiras plataformas de divulgação de bandas e artistas da internet. Curiosidade: o título vem do nome de uma música dos Strokes e é um código muito utilizado pelos jovens daquela época para cheirar pó em locais públicos.

Pós-punk sombrio

Esta geração de ouro de NY em uma coisa se assemelhava à de Seattle, que no início da década anterior também saiu dos subterrâneos e circuitos alternativos para tomar conta de grandes festivais de rock e espalhar fãs pelo mundo todo. Assim como aquele pessoal grunge, também nunca existiu uma unidade sonora que agrupasse todo mundo em uma caixinha só. O Interpol, por exemplo, foi mais pela praia sombria do pós-punk britânico (Joy Division, Cure, Bauhaus). Algo dançante, porém com tintas que, de alguma forma, fossem representações sonoras entre o preto e o branco, no máximo com uma adição do vermelho – tal qual as capas do primeiro e do mais recente álbum, por exemplo. Nas letras, sentimentos exacerbados, dilacerações, No figurino, um preto estiloso e social dos pés à cabeça. Não à toa o vocalista Paul Banks é considerado sex symbol por muitas fãs.

Vocais com assinatura

A dramaticidade impressa por Banks nas músicas do Interpol não está somente em suas letras. Também reside na sua voz densa e de barítono. O curioso é que o Interpol nunca foi de explorar algo que fosse muito além do gogó de seu guitarrista. Quase não há backings, quase não há dobras. No começo, sobretudo, era tudo muito curto, grosso e direto. Banks e o microfone, o microfone e Banks e só. Muita gente pode considerar monótono e um tanto quanto monocórdio. Mas é uma assinatura que logo faz você reconhecer que aquela é uma música do Interpol. Pelo menos até pouco tempo atrás, já que pequenos efeitos, contracantos e dobras já podem ser notados em faixas mais recentes.

The Other Side Of Make-Believe

Sétimo álbum da carreira, agora com a produção assinada pelo experiente Flood (Depeche Mode, Nick Cave, PJ Harvey, Jesus & Mary Chain, Smashing Pumpkins, U2, Killers, Sigur Rós, New Order, Nine Inch Nails, Foals, Warpaint, entre outros), concebido integralmente durante o isolamento da pandemia, com os três integrantes espalhados em um país diferente (Escócia, Espanha, Estados Unidos). Neste novo trabalho, lançado no meio deste ano, o trio volta a flertar com os grande momentos apresentados nos três primeiros discos da carreira. Curiosamente, obras lançadas pelo selo nova-iorquino Matador, uma das marcas de excelência do indie rock dos anos 1990 para cá. Quando a banda resolveu trocar a antiga casa pela Capitol (uma das maiores empresas fonográficas norte-americanas, símbolo da música pop daquele país e com Frank Sinatra como o maior estandarte de seu catálogo), a criatividade decaiu e o Interpol não apresentou nada de muito novo ou excitante. Agora, parecem ter retomado a boa forma de outrora. Os dos títulos anteriores (O álbum Marauder e o EP A Fine Mess), ambos assinados pelo americano Dave Fridmann (outro experiente produtor do circuito indie e ex-baixista do Mercury Rev) foram um esboço para a volta do bom e velho Interpol, agora em sua segunda passagem pela Matador. Não à tôa quatro singles e três videoclipes já foram extraídos deste disco e mais ou menos metade dele costuma pintar no set list da atual turnê, tomando o lugar de muito clássico mais antigo. O que, se for levado em conta a carreira extensa da banda somado ao número de títulos na discografia, é algo difícil de acontecer com um artista de trajetória similar.

Toni

Tendo como explícitas referências a historia de West Side Story (tanto na Broadway quanto nas telas de cinema) e do clipe de Beat It, de Michael Jackson, o primeiro clipe feito para o novo álbum é uma história de amor e briga de gangue. Só que o cenário não é nada urbano. Aqui o diretor Van Alpert sai das ruas, bares e becos de uma grande cidade e vai para uma estrada, um campo aberto, de cores terrosas (combinando com as tonalidades do figurino do casal), com galpões. Homem e mulher, formando um par interracial, aparecem sempre apavorados. Eles tentam fugir de toda e qualquer maneira de uma gangue também jovem que os persegue com instrumentos prontos para serem usados em uma pancadaria (objetos como porretes e tchecos). Eles vestem roupas azuis, baseadas no jeans como material. Utilizam também maquiagem forte e por vezes berrante. Quando o cerco ao casal finalmente ocorre, tudo aquilo que seria porrada se transforma em dança, mas com uma coreografia estranha, longe de qualquer naturalismo nos movimentos. Pode parecer incongruente a princípio, mas logo tudo se encaixa no beat funky comandado por Sam Fogarino, algo não muito comum nos arranjos do Interpol. Em alguns momentos, vemos Paul Banks como um policial que nunca desgruda de seu velho carrão. De longe, ele observa tudo, passivamente, somente se preocupando em descascar e comer uma fruta. Quando toda a confusão parece estar resolvida, chega o anúncio de que a história terá uma continuação…

Someting Changed

Parte dois de uma espécie de curta criado por Van Alpert, este videoclipe dá seguimento à história de “Toni” do ponto exato onde ela parou. Reproduzindo as palavras escritas por Paul Banks, aqui realidade e devaneio convergem. Os dois personagens principais se encontram em uma espécie de estado de sonho, continuando a ser perseguidos inexoravelmente pela figura sinistra vivida pelo vocalista. O que, conjugado com a atmosfera jazzy da canção e algumas imagens estrategicamente borradas durante as cenas, dá um tom de mistério ao clipe. Banks ainda completa: “as vidas dos três estão entrelaçadas em uma nebulosa de medo, retribuição, desejo e desafio”. O final é enigmático e aberto a diferentes interpretações.

Gran Hotel

Quarto single do novo disco, terceiro videoclipe de excelente qualidade lançado em 2022. Apesar de ser somente a oitava das onze faixas de The Other Side Of Make Believe,  “Gran Hotel” é uma de se suas canções mais poderosas, justamente por se aproximar daquela sonoridade matadora revelada nos primeiros álbuns. Sob um riff pungente de sua guitarra distorcida e aquela irresistível batida pós-punk, Paul Banks conta, com um discreto sentimento de dilaceração em sua voz, “uma breve história de luto e dor-de-cotovelo de um personagem que ainda está processando uma perda”, como ele mesmo declarou recentemente a respeito da letra. Por isso, o clipe assinado pela cineasta Malia James (mais conhecida pelos fãs do indie rock por ser, desde 2011, a guitarrista da banda Dum Dum Girls) é tão visceral quanto os versos escritos por Banks. O audiovisual começa com uma cena de dor e desespero: a morte de uma mulher no quarto de um hotel e seu companheiro tentando encontrar alguém para lhe ajudar. Aos poucos, a trama vai sendo destrinchada de trás para frente e o espectador acompanha os eventos anteriores ao desfecho trágico para o casal, reservando ao final uma impactante surpresa como a mola propulsora para todo o resto. Dos três músicos, de novo, apenas o frontman aparece no clipe. Ele também está no hotel, acompanhando tudo o que ocorre com os dois protagonistas, porém sem nunca ser notado, tal qual um anjo flanando pelos aposentos. Mas há um certo estranhamento visual nas cenas com Banks, já que tudo parece estar ao reverso. O encerramento, entretanto, desvenda o mistério: foi tudo rodado com ele encenando e cantando a música tocada ao contrário no local, para que no momento da edição ficasse claro que ele, assim como a historinha contada pelas mãos de James, também ficasse de trás para frente.

Fables

Único single do novo disco que não ganhou um videoclipe, mas sim um lyric vídeo. O que também não deixa de ser algo interessante para ser ver/ouvir. Nas imagens, uma vastidão espacial com solo arenoso e crateras, algo que sugere ser a lua. No centro da tela, uma máquina eletrônica com design vintage, algo como um antigo terminal bancário. Tudo preto e branco e bastante hipnótico. A câmera vai pra um lado e pro outro, aproxima-se e distancia-se do objeto, tudo isso enquanto os versos, no canto superior esquerdo da tela, em um design gráfico muito do estiloso, rubro-negro, que lembra o Interpol do primeiro e mais famoso disco e ao mesmo tempo remete à capa do novo trabalho. Ela foi construída a partir de uma jam session feita online, durante o verão crítico da pandemia. Para quem acha que o Interpol sempre soa soturno e cinzento, “Fables” é um bom exemplo do quão alegre a banda também pode ser. Banks se diz muito orgulhoso de ter feito esta música por causa da combinação da letra otimista, a melodia jovial, os licks da guitarra de Daniel Kessler e a bateria de Sam Fogarino evocando o r&b clássico com ligeiros acenos ao hip hop

Neymar: O Caos Perfeito

Série documental falha ao tentar vender imagem de “super-herói da vida real” do mais famoso jogador brasileiro da atualidade

Texto por Fábio Soares

Foto: Netflix/Divulgação

Quando explodiu no Santos no biênio 2009/2010, Neymar Jr era a luz no fim do túnel do futebol brasileiro. Maior estrela da Vila Belmiro depois de Pelé, o raio a cair pela segunda vez no mesmo lugar, bendito fruto da água santista formadora de craques. Nada poderia dar errado na carreira do astro que ali nascia, certo?

Errado! Neymar: O Caos Perfeito (Brasil/EUA, 2022 – Netflix), série documental dividida em três episódios, tinha tudo para dar certo ao mostrar a gênese, apogeu e a (ainda) não queda de um dos atletas mais nem pagos do mundo em todos os tempos. Escancara porém, o que todos sabiam. O superego insuflado do craque possui um alimentador tenaz e implacável: seu progenitor.

Neymar “Pai” não é apenas o tutor da carreira do filho. É a mola propulsora que impulsiona um conglomerado movido a arrogância, autoindulgência e verbalização das palavras “imagem”, “carreira” e “marketing” por quatrocentas vezes ao dia ao menos. A obsessão pelos números e a blindagem em volta do jogador são tantas que somos obrigados a ouvir frases do tipo “Tenho que ficar de olho nele 24 horas por dia porque sei que, se me descuidar um minuto, alguém se aproveitará da ingenuidade dele”. Ingenuidade? De um sujeito com 28 anos à época e no dia de hoje chegando aos 30?

Na tentativa de não parecer chapa branca demais, o documentário mostra a aversão de boa parte da torcida brasileira às atitudes de Neymar Jr fora de campo com a inserção de drops de programas esportivos e depoimentos muito críticos de jornalistas renomados como Juca Kfouri. Mas a estratégia do roteiro é bem clara: mostrar que o jogador não é unanimidade em alguns momentos de sua carreira, como nas inúmeras vezes em que literalmente foi esculhambado pela torcida do PSG num embate contra o Strassburg, pela Liga Francesa para (logo a seguir) ressurgir das cinzas com lances magistrais. Olhares mais ingênuos cairão nesta armadilha, com certeza.

Das improváveis viradas na escalada até a final da Champions League na temporada 2019/2020 à convivência com o filho e ar blasé carregado em frases como “Dane-se a cobrança dos outros em cima de mim”, revelando como o dinheiro e sucessos estratosféricos podem tirar um ser humano do prumo de seu centro gravitacional. Adora o menino Ney? Assista. Você o execra? Assista, também. Para o bem ou para o mal, afinal, temos que reconhecer que a figura de Neymar Jr jamais passará incólume pelos holofotes. Holofotes da bola. Dos tablóides de celebridades. Do mundo do esporte.

As cartas estão na mesa e a decisão é sua.

O Recital da Onça

Regina Casé volta ao teatro após 25 anos refletindo sobre a identidade brasileira e retoma parceria do Asdrúbal Trouxe o Trombone

Texto, entrevista e foto por Abonico R. Smith

Quase meio século atrás uma turma de jovens revolucionava o teatro brasileiro aproveitando o clima de abertura política que, junto com a gradual despedida do governo ditatorial militar, trazia a oportunidade para a turma dos vinte e poucos anos de se ver ali refletida no palco em atores que expressavam as esperanças, angústias, medos e alegrias da geração que cresceu sob o medo e o tolhimento da liberdade. Sob o complexo porém não menos inventivo nome de Asdrúbal Trouxe o Trombone, a trupe tornou-se sinônimo de sucesso, com direito a uma legião de fãs de voltava inúmeras vezes para ver as suas peças, e tentáculos posteriores na música e na televisão que consolidariam a influência para quem veio depois.

Corta para o início de 2019. Regina Casé, nome mais famoso revelado pelo Asdrúbal em suas montagens, está de volta ao teatro, depois de 25 anos afastada, fazendo trabalhos apenas no cinema e na TV. Sua reconciliação com os palcos vem com a companhia do velho parceiro da profissão, o mentor do Asdrúbal, o diretor Hamilton Vaz Pereira, o mesmo com quem trabalhou na mais recente estada nas coxias, Nardja Zulpério. De quebra, a atriz ainda traz mais dois nomes que a acompanham nas últimas três décadas na telinha: o atual marido Estevão Ciavatta (também na direção) e Hermano Vianna (assinando boa parte da concepção textual do espetáculo). Depois de uma pequena temporada experimental durante o verão de Salvador numa igrejinha baiana adaptada para a função de centro cultural, O Recital da Onça ganhou, enfim, os teatros brasileiros. A primeira escala foi realizada na capital paranaense, na semana inicial do Festival de Teatro de Curitiba (28 e 29 de março), no mesmo Teatro Guaíra onde já havia se apresentado com a peça anterior.

Apesar de ser um monólogo, O Recital da Onça, no fundo, é uma atualização do espírito verborrágico e libertário levado pelo Asdrúbal. É todo esquematizado em cima de impressões e experiências pessoais da artista, tendo como costura a leitura de trechos de importantes autores da literatura brasileira. Obras estas que, de alguma forma, têm conexão com o que Casé vai relatando à plateia.

A história tem como base um pouco das angústias vividas por Regina alguns anos atrás, após o sucesso do filme Que Horas Ela Volta?, filme no qual é a protagonista e cuja trama critica as desigualdades gritantes da sociedade brasileira através do cotidiano de uma família da classe A e a sua empregada doméstica. Quando convidada para dar uma palestra na Universidade de Harvard, ela acabou tendo contratempos com o departamento de imigração dos EUA. Estes momentos vividos pela atriz são a mola propulsora do espetáculo, que parte da premissa das diferenças culturais para propor reflexões a respeito de alma e da identidade brasileira.

Por isso o texto escalado para o encerramento, Meu Tio, o Iauaretê, de Guimarães Rosa, vai direto ao coração do Brasil. Mais precisamente ao Pantanal, à selva, à onça, à mestiçagem que sempre foi uma das grandes bandeiras culturais de Regina Casé nos programas de TV que apresenta. A parte final do conto, que conta a história de um caçador de onças que acaba por se identificar com o animal que deveria abater, dá o tom sério e dramático do espetáculo, a ponto dela se despedir do palco mandando um papo reto e sincero, bastante propício para os dias de hoje (“Não tenham medo! Coragem!”). E é justamente nela que reside – para muitos – a maior surpresa do espetáculo, Afinal, mais identificada como atriz de comédias, Regina dá um show de interpretação (com a ajuda de um telemprompter, claro, porque ninguém conseguiria decorar um trecho gigante de um livro em tão pouco tempo para reproduzi-lo ao vivo) e deixa muita gente se perguntando o porquê dela não ter se dedicado mais ao teatro neste último quarto de século.

A transição entre o deliciosamente engraçado e o inegavelmente contundente se dá pelo quatro trecho literário lido na peça (também com a ajuda do TP). Em A Mineira Calada, ela retorna ao universo de diferenças extremas entre patroa e empregada. Para ser mais preciso, entre Clarice Lispector, a autora deste conto, e Aninha, a “doméstica que gosta de ler livros complicados e dispensa histórias água-com-açúcar”. A forma com que Clarice se refere a Aninha pode até soar agressiva e presunçosa para alguns espectadores, entretanto revela uma das facetas mais duras dos grandes centros urbanos do país. Não é preciso nenhum exercício mais puxado de imaginação para estender o narrado na relação para outros vínculos empregatícios quaisquer. Assim como o texto anterior, mais atual impossível, mesmo tendo sido escrito décadas atrás.

Já a primeira metade do espetáculo é reservada àqueles textos que poderão variar de cidade em cidade. Em Curitiba, o início se deu com O Turista Aprendiz e o relato de viagem do modernista Mário de Andrade a Natal, quando passou por várias capitais nordestinas entre novembro de 1928 e fevereiro de 1929 para pesquisar as culturas populares da região. Para brindar os espectadores paranaenses, foram escolhidos Dalton Trevisan e Paulo Leminski para o cardápio do Festival de Teatro. Do primeiro, o conto escolhido foi Moreno Ingrato, que parece não ter agradado a uma boa parcela da plateia (também, o que esperar da republiqueta diante da aspereza e das sacanagens típicas do autor?). Do segundo, um trecho do romance Agora é Que São Elas (“muita gente diz que esse é o pior livro que ele escreveu, mas eu vou ler assim mesmo”, desafiou Regina antes de pegar a edição e abrir na página previamente marcada. A homenagem à terra dos polacos e polaquinhas terminou com um monte de gente branquela subindo ao palco a convite da atriz para sambar ao som do Maxixe Machine.

Não é de agora que a narrativa transmídia bate ponto em peças teatrais. Contudo, pode se dizer que Regina e sua trupe fiel ousam ao escolher levar a literatura brasileira de qualidade aos palcos em O Recital da Onça. Funciona tanto na intimidade de uma igrejinha baiana, quanto no tradicional palco de um dos maiores teatros brasileiros como o Guaíra. Funciona também em qualquer lugar do país, sempre com a artimanha de aproximar o público de seus autores conterrâneos também (em Salvador, por exemplo, leu-se Jorge Amado). Funciona sempre tendo o viés pessoal da artista, que inclui ali um pouco de sua pessoalidade e assim consegue criar maior intimidade com quem está ali lhe vendo no conforto da poltrona. Funciona também pela ligação com um ou outro interlúdio musical, cuja temática acaba se conectando com o que está sendo dito ali em cena. Funciona por sair do quadrado, tal qual era feito lá atrás, sempre com muito humor, com o Asdrúbal Trombone o Trombone.

Três perguntas

Em tempos sombrios, com tantas brigas e falta de entendimento entre as pessoas, qual é o papel do humor?

Hamilton Vaz Pereira: Lá em 1974, no comecinho do Asdrúbal, compositores como Chico Buarque e Gonzaguinha falavam em suas letras que o importante é ser feliz neste momento. O que vale é a alegria de viver, a inteligência, a certeza da beleza da vida. Melhor do que o humor só a morte e isso não a teremos. A vontade é sempre a de dizer que não importa qualquer situação que estejamos vivendo. A vida é maior do que tudo.

Como está a juventude de hoje em relação à juventude de quatro décadas atrás, do tempo do Asdrúbal Trouxe o Trombone?

Hamilton Vaz Pereira: Acho que posso falar com propriedade sobre isso. Afinal tenho um filho de 25 anos. Ele se chama Iuri, é um garotão classe média e um excelente exemplar de como são os novos brasileiros. Eu já tenho 67 anos e percebo como eles são melhores em tudo em relação à nossa juventude. São mais finos, mais educados, mais inteligentes. Possuem um grau imenso de sensibilidade, uma referencia bem maior de cidadania. Veem beleza física em absolutamente tudo. São o inverso daquele valor de beleza dos gregos antigos. Também faço um trabalho com o grupo Teatro da Laje. Eles são da Vila Cruzeiro, um lugar bastante barra-pesada no Rio de Janeiro. Lá eu vejo como o teatro serve como exercício de cidadania. Vivem me contando tudo o que aprenderam com o teatro, sobretudo a ter respeito aos pais e professores, embora na hora do tiroteio eles se joguem no chão ou pulem pela janela porque o mais importante é se manter vivo. Lá também é arma contra o bullying. Esses meninos falam que ninguém mexe mais com eles depois que começaram a fazer teatro. Sabe, não foi a academia, não foram as artes marciais, foi o teatro. Este é o encanto. A arte salva e dá moral para todo mundo.

Qual o principal objetivo de O Recital do Onça?

Regina Casé:É muito saudável acabar com a barreira que divide o que chamam de alta e baixa cultura. Fazer uma ponte high-low social, econômica e cultural. Unir o high, que, em tese, é do branco, com dinheiro e que tem acesso aos estudos, e o low, que, também em tese, vem dos pobres, negros e analfabetos. Como falar do Brasil hoje sem que se brigue com o amigo ou alguém da família? Não vamos chegar a lugar algum ao nos antagonizarmos. É necessário que se estabeleça uma relação da gente com os nossos valores, identidades e a biodiversidade. É resgatar o verdadeiro sentido da palavra popular, seja na literatura, na música ou qualquer outra área. Não se pode ficar em um pedestal, preso em uma torre de marfim. O Brasil precisa se reconhecer nas coisas suas. O melhor meio para isso é através do amor e do afeto. Para isso existe a arte. Cito como um grande exemplo disso o meu amigo Zeca Pagodinho. Para começar, ele ir ao teatro já é um fenômeno. Não vai, não gosta de ir, mas foi me ver uma noite lá na temporada inicial em Salvador. Ele comentava junto com as minhas falas igual a uma criança na plateia de um espetáculo infantil. Sem contar o fato de que ele fazia isso justamente porque não sabia que a peça já havia começado. Achava que eu estava ali perto da plateia sei lá o quê, conversando, batendo papo com as pessoas.