A Rainha Diaba

Clássico brasileiro dos anos 1970 sobre a marginalização dos grupos sociais feminino e queer durante a ditadura militar volta às telas restaurado em 4K

Texto por Leonardo Andreiko

Foto: Divulgação

Em 1974, Antônio Carlos da Fontoura estreou A Rainha Diaba, filme que se tornou um dos clássicos da década. Em 2023, quase meio século depois, o filme volta às telas do cinema mundial com uma digitalização em 4K que reapresenta a personagem icônica de Milton Gonçalves a um público, possivelmente, muito mais afim de sua expressão. Segundo Fontoura, que acompanhou todo o processo de restauração, o longa-metragem está “muito mais bonito do que na época”.

Depois de estrear em Berlim e viajar por Tóquio e outras capitais do mundo, a Rainha Diaba (Brasil, 1974) aterrissou em Curitiba para duas exibições especiais no 12° Olhar de Cinema. Uma história de ganância e crueldade sobre a personagem que dá nome à obra (vivida por Milton Gonçalves) e uma trama de seus subordinados para derrubá-la do trono, o filme imbui o mundo do crime com uma forte expressão de gênero e sociabilidade tipicamente brasileiras.

São quatro as personagens principais, interpretadas por um elenco consagrado. Junto a Milton Gonçalves, Nelson Xavier faz o antagonista Catitu, que utiliza o moleque Berreco (Stepan Nercessian) como peão da trama que busca destituir a Rainha. Por sua vez, Berreco se relaciona com Iza (Odete Lara) e destila nela os machismos típicos dos anos 1970. Este é um filme que demonstra a marginalização dos grupos sociais femininos e queer no Brasil do regime militar, e o conflito entre estes e o status quo impera a narrativa.

O Brasil que se apresenta não é maquiado: é sujo, violento e, ao mesmo tempo, munido de cor, textura e vivacidade únicas de nossa capital tropical, o Rio de Janeiro. É num contexto de marginalidade puramente brasileiro que se constrói uma trama digna da Nova Hollywood, que havia nascido há pouco na terra do Tio Sam. No entanto, engana-se quem espera uma abordagem que preza pela crueza e verossimilhança.

Fontoura constrói um mundo mitológico a revolver a Diaba, composta por distintas personagens, cada uma com sua cor própria, maneirismos e personalidade, que pinta um retrato encantado de uma realidade tão violenta. Em seu centro, a atuação fenomenal de Milton Gonçalves, que modula sua voz para pontuar cada sentença com sua voz doce de Rainha ou grave e rouca de Diaba. A dualidade da personagem, inclusive, faz dela uma das mais memoráveis do cinema brasileiro. Aos amigos do Twitter, desesperados em busca de histórias de “gays trambiqueiras”, sua procura chegou ao fim.

Mais que um clássico a se revisitar, A Rainha Diaba aceita a luz contemporânea para pintar seus retratos de uma época em que a diferença era muito mais marginalizada e não por isso menos presente em nossa sociedade. Antes de mais nada, é uma joia do cinema setentista do Brasil, com uma memorável direção que envolve a narrativa de momentos de violência, é certo, mas também por episódios que merecem nossa mais pura admiração. O olhar de Fontoura nos deu um presente. É uma dádiva que o público de 2023 possa recebê-lo novamente.

Mission + Gene Loves Jezebel – ao vivo

Reencarnação da banda de Wayne Hussey mostra em Curitiba como se pode lidar com maestria com o envelhecimento no mundo do rock

Mission

Texto por Abonico Smith

Fotos: iaskara

Saber envelhecer dentro do rock’n’roll é uma arte. Afinal, este é um universo que cobra alto o preço do passar dos anos. A voz muda, o corpo muda, os pensamentos mudam, as vontades mudam, o jeito de ser muda. Fica praticamente impossível querer reeditar algum tempo de glória que ficou reservado lá atrás, às lembranças do passado. Fã que é fã, entretanto, vai querer sempre reviver algo através da memória afetiva disparada por letras, melodias e riffs. Se não for por streaming ou disco, certamente quer aproveitar a chance de estar frente a frente com o artista para ouvir as mesmas músicas que volta e meia entram em seus ouvidos. Muitos estão ali querendo um elo vicioso com uma pessoa ou conjunto de pessoas que quase sempre não existem mais. O que chega a ser duro para muita gente: o de presenciar um arista veterano já bem diferente daquele que toca seu coração. Por isso é necessário sempre se reinventar do lado de cima do palco e, por outro lado, saber aceitar a evolução natural das coisas.

Com o Mission, este diálogo entre banda e plateia se mostrou algo bem fluido e resolvido na última noite de 26 de outubro. O quarteto britânico esteve em Curitiba, na Ópera de Arame, em uma de suas paradas de sua recente turnê de seis datas pelo Brasil. Como o vocalista e guitarrista Wayne Hussey mora há muito tempo no país, ele deu uma privilegiada à terra de sua esposa durante a nova ressurreição da banda que o consagrou durante a segunda metade dos anos 1980. De quebra, trouxe consigo duas importantes peças daquela formação clássica: o baixista e cofundador Craig Adams e o guitarrista Simon Hinkler. Portanto, 75% daquele Mission que a maior parte dos fãs conheceu e passou a admirar.

Só que é impossível parar os ponteiros do relógio e 1986, o ano do lançamento do primeiro álbum, vai ficando cada vez mais para trás no calendário. Os cabelos brancos aparecem (para os escudeiros Adams e Hinkler, a solução foi raspar toda a careca), o peso vai aumentando e aquele gás todo da juventude se dissipa. Tampouco não há mais como ficar sustentando os personagens mezzo hippies mezzo góticos de outrora, de cabelos compridos e cheios de lenços, maquiagem, bijuterias e figurino vistoso. O grupo não está muito mais cênico, também na performance de palco. Também, já tendo ultrapassado a casa dos 60 anos, não tem mais como se comportar como aquele eterno moleque tipo Peter Pan.

O Mission hoje é muito mais focado na música e tão somente na música. É subir ao palco, pegar os instrumentos e tocar. Sem muita variação, o que confere ao repertório uma veia muito mais punk por conta da crueza impressa aos arranjos, mesmo ainda ornamentados pelos dedilhados e tessituras psicodélicas traçadas pelos dedos de Hinkler. Wayne, por exemplo, empunha sua famosa guitarra de doze cordas do início do fim, o que dá aquela encorpada nas harmonias. Craig, dono de incríveis linhas de baixo, segura com maestria os backings, mesmo na hora dos timbres mais agudos, como os do miolo de “Severina”. E o novo baterista, da metade da idade do resto, senta a mão nas baquetas, conferindo mais peso e pungência a clássicos como “Wasteland”, “Deliverance” e “Like a Child Again”.

Pena que não deu para conferir como ficou a versão 2022 de “Tower Of Strength”. O hit, no disco carregado daquela percussão enevoada de tons zeppelinianos, foi o protagonista do momento “vergonha alheia da noite”. Programado para encerrar o set list, a música foi cortada abruptamente quando a plateia curitibana, louca para ir embora do local porque já havia passado da meia-noite e todos ali corriam o risco de virar abóbora, debandou-se em massa quando o primeiro bis se encerrou ao som de “The Crystal Ocean”. Não adiantou nada dar a deixa de manter as luzes apagadas, esperando a banda tomar uns goles de água na coxia para entregar a canção derradeira.

O Mission de 2022 também não parece nada preocupar em só se alimentar apenas do passado distante. Claro que o grosso do repertório vem de seus primeiros álbuns, mas também há espaço para pérolas não muito conhecidas por quem não é fã hardcore, gravadas em discos mais recentes. “Met-Amor-Phosis”, “Within The Deepest Darkness (Fearful) e “Grotesque” representam bem a verve autoral de Hussey pós-fama, todas elas exemplares de que poderiam ter feito bem mais sucesso caso tivessem sido compostas no tempo em que os videoclipes ainda impulsionavam e muito a popularidade de uma canção. Por outro lado, o grupo também não se prende somente a peças mais conhecidas. Para equilibrar ainda mais o repertório, aparecem raridades como “Naked and Savage” e a cover de “Like a Hurricane” (hora em que o vocalista dá um pseudoesporro nos fãs por estes não saberem cantar a letra do clássico de Neil Young).

Hussey, que cerca de década e meia atrás já havia passado por Curitiba para se apresentar sozinho no palco e cantando uma série de músicas de outros autores das quais sempre gostou, voltou a abrir a gavetinha de seu lado intérprete neste show da Ópera de Arame. No meio de “Swoon”, meteu um trecho de “Heroes”, de David Bowie. Já “Wasteland” foi bastante estendida graças à inserção de “Light My Fire”, dos Doors, e “Marian”, do Sisters Of Mercy. Detalhe (e também uma private joke): o autor desta música não é só Andrew Eldritch; ela é uma parceria com o próprio Hussey, que junto com Craig Adams fora integrante das “irmãs da misericórdia” até a gravação do álbum de estreia (First and Last and Always, de 1985).

Michael Aston’s Gene Loves Jezebel

Se o Mission fez uma apresentação sóbria e cativante do início ao fim, infelizmente, o mesmo não pode ser dito da banda de abertura, a parte norte-americana que usa o nome de Gene Loves Jezebel e está sob a liderança o cofundador Michael Aston (explicando: desde que os irmãos gêmeos Michael e Jay Aston brigaram feio, existem dois GLJ em ação pelo mundo e gravando discos). Primeiro porque o vocalista era uma piada no palco. No melhor e no pior sentido. No melhor: com o bom humor sempre nos píncaros, ele não se furta a fazer palhaçadas, se jogar no chão, rastejar, fingir-se de morto, ir  brindar junto ao público, fazer caretas. Diversão garantida. Só que também, muito provavelmente por conta de uma conta alta de abusos, estava completamente sem voz em Curitiba, muitas vezes jogando refrão pra galera e fazendo os fãs do gargarejo suprirem a falta de gogó. Também contou contra justamente a falta de performance junto à banda. Pareciam dois segmentos distintos e desconectados, cada um fazendo o seu e juntando somente no casamento entre base instrumental e melodia.

Também foi desfavorável o fato do set list contar somente com dois hits poderosos (“Desire” e “The Motion of Love”) e estes justamente serem programados para encerrar o show na sequência. Para muita gente ali que desconhecia o todo da carreira do GLJ, ter que aturar nove músicas pode ter sido um porre para ser recompensado em dose dupla lá no final. Afinal, convenhamos: olhando para um espectro maior daquela segunda geração do pós-punk britânico, a que tirou o subgênero do meio alternativo e galgou as paradas ali pelos meados dos anos 1980, a banda nem foi tão grande e popular assim. Ok, tinha uma turma de 40+ colada na grade que sabia cantar cada verso ao lado de Michael e até lhe ofereceu uma insólita bandeira do País de Gales assim que ele se dirigiu ao microfone (sinal de que sabem da história do cara!), mas era uma empolgadíssima minoria.

Se o Mission demonstraria logo depois ter sabido envelhecer bem, esta encarnação do GLJ esbarrou no contrário e não passou de uma mera caricatura de si próprio num passado de quatro décadas. Aliás, caricatura borrada. No look inclusive. Daquele Michael com olhos pintados e o cabelo espetado, bagunçado e cheio daqueles anos 1980 sobrou apenas uma criatura que estava mais para irmão gêmeo (embora seja dois anos mais velho) do Robert Smith, do Cure. Triste.

Set list Mission: “Beyond The Pale”, “Hands Across The Ocean”, “Into The Blue”, “Met-Amor-Phosis”, “Naked and Savage”, “Swoon”, “Severina”, “Like a Child Again”, “Grotesque”, “Butterfly On a Wheel”, “Wasteland”, “Within The Deepest Darkness (Fearful)” e “Deliverance”. Bis: “Like a Hurricane” e “The Crystal Ocean”.

Set list Gene Loves Jezebel:  “Heartache”, “Always a Flame”, “Downhill Both Ways”, “Cow”, “Beyond Doubt”, “Suspiction”, “Bruises”, “Twenty Killer Hurts”, “Gorgeous”, “Desire” e “The Motion Of Love”.

Eduardo e Mônica

Clássico da Legião Urbana ganha versão para o cinema mas esbarra na transposição dos porquês e comos da letra de Renato Russo

Texto por Carlos Eduardo Lima (Célula Pop)

Foto: Downtown/Paris Filmes

Quem está na faixa de 40 a 50 anos conheceu “Eduardo e Mônica” ouvindo rádio em 1986, a partir daí, comprando um exemplar de Dois, da Legião Urbana, em LP. Quem veio depois não passou incólume à canção que foi escrita por um Renato Russo cronista do cotidiano, então vivendo sua pele de Trovador Solitário numa Brasília do início dos anos 1980, sob resquícios da ditadura militar. É difícil – ainda que possível – encontrar alguém que se interesse por música pop que não conheça ou já tenha ouvido a história do casal improvável narrada por Russo, uma moça que estuda e se forma em Medicina, que se apaixona por um rapaz mais jovem, que, a partir do relacionamento, amadurece e encontra meios para viabilizar a relação entre ambos.

Ainda que pareça fácil lidar com uma história que muita gente conhece, é um desafio imenso transpor tais fatos para a telona, amarrá-los num roteiro convincente e, mais que isso, encontrar atores que consigam encarnar estas personagens com desenvoltura. Em meio a tantas questões e exigências, chega à telona com grande expectativa Eduardo e Mônica (Brasil, 2022 – Downtown/Paris Filmes), dirigido pelo mesmo Rene Sampaio, que adaptou para o cinema outra canção de Russo, Faroeste Caboclo, em 2013.

Se compararmos os filmes, pura e simplesmente, Faroeste Caboclo se sai melhor e a razão é bem simples: o roteiro. Renato também deu uma mãozinha para os escritores, formando personagens com mais cores na quilométrica canção, também da fase do Trovador Solitário, lançada em disco em 1987. Nos versos de Eduardo e Mônica, só era possível saber, além das características dos dois, que eles viviam na mesma Brasília do início dos anos 1980 e mais nada.

Aí reside o problema. Para caracterizar Eduardo, vivido competentemente por Gabriel Leone, a tarefa não era tão árdua. Construir um moleque de 16 anos, boa praça, de bom coração, vivendo com seu avô uma vidinha de classe média normal não é algo do outro mundo. Quem não conhece ou nunca conheceu um “Eduardo”? Pois bem. Aqui o roteiro (feito a dez mãos por Gabriel Bortolini, Jessica Candal, Michele Frantz, Claudia Souto e Matheus Souza) constrói o personagem com competência. Leone, bom ator, tira de letra. O problema gravíssimo está na Mônica que foi dada para Alice Braga interpretar. Problemática, difícil, estranha e “madura”, a versão da menina do filme é chata e banal. As questões familiares que o roteiro lhe impõem são rasas e genéricas. Alice, atriz carismática mas apenas regular, não consegue dar uma dimensão humana à Mônica, deixando-a estereotipada e forçada.

O problema maior está no que é mágico na canção. A letra de Russo nos apresenta um amor impossível (ou melhor, improvável), no qual duas pessoas sem características em comum e com uma diferença razoável de idade, se apaixonam e decidem viver juntas apesar de todas as dificuldades que encontrarem. O filme pula essa parte, deixando o espectador tentando entender como aquelas duas pessoas podem se apaixonar, mesmo vivendo vidas tão distintas e distantes. Pois bem, a gente coloca isso na conta da magia da canção, mas o roteiro novamente não ajuda, mostrando que Eduardo é muito mais ponderado, centrado e maduro do que a Mônica, a despeito da carga maior de conhecimento que ela traz, que acaba se diluindo em citações e easter eggs primários, deixados para fãs nível Show do Milhão darem conta.

A direção de Rene Sampaio até que é correta. Ele usa bem algumas sequências, mas poderia ter aproveitado muito mais os cenários brasilienses, além de ter inserido o casal numa turma de amigos em comum, algo que parece insinuado pela letra da canção de Russo. E nessa brecha entra uma surpresa do elenco: Vitor Lamoglia, humorista de ofício, vive Inácio, o amigo do coprotagonista, e se sai muito bem como alívio cômico, com algumas tiradas bem feitas e uma bela cena em que ele e Eduardo estão num ônibus, mais para o fim do filme. Há ainda outros dois ótimos atores no elenco: Otávio Augusto, subaproveitado como o avô de Eduardo, e Juliana Carneiro da Cunha, quase ignorada como a mãe de Mônica

Enfim, falta profundidade, falta veracidade, falta fidelidade ao espírito da canção – repito, isso é algo complexo de ser feito, mas merecia um resultado melhor. Como filme, Eduardo e Mônica segue sendo uma das grandes canções da Legião Urbana. Pena!

Maradona

Lembranças do dia em que o craque argentino disparou em campo e a trave me salvou de uma surra na arquibancada do Morumbi

Texto por Fábio Soares

Fotos de Juha Tamminen/Reprodução

Visto do balão da infância de sujeitos sub-50 como eu, o mundo maradoniano era mágico. Empezando no Mundial de 1986 no México, à atmosfera de sonho dos lances impossíveis nos certames italianos de 1987 a 1990, seu futebol tinha traços de Chaplin a mim. Real desenho animado bem ali, diante de meus olhos em finais inesperados. E que ótimo que era assim. 

Quando sozinho e com uma só perna despachou o imundo time da CBF comandado por Lazaroni da Copa do Mundo de 1990, tive ali uma certeza: com o Palmeiras amargando a draga de uma fila sem fim (até então com 14 anos sem título!), seria eu Maradona FC “sea lo que sea”, por qualquer parte ou modalidade, em qualquer buraco em que ele fosse jogar. 

Veio o ano de 1991 e com ele, sua longa suspensão por uso de cocaína. Em litígio com o Nápoli, transferiu-se para o Sevilla, da Espanha, em 1992. Na Andaluzia, reencontraria Carlos Bilardo, seu comandante no êxito mexicano seis anos antes. O início de temporada foi irregular, entretanto, com vários quilos a mais e turras contra a diretoria. Maradona estava em outro planeta, com a cabeça longe dali. Um planeta alucinógeno em que a euforia estava em voga. Euforia sintética que o perseguiria até sua morte. No início de 1993, ele teve uma ideia genial financeiramente falando: emprestaria sua imagem ao clube espanhol numa excursão à América do Sul. Em troca, todos os direitos televisivos dos embates seriam depositados em sua conta bancária. O Sevilla tinha escolha? Bem, religiosos (não o meu caso) dizem que não se pode dizer “não” para Deus, mesmo que este Deus seja o mais mundano de todos. 

O início de 1993 trazia o São Paulo Futebol Clube como atual campeão mundial de clubes. Por ser amigo de longa data do capitão são-paulino Raí, coube a ambos a organização de um amistoso em março de 1993 no Morumbi, com o Sevilla entregando as faixas do título do mundo ao tricolor paulista. E foi aí que enlouqueceu um certo moleque, às vésperas de completar 17 anos e com a cútis castigada pela acne, soube da realização do jogo. Afinal, era a chance de ver seu super-herói in loco. Bem, o moleque era eu. E as espinhas em seu rosto também era comigo. 

O dia do jogo teve como cenário um sábado carrancudo e nublado. Com ingresso de arquibancada na mão, infiltrei-me no meio da torcida inimiga com um só pensamento: não poderia me denunciar. Que ficasse quieto no meu canto e que vivo dali saísse. Arquibancada lotada, taça do mundial são-paulino desfilando pela pista de atletismo mas eu estava me lixando pra tudo isso. Só tinha olhos pra um elemento em meio àquela alegria alheia. E dane-se aquela alegria toda. Não era pra mim. Não era para isso que eu estava ali. 

O jogo começou e Pintado, volante tricolor da época, não entrou no clima do amistoso. Inexato afirmar se foi ordem do técnico Telê Santana mas o cão de guarda não descolou de Maradona em momento algum. Aos 32 anos, visivelmente acima do peso e com clara dificuldade de se livrar da marcação, Diego até que tentou jogadas de efeito e lançamentos “jardeanos”. A falta de ritmo de jogo pesou. E as duas feijoadas que ele deve ter devorado no almoço daquele sábado nublado também. 

Não demorou muito para o São Paulo abrir o placar com Raí após lançamento de Palhinha. Festa nas arquibancadas e a já esperada provocação ao astro pelo seu vício em drogas sintéticas. “Nasceu na Argentina, morou em Barcelona. Cheira cocaína, seu nome é Maradona”, entoava a massa tricolor num irritante falso moralismo. 

Veio o segundo tempo e minha maior preocupação, a de me autodenunciar em território inimigo, certamente não aconteceria com a pífia atuação de Diego Armando. A cada vez que pegava na bola, vaias ensurdecedoras insistiam em ecoar por todo o Morumbi. “Otários! Cês tão diante de Deus!’ praguejava em pensamento aquele espinhudo moleque solitário. Até que, aos 22 minutos, o improvável aconteceu: numa das parcas vezes em que pisou na área adversária, Maradona recebeu a pelota de um ainda fedelho Simeone, usou a marcação como apoio e inapelavelmente girou de perna esquerda um pouco antes da marca penal. Seria o tão sonhado gol maradoniano assistido por mim “ao vivo”, o insano momento que eu aguardava desde junho de 1986. Armei o punho direito para gritar gol no mesmo átomo de segundo que a bola caprichosamente beijava a trave esquerda do goleiro Zetti, corria por trás de seu corpo e parava nos pés de Cafu. Se fosse cardíaco, teria um infarto ali mesmo. Se tivesse gritado “gol”, seria massacrado por uma onda de cascudos e catiripapos da hinchada ao meu redor. Com o coração disparado, pus-me a mirar Diego pelo restante da partida. Algo me dizia que não poderia arredar pé dali. Algo me dizia que seria a última vez. 

Fim de jogo. Uma cortina de repórteres cercaria o astro maior daquela tarde. Do ponto de onde estava na arquibancada, pude ver o último ato de Maradona: driblar a imprensa para dar um abraço em Telê. Logo depois, rapidamente desceu as escadas rumo aos vestiários.

A primeira e última vez que vi Deus em ação chegava ao fim. Na volta pra casa, tentei processar o que havia visto. O maior de minha geração diante dos meus olhos por 90 minutos. Meu amigo imaginário. Aquele que para sempre seria um de nós. 

A noite finalmente dava lugar àquele dia nublado e tinha que ser assim, num carrancudo cenário. Porque a verdadeira dramaticidade dos mais sinceros tangos jamais ornaria com dias de sol.

>> Diego Armando Maradona faleceu por volta do meio-dia de 25 de novembro de 2020, aos 60 anos de idade, em sua casa, em Buenos Aires.  A autópsia revelou que o ex-jogador e ex-técnico da seleção argentina de futebol, que havia sido operado no cérebro, três semanas antes, sofreu uma parada cardíaca provocada por insuficiência respiratória e um edema agudo no pulmão.

>> Eis abaixo o mais ESPETACULAR documentário sobre Maradona que já vi! As legendas estão em inglês, mas o áudio está em espanhol. Dá pra entender bem e as imagens de arquivo são de chorar! O cara postou no YouTube há alguns dias e, como as regras da plataforma são rígidas, é bem capaz de derrubarem. Assista enquanto é tempo…

Teenage Fanclub – ao vivo

A celebração do fim de uma era com despedida de Gerard Love, clássicos álbuns inteiros e incógnita sobre o futuro da banda

Texto por Henrique Laurindo (Buffalo Postcard)

Foto de John Marshall (GigPix)

Há alguns meses foi anunciado que os escoceses do Teenage Fanclub revisitariam seu catálogo lançado pela Creation Records nos anos 1990 em uma série de shows pelo Reino Unido. Na sequência, para o total choque dos fãs, também foi anunciado que Gerard Love, baixista, vocalista e um dos fundadores e principais compositores deixaria a banda, abrindo assim especulações sobre o futuro dos Fannies, como são carinhosamente apelidados.

Foi então que na fria noite londrina de terça-feira, 13 de novembro,  sob muitas palmas e antecipação, que a primeira formação clássica do Teenage Fanclub (Norman Blake, Raymond McGinley, Gerard Love e Brendan O’Hare) subia ao palco o Electric Ballroom para tocar na íntegra os clássicos álbuns Bandwagonesque e Thirteen, discos que influenciaram toda uma geração e que faziam a ponte com outros tunesmiths do passado: o Big Star.

Três bateristas. Três bandas diferentes. “Uma banda só é tão boa quanto seu baterista” é o chavão repetido por músicos e jornalistas desde os primórdios do rock’n’roll. Isto foi exemplificado sem sombra de dúvidas nessas três noites que fecharam a turnê britânica do Teenage Fanclub.

Com Brendan O’Hare as músicas são mais retas, direto ao ponto e com um punch incrível. “Starsign” mostrou que talvez eles não mais conseguissem repetir a vitalidade de outrora,  porém isso foi revertido na igualmente rápida “Radio”, já no segundo set. Bandwagonesqueterminou com a instrumental “Is This Music”, como Norman e Love trocando instrumentos e reunindo pela primeira vez no palco todos os músicos que fazem parte dessa tour: Frances McDonald (bateria, violão, teclados e vocais), Dave McGowan (guitarra, violão, teclados), Paul Quinn (bateria), alem dos já citados Norman, Raymond, Gerard e Brendan.

Na quarta-feira, foi a vez do baterista Paul Quinn e dos álbuns que, na minha opinião, são o ápice da criatividade do Teenage Fanclub: Grand Prix (dependendo em quem acreditar, isso pode ser lido como Grɒ̃ ‘Pri ou Grand Pricks – deixo a tradução pra vocês) e Songs From Northern Britain.

Se com Brendan as musicas eram urgentes e juvenis, com o tecnicamente superior Paul Quinn o foco passa a ser nas melodias impecáveis, em canções mais sólidas e fluidas. Nessa segunda noite, o som da casa também estava bem melhor ajustado.

Também foi no segundo dia que a importância de Gerard Love ficou ainda mais evidenciada: músicas como “Don’t Look Back”, “Sparky’s Dream” e “Ain’t That Enough” foram cantadas com tanta devoção pelo público que levou a todos questionaram como será possivel pra banda continuar na estrada sem um membro tão importante. Contrastando com essa triste noção que esses seriam os três últimos shows do baixista (fato a todo instante lembrado pelos fãs que gritavam “Don’t leave Gerry, we love you!”) o grisalho e fanfarrão escocês Brendan O’Hare deu um show à parte: abraçava todo mundo, interrompia as musicas, roubava o microfone de Norman Blake pra dar impagáveis tiradas, pulava e dançava. Sua presença e alegria em estar tocando com seus velhos amigos contagiou e confirmou a todos presentes que estávamos diante de algo muito especial.

O ultimo dos três dias foi reservado para Howdy! (disco que adoro, mas que divide a opinião dos fãs) mais b-sides e raridades, incluindo a ótima cover pra “He’d Be A Diamond”, escrita pelo enigmático Nicholas Saloman aka The Bevis Fond. Nesse show, Frances McDonald foi à bateria para algumas músicas. O contraste com os outros bateristas era evidente. McDonald é um músico completo, tecnicamente excelente, mas sem a personalidade de seus antecessores.

O show poderia ter terminado com a penúltima musica “Broken” (lado b de “Ain’t That Enough”), que, com seu clima Stones e letra simples e direta, provocou um singalong emocional da plateia que mais uma vez lotava a venue. Arrepiou. Mas a banda não queria acabar em clima de tristeza. Então Brendan voltou à bateria e Norman Blake declarou: “Esse foi o nosso primeiro single”. A banda, então,  entregou-se a um bombástico e caótico “Everything Flows” que culimnou com Blake na bateria e Brendan fazendo microfonias na guitarra. Ao final deste terceiro show, a banda abandona o palco e caminha para um futuro incerto.

Brendan, moleque maroto que é, outra vez roubou a cena e declarou: “Best dicks in the world!”. Nós sabemos disso, Brendan. Nós sabemos.

Set list 13.11: “The Concept”, “Satan”, “December”, “What You Do To Me”, “I Don’t Know”, “Star Sign”, “Metal Baby”, “Pet Rock”, “Sidewinder”, “Alcoholiday”, “Guiding Star”, “Is This Music?”, “Hang On”, “The Cabbage”, “Radio”, “Norman 3”, “Song To The Cynic”, “120 Mins”, “Escher”, “Commercial Alternative”, “Fear Of Flying”, “Tears Are Cool”, “Ret Liv Dead”, “Get Funky” e “Gene Clark”.

Set list 14.11: “About You”, “Sparky’s Dream”, “Mellow Doubt”, “Don’t Look Back”, “Verisimilitude”, “Neil Jung”, “Tears”, “Discolite”, “Say No”, “Going Places”, “I’ll Make It Clear”, “I Gotta Know”, “Hardcore/Ballad”, “Start Again”, “Ain’t That Enough”, “Can’t Feel My Soul”, “I Don’t Want Control Of You”, “Planets”, “It’s A Bad World”, “Take The Long Way Round”, “Winter”, “I Don’t Care”, “Mount Everest”, “Your Love Is The Place Where I Come From” e “Speed Of Light”.

Set list 15.11: “I Need Direction”, “I Can’t Find My Way Home”, “Accidental Life”, “Near You”, “Happiness”, “Dumb Dumb Dumb”, “The Town & The City”, “The Sun Shines From You”, “Straight & Narrow”, “Cul de Sac”, “My Uptight Life”, “If I Never See You Again”, “Thaw Me”, “One Thousand Lights”, “Did I Say”, “My Life”, “The Shadows”, “Every Step Is A Way Through”, “The Count”, “Long Hair”, “Some People Try To Fuck You”, “Getting Real”, “He’d Be A Diamond”, “Broken” e “Everything Flows”.