Music

Caetano Veloso & Ivan Sacerdote

Cantor e compositor lança novo disco de surpresa, no qual revisita algumas velhas músicas suas em dueto com o clarinetista criado na Bahia

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Texto por Janaina Monteiro

Foto: Divulgação

Sem alarde nem aviso prévio, Caetano Veloso lançou seu novo disco via streaming com nove versões de composições de sua autoria num dueto com o clarinetista Ivan Sacerdote. O álbum-surpresa também conta com participações do primogênito Moreno Veloso na percussão mais o sambista Mosquito e o violonista Cezar Mendes.

Caetano Veloso & Ivan Sacerdote é fruto da casualidade e encantamento do baiano pelo som cativante de Ivan. Nascido no Rio de Janeiro mas criado na Bahia, o clarinetista tem formação universitária no instrumento, foi solista em rodas de choro e acompanhou nomes expressivos da MPB, como Rosa Passos. A parceria gerou um álbum despretensioso que realça o ápice do amadurecimento do cantor e músico de 77 anos de idade, seja no tom mais grave de sua voz ou na sutileza do dedilhado. O doce sopro da clarineta de Ivan abre o disco e acompanha o violão de Caetano, imprimindo uma vivacidade alegre e serena ao repertório com faixas lado B como “O Ciúme” (originalmente de 1987), selecionadas conforme a preferência dos envolvidos no trabalho. Ivan passeia à vontade pelas melodias do mestre tropicalista, com seus solos improvisados, como se estivesse pincelando notas num jardim recriado por Monet. É um trabalho belo, sutil, tranquilo, para se deleitar com os arranjos singelos que mesclam jazz, samba e bossa nova, e aproximam Caetano cada vez mais do gênio João Gilberto, sua fonte inspiradora no início da carreira.

A primeira faixa do álbum, de Uns (1983), foi um pedido de Ivan. Em “Peter Gast” (pseudônimo de Johann Heinrich Köselitz, amigo do filósofo Friedrich Nietzsche) Caetano filosofa “Eu sou um/ Ninguém é comum e eu sou ninguém”. Do premiado disco Livro, de 1998, surgem “Minha Voz Minha Vida” e “Manhatã”, em que o clarinetista nos proporciona a sensação de levitar.

As duas canções mais conhecidas são “Trilhos Urbanos”, de Cinema Transcendental (1979), e a belíssima “Desde Que o Samba é Samba” (com a participação de Mosquito), gravada por Caetano no álbum-marco Tropicália 2 (1993), e que abre o disco João Voz e Violão, com a refinada interpretação do mentor da bossa nova.

Como diz o primeiro verso da quinta faixa, “Você Não Gosta de Mim”, você pode não gostar de Caetano e toda a sua polêmica e imperatividade que por vezes lhe conferem um ar de errônea arrogância. Entretanto, é indiscutível o seu legado para a MPB. Ele sempre foi um contestador, seja encabeçando o movimento tropicalista ou cantando sobre os “ridículos tiranos” (na letra de “Podres Poderes”, de Velô, de 1984). A pouco de completar oito décadas de vida, Caetano se apropria da idade da serenidade e deixa de lado os discursos eloquentes para combater as trevas usando suas armas mais poderosas. Que são a sua voz e a sua arte.

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Aurora – ao vivo

Norueguesa leva fãs ao delírio e até celebra casamento durante segunda passagem pela capital paranaense

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Texto e foto por Abonico R. Smith

Aurora Aksnes é uma força da natureza. Já começa pelo prenome com palavra de origem latina, que, de acordo com a mitologia grega, remete à deusa que personificava o amanhecer, filha de dois titãs e irmã das divindades solar e lunar. Com 1,6 m de altura, pele alva nórdica e o cabelo naturalmente platinado com um corte long bobacompanhado de um tufo comprido de cada lado, deixado para fazer tranças casualmente, ela não para um segundo no palco. Movimenta-se de um lado para outro em coreografias que misturam o ritmo de sua música pop com passos de dança resgatados de rituais ancestrais. Tudo isso sem abalar por um segundo sequer o poderio intacto de seu gogó, agraciado com uma voz doce e suave para falar e timbre de soprano com larga extensão para alcançar várias oitavas.

O segredo para isso? Alimentação saudável, sempre com muitas frutas. E água, bastante água. Pelo menos foi o que ela entregou logo depois de começar o show do último dia 22 de maio, em Curitiba. “Só hoje já mijei nove vezes”, emendou de cara, sem qualquer constrangimento a norueguesa que não se depila e também não usa esmaltes nas unhas, ama cantar e dançar descalça e ainda faz de suas letras um belo conjunto de metáforas, sentimentos e sensações que de algum modo se referem à natureza. Composições estas que formam uma poderosa trilogia fonográfica lançada de 2016 para cá – e que montaram o repertório da atual turnê, que teve cinco datas no Brasil.

O concerto na capital paranaense foi a quarta desta cinco escalas. Enchendo a plateia da Ópera de Arame, muitos jovens entre a adolescência e os vinte e poucos anos, que preenchiam uma paleta de estilos comungando hipsters, queers, góticos suaves e uma ou outra pessoa meio perdida visualmente. No palco, pela segunda vez na cidade, Aurora agora trazia uma banda mais completa (guitarrista, dois tecladistas e baterista, mais as tradicionais bases pré-gravadas com percussões, orquestrações e mais camadas delineadas por sintetizadores) e até mesmo uns quinze minutos de uma atração de abertura – na verdade, a morena tecladista e backing vocal que a acompanha, Silja Sol, em versão mais cutee solta no palco para tocar guitarra como o único acompanhamento e conversar com a audiência sobre a origem de suas seis canções solo apresentadas de modo simples, básico e compacto.

Depois da impactante abertura com “Churchyard”, que começa a capella e embala para um arranjo bastante percussivo, o que se viu foi um festival de uníssono vindo da plateia. Fãs – maioria feminina – cantavam sem parar verso atrás de verso. Mesmo já tendo feito outros shows no país antes, Aurora parecia não acreditar no estava acontecendo. Comunicava-se firmemente com a plateia, sempre ressaltando ao microfone estar tomada por grande emoção – o que nem precisava, pois via-se de forma escancarada em seus olhos. Chegou até atender ao pedido de um cartaz mostrado por um jovem casal sentado na primeira fila, mais para a lateral do palco, e celebrou o casamento espiritual deles – claro que sob uma chuva de aplausos, urros e gritos que ecoavam por toda a arena.

Natural que os grandes hits proporcionassem maior frenesi na plateia. Como “Warrior”, “I Went To Far” e “Runaway”, do primeiro álbum (All My Demons Greeting As A Friend, de 2016). Ou faixas do EP Infections Of a Different Kind – Step 1, de 2018 e lançado apenas digitalmente, como “All Is Soft Inside”, “Forgotten Love”). Entretanto, houve ainda surpresas. Como “Murder Song (5, 4, 3, 2, 1)”, cantada em dueto por Aurora e Silja somente ao acompanhamento da guitarra de Fredrik Vogsborg (mais conhecido pelo públicoindiepelo trabalho com a banda Casiokids, formada em 2005 e com três álbuns gravados entre 2007 e 2011), mais usada como um baixo ressaltando a nota tônica. Ou ainda os singles do novo disco, o novo EP A Different Kind Of Human – Step 2, que chegará em junho apenas às plataformas de streaming e download, mas já com os respectivos clipes disponibilizados na internet. “Animal”, “The River”, “In Bottles” e, especialmente, “The Seed” tiveram recepção tão efusiva quanto os outros sucessos um pouco mais antigos.

As duas faixas programadas para o bis, ambas do EP do ano passado, fecharam a noite em grande estilo. Primeiro veio a balada “Infections”, preparando o terreno das emoções para a explosão de “Queendom”, de cunho explicitamente empoderador, que faz questão de celebrar a força feminina e um mundo mais justo diante de uma sociedade machista e patriarcal em ruínas. Ao final dela, Aurora abriu uma bandeira LGBTQIA+ e deixou em delírio a plateia. Após a saída dela, muitos não continham o choro e a excitação por estar diante de sua deusa de quase 23 anos de idade e que ainda tem um excelente futuro musical pela frente. Tudo de forma bem natural e espontânea. Mesmo fazendo música pop.

Set List: “Churchyard”, “Warrior”, “Home”, “All Is Soft Inside”, “Soft Universe”, “Murder Song (5, 4, 3, 2, 1)”, “Runaway”, “In Bottles”, “The Seed”, “It Happened Quiet”, “Animal”, “I Went Too Far”, “The River”, “Forgotten Love” e “Running With The Wolves”. Bis: “Infections Of A Different Kind” e “Queendom”.

Music

Wander Wildner – ao vivo

Menestrel lança novo álbum sem deixar de lado os velhos clássicos e mostra que está em forma e de bem com a vida

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Texto e foto por Fábio Soares

Segundo o dicionário, menestrel, na Idade Média, era “o poeta e bardo cujo desempenho lírico referia-se a histórias de lugares distantes ou sobre eventos históricos reais ou imaginários”. Seguindo essa premissa, Wanderley Luís Wildner incorpora este personagem como ninguém aos trinta anos de carreira solo e pôde exercê-lo no último 30 de março, sábado, no Sesc Belenzinho, em São Paulo, no show de lançamento de seu mais recente álbum O Mar Vai Muito Mais Além No Meu Olhar.

Com o acompanhamento de Rust Costa (piano), Clauber Cholles (baixo), Jimi Joe (guitarra) e Fred Vittola (bateria), a apresentação foi dividida em duas partes. Na primeira O Mar Vai Muito Além…foi executado quase na íntegra, com destaque para a faixa de abertura “Éter Na Mente” (balada etérea, refrão forte e triste atmosfera) e “Caminando y Cantando” (folk “para cima” com letra em espanhol que pôs toda a audiência para dançar). Aliás, a plateia de um show de Wander Wildner é algo que chama a atenção. Basicamente formada por membros na casa dos 40 anos (muitos, inclusive, acompanhados de seus filhos), que elevam o cantor à categoria de “herói” mesmo ele sendo hippie, punk, brega ou rajneesh – como o próprio já se definiu anteriormente.

A segunda parte ficou reservada à revisitação de seus grandes sucessos. E foi neste momento que a atmosfera de culto religioso se fez presente. Também, era impossível ficar parado com “Numa Ilha Qualquer”, “Mantra das Possibilidades”, “Dani” e “Eu Tenho Uma Camiseta Escrita Eu Te Amo”. Todas cantadas em uníssono pela plateia (eu, incluso) e beirando a comoção.

Com o passar do tempo, nosso menestrel também apresenta mudança de postura ao vivo. Durante os 90 minutos desta apresentação, permaneceu sentado em 100% do tempo. A impressão que se tem é que, às vésperas de entrar para o time dos sexagenários (fato este que ocorrerá em setembro próximo), Wander Wildner quer se manter longe de polêmicas. Sorrindo, encerrou “Bebendo Vinho” adaptando seu verso final para “E agora estou com meus amigos” para delírio dos presentes.

Constantemente elogiava a plateia e realmente se mostrava feliz em desfilar seu repertório. É uma nova fase para alguém que já foi sinônimo de “metralhadora giratória” com verborragia ao extremo. Encerrou a apresentação com “Boas Notícias”, do álbum Wanclub, em que diz “Eu lhe prometo que trarei boas notícias quando eu voltar/ Se não voltar, as boas notícias estarão lá”. Ovacionado do início ao fim, encontrou tempo para, pacientemente, atender seus seguidores após o show. Sorridente, distribuiu autógrafos, selfies e gentilezas, bem diferente do astro muitas vezes inacessível e em estado deplorável após algumas apresentações.

Na saída, esperando por um táxi, Wander passou por mim cercado de amigos, foi gentil com os porteiros do Sesc e seguiu seu caminho. Que bom ver que ele está feliz, fazendo jus a um dos versos da canção que encerrou sua apresentação: “Eu lhe prometo que trarei boas notícias quando eu voltar/Se não voltar, as boas notícias estarão lá”.

Set list: “Éter Na Mente”, “Beachboys”, “A Dança de Tudo”, “Campeche”, “O Sinal”, “Imagination”, “Puertas y Puertos”, “Caminando y Cantando”, “No Ritmo da Vida”, “Machu Picchu”, “Rodando El Mundo”, “Numa Ilha Qualquer”, “Mantra das Possibilidades”, “Dani”, “Eu Tenho Uma Camiseta Escrita Eu Te Amo”, “O Sol Que Me Ilumina”, “Sandina”, “O Último Romântico da Rua Augusta”, “Bebendo Vinho”, “Com Liniker e Com Desapego”, “Eu Não Consigo Ser Alegre O Tempo Inteiro”, “Mares de Cerveja” e “Boas Notícias”.

Music

Morrissey

Oito motivos pra não perder os shows que o cantor inglês fará com sua banda no Brasil neste final de ano

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Texto por Abonico R. Smith

Foto: Reprodução

Depois de dar um tempo no meio do ano com sua atual turnê, Morrissey retomou-a com uma série de shows pelos Estados Unidos antes de partir rumo à perna latino-americana, iniciada nos próximos dias 22 e 23 de novembro no México. Depois disso serão mais outras datas no Peru (27), Brasil (30 e 2 de dezembro), Paraguai (5), Argentina (7) e Chile (14 e 15). Em solo brasileiro, as apresentações serão, respectivamente no Rio de Janeiro (mais informações aqui) e São Paulo (mais informações aqui).

Por isso, o Mondo Bacana preparou oito motivos pelos quais você não deve deixar de ver – sob qualquer hipótese – a nova passagem do cantor inglês por nosso país.

Cada turnê é uma turnê

Nada desse papo de “ah, mas eu já vi outros shows dele antes”. Cada turnê é bem diferente de todas as outras turnês já feitas. Além de privilegiar bastante o último lançamento, Morrissey nunca se acomoda em um repertório fixo. Troca basicamente todas as outras canções, resgatando coisas lá do passado (como “Sunny”, “Hairdresser On Fire”, “Hold On To Your Friends” e “Jack The Ripper”), recuperando b-sides (“Munich Air Disaster 1958” e “If You Don’t Like Me, Don’t Look At Me”) e excluindo hits e obviedades (ao contrário, aliás, do que a maioria dos ídolos de carreira longa fazem em suas gigs pelo mundo).

Banda afiadíssima

Cada ano que passa a disco que grava, Morrissey vem mantendo uma banda bastante afiada – e fiel, diga-se de passagem – para acompanha-lo. Por isso, muitas vezes faz questão de se fotografar junto a seus músicos e gravar seus videoclipes com eles. Na verdade, é uma trajetória disfarçada de “carreira solo”, já que agora o vocalista desenvolve parcerias com quatro dos membros: os guitarristas Boz Boorer (o membro mais antigo do grupo) e Jesse Tobias, o baixista Mando Lopez e o multi-instrumentista e preferencialmente tecladista Gustavo Manzur. Completa a formação o baterista Matt Walker.

Latinidade à flor da pele

Já faz um bom tempo que Morrissey mora em Los Angeles e, volta e meia, é visto nos pelas regiões latinas nos arredores da cidade. Dois dos atuais membros de sua banda nasceram na América do Sul: Manzur é colombiano e Lopez, peruano. Nas últimas turnês por aqui, ele não tem se limitado aos países-chave, como Brasil, Argentina e Chile. Estende suas apresentações também a Peru, Colômbia, Paraguai e Uruguai. E o álbum World Peace Is None Of Your Business, lançado em 2014, é cheio de violões, percussões e sonoridades latinas, além de citar nominalmente o Brasil (no caso das manifestações de rua ocorridas no ano anterior).

Cinismo, acidez e ironia

A língua de Morrissey sempre foi altamente ferina e mordaz nas suas entrevistas. Uma pena que é, nas últimas décadas, boa parte da imprensa corporativa (isto inclui aqueles veículos online que outrora se consolidaram como independentes e há um tempo foram comprados e absorvidos pela máquina de grandes indústrias da comunicação euro-americanas) não entenda as provocações ou simplesmente aja de má fé distorcendo as ideias do vocalista. Como os recentes comentários sobre Brexit e nazifacismo, por exemplo. Basta lembrar que Moz ficou qunze anos sem falar à NME pelo fato da mesma ter considerado a música “The National Front Disco” (lançada no álbum Your Arsenal em 1992) uma ode ao partido britânico de extrema direita National Front. Como diria o Robin, “santa asneira, Batman!”.

“Back On The Chain Gang”

Desde o início desta turnê, um dos covers que frequentemente aparecem no set list de cada noite é o hit dos Pretenders lançado como single em setembro de 1982 e também incluído como uma das faixas do álbum Learning To Crawl, de 1984. Além de bons amigos, Morrissey e Chrissie Hynde têm duas coisas em comum: ambos são vegetarianos e ativistas pelos direitos dos animais. No clipe feito para a gravação de estúdio desta música (incluída na versão em vinil duplo de Low In The High School e que estará também no álbum California Son, previsto para março de 2019), ele chega a empunhar uma guitarra enquanto canta. Mais duas releituras costumavam aparecer até a parada ocorrida em março: “Judy Is A Punk”, dos Ramones” e “You’ll Be Gone”, de Elvis Presley.

Recriando os Smiths

A carreira solo de Morrissey não só é bem consolidade como altamente superior ao trabalho de cinco anos à frente dos Smiths, banda de Manchester que o revelou nos anos 1980. Só que tem muita gente, fã do grupo, que ainda não superou a dissolução da banda, mesmo já tendo passado mais de trinta anos. E vai aos shows do vocalista com aquele afã de ouvir um repertório inteiro daquela época. De uns tempos para cá ele rendeu-se à ideia de voltar a cantar músicas de sua antiga banda. Agora ele vem presenteando a plateia com três recriações: “William, It Was Really Nothing”, “Is It Really So Strange” e “How Soon Is Now”. Portanto, tire de sua cabeça qualquer esperança de ouvir outra faixa composta em parceria com Johnny Marr.

“Dial-a-Cliché”

Décima primeira das doze faixas do álbum de estreia solo, Viva Hate, lançado em 1988. Morrissey nunca havia cantado ao vivo esta música até a noite do último 31 de outubro, quando a incluiu no set list do show realizado na cidade californiana de Ventura. E a manteve e todos os outros posteriores. Segundo Simon Goddard, autor deMozipedia (espécie de enciclopédia sobre a vida e a obra de Moz), sua letra serve como uma “reflexão sobre a pressão social para se adequar a estereótipos emocionalmente impermeáveis”. Além da agradável performance vocal do artista, a bela progressão harmônica que se arrisca na troca imediata de um acorde maior por outro menos e o arranjo com trompas sintetizadas assinado pelo produtor Stephen Street, outro elemento destacado por Goddard na canção é o a riqueza poética com o uso de aliterações logo no primeiro verso (“Further into the fog I fall”).

Low In High School

O álbum mais recente de Morrissey, lançado em novembro de 2017 e que está ganhando edição luxuosa em vinil duplo (com direito a algumas faixas capturadas ao vivo na atual turnê e a inclusão de “Back In The Chain Gang”), foi gravado em estúdios na França e na Itália (este de propriedade do maestro e compositor de trilhas sonoras Ennio Morricone) e produzido pelo norte-americano Joe Chicarelli, repetindo a parceria do disco anterior. Quatro de suas melhores faixas costumam ser incluídas no atual set da turnê:
“Spent The Day In Bed”, “I Wish You Lonely”, “When You Open Your Legs” e “Jack’s Only Happy When She’s Up On The Stage”. Todas, por sinal, comprovam que o britânico ainda está longe de perder a mão para continuar compondo grandes canções.

Movies

Mamma Mia! Lá Vamos Nós de Novo

Lily James, Amanda Seyfried e Cher brilham em longa que mostra que às vezes tudo o que a gente precisa na vida é cantar uma musiquinha do Abba

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Texto por Flávio St Jayme (Pausa Dramática)

Foto: Universal Pictures/Divulgação

Quem nunca se pegou cantarolando uma musiquinha no meio do dia? Enquanto está arrumando a cama, lavando a louça ou colhendo algumas laranjas (???), você de repente entoa versos de uma canção preferida. Não importa se você desafina ou não. Ou se é cantor profissional ou não.

Em muitos momentos de Mamma Mia! Lá Vamos Nós de Novo (Mamma Mia! Here We Go Again, EUA/Reino Unido, 2018 – Universal Pictures) é essa a sensação que nós temos. Com uma direção de arte muito melhor que a da nossa vida particular, é claro, mas ao ouvir gente como Dominic Cooper, Colin Firth, Pierce Brosnan ou Hugh Skinner estufando o peito para cantar seus versos, nos sentimos um pouquinho como eles: cheios de boa vontade e passando longe da afinação.

Isso incomoda? De forma alguma! Pelo contrário, é muito do que faz Mamma Mia! ser uma delícia de filme desde dez anos atrás. Não ter cantores profissionais cantando músicas conhecidas é como juntar os amigos numa mesa de bar e começar a cantar. Claro, novamente, com muito mais glamour (você pode substituir “mesa de bar” por “ilha paradisíaca na Grécia”, por exemplo).

Se boa parte das canções mais conhecidas do Abba já estavam no primeiro filme, sobrou pouco delas para este segundo. Mas dez anos depois, se muitas das músicas são menos populares, o brilho e a leveza de Lilly James e Amanda Seyfried iluminam a tela e fazem tudo ficar bem. Ambas possuem um ar quase sobrenatural de luz e, principalmente James, que até hoje não havia se destacado no cinema, está nada menos que resplandecente como a jovem Donna (papel que era de Meryl Streep no filme anterior). A atriz consegue até mesmo eclipsar o pouco talento e carisma de seus três pares românticos.

Se para alguns o musical é um gênero brega no cinema, o novo Mamma Mia! deixa bem claro sua resposta: faz questão de ser brega, de ser doce até arrepiar e, por mais que paire sobre todo o filme uma aura de tristeza (fundamentada por um certo fato do roteiro), ele faz questão de celebrar o amor em verso e prosa. E coreografia.

O longa vai e volta no tempo para a contar a história da jovem Donna, que termina a faculdade na Inglaterra e parte para conhecer o mundo. Passa por Paris e termina na Grécia, onde é “adotada” por uma família local e passa a viver logo depois de descobrir que está grávida. No tempo presente, temos Amanda Seyfried, filha de Donna, às voltas com a reinauguração do hotel que ela e a mãe idealizaram nesta mesma ilha grega.

Como a cereja do bolo, há a participação de ninguém menos que Cher. Já não é segredo para o público que a diva-mãe interpreta a avó de Amanda Seyfried no filme. O que ninguém sabe é que Cher protagoniza um dos melhores momentos, involuntariamente cômico e coroando a breguice que toma conta da tela (e de nós) desde os primeiros acordes.

Mamma Mia! Lá Vamos Nós de Novo é definitivamente um dos melhores filmes do ano, alegre, colorido, plasticamente deslumbrante (graças às suas paisagens), de cantar junto e até mesmo derramar algumas lágrimas. Dez anos atrás, quando o primeiro longa estreou, a jornalista Isabela Boscov escreveu em sua crítica na revista Veja: “Desligue o cérebro e vá ao cinema”. Com tanta coisa menos divertida na telona atualmente, com sua avalanche de reboots e remakes, às vezes tudo o que a gente precisa é de um mar azul, uma música do Abba e um romance açucarado em que a gente possa desligar o cérebro, cantar junto e mergulhar sem medo.