Charlie Watts

Conhecido por suas batidas precisas e a paixão paralela pelo jazz, integrante original dos Rolling Stones morreu hoje aos 80 anos

Textos por Marden Machado (Cinemarden) e Fábio Soares

Foto: Reprodução

Começo a escrever ao som de “Emotional Rescue”, minha canção favorita dos Rolling Stones, para falar sobre Charlie Watts, meu rolling stone favorito e baterista da banda de rock mais antiga do mundo ainda em atividade. A abertura dessa música, a oitava do álbum de mesmo nome, com o baixo de Bill Wyman e a batida precisa de Watts, sempre produziram em mim um efeito hipnótico.

Sei que a maioria das pessoas tem no vocalista ou no guitarrista a figura favorita de um grupo musical. Nada errado nisso. Talvez eu esteja errado. Afinal, meu beatle favorito é George Harrison. No Who é John Entwistle. No Yes, o Chris Squire. No Led Zeppelin, o John Paul Jones. A exceção que não foge à regra talvez seja Robert Fripp, guitarrista do King Crimson.

Charlie começou sua carreira tocando na Blues Incorporated, que sempre tocava no Ealing Club de Londres, que era frequentado por Mick Jagger, Keith Richards e Brian Jones. O trio que viria a formar os Stones convidou o baterista para integrar a banda e o resto é história.

De 1963, sua entrada oficial no grupo, até o dia de sua morte foram 58 anos de excepcionais serviços prestados ao rock’n roll. Paralelo a esse trabalho, que ele considerava o melhor do mundo, tinha uma outra banda, Charlie Watts Quintet, de jazz. O álbum Long Ago and Far Away, lançado em 1996, traz ele na capa, de terno e sobretudo, do jeito que gostaria de tocar nos Stones.

Watts foi diagnosticado com um câncer na garganta em 2004. Chegou a fazer um tratamento rádio e quimioterápico e, segundo anunciado na época, ficou curado. Recentemente, prestes a iniciar os ensaios para uma megaturnê mundial pós pandemia dos Rolling Stones, sua família anunciou que o baterista não participaria por razões médicas. O anúncio de sua morte – provavelmente ligado a esta questão de saúde – ocorreu nesta terça-feira, 24 de agosto, aos 80 anos de idade.

Vá em paz, Charlie Watts. E obrigado pelas inesquecíveis batidas, sempre rítmicas e precisas, de sua bateria. John Entwistle, George Harrison e Johnny Cash te aguardam para fazer parte de uma nova banda. (MM)

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Rolling Stones ao vivo é sempre a mesma coisa? Sim, claro! Mas visitar a Mona Lisa no Louvre, o Guernica no Reina Sofia e o Cristo Redentor também são e ninguém questiona. Minha primeira aventura stoneana foi também o début de muitos brasileiros. A banda mais icônica da história, na praia mais icônica do planeta e de graça? Tô dentro! E lá rumei de São Paulo para o Rio em 18 de fevereiro de 2006 para aquele que seria o maior público da história desta instituição do rock. Um milhão de pessoas esperadas, um milhão de pessoas comparecidas, praia abarrotada, tudo para uma noite incrível, exceto por um detalhe.

Após o show de abertura dos Titãs, uma série de arrastões aconteceu na areia com vários espectadores lesados (eu, incluso). Mas não havia tempo para lamentações. Os Stones subiriam ao palco pontualmente às 21h30 e teríamos que assistir. Assistir? Bem, isso é um modo de dizer porque uma famigerada área VIP lotada de famosos que sequer sabiam dizer o título de três canções da banda separaram a realeza dos plebeus. Restava aos reles mortais contemplar a apresentação através de diversos telões instalados ao longo da orla. Fiquei tão longe do palco que devo ter visto o show lá no bairro de Madureira. Mas, tudo bem, eram os Stones, enfim!

Poderia discorrer agora sobre a performance de Jagger, Richards e Wood mas é sobre Charlie Watts que devemos falar tendo em vista que o lendário baterista faleceu na último dia 24 de agosto em Londres, aos 80 anos de idade. Vestindo calça clara e camiseta verde-limão, a lenda viva iniciou os trabalhos conduzindo a cozinha em “Jumpin’ Jack Flash”, “It’s Only Rock’n’Roll (But I Like It)” e “You Got Me Rocking”. Nas parcas vezes em que as câmeras o focalizaram, sua frieza era de assustar. Nem parecia que exercia seu ofício diante de dois milhões de olhos. Sua postura deveria ser a mesma num esfumaçado clube em Londres.

Aceleração? Iniciou-se na então recém-lançada “Oh, No, Not You Again” com Watts mais preciso que um relógio. Sua discrição era assombrosa e ditava o ritmo de jogo. Mais parecia um piloto de automóveis sabendo exatamente o momento de acelerar e praticar o contrário.

Em “The Place Is Empty”, sob os vocais de Keith Richards, sua minimalista “cama” foi fundamental para o momento “isqueiros acesos”, fato que repetiu-se em “Happy”, ainda sob a voz do guitarrista. Mas foi em “Rough Justice” que a monstruosidade entrou em campo. Suas batidas marciais adquiriram ares de rolo compressor, que se seguiria em “Get Off Of My Cloud”, antes da catarse catapultada pela trinca “Start Me Up”, “Brown Sugar” e “(I Can’t Get No) Satisfaction”.

No fim, sabe-se lá como Me. Watts conseguiu vestir uma JAQUETA debaixo de calor senegalês do verão carioca para cumprimentar o público. Esses ingleses! Cada louco com sua mania…

Corta pra 2016. A quarta-feira de 24 de fevereiro amanheceu e permaneceu carrancuda pela maior parte do tempo. A turnê Olé, que percorreria estádios de futebol pelo mundo todo, desembarcava no Morumbi como uma itinerante atração turística. E chuva torrencial que caiu na zona sul paulistana permaneceu a encharcar o estádio até os indefectíveis acordes de “Jumpin’ Jack Flash”. O arrasa-quarteirão stoneano de abertura de shows jamais perdera seu punch ao longo dos anos servindo como contraponto à elegância de Charlie Watts. Como baterista de jazz, sabiamente conduzia seu carro alegórico de forma discreta, deixando a efusividade do palco a cargo de rebolado dos quadris de Mick Jagger e do desleixado modo da dupla Keith Richards e Ron Wood.

É inexato tentar chegar a um consenso sobre o que se passaria na cabeça de um discreto baterista como Watts em meio ao pandemônio do dia a dia de uma banda de rock. Talvez porque toda casa de baixo meretrício necessita de um porteiro sóbrio. Talvez porque toda “gaiola das loucas” necessita de seu porto seguro.

Ao final daquela apresentação encharcada, voltei para casa feliz. Havia visto os Stones pela segunda vez. Só não sabia que não haveria outra vez de contemplar Charlie Watts em ação. Ficam minha admiração e sua eterna timidez, protegida sob o alicerce de suas baquetas.

Sua elegância foi suprema para mim, num intervalo de uma década (2006-2016). Foram dez anos resumidos em um, aliás. Gracias, Mr. Watts! (FS)

Smashing Pumpkins

Há 25 anos, o surto de grandiloquência de Mellon Collie And The Infinite Sadness projetava a banda ao estrelato e cobrava um preço alto demais

Texto por Fábio Soares

Foto: Reprodução

Quando Robert Smith concebeu Disintegration ao mundo, em 1989, sabia que não poderia errar. Às vésperas de completar 30 anos de idade, o líder do Cure tinha a plena consciência de que o oitavo álbum da banda não tinha o direito de assumir o papel de peça descartável em sua discografia. Teria de alcançar o patamar de obra de arte, custe o que custasse. E se não o fez, chegou bem próximo a isso. Disintegration é, até hoje, objeto de culto e devoção de dez entre uma dezena de fãs dos ingleses. Sua atmosfera de sonho sublimemente musicou as dúvidas, tristezas e crises emocionais na entrada da terceira década de vida de qualquer indivíduo. A trilha sonora para meus problemas. Mesmo que eu já tenha passado dos 40.

Corta para 1995. William Patrick Corgan, líder dos Smashing Pumpkins, tinha 28 anos de idade quando estava em estúdio para gravar sua obra-prima antes de chegar à terceira dezena da idade. Apesar do relativo sucesso entre o público indie, Siamese Dream, o álbum de 1993, foi ofuscado pelo movimento grunge e comeu a poeira que a turma de Seattle havia deixado na estrada. Dois anos mais tarde (e com a morte de Kurt Cobain, um ano antes) pertencia aos Pumpkins a bola da vez. O posto de maior banda do planeta estava vago. O momento era aquele e Corgan sabia muito bem disso.

Para o maior álbum de sua vida, Billy Corgan apostou alto: seria um CD duplo, sem fáceis aplausos ou momentos felizes. Seria um projeto triste com atmosfera de sonho. Melancólico como todas as viradas dos 29 para os 30 são.

Mellon Collie And The Infinite Sadness já nasceu grandioso. Partindo de seu projeto gráfico (na capa, a figura de um semianjo a partir de uma estrela) à concepção de seu luxuoso encarte, o álbum possuía 28 canções condensadas em duas metades conceituais e previamente batizadas. “Dawn To Dusk” (“do amanhecer ao anoitecer”, em português) representava o dia, a luz, a euforia das drogas propriamente dita. Já “Twilight To Starlight” (“do crepúsculo à luz das estrelas”) simbolizava a noite, a escuridão, a depressão após a passagem do efeito psicotrópico.

Sua audição continua não sendo fácil, mesmo após um quarto de século de seu lançamento – o disco chegou às lojas no dia 24 de outubro daquele ano. Mellon Collie… não é conceitual em sua acepção e se há algo neste sentido ao longo de quase 30 faixas é a atmosfera de colagens de imagens que vivenciamos durante um sonho. Se a hipnótica “To Forgive” dá passagem ao quase hardcore de “Fuck You (An Ode To No One)” no primeiro disco, no outro é o inverso que dá as cartas: a desconcertante beleza de “Stumbleine” abre espaço para “X.Y.U.”, um arrasa-quarteirão com sete minutos de duração e ares de heavy metal. Para quem estranhou, tarde demais! Afinal, Mellon Collie… vinha para confundir e não para explicar.

O fator MTV exerceu importante papel para o sucesso da megalomaníaca empreitada. A banda produziu poderosos videoclipes para os três hit singles do álbum: “Bullet With Butterfly Wings”, “1979” e “Tonight, Tonight”. No Video Music Awards de 1996, por causa deste último (cujas imagens prestavam uma grande homenagem ao pai dos efeitos especiais no cinema, o francês Georges Méliès), o quarteto comandado por Corgan passou o rodo na premiação com nada menos que seis troféus, incluindo “Clipe do Ano”. Tudo perfeito, não? Nada poderia dar errado…

Mas deu. A obsessão e perfeccionismo quase doentios de Billy Corgan em lançar “o álbum perfeito da vida, do mundo e do sistema solar” cobrou um preço alto demais à banda. Algumas sessões de gravação de Mellon Collie… atingiram inimagináveis dezoito horas consecutivas. O esgotamento físico e mental era evidente inclusive na turnê de promoção do disco.

Durante a passagem por São Paulo e Rio de Janeiro, na derradeira edição do festival Hollywood Rock, em janeiro de 1996, já era explícito o descompasso entre Corgan e a baixista D’Arcy, o guitarrista James Iha e o baterista Jimmy Chamberlain. E coube ao último ser protagonista do mais triste episódio da carreira da banda. Em julho do mesmo ano, em um quarto de hotel em Nova York e na companhia do baterista, o tecladista Jonathan Melvoin, que viajava contratado como músico de apoio, sofria uma fatal overdose de heroína. Chamberlain ganhou do chefe – que àquela altura já havia comprado dos outros três suas partes dos direitos da banda – a demissão sumária. Então, os Pumpkins foram lançados ao fundo do poço de um ano trágico.

Espera lá… Não era essa a real intenção de Mellon Collie…? As oposições? Tamanho sucesso acompanhado de uma tragédia como esta, não fazia parte do script? Procuro acreditar que tamanha densidade de obras como Mellon Collie… cobram seu preço de qualquer maneira. Para o bem ou para o mal. Não se concebe uma salada emocional como esta, repleta de lirismo e arranjos díspares, sem escapar impunemente. Sua concepção soa como nossas vidas: altos e baixos sem fim, transitando entre o sagrado e o profano. Sua audição merece atenção tão meticulosa que mesmo agora, 25 anos depois, ainda é possível descobrir novos detalhes que passaram até então despercebidos.

Billy Corgan quis nos dar uma obra de arte. Conseguiu. Quis ainda que ela nos marcasse por euforia e dor. Conseguiu também. E o que fica é que Mellon Collie And The Infinite Sadness será nossa válvula de escape a desafogar emoções diversas por muitos anos. Porque assim é a arte, propriamente dita. E porque é ao conjunto de tudo isso que dedicamos a alcunha “vida”. Mesmo que encharcada por melancolia. Mesmo que repleta de infinita tristeza. Mesmo que registrada no CD duplo mais vendido daqueles anos finais do século 20.

Noel Gallagher’s High Flying Birds + Foster The People – ao vivo

Noite com expoentes de gerações do indie rock deixa explícita justamente a grande diferença entre elas

Noel Gallagher

Texto por Abonico R. Smith

Fotos de Priscila Oliveira (CWB Live)

Pedreira Paulo Leminski, quarta-feira, 7 de novembro de 2018. Escaladas para o mesmo palco estavam duas bandas de direcionamento conceitual bastante diferentes. Ambas em turnê pelo país com shows solo e dois encontros (este na capital paranaense e no dia seguinte em São Paulo) disfarçados de um minifestival chamado Summer Break.

Primeiro, a vez dos mais novos. Quarteto transformado em sexteto ao vivo, o Foster The People é um dos grandes expoentes dos millenials. Aquela geração, vinda a partir do fim do milênio, que nasceu já com o binarismo digital introduzido de forma natural no dia a dia. Que acostumou-se com a velocidade bem mais acelerada do cotidiano, dos computadores e da comunicação. Que enjoa rápido de muita coisa justamente pela torrente de informações que nos é despejada sem parar. Que resolve tudo a partir de alguns cliques. Que se encaixa perfeitamente na fluidez dos tempos contemporâneos, principalmente na sexualidade e na estética. Que uma hora é algo, na outra já não é. Que uma hora quer, na outra não quer mais. Que não vê limites mais para nada e deseja tudo ao mesmo tempo para ontem porque o hoje já é de outra de forma e o amanhã nem chegará.

Por isso a trupe comandada pelo multi-instrumentista, compositor e produtor Mark Foster é a cara dos millenials e ainda abocanha a geração anterior, a transicional Y. Ou melhor, o  FTP faz o som que representa muito bem estas duas turmas. Com três álbuns na bagagem e um punhado de hits radiofônicos (sobretudo os singles extraídos do trabalho de estreia, Torches, lançado em 2011), o FTP mistura bem o repertório de todos. E assim o fez na Pedreira, durante quase uma hora e meia, balançando os esqueletos de boa parte da molecada acostumada a playlists nas plataformas de streaming e que nem sabe muito bem para que ainda serve um disco físico.

Na moldura sonora, muitas batidas eletrônicas e sons sintetizados – os músicos trocavam constantemente de instrumentos e havia hora em que três deles estavam atrás de algum sintetizador. Era disco, soul, funk, psicodelismo, electro, pop, rock, punk. Tudo coexistindo numa boa, flutuando entre as fronteiras derrubadas dos gêneros musicais. Tudo música criada dentro de estúdio, através de pedaços colados por softwares. Estrofes inteiras em falsete misturavam-se a grooves arrasadores e melodias grudentas típicas de alguém outrora acostumado a trabalhar com jingles publicitários na cidade de Los Angeles. Mark, músico competente, segura bem os vocais ao vivo, embora sua performance faça uma ligação com a plateia mais pelo estilo e pelas poses do que por algo mais digno de um entertainer. Suas letras procuram um posicionamento crítico diante da sociedade de hoje, levantando questionamentos sobre, por exemplo, consumo, tecnolgia, agressividade. Mas os versos pouco causam impacto. A forma é muito mais importante do que o conteúdo.

Foster The People

Noel Gallagher é fruto da geração rock’n’roll, os baby boomers que se fizeram e viram seus filhos crescerem com uma outra revolução de costumes e comportamento. A geração que forjou uma identidade através da indústria cultural para poder encontrar um lugar propício de sua voz no mundo. Que não se identificava mais com seus pais e avós porque achava tudo meio arcaico e demodê. Que se engajava em uma ideologia de libertação ou de contestação e por ela lutava erguendo bandeiras e tentando conquistar o mundo. Que se acostumou de forma espontânea com o dia a dia regado pelas maravilhas tecnológicas de novos meios de comunicação (sobretudo a televisão e as transmissões de rádio em frequência modulada). Que viu crescer a tecnologia dos computadores, outrora corpos bastante complexos, pesados, complicados e restritos somente a uma certa nata do meio acadêmico.

A sonoridade de Noel, há uma década em carreira solo disfarçada de banda (tanto que ele sempre assina Noel Gallagher’s High Flying Birds), é orgânica e quase integralmente analógica, mesmo utilizando os hoje inevitáveis recursos digitais de pedais de guitarra e sintetizadores. Tudo humano. Tanto que a banda é extensa. Duas guitarras, baixo, bateria, teclados, duas backing vocals (que ainda fazem as pequenas percussões, entre elas até uma curiosa tesoura!!!), uma cantora “convidada” (para fazer a voz principal de apenas uma música) três no naipe de metais.

Noel cresceu ouvindo canções pop no rádio e na televisão. Fez carreira construindo novas canções pop para tocar sem parar no rádio e na televisão. Músicas com harmonias que podem ser levadas solitariamente ao violão e melodias que fazem uma arena inteira erguer os punhos, encher de ar os pulmões e cantar junto bem forte, o tempo inteiro. Foi assim em seus tempos de Oasis, no qual dividia as atenções com seu irmão mais novo e desafeto Liam Gallagher, então na função de vocalista da banda. Continua sendo assim agora, mesmo que nos dois últimos discos ele venha tentando se libertar da redoma dos hinos classic rock e venha flertando com outros gêneros (disco, soul, funk, psicodelismo, trip hop). Mas sempre com o estilo e a personalidade de quem tem a alma rock’n’roll. De quem é rock e vai ser rock sempre. E para quem o conteúdo importa muito mais do que a forma.

Por isso Noel ainda encanta mais quando o assunto é tocar em um local vasto e amplo para grandes públicos. Na Pedreira, estabeleceu conexão maior com a plateia. Brincou de forma irônica com alguns fãs do gargarejo (como na hora de se negar a cantar alguns clássicos com o título berrado, mandar alguém calar a boca todo instante só com um único gesto e dizer que não vai tocar uma determinada música porque simplesmente ela nunca fora executada ao vivo por ele). Ressuscitou sua antiga banda em alguns momentos (seis para ser bem exato), mas se dividindo entre hits e faixas que nem foram tão hit assim.

As pessoas ligadas a Noel (ele é baby boomer e ídolo da subsequente geração X, formada justamente pelos pais e tios dos millenials) amam uma coisa a ponto de sustentá-la até o fim da vida, mesmo que a evolução da tecnologia e a comunicação as forcem a entrar em contato com novidades e se tocar que o mundo nunca mais voltará àquela ingenuidade de décadas atrás.

No fim da noite o embate geracional acabou ficando no empate. Logo após o encerramento do Foster The People, muitos adolescentes passaram pelo portão de saída da Pedreira felizes e nem sequer tiveram paciência para ficar e assistir ao show seguinte porque simplesmente isso não lhes interessava ou não era de seu conhecimento. Outros, mais velhos, depois do tédio da parte inicial do festival, voltaram para casa com a alma lavada e encharcada por belas canções embaladas no formato mais tradicional da música pop, após o gran finale com uma música dos Beatles que, meio século depois, continua com sua mensagem atualíssima. O mais importante é que cada um celebrou a revolução a seu modo. E sem olhar para trás com raiva.

Set list Foster The People: “Coming Of Age”, “A Beginner’s Guide To Destroying The Moon”, “Loyal Like Sid & Nancy”, “Pay The Man”, “Life On The Nickel”, “Waste”, “Pseudologia Fantastica”, “Harden The Paint”, “Are You What You Want To Be?”, “Houdini”, “Call It What What You Want”, “Nevermind”, “Helena Beat”, “Don’t Stop (Color On The Walls)”, “Lotus Eater/Blitzkrieg Bop”, “Time To Get Closer”, “Pumped Up Kicks” e “Sit Next Tom Me”.

Set list Noel Gallagher: “Fort Knox”, “Holy Mountain”, “Keep On Reaching”, “It’s a Beautiful World”, “In The Heat Of The Moment”, “If I Had a Gun…”, “Dream On”, “Little By Little”, “Whatever”, “The Man Who Built The Moon”, “She Taught Me How To Fly”, “Half The World Away”, “Wonderwall”, “AKA… What a Life!”, “The Right Stuff”, “Go Let It Out”,  “Don’t Look Back In Anger” e “All You Need Is Love”.