Corgi: Top Dog

Obra assinada por estúdio belga traz humor não muito infantil e diversidade ao mundo dos longas-metragens em animação

Texto por Leonardo Andreiko

Foto: Imagem Filmes/Divulgação

Dominado por Pixar, Dreamworks e Illumination, o mercado dos longas-metragens animados ocidentais precisa de um respiro de seu monopólio, a fim de garantir novidade. Não que estas empresas façam trabalhos ruins apesar de nem sempre vemos bons resultados, mas toda diversidade é benéfica. Corgi: Top Dog (The Queen’s Corgi, Bélgica, 2019 – Imagem Filmes), produção do estúdio belga nWave Pictures, traz uma boa supresa para o cenário da animação neste ano.

A trama, dirigido por Vincent Kesteloot e Bem Stassen, revolve em torno da fuga do corgi Rex, que ocupa o posto de Top Dog da Rainha da Inglaterra, quando este sofre uma tentativa de assassinato de seu melhor amigo, que cobiça seu posto. Rex para num canil, conquista amigos por lá, enfrenta um bravo pitbull e volta para casa a tempo de salvar o dia. Estruturalmente, o roteiro de Rob Sprackling e Johnny Smith não inova o gênero, muito menos se destaca por seu humor. Ao longo do filme, cujo público-alvo é claramente o infantil, o espectador sente-se inclinado a não gostar do protagonista. Afinal, Rex beira a arrogância em seus confrontos iniciais, e, principalmente, sente falta do humor infantil. Embora as sutis indicações de humor adulto sejam mais que bastante para animar os adultos da sala, sua correspondência infantojuvenil é praticamente inexistente. Além disso, os personagens da trama são rasos demais para garantir a empatia do público. Não temos indicações suficientes de quem eles são, a não ser o que nos é contado pelos mesmos. Assim, a camada de apoio da trama fica diminuta perante um Rex responsável por todo o arco do filme.

Tecnicamente, porém, o trabalho é muito promissor. Com exceção de um único personagem, todo o traço de Corgi: Top Dog, bem como sua animação de fato, procuram criar uma estética e fluidez próprias de seu universo. Aqui, a nWave desenvolve um estilo próprio de Rex e seus amigos, sem fiar-se no visual já consolidado de outras empresas. Neste sentido, Kesteloot e Stassen operam com eficiência. As cenas de ação do longa também funcionam bem – este é um filme bem feito, afinal de contas.

A dublagem brasileira, como de costume, é competente. No entanto, acredito ser necessário assistir a quaisquer filmes em sua linguagem original, a fim de obter a visão intentada por seus criadores na totalidade. Sendo assim, não há muito a declarar a respeito da atuação aqui.

Esta é mais uma animação capaz de entreter os adultos (em especial durante a primeira metade, recheada de humor ininteligível pelas crianças da sala), mas que lutará pela atenção de seu público-alvo, ainda que com uma estética fofa o suficiente para instigá-los. Resta saber se Corgi: Top Dog venderá satisfatoriamente, alçando sua produtora ao rol das grandes da animação ocidental.

Parque dos Sonhos

Animação sem a assinatura de um diretor se vale de narrativa surreal para conquistar crianças e adultos

Texto por Leonardo Andreiko

Foto: Paramount Pictures/Divulgação

Animações têm a possibilidade de argumentar a respeito dos mais variados temas se valendo de narrativas surreais. É desta forma que O Parque dos Sonhos (Wonder Park, EUA/Espanha, 2019 – Paramount Pictures) constrói sua trama em volta de June, uma inventiva criança cujo sonho é construir o parque imaginário que inventara com sua mãe. Quando esta deve viajar para cuidar da saúde, a protagonista se entristece, apresentando sintomas típicos de um episódio depressivo, e deixa o projeto do Parque de lado. Porém, ela descobre que o parque é real e corre sério risco.

O filme não tem um “diretor”, mas um conjunto de head(s) of, que assumem a fotografia, a iluminação e a história. Ainda assim, os três são capazes de trabalhar com tamanha sinergia que a animação é uma das mais fluidas dos últimos anos do cinema comercial. A movimentação de câmera é tal que produz transições ao estilo de Damien Chazelle. A fotografia sabe evocar, com seu trabalho de contrastes e colorização, diferentes sensações para os mais variados ambientes da trama. A referência junguiana do roteiro se faz presente nos quadros por meio da cor.

Outro ponto que funciona bem é a utilização do 3D, criando camadas de profundidade em diversos momentos e sempre em favor da narrativa. Há tempos que não encontro um filme cuja experiência tridimensional valha tanto a pena quanto este.

Infelizmente, não foi possível, para escrever este texto, analisar a dublagem original do filme, que conta com nomes como Jennifer Garner e John Oliver no elenco. Todavia, o elenco e a direção de dublagem da versão brasileira não deixam a desejar. Pequenos desvios técnicos e uma escolha duvidosa para a personagem principal são os únicos defeitos da dublagem, que entrega personagens divertidos e bons diálogos adaptados.

É claro que, como (quase) toda obra, esta tem seus defeitos estruturais. A história de June, escrita por Josh Appelbaum (que assina a produção do filme), André Nemec e Robert Gordon, é obviamente inspirada em sucessos anteriores do nicho das animações Pixar-Disney-Dreamworks. Há, inclusive, uma cena cuja referência é tão incontestável que poderia ser batizado de “momento Up!”. Mesmo assim, é inegável que a trama funcione. Só poderia funcionar um pouquinho mais.

O Parque dos Sonhos é daqueles filmes planejados para tornar-se um sucesso de vendas. É muito provável que isso não ocorra – ainda que o carisma dos personagens (em especial os animais) pudesse fazer com que conseguisse o objetivo – mas também pode passar perto sem se tornar uma animação esquecível. É divertido o suficiente tanto para seu público infantil quanto para os pais. Por sinal, para estes é uma ótima opção para passar o tempo.

Noel Gallagher’s High Flying Birds + Foster The People – ao vivo

Noite com expoentes de gerações do indie rock deixa explícita justamente a grande diferença entre elas

Noel Gallagher

Texto por Abonico R. Smith

Fotos de Priscila Oliveira (CWB Live)

Pedreira Paulo Leminski, quarta-feira, 7 de novembro de 2018. Escaladas para o mesmo palco estavam duas bandas de direcionamento conceitual bastante diferentes. Ambas em turnê pelo país com shows solo e dois encontros (este na capital paranaense e no dia seguinte em São Paulo) disfarçados de um minifestival chamado Summer Break.

Primeiro, a vez dos mais novos. Quarteto transformado em sexteto ao vivo, o Foster The People é um dos grandes expoentes dos millenials. Aquela geração, vinda a partir do fim do milênio, que nasceu já com o binarismo digital introduzido de forma natural no dia a dia. Que acostumou-se com a velocidade bem mais acelerada do cotidiano, dos computadores e da comunicação. Que enjoa rápido de muita coisa justamente pela torrente de informações que nos é despejada sem parar. Que resolve tudo a partir de alguns cliques. Que se encaixa perfeitamente na fluidez dos tempos contemporâneos, principalmente na sexualidade e na estética. Que uma hora é algo, na outra já não é. Que uma hora quer, na outra não quer mais. Que não vê limites mais para nada e deseja tudo ao mesmo tempo para ontem porque o hoje já é de outra de forma e o amanhã nem chegará.

Por isso a trupe comandada pelo multi-instrumentista, compositor e produtor Mark Foster é a cara dos millenials e ainda abocanha a geração anterior, a transicional Y. Ou melhor, o  FTP faz o som que representa muito bem estas duas turmas. Com três álbuns na bagagem e um punhado de hits radiofônicos (sobretudo os singles extraídos do trabalho de estreia, Torches, lançado em 2011), o FTP mistura bem o repertório de todos. E assim o fez na Pedreira, durante quase uma hora e meia, balançando os esqueletos de boa parte da molecada acostumada a playlists nas plataformas de streaming e que nem sabe muito bem para que ainda serve um disco físico.

Na moldura sonora, muitas batidas eletrônicas e sons sintetizados – os músicos trocavam constantemente de instrumentos e havia hora em que três deles estavam atrás de algum sintetizador. Era disco, soul, funk, psicodelismo, electro, pop, rock, punk. Tudo coexistindo numa boa, flutuando entre as fronteiras derrubadas dos gêneros musicais. Tudo música criada dentro de estúdio, através de pedaços colados por softwares. Estrofes inteiras em falsete misturavam-se a grooves arrasadores e melodias grudentas típicas de alguém outrora acostumado a trabalhar com jingles publicitários na cidade de Los Angeles. Mark, músico competente, segura bem os vocais ao vivo, embora sua performance faça uma ligação com a plateia mais pelo estilo e pelas poses do que por algo mais digno de um entertainer. Suas letras procuram um posicionamento crítico diante da sociedade de hoje, levantando questionamentos sobre, por exemplo, consumo, tecnolgia, agressividade. Mas os versos pouco causam impacto. A forma é muito mais importante do que o conteúdo.

Foster The People

Noel Gallagher é fruto da geração rock’n’roll, os baby boomers que se fizeram e viram seus filhos crescerem com uma outra revolução de costumes e comportamento. A geração que forjou uma identidade através da indústria cultural para poder encontrar um lugar propício de sua voz no mundo. Que não se identificava mais com seus pais e avós porque achava tudo meio arcaico e demodê. Que se engajava em uma ideologia de libertação ou de contestação e por ela lutava erguendo bandeiras e tentando conquistar o mundo. Que se acostumou de forma espontânea com o dia a dia regado pelas maravilhas tecnológicas de novos meios de comunicação (sobretudo a televisão e as transmissões de rádio em frequência modulada). Que viu crescer a tecnologia dos computadores, outrora corpos bastante complexos, pesados, complicados e restritos somente a uma certa nata do meio acadêmico.

A sonoridade de Noel, há uma década em carreira solo disfarçada de banda (tanto que ele sempre assina Noel Gallagher’s High Flying Birds), é orgânica e quase integralmente analógica, mesmo utilizando os hoje inevitáveis recursos digitais de pedais de guitarra e sintetizadores. Tudo humano. Tanto que a banda é extensa. Duas guitarras, baixo, bateria, teclados, duas backing vocals (que ainda fazem as pequenas percussões, entre elas até uma curiosa tesoura!!!), uma cantora “convidada” (para fazer a voz principal de apenas uma música) três no naipe de metais.

Noel cresceu ouvindo canções pop no rádio e na televisão. Fez carreira construindo novas canções pop para tocar sem parar no rádio e na televisão. Músicas com harmonias que podem ser levadas solitariamente ao violão e melodias que fazem uma arena inteira erguer os punhos, encher de ar os pulmões e cantar junto bem forte, o tempo inteiro. Foi assim em seus tempos de Oasis, no qual dividia as atenções com seu irmão mais novo e desafeto Liam Gallagher, então na função de vocalista da banda. Continua sendo assim agora, mesmo que nos dois últimos discos ele venha tentando se libertar da redoma dos hinos classic rock e venha flertando com outros gêneros (disco, soul, funk, psicodelismo, trip hop). Mas sempre com o estilo e a personalidade de quem tem a alma rock’n’roll. De quem é rock e vai ser rock sempre. E para quem o conteúdo importa muito mais do que a forma.

Por isso Noel ainda encanta mais quando o assunto é tocar em um local vasto e amplo para grandes públicos. Na Pedreira, estabeleceu conexão maior com a plateia. Brincou de forma irônica com alguns fãs do gargarejo (como na hora de se negar a cantar alguns clássicos com o título berrado, mandar alguém calar a boca todo instante só com um único gesto e dizer que não vai tocar uma determinada música porque simplesmente ela nunca fora executada ao vivo por ele). Ressuscitou sua antiga banda em alguns momentos (seis para ser bem exato), mas se dividindo entre hits e faixas que nem foram tão hit assim.

As pessoas ligadas a Noel (ele é baby boomer e ídolo da subsequente geração X, formada justamente pelos pais e tios dos millenials) amam uma coisa a ponto de sustentá-la até o fim da vida, mesmo que a evolução da tecnologia e a comunicação as forcem a entrar em contato com novidades e se tocar que o mundo nunca mais voltará àquela ingenuidade de décadas atrás.

No fim da noite o embate geracional acabou ficando no empate. Logo após o encerramento do Foster The People, muitos adolescentes passaram pelo portão de saída da Pedreira felizes e nem sequer tiveram paciência para ficar e assistir ao show seguinte porque simplesmente isso não lhes interessava ou não era de seu conhecimento. Outros, mais velhos, depois do tédio da parte inicial do festival, voltaram para casa com a alma lavada e encharcada por belas canções embaladas no formato mais tradicional da música pop, após o gran finale com uma música dos Beatles que, meio século depois, continua com sua mensagem atualíssima. O mais importante é que cada um celebrou a revolução a seu modo. E sem olhar para trás com raiva.

Set list Foster The People: “Coming Of Age”, “A Beginner’s Guide To Destroying The Moon”, “Loyal Like Sid & Nancy”, “Pay The Man”, “Life On The Nickel”, “Waste”, “Pseudologia Fantastica”, “Harden The Paint”, “Are You What You Want To Be?”, “Houdini”, “Call It What What You Want”, “Nevermind”, “Helena Beat”, “Don’t Stop (Color On The Walls)”, “Lotus Eater/Blitzkrieg Bop”, “Time To Get Closer”, “Pumped Up Kicks” e “Sit Next Tom Me”.

Set list Noel Gallagher: “Fort Knox”, “Holy Mountain”, “Keep On Reaching”, “It’s a Beautiful World”, “In The Heat Of The Moment”, “If I Had a Gun…”, “Dream On”, “Little By Little”, “Whatever”, “The Man Who Built The Moon”, “She Taught Me How To Fly”, “Half The World Away”, “Wonderwall”, “AKA… What a Life!”, “The Right Stuff”, “Go Let It Out”,  “Don’t Look Back In Anger” e “All You Need Is Love”.

Clipe: Anna Calvi – Don’t Beat The Girl Out Of My Boy

Artista: Anna Calvi

Música: Don’t Beat The Girl Out Of My Boy

Álbum: Hunter (2018)

Por que assistir: No começo da década, essa inglesa de descendência italiana e descoberta por Brian Eno provocou furor na crítica com o lançamento de seus dois primeiros álbuns. Sempre vestida de vermelho, preto e branco, trafegando entre elementos visuais e sonoros do gótico e do flamenco, Anna Calvi fez meio mundo musical se arrepiar ao soltar seu vozeirão e cantar versos de sentidos abertos sobre mulheres enigmáticas. Logo caiu no gosto do circuito da moda europeia mais ligada ao rock alternativo e passou a fazer trilhas sonoras ao vivo de desfiles da Burberry, além de circular no net set mais descolado do universo, sempre ao lado de belas modelos e atrizes do cinema. Agora ela se prepara para lançar o terceiro álbum da carreira. Produzido pelo experiente e cultuado Nick Launay (Nick Cave & The Bad Seeds, Grinderman, David Byrne, Yeah Yeah Yeahs, Arcade Fire, PiL, Killing Joke, Black Rebel Motorcycle Club, Supergrass, Lou Reed, Kate Bush, Eric Clapton) Hunter sai no dia 31 de agosto pelo selo Domino – uma das potências do indie rock britânico – com o propósito de marcar a fluidez como a bandeira principal de Calvi na atualidade. Ao lançar o primeiro clipe do disco – da poderosa faixa “Don’t Beat The Girl Out Of My Boy”, desde já um dos singles do ano – a cantora e compositora vem jogando claro a respeito de sua insatisfação em se limitar a gêneros sexuais (seja na identidade ou na orientação) ou mesmo ficar presa a rótulos e questões ligadas a um lado só da vida. “Esta é uma canção sobre o desafio de ser feliz. É sobre ser livre para se identificar da maneira que você quiser, independentemente de amarras e restrições da sociedade”, declarou ela no início deste mês de junho. A coreografia, marcada por uma dramaticidade sombria e assinada pelo inglês Aaron Sillis (que já criou para Justin Bieber, Rihanna, Katy Perry, Kylie Minogue e FKA twigs, além de fazer trabalhos para marcas como Hermes, Calvin Klein, Lacoste, Nike e Issey Miyake), Anna canta a música enquanto se esfrega em corpos masculinos e femininos, alguns deles altamente marcados pela androginia.

Texto por Abonico R. Smith