Duna

Nova adaptação cinematográfica de clássico literário da ficção científica justifica todas as expectativas com elenco estelar e grandiosidade visual

Textos por Leonardo Andreiko e Marden Machado (Cinemarden)

Fotos: Warner/Divugação

A versão de Duna (Dune, EUA, 2021 – Warner) de Denis Villeneuve é um dos filmes mais aguardados deste ano, senão a cabeça dessa lista. O diretor de Blade Runner 2049 e A Chegada prometeu uma readaptação do clássico literário de ficção científica, que outrora esteve nas mãos de David Lynch (Duna, de 1984, com Sting fazendo parte do elenco). Como se não bastasse, o time que atua nesta versão é repleto de estrelas, como Timothée Chalamet, Zendaya, Javier Bardem e Stellan Skarsgard. 

A veia grandiosa da produção permeia todo o longa. Duna conta a história de Paul Atreides (Chalamet), herdeiro da Casa Atreides e do poder da Voz, que lhe assombra com visões premonitórias. A primeira parte de uma pretensa saga cinematográfica, com o roteiro assinado por Villeneuve, Eric Roth e Jon Spaihts, é a calmaria antes da tempestade. A extensa duração promete aos espectadores mal acostumados uma pá de cenas de ação e reviravoltas na trama, mas oferece um retrato comedido das Casas Nobres Atreides e Harkonnen, sua opressão do planeta Arrakis e, principalmente, de seu protagonista.

Dessa forma, é quase ambígua a abordagem de Villeneuve ao mundo complexo de Duna. Ao mesmo tempo que poucos eventos narrativos de expressão estratosférica ocorram, há em toda a mise en scène uma grandiosidade ensurdecedora. A pretensão épica da direção é óbvia: são diversos os “grandes momentos”, quando uma revelação leva a uma montagem dramática embebida nos sintetizadores e coros da trilha sonora composta Hans Zimmer. A constante verve premonitória que atormenta Paul também rende sequências enervantes de rápidos entrecortes cujo contraste é inquietante: O fogo vivo e a areia dessaturada; o ambiente escuro e o céu superexposto.

Embora as batalhas da trama não estejam distribuídas igualmente do início ao fim, Duna é uma panela de pressão, lentamente embalando o espectador para o fim daquela calmaria – em dado momento, o filme a abandona e se torna tempestade. E nos deixa esperando mais. Mas seria tolice ignorar a construção que nos leva à hora de ruptura. Villeneuve é muito perspicaz em significar todo o contexto expansionista e logicamente hipercapitalista abusando do tratamento épico que confere ao longa. A humanidade em Duna é, ao mesmo tempo, colossal e minúscula. O diretor insiste, ao longo da trama, em evidenciar essa escala que opõe criador e criatura – os pequenos seres humanos e suas enormes máquinas, cidades e construções. A arquitetura e a falta de cor são expressões da megalomania de uma humanidade desinteressada no planeta para além do lucro. Seu maquinário é onipresente e igualmente retrato desse futuro cuja ordem política é o retorno ao passado – em dado momento, Duque Leto Atreides (Oscar Isaac) se refere a Arrakis como seu feudo.

A outra instância em que a escala humana é abandonada em virtude da grandiosidade espacial é também um dos pontos altos de Duna: sua relação com o deserto. Ele não é uma mera locação, um mapa pelo qual se percorre para sair do ponto A e chegar no ponto B da trama, mas uma entidade. As referências a um deserto vivo, pulsante, são várias na cultura Fremen, a população originária oprimida pelas casas nobres, que fazem de Arrakis seu “garimpo ilegal”. Ao contrário da pretensão humana, contudo, ele é grandioso. O lar de vermes de centenas de metros de largura, capazes de engolir o imenso maquinário de extração dos Atreides como se fosse um aperitivo, é objeto de uma antecipação imensa. Para atravessá-lo e sobreviver a ele, é preciso conhecê-lo. 

Desse modo, as particularidades de Duna compõem um blockbuster que se destaca dos lançamentos deste último ano. Tanto como filme em si mesmo, interpretado sob a luz de um épico mais intimista e contemplativo, quanto na qualidade de início de uma saga, em que se percebem as intenções de prenunciar importantes âncoras narrativas de uma trama geral, o longa-metragem de Villeneuve é uma obra para os cinemas. 

A suspensão do tempo dentro da sala escura, munida de qualidade audiovisual espetacular, é ingrediente para a elevação da experiência fílmica que propõe o diretor. Se estiver esperando a melhor oportunidade para marcar seu retorno aos cinemas após a imunização pela vacina da covid-19, assista a este novo Duna em uma sala de cinema. (LA)

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Desde que o escritor americano Frank Herbert publicou em 1965 sua obra mais conhecida que o cinema tentava adaptá-la. Concretamente, esse processo teve início no final dos anos 1970, na esteira do estrondoso sucesso de Star Wars. No começo da década seguinte, o cineasta Ridley Scott, que vinha do badalado Alien, envolveu-se com o projeto e quase dirigiu o filme, abandonando-o para realizar Blade Runner. Em seu lugar foi chamado o quase estreante David Lynch, que na época tinha apenas alguns curtas e dois longas no currículo.

Lynch, também autor do roteiro, mergulhou fundo no universo de Herbert e concebeu um filme que até hoje divide opiniões entre os fãs da saga. Tudo se passa em um futuro distante. O clã Atreides está de mudança para o planeta deserto que dá título ao livro/filme. Mas o que poderia dar errado? Em se tratando de um clássico da ficção-científica rico em metáforas e alegorias, simplesmente tudo. Ainda mais quando você mistura castas sociais, política, religião e ecologia.

Duna, o filme de 1984, atualmente disponível no Brasil pela Netflix, dividiu e continua dividindo opiniões. Mas é, indiscutivelmente, uma grande espetáculo visual. (MM)

Um Dia de Chuva em Nova York

Woody Allen mistura passado e presente em ambientação de trama que fica aquém de seus momentos mais inspirados

Texto por Leonardo Andreiko

Foto: Imagem Filmes/Divulgação

Não há necessidade de introduzir a carreira brilhante de Woody Allen. O cineasta também trabalha com profissionais que, hoje em dia, chegam a dispensar introduções – por motivos diferentes. O aclamado diretor junta-se a Timothée Chalamet, Elle Fanning, Jude Law e até Selena Gomez em seu novo longa.

Tal como a extensa filmografia de Allen, Um Dia de Chuva em Nova York (A Rainy Day In New York, EUA, 2019 – Imagem Filmes) é, do início ao fim, repleto de narrações. O roteiro, também do autor americano, segue Gatsby Welles (Chalamet) e Ashleigh Enright (Fanning) durante o dia em que o casal de estudantes universitários passa em Nova York. Enquanto ela segue um cultuado diretor de cinema (Liev Schreiber, em curta aparição) e seus colegas de trabalho por Manhattan, Welles passeia pela cidade em que cresceu, reencontrando conhecidos e familiares no meio do processo. A trama parece operar como um fluxo de consciência, com personagens indo de ponto A ao ponto B a bel prazer do roteirista, sem motivações claras e suficientes.

O nervo central do filme é a dinâmica interna de seus dois protagonistas e, também, destes com o ambiente. Enquanto o Gatsby de Allen é culto, esperto e confortável com a cidade, Ashleigh é ingênua e jovial, respirando ares do Arizona – onde nasceu – em uma megalópole que a carrega de um lado a outro, como uma correnteza inescapável. Assim, a oposição entre os dois personagens é clara desde o primeiro ato do filme, que trabalha bem sua incompatibilidade mesmo que estejam separados por grande parte de sua duração.

É assim que o roteiro introduz seus principais coadjuvantes, não somente por peso na história, mas por capacidade de interpretação: Selena Gomez e Jude Law. Ele faz um roteirista que, a caminho de encontrar seu diretor – que enfrenta dificuldades criativas com seu novo filme –, descobre que sua mulher está o traindo com seu melhor amigo. O ator consegue tornar seu breve personagem bastante crível, fugindo da caricatura. No entanto, quem brilha é Selena Gomez, que entrega Shannon, velha conhecida do protagonista de Chalamet, com bastante naturalidade, transparecendo a enorme química entre eles.

Retorna-se, então, à discussão do roteiro, pois a efusão de personagens secundários e sequências vagas é um dos maiores problemas do filme, em conjunto com narrações que parecem escritas às pressas. Deixo evidente que a definição anterior de Gatsby carrega consigo um ponto de vista bastante bondoso, o “de Allen”, visto que o personagem, de fato, esbanja características desagradáveis ao espectador. Por vezes, é pretensioso e de movimentação muito caricata, tornando constante a suspeita de de que Timothée Chalamet fora instruído a imitar seu diretor ao invés de construir seu próprio personagem. O texto de Gatsby revela ainda diversas falas e ideais que facilmente seriam atribuídas a Woody Allen. Dá-se a impressão de que, no fim, Gatsby Welles é um Woody Allen que, como o personagem diz em dado momento, “não quer envelhecer nunca”.

No entanto, a confusão do roteiro é amenizada pelo brilhantismo de Vittorio Storaro, o mítico diretor de fotografia que assume a obra, criando uma Nova York onírica, existente somente nas memórias de Allen. O que é um ponto alto da fotografia torna-se um defeito do desenho de produção, já que os cenários e ambientações têm um tom enquanto certos personagens têm outro. Explico: Gatsby, Shannon e até mesmo Ashleigh parecem viver numa Nova York de meados do século 20, ainda que tenhamos iPhones, táxis e sets bastante contemporâneos. Assim, o filme se ambienta numa mistura de passado e presente, uma confusão que se demonstra até mesmo nas relações entre as personagens, em especial entre Gatsby e sua mãe.

Ainda que amparado por Storaro, Woody Allen parece ter perdido a mão em Um Dia de Chuva em Nova York. Seu roteiro é um dos mais fracos da aclamada carreira. Ele mostra-se preocupado em finalizar filme atrás de filme, distanciando-se da qualidade que um dia o consagrou. Da mesma forma, o longa soa repetitivo, pois acomoda-se até demais no estilo de seu diretor. No fim, é uma confusão em si mesmo, que não é resolvida nem pelo talento de seu elenco ou de seus diretores. É agradável, certamente, mas está bem aquém dos melhores filmes de Allen.

Zumbilândia: Atire Duas Vezes

Retorno do universo protagonizado por Woody Harrelson e Jesse Eisenberg é um bom filme de comédia apesar da trama vazia

Texto por Leonardo Andreiko

Foto: Sony/Divulgação

Seguindo os passos de seu predecessor, Zumbilândia: Atire Duas Vezes (Zombieland: Double Tap, EUA, 2019 – Sony Pictures) começa com um monólogo expositivo de Columbus, um de seus protagonistas, seguido de uma montagem de violência gráfica em slow motion. Agora, no entanto, as vítimas são os zumbis e os agressores são o quarteto formado por Talahassee, Wichita, Little Rock e, é claro, Columbus.

Desta forma, o diretor Ruben Fleischer reintroduz seu universo com uma nota de bom humor, que permeia todo o longa de maneira imparável, mas que, para a sorte do espectador, também não cansa. Os roteiristas originais, Rhett Reese e Paul Wernick, dão as boas-vindas a um terceiro, Dave Callaham, com a trama focando majoritariamente a busca de Wichita, Talahassee e Columbus por Little Rock, que fugiu com um novo personagem, o hippie Berkeley. O filme não tarda a tornar evidente, no entanto, que pouco se preocupa com o desenvolvimento de sua trama, tampouco com seus personagens. Ainda que haja a introdução de novos elementos, que prometem comprometer a dinâmica do quarteto, suas características são tão caricatas que sua única função neste segundo Zumbilândia é o alívio cômico.

Assim, é necessário se perguntar: o que faz um bom filme de comédia? Se a resposta for a simples “capacidade de provocar o riso”, este aqui cumpre seu papel com bastante eficácia, com necessária exaltação da interpretação de Woody Harrelson, trazendo nuances leves e uma espirituosidade fiel ao personagem, a quem o roteiro dá a função de dinamizar o andamento da trama com suas piadas e anedotas. Na verdade, é fácil dizer que o principal ponto alto do filme é seu elenco, o que não é inteiramente mentira. A química entre o quarteto principal e as adicionadas Zoey Deutch e Rosario Dawson – que interpreta Nevada, a única das novas personagens que não é ridicularizada – é mais que evidente, fazendo com que a diversão que os atores e atrizes tiveram em set transpareça nas telas de cinema.

No entanto, o problema da torrente de piadas é o uso, com conforto extremo, de clichês. O hippie bobão e maconheiro (Berkeley, de Avan Jogia) e a loira burra (Madison, de Zoey Deutch) são os exemplos principais disso. Porém as recorrentes “piadas de machão”, por assim dizer, que Talahasse figura são tão lugar-comum quanto as feitas às custas dos supracitados. Sendo assim, piadas hilárias são justapostas a piadas quase ineficazes, salvas apenas pela bela atuação de Harrelson e por Jesse Eisenberg, que está como sua contraparte neste filme.

Caso sua resposta àquela pergunta tenha sido algo além do humor pelo humor, os problemas do longa-metragem de Fleischer são bem mais perceptíveis. Além dos já citados clichês, o roteiro toma diversos caminhos confortáveis, como se fosse um compilado de piadas conectado por viagens de um ponto A até um ponto B. Os arcos preguiçosos deste filme concretizam as dinâmicas já estabelecidas em Zumbilândia (o original, de dez anos atrás), fazendo com que esta continuação, que pressupõe-se buscar o avanço da história, finalize onde começou. Outro problema, no entanto, é que este novo filme não se basta em mostrar como, de fato, sua narrativa começa. O conflito se estabelece desde o primeiro ato, logo após o extenso monólogo que citei no início desse texto. Assim, não entendemos como as relações entre Wichita e Columbus ou Talahassee e Little Rock se deram. Apenas ouvimos os personagens comentá-las.

Independentemente da predileção de cada espectador por uma vertente da análise de comédias, Zumbilândia: Atire Duas Vezes destaca-se por aspectos mais técnicos, como os impressionantes efeitos especiais, produção de set e direção de arte, que operam complementarmente para implementar ao filme sua atmosfera própria, que é bastante imersiva. O bom uso da música e os efeitos visuais e letreiros também amplificam o mergulho no longa, tornando explícita desde o primeiro minuto a intenção em não se levar a sério.

Tal como o que já podia-se esperar, este segundo Zumbilândia é um filme de nicho, tanto por tratar-se de uma narrativa com zumbis quanto pelo teor de sua comédia, pouco apelativo para aqueles que não se familiarizam com ambas as dinâmicas. No entanto, em grande parte graças ao seu elenco, Atire Duas Vezes consegue entreter até aqueles mais céticos quanto à qualidade. No entanto, quem busca um “bom cinema”, por assim dizer, deverá se contentar com algumas gargalhadas e uma trama vazia.