Uma Segunda Chance Para Amar

História inspirada em canção de George Michael traz Emilia Clarke como uma jovem atrapalhada em busca da felicidade em tempos natalinos

Texto por Ana Clara Braga

Foto: Universal Pictures/Divulgação

Filmes românticos que se passam nos feriados de final de ano já são rotineiros em Hollywood. Uma Segunda Chance Para Amar (Last Christmas, Reino Unido/EUA, 2019 – Universal Pictures) faz parte de mais uma leva de longas que tentam emplacar bilheteria com carisma e uma história açucarada. Com direção de Paul Feig e roteiro dos atores Emma Thompson e Greg Wise, o longa conta a história de Kate (Emilia Clarke) uma jovem sem rumo que acabou de se recuperar de um problema de saúde. A atriz de Game of Thrones dá vida a personagem de forma natural, gostosa de assistir. Com todos os erros, acertos, atrapalhos e reviravoltas, Kate torna-se uma mulher de fácil identificação.

Tudo muda para a protagonista quando ela conhece Tom (Henry Golding), um homem misterioso que parece enxergar a vida de uma maneira muito mais leve. A premissa clichê não compromete momentos genuinamente divertidos e emocionantes, somados a atuações espontâneas e nem um pouco tediosas. Emma Thompson também faz uma participação como Petra, a peculiar mãe de Kate. Sempre impecável, a atriz diverte e torna-se um dos destaques de Uma Segunda Chance Para Amar.

O filme apresenta uma visão interessante sobre a necessidade – ou não – de um relacionamento na vida de uma mulher. Ponto positivo. É um refresco para o gênero apresentar uma reflexão sobre um tema tão usado e desgastado. A trilha sonora embalada por George Michael é outro acerto e tanto. A delicada homenagem ajuda a contar a história e a criar a imagem da personagem principal, fã de carteirinha do cantor – cuja música “Last Christmas”, gravada em 1984 quando ele ainda participava da dupla Wham!, inspira a trama deste longa-metragem.

Mesmo com sua história bonitinha e divertida, Uma Segunda Chance Para Amar não foge do brega e do previsível. A reviravolta, não tão surpreendente, dá a sensação de que algo não foi explicado direito. A revelação poderia ter sido feita de uma maneira um pouco mais natural e menos nos moldes de novela das 6.

Com um elenco estrelado, um diretor acostumado a fazer comédia e a mesma roteirista responsável por Razão e Sensibilidade, as expectativas para esse filme eram altas. A sensação ao fim dos créditos é a de que faltou algo. Pois, afinal, tantos nomes grandes juntos deveriam produzir algo grandioso como um todo.

Slayer – ao vivo

Fãs se despedem do grande monstro do thrash metal em celebração devastadora em São Paulo

Texto e fotos por Fábio Soares

Trinta e oito anos de carreira, fãs espalhados pelos quatro cantos do planeta e clássicos que marcaram a vida de quase três gerações. Um gigante exponencial que possui um estilo musical para chamar de seu, influenciando 3/4 da cena do metal desde então. O anúncio da última turnê do Slayer pode ter pego meio mundo de surpresa mas não a mim. Sabia-se muito bem que os bastidores deste tiranossauro é (há tempos!) impulsionado por um rancor e quase ódio entre seus fundadores. Tom Araya e Kerry King movem a máquina desde o início mas escreva aí: um não compraria uma bicicleta usada do outro. Tamanha tensão tornou o ambiente insuportável culminando, inclusive, no par de saídas do lendário Dave Lombardo da formação. Pessimismo este impulsionado de maneira voraz com a morte do guitarrista Jeff Hanneman, em 2012.

Isto posto, o dia 2 de outubro último já começou por muita expectativa aos fãs. Já que a banda é uma religião, 8 mil fiéis superpovoaram o Espaço das Américas, na Zona Oeste para a última celebração à “banda da vida” em terras paulistanas. Coube aos veteranos do Claustrofobia abrirem os trabalhos às 20h45. O trio formado por Marcus e Caio D’Angelo (guitarra e bateria, respectivamente) mais Rafael Yamada (baixo) trouxe peso, competência e ainda uma dose de ironia quando o vocalista incentivou a plateia a formar rodas de pogo, tendo em vista que a produtora do evento havia “proibido” tal prática num comunicado na véspera.

Após a competente abertura do trio brasileiro, um clima de comoção tornou conta da casa quando vieram os primeiros acordes de “Repentless”. O Slayer decolava pela última vez na capital paulista e um verdadeiro pandemônio tomou conta da plateia, evidenciando algo logo de cara: por mais que Gary Holt (guitarra) e Paul Bostaph (bateria) façam a máquina girar, é a unidade antagônica da dupla Araya-King que atraía todos os olhares. A celebração teve em “Evil Has No Boundaries” (do seminal Show No Mercy, álbum de 1983) um estopim para uma explosão que viria a seguir. Em “World Painted Blood”, o mundo proposto pelos vocais de Araya era catártico, caótico, anárquico, enésimo e outros adjetivos proparoxítonos não cabíveis aqui. A plateia, já entregue, deixava-se levar num transe coletivo e definitivo. Era a última vez e nada poderia se perder. Ponto altíssimo da apresentação, a trinca de ases “War Ensemble, “Gemini” e “Disciple” despejou devastadores decibéis aos quatro cantos do recinto, tendo o refrão da terceira (o verso “God hates us all”) literalmente URRADO em uníssono.

A parte final da apresentação teve no álbum Seasons In The Abyss seu carro-chefe. Bolacha predileta de nove entre dez fãs da banda, o disco de 1990 foi o turíbulo essencial nesta derradeira missa campal. “Temptation”, “Born of Fire” e a faixa-título não perderam seu peso passadas quase três décadas após seu lançamento. No palco, os vocais de Tom Araya (mesmo aos 58 anos de idade) permanecem impecáveis, assim como a habilidade de Kerry King ao domar sua Flying V após tanto tempo. A trilha sonora de uma vida inteira estava próxima e coube a “Dead Skin Mask” materializar o fanatismo dos presentes numa densa onda de celebração. Uma das maiores faixas da história do metal permanece sublime e mais perturbadora que nunca.

O epílogo já tradicional e conhecido infelizmente chegaria a seguir. “Angel Of Death”, a maratona sonora de cinco minutos, acelerava, desacelerava, cadenciava, disparava e retorna a seu compasso inicial como uma agoniante sinfonia da morte. Inimaginável hecatombe para um final digno, sagaz e emocionante ao extremo. Já com as luzes acesas, um solitário Tom Araya permanecia no palco por mais de cinco minutos, observando a multidão à sua frente. Sabendo que nunca mais voltará à maior cidade da América Latina com o monstro sonoro que ajudou a criar, cruzou os braços sobre o peito e timidamente disse ao microfone: “Sentirei saudades”.

Após quase quatro décadas de carreira, o Slayer saiu de cena no auge, tendo garantido seu lugar na História. Um triste fim, porém necessário. Uma bela maneira de morrer.

Set List: “Repentless”, “Evil Has No Boundaries”, “World Painted Blood”, “Postmortem”, “Hate Worldwide”, “War Ensemble”, “Gemini”, “Disciple”, “Mandatory Suicide”, “Chemical Warfare”, “Payback”, “Temptation”, “Born Of Fire”, “Seasons In The Abyss”, “Hell Awaits”, “South Of Heaven”, “Raining Blood”, “Black Magic”, “Dead Skin Mask” e “Angel Of Death”.

Projeto Gemini

Will Smith precisa assassinar seu clone em trama dirigida por Ang Lee e que aposta na inovação da tecnologia de captação

Texto por Leonardo Andreiko

Foto: Paramount/Divulgação

Tendo a me preocupar quando um filme faz de sua tecnologia de captação o carro-chefe de sua estratégia de propaganda (milionária, é claro). Não quero dizer com isso que pouco importa a forma com que a produção foi efetuada, muito menos que a inovação de métodos e meios para tal deva ser ignorada, ou até mesmo não continuada. Pelo contrário. Acho interessantíssimo como uma obra busca na alteração de quadros/segundo um determinado efeito em sua mise-en-scène– o que não significa que esta deva ser a maior qualidade deste filme.

É o que ocorre em Projeto Gemini (Gemini Man, EUA/China/Taiwan, 2019) novo filme de Ang Lee, rodado em 120fps (quadros/segundo) a fim de garantir a nitidez em uma projeção de 60fps. Além disso, o filme conta com um Will Smith completamente clonado pelo CGI, com uma aparência extremamente jovial. Tudo isso funcionando para a narrativa de David Benioff, Billy Ray e Darren Lemke, que gira em torno de um superassassino, Henry Brogan (Will Smith), que é clonado pelo governo americano em busca da replicação de suas habilidades. Este clone, então, recebe a missão de caçar e assassinar Brogan, sem saber que ambos são, na verdade, “a mesma pessoa”. Premissa esta que, a princípio, é capaz de desenrolar-se numa trama competente, ao mínimo.

No entanto, Lee propõe algo avesso à própria narrativa, interessado apenas em seu espetáculo mirabolante em alta definição e nitidez. O efeito disso, além de um inicial estranhamento visual por conta da maior intensidade de quadros/segundo (que é sentida até em uma projeção nos tradicionais 24fps), é um filme completamente esquecível, incapaz de desenvolver novidades em seu arco. Ignorando completamente as barreiras espaço-temporais, Projeto Gemini parece pinçar elementos funcionais de outros blockbusters para fundi-los numa gororoba convencional de história de ação.

Isto se amplifica por uma interpretação muito aquém do elenco principal do filme. Will Smith não parece ter se empolgado com as nuances propostas pelo roteiro, soando à vontade apenas nos momentos herói fodão de seu personagem, enquanto Mary Elizabeth Winstead recebe pouco material para desenvolver-se em tela – no fim, não ajuda nem atrapalha. Clive Owen tampouco tem chão para criar um forte personagem, mas parece tão desinteressado quanto Smith. Resta a Benedict Wong, que opera como alívio cômico no filme, a maior consistência de atuação. O personagem pouco faz além de levar Brogan do ponto A ao B, mas ao menos Wong salta de cabeça nele, por mais raso que seja.

Quanto à música e o desenho de som, estes são completamente operantes. O mesmo pode ser dito da montagem, competente durante os diálogos e refinadíssima nas cenas de ação. É difícil entender o ritmo de um filme cujo efeito nos olhos do espectador é completamente diferente dos demais, e Tim Squyres, habitual editor de Lee, parece ter compreendido a missão e a executado com esmero.

Projeto Gemini é mais um filme esquecível com atuações esquecíveis, mas que, para quem não liga tanto para a história, pode até ser divertido. A tecnologia de construção de Smith jovem, por mais que falhe em uma ou outra cena, é muito bem utilizada. Mais um lançamento incapaz de empolgar, no qual nem o próprio elenco parece investido nisso.