Belfast

Kenneth Branagh amplifica a experiência da sua infância abalada por violentos conflitos étnico-religiosos frente à política do Reino Unido

Texto por Leonardo Andreiko

Foto: Universal Pictures/Divulgação

É impossível não contextualizar os filmes lançados agora no Brasil com sua posição na corrida pelo Oscar. Para isso, costuma-se utilizar as outras premiações e festivais como termômetro, sendo que o evento de Toronto volta e meia parece a melhor fonte para as previsões. O que nos leva a seu último ganhador, Belfast (Reino Unido, 2021 – Universal Pictures).

O filme dirigido e escrito por Kenneth Branagh é mais um daqueles, tal como Roma (do mexicano Alfonso Cuarón), que amplifica a experiência de seu autor na infância e busca recontextualizá-la em seu tempo e potência. Aqui, somos levados à capital da Irlanda do Norte em escalas de cinza. A fotografia em preto e branco nos introduz à sociabilidade de uma rua de Belfast em que irrompe um violento conflito e, a partir daí, uma barricada do governo.

O ano é 1969, perto do estopim dos conflitos étnico-religiosos que configuraram um clima de violência brutal entre católicos e protestantes pela posição norte-irlandesa em relação ao Reino Unido. O saqueamento e a depredação de casas católicas por um grupo extremista protestante abrem o filme com a pretensão de dizer: essa é a Belfast em que se vivia. Isso faz parte do filme.

E, de fato, faz. Mas menos do que parece pelo início do longa. Se estamos vendo tudo pelos olhos de Buddy (Jude Hill), uma criança de menos de 10 anos confusa com as diferenças religiosas e o clima de tensão, tudo isso logo toma o segundo plano. Branagh parece mais interessado em sua relação na escola ou com os avós (Ciarán Hinds e Judi Dench). No entanto, não é deliberada a decisão de jogar essa tensão para baixo dos panos. 

Há três subtramas, cada uma com sua própria importância na trama geral, que tratam diretamente do conflito que se dá para além do que Buddy percebe. Percebe-se a clara tentativa de estabelecer a sombra dos conflitos e tensões sobre a leve e desinteressada dinâmica infantil do garoto e suas preocupações. O erro soa mais como defeito de execução do que de planejamento, visto que esta seria uma abordagem eficiente e cheia de impacto.

Belfast não parece necessariamente mal pensado, mas mal executado. São muitas as decisões conflituosas de montagem que parecem empacar o filme ao escancarar a tentativa de manipular as emoções da audiência. Se a frase “faça parecer que você escreveu assim de propósito”, da personagem de Bill Murray em A Crônica Francesa (Wes Anderson, 2021) pode ser entendida como um incentivo ao estilo, vemos aqui sua culminação na estilização que não se dá completa na narrativa ou no âmbito visual, menos ainda na totalidade discursiva do longa-metragem.

Branagh parece querer muito, mas pouco consegue cumprir. O resultado se torna um filme morno, que não esquenta nem na rememoração afetiva e desenvolvimento de personagens, nem na crua trama política. Justamente por sua incapacidade de estabelecer relações concretas em ambos os lados que parece atirar, me parece que Belfast vem muito forte para a estatueta de Melhor Filme, que mais premia o “filme menos polêmico”, aquele capaz de ficar no limiar do meia-boca.

M8 – Quando a Morte Socorre a Vida

Racismo estrutural da sociedade brasileira é forte elemento de história em que o plano espiritual não é motivo de horror

Texto por Ana Clara Braga

Foto: Paris Filmes/Divulgação

O racismo nem sempre é visível para os brancos, mas é sempre sentido pelos negros. A violência estrutural e velada da opressão racial é tema do filme M8 – Quando a Morte Socorre a Vida (Brasil, 2020 – Paris Filmes), do diretor e corroteirista Jeferson De. Com elementos sobrenaturais, a história acompanha a vida de um aluno negro de Medicina, Maurício (Juan Paiva), que tenta descobrir a história de um dos corpos do necrotério da faculdade. 

O filme é impactante e consegue trazer para a tela as sutilezas e as brutalidades vividas pelos negros no Brasil. Maurício é o único aluno negro do curso, ao mesmo tempo em que corpos pretos são maioria no necrotério. Esse questionamento é o estopim para a jornada do personagem que permeia o mundo social e o espiritual em uma trama feita para incomodar. 

Começar a história com “Ponta da Lança”, do rapper Rincon Sapiência, é um acerto e tanto. “Se a vida é um filme, meu Deus é que nem Tarantino, eu tô tipo Django”, ele rima. Aliás, a trilha sonora é um ponto alto da produção, sendo incluída como elemento de formação de Maurício. Em uma cena em que seus colegas dão carona para casa, ele apresenta as músicas do seu universo para eles. 

Mariana Nunes, que interpreta a mãe de Maurício, é uma força em cena. Seus diálogos com o filho rendem os melhores momentos do filme. Uma mulher, negra, solteira, técnica de Enfermagem, umbandista, essa é Cida. Outra figura maternal que figura no longa é a mãe de Suzana, colega do protagonista, que encara uma das cenas mais brutais de racismo. Mesmo com todas as posses e elegância, a mãe de Suzana não se importa com os estudos da filha. Do outro lado está Cida, preocupada com o desempenho acadêmico de seu filho. Dicotomia interessante.

O personagem Gustavo (Fabio Beltrão) é peça-chave para entender o preconceito diário, mascarado de piadas e críticas. Jeferson De consegue captar com maestria as “sutilezas” do racismo de forma a levar o espectador branco a realizar autocríticas e o espectador negro a se sentir visto e ouvido. “Já tem emprego garantido como açougueiro”, chega a dizer Gustavo a Maurício após o estudante realizar com sucesso uma dissecção.

O elemento paranormal presente em M8 – Quando a Morte Socorre a Vida não é uma assombração aterrorizante, como em muitos filmes. Muito disso, aqui, deve-se aos elementos da umbanda incorporados à trama. A cena em que o estudante está no terreiro e é avisado pela mãe-de-santo que o espírito do corpo M8 deseja se comunicar simboliza como a espiritualidade ajudou a montar uma história em que o plano espiritual não é motivo de horror. Diferentemente de histórias em que o catolicismo está em voga, em que o exorcismo e o medo dos mortos é regra, a religião de matriz africana permite a exploração do que vai além da vida e como isso afeta a vida terrena.

M8 – Quando a Morte Socorre a Vida é forte e traz reflexões importantes à tona. A cena final, de extrema delicadeza e emoção, coroa uma experiência cinematográfica que faz jus ao melhor do cinema nacional.

Slayer – ao vivo

Fãs se despedem do grande monstro do thrash metal em celebração devastadora em São Paulo

Texto e fotos por Fábio Soares

Trinta e oito anos de carreira, fãs espalhados pelos quatro cantos do planeta e clássicos que marcaram a vida de quase três gerações. Um gigante exponencial que possui um estilo musical para chamar de seu, influenciando 3/4 da cena do metal desde então. O anúncio da última turnê do Slayer pode ter pego meio mundo de surpresa mas não a mim. Sabia-se muito bem que os bastidores deste tiranossauro é (há tempos!) impulsionado por um rancor e quase ódio entre seus fundadores. Tom Araya e Kerry King movem a máquina desde o início mas escreva aí: um não compraria uma bicicleta usada do outro. Tamanha tensão tornou o ambiente insuportável culminando, inclusive, no par de saídas do lendário Dave Lombardo da formação. Pessimismo este impulsionado de maneira voraz com a morte do guitarrista Jeff Hanneman, em 2012.

Isto posto, o dia 2 de outubro último já começou por muita expectativa aos fãs. Já que a banda é uma religião, 8 mil fiéis superpovoaram o Espaço das Américas, na Zona Oeste para a última celebração à “banda da vida” em terras paulistanas. Coube aos veteranos do Claustrofobia abrirem os trabalhos às 20h45. O trio formado por Marcus e Caio D’Angelo (guitarra e bateria, respectivamente) mais Rafael Yamada (baixo) trouxe peso, competência e ainda uma dose de ironia quando o vocalista incentivou a plateia a formar rodas de pogo, tendo em vista que a produtora do evento havia “proibido” tal prática num comunicado na véspera.

Após a competente abertura do trio brasileiro, um clima de comoção tornou conta da casa quando vieram os primeiros acordes de “Repentless”. O Slayer decolava pela última vez na capital paulista e um verdadeiro pandemônio tomou conta da plateia, evidenciando algo logo de cara: por mais que Gary Holt (guitarra) e Paul Bostaph (bateria) façam a máquina girar, é a unidade antagônica da dupla Araya-King que atraía todos os olhares. A celebração teve em “Evil Has No Boundaries” (do seminal Show No Mercy, álbum de 1983) um estopim para uma explosão que viria a seguir. Em “World Painted Blood”, o mundo proposto pelos vocais de Araya era catártico, caótico, anárquico, enésimo e outros adjetivos proparoxítonos não cabíveis aqui. A plateia, já entregue, deixava-se levar num transe coletivo e definitivo. Era a última vez e nada poderia se perder. Ponto altíssimo da apresentação, a trinca de ases “War Ensemble, “Gemini” e “Disciple” despejou devastadores decibéis aos quatro cantos do recinto, tendo o refrão da terceira (o verso “God hates us all”) literalmente URRADO em uníssono.

A parte final da apresentação teve no álbum Seasons In The Abyss seu carro-chefe. Bolacha predileta de nove entre dez fãs da banda, o disco de 1990 foi o turíbulo essencial nesta derradeira missa campal. “Temptation”, “Born of Fire” e a faixa-título não perderam seu peso passadas quase três décadas após seu lançamento. No palco, os vocais de Tom Araya (mesmo aos 58 anos de idade) permanecem impecáveis, assim como a habilidade de Kerry King ao domar sua Flying V após tanto tempo. A trilha sonora de uma vida inteira estava próxima e coube a “Dead Skin Mask” materializar o fanatismo dos presentes numa densa onda de celebração. Uma das maiores faixas da história do metal permanece sublime e mais perturbadora que nunca.

O epílogo já tradicional e conhecido infelizmente chegaria a seguir. “Angel Of Death”, a maratona sonora de cinco minutos, acelerava, desacelerava, cadenciava, disparava e retorna a seu compasso inicial como uma agoniante sinfonia da morte. Inimaginável hecatombe para um final digno, sagaz e emocionante ao extremo. Já com as luzes acesas, um solitário Tom Araya permanecia no palco por mais de cinco minutos, observando a multidão à sua frente. Sabendo que nunca mais voltará à maior cidade da América Latina com o monstro sonoro que ajudou a criar, cruzou os braços sobre o peito e timidamente disse ao microfone: “Sentirei saudades”.

Após quase quatro décadas de carreira, o Slayer saiu de cena no auge, tendo garantido seu lugar na História. Um triste fim, porém necessário. Uma bela maneira de morrer.

Set List: “Repentless”, “Evil Has No Boundaries”, “World Painted Blood”, “Postmortem”, “Hate Worldwide”, “War Ensemble”, “Gemini”, “Disciple”, “Mandatory Suicide”, “Chemical Warfare”, “Payback”, “Temptation”, “Born Of Fire”, “Seasons In The Abyss”, “Hell Awaits”, “South Of Heaven”, “Raining Blood”, “Black Magic”, “Dead Skin Mask” e “Angel Of Death”.