Interpretando a si mesmo, Nicolas Cage traz em seu novo filme a curiosa dinâmica entre ídolo e fã
Texto por Felipe Azambuja
Foto: Paris Filmes/Divulgação
Em O Peso do Talento (The Unbearable Weight Of Massive Talent, EUA, 2022 – Paris Filmes) vemos Nicolas Cage sendo ninguém menos que Nicolas Cage (?!?!?!). O longa dirigido por Tom Gormican acompanha uma versão ficcional porém bem próxima da real de Nick, que, após ser rejeitado para mais um papel em um grande filme, decide desistir de atuar. Afogando-se em dívidas, ele aceita pela bagatela de 1 milhão de dólares um derradeiro trabalho como estrela de cinema: comparecer ao aniversário de um milionário em Mallorca, na Espanha. Seu anfitrião, Javi, interpretado por Pedro Pascal é um fã absurdo de Cage e logo os dois formam uma amizade. Seria tudo maravilhoso, não fosse o fato de que Javi estar sendo investigado pela CIA como traficante de armas. Nick logo se vê tendo que espionar seu novo amigo para descobrir a localização da filha sequestrada de um importante político catalão.
A proposta primária da trama, de brincar com as excentricidades de Cage e os diversos altos e baixos de sua carreira, poderia muito bem correr o risco de ficar só nisso e não se desenvolver. Felizmente não é o que acontece. O Nick que vemos na tela, por baixo de todas as polêmicas, é alguém extremamente humano, que, na medida do possível, só quer uma vida normal trabalhando bem e sendo um bom pai para sua filha Addy (interpretada por Lily Sheen). Nesse ponto, o personagem de Pascal é uma representação do próprio espectador. Que nem Javi, esperávamos ver um Nicolas Cage diferente daquilo que nos foi entregue, o que não é ruim de jeito algum.
Essa quebra de expectativa e a consequente aproximação entre Nick e Javi são o ponto alto do filme. A dinâmica entre os dois rende boas risadas entre as várias tentativas do espanhol para impedir que seu ídolo desista de atuar. Enquanto isso, Cage, que chega a Mallorca determinado a fazer seu trabalho e nada mais, vê-se envolvido tanto na amizade com seu anfitrião quanto na missão de investigá-lo. Pascal, porém, traz um Javi que vai ficando cada vez mais amável ao decorrer do filme, o que torna difícil tanto para Nick quanto para o espectador acreditar que ele seja de fato um cruel foragido da justiça.
No entanto, essa subtrama de espionagem, muito bem trabalhada entre o suspense e a comédia no primeiro e segundo atos (boa parte graças ao carisma de Tiffany Haddish e Ike Barinholtz como os agentes Vivian e Martin), acaba falhando no terceiro. O que até então havia sido uma divertidíssima e absurda missão de um ator frustrado utilizando as habilidades do método de atuação intitulado por ele mesmo como nouveau shamanic para desmascarar um fã com uma adoração quase obsessiva passa a ser no fim do filme uma sequência genérica de ação com algumas piadas que não fazem jus ao resto do longa.
Apesar desta escorregada no final, o filme como um todo é interessante, justamente pelo uso da metalinguagem para mostrar a relação mútua de um astro e seu público – como uma estrela só pode ser considerada uma estrela quando há fãs que as veem assim. E quem melhor para ser a estrela dessa autoparódia do que Nicolas Cage, que abraça como ninguém o posto de celebridade excêntrica de Hollywood? Nick (o personagem) ao mesmo tempo adora e detesta essa relação, o que torna difícil sua decisão de sair da indústria e rende belos diálogos entre seu eu atual e Nicky, sua versão dos anos 1990 que havia acabado de alcançar o estrelato e não continha sua animação com esse novo mundo.
Assim, O Peso do Talento traz uma história leve sobre redenção, não no sentido épico que normalmente associamos à palavra, mas não menos tocante. Tanto Nick quanto Javi estão tentando se acertar na vida e a amizade dos dois permite com que encontrem seus lugares. A grande jogada de abraçar a esquisitice de Cage e ir além faz com que este filme – que chega nesta semana aos cinemas brasileiros – seja um dos pontos altos recentes na montanha-russa em que se transformou a carreira do ator, que é sobrinho do cultuado diretor Francis Ford Coppola.
Neste último dia 13 de março foi anunciada a morte do ator William Hurt, aos 71 anos de idade, de causas naturais. O ator norte-americano deixou uma extensa trajetória com seu nome nos créditos de interpretação de 106 filmes.
Para os brasileiros, o mais conhecido e importante foi, com certeza, O Beijo da Mulher Aranha. Na produção de 1985, com produção dividida entre Brasil e Estados Unidos e cenas dirigidas por Hector Babenco em São Paulo, sua presença em cena foi tão esfuziante que arrebatou o Oscar de melhor ator daquela temporada.
Em homenagem a Hurt, o Mondo Bacana enumera os oito trabalhos mais significativos de toda a carreira, marcada por uma série de grandes longas-metragens nos anos 1980, praticamente um emendado após o outro.
Corpos Ardentes (1981)
Lawrence Kasdan escreveu o roteiro de dois filmes marcantes do início dos anos 1980: O Império Contra-Ataca e Os Caçadores da Arca Perdida. O passo seguinte natural seria estrear como diretor e ele optou por fazer uma releitura de Pacto de Sangue, clássico filme noir dirigido em 1944 por Billy Wilder. Em Corpos Ardentes, acompanhamos o dia a dia de um advogado comum e sem ambições, Ned Racine, vivido por William Hurt. A vida dele se resume aos poucos clientes que defende e aos dois amigos com quem costuma beber no bar de uma quente cidade da Flórida. Certo dia, ele conhece Matty Walker, papel de estreia de Kathleen Turner, que diz para Ned: “Você não é muito esperto. Gosto disso em um homem”. Tem início um tórrido romance entre os dois que culmina na morte do milionário esposo de Matty. O diretor Kasdan, também autor do roteiro, revela um domínio absoluto de sua narrativa. Todo o elenco merece um destaque especial. Principalmente, Hurt e Turner, que exalam uma química arrebatadora quase sem igual no cinema. Preste atenção na participação de Mickey Rourke, em início de carreira. Corpos Ardentes é simplesmente imperdível.
O Reencontro (1983)
Em sua estreia como diretor, no drama noir Corpos Ardentes, Lawrence Kasdan tinha chamado a atenção da crítica. Ele resolveu, então, partir para uma história mais pessoal e introspectiva e realizou O Reencontro. O filme conta a história de um grupo de sete amigos que estudaram juntos na Universidade de Michigan. Dez anos depois da formatura, ele se reencontram em uma pequena cidade do interior da Carolina do Sul para o funeral de Alex, que se suicidou. Os outros seis: Sam (Tom Berenger), Michael (Jeff Goldblum), Nick (William Hurt), Harold (Kevin Kline), Chloe (Meg Tilly) e Sarah (Glenn Close) aproveitam o momento para fazer um balanço de suas vidas. Kasdan, que escreveu o roteiro junto com Barbara Benedek, inspirou-se em seus amigos dos tempos de faculdade. O Reencontro se desenrola praticamente todo em um mesmo cenário. As personagens falam sem parar e lavam bastante roupa suja. Parece filme francês, mas é americano. E dos bons. O elenco, hoje famoso, na época, em início de carreira, está excepcional. Duas curiosidades: 1) Kevin Costner fez o papel de Alex, mas as cenas de flashback foram cortadas na montagem final. Para compensar, o diretor o colocou em papel de destaque em seu filme seguinte, Silverado (1985); 2) Kasdan pediu ao elenco que ficasse junto antes das filmagens para que desenvolvessem aquela naturalidade comum em velhos amigos. O Reencontro foi indicado a três Oscar: filme, roteiro original e atriz coadjuvante (Glenn Close). Não ganhou nenhum. Ao invés disso, tornou-se cultuado por toda uma geração.
O Beijo da Mulher-Aranha (1985)
“Ela é… bem, ela é algo um pouco estranho. Isso é o que ela percebeu, que ela não é uma mulher como todas as outras. Ela parece toda envolta em si mesma. Perdida em um mundo que ela carrega fundo dentro de si”. É assim que Molina (William Hurt) começa a contar a história de uma mulher misteriosa para Valentin (Raul Julia). Ambos estão presos. O primeiro, é homossexual. O segundo, é um prisioneiro político. Molina adora cinema e para fugir daquela triste realidade, inventa enredos cinematográficos cheio de mulheres fatais, mistério e romance. Uma de suas heroínas é a Mulher-Aranha (Sonia Braga). Primeiro filme internacional dirigido por Hector Babenco, O Beijo da Mulher-Aranha é baseado no livro homônimo escrito pelo argentino Manuel Puig. Após o sucesso de Pixote (1981), Babenco teve as portas de Hollywood abertas e optou por uma trama próxima do universo narrativo com o qual ele estava acostumado. É curioso observar no desenrolar do filme a maneira como os estereótipos vão sendo trabalhados. Nem sempre o mais forte é o mais valente e muito menos o mais fraco se revela um covarde. Uma direção ao mesmo tempo seca e poética, característica marcante do cinema babenquiano. Além disso, estamos diante de um elenco estupendo e de William Hurt em estado de graça. Ele, que conquistou, merecidamente, o Oscar de melhor ator e também diversos outros prêmios de atuação naquele ano. Rodado em São Paulo, o filme teve uma excelente acolhida de crítica e público, o que possibilitou ao diretor outros trabalhos no exterior, mas sem o mesmo sucesso obtido por este.
Nos Bastidores da Notícia (1987)
Se James L. Brooks tivesse apenas produzido Os Simpsons, só isso já seria suficiente para que ele tivesse seu nome marcado na história da TV americana. Brooks, entretanto, fez muito mais do que isso. Ele é a mente criativa por trás de outras séries populares como Mary Tyler Moore e Taxi. Paralelo a seu trabalho na televisão, ele escreveu, produziu e dirigiu alguns filmes para cinema. Um deles trata justamente de um lugar que ele conhece muito bem: uma emissora de TV. Em Nos Bastidores da Notícia acompanhamos um triângulo amoroso-profissional que se estabelece entre as personagens de Tom (William Hurt), Jane (Holly Hunter) e Aaron (Albert Brooks). O filme é uma comédia romântica. Porém, mesmo sem se aprofundar nas questões propostas pelo roteiro, provoca uma discussão sobre ética jornalística e a espetacularização da notícia. Brooks é um ótimo roteirista e um excelente diretor de atores. É fácil comprovar isso pela maneira como o trio principal é apresentado no prólogo e a forma harmoniosa de interação em cena de todo o elenco.
O Turista Acidental (1988)
Existem aqueles que adoram viajar. Outros precisam por conta do trabalho. Alguns até viajam, mas gostam de se sentir em casa quando estão fora. Para este último grupo existe o guia do “turista acidental”. Este é o caso de Macon Leary (William Hurt), que detesta viajar e fazer qualquer coisa fora de sua rotina já programada. No entanto, o trabalho de Macon o “obriga” a viajar continuamente. Ele escreve guia de viagens para quem não gosta de viajar. Baseado no livro de Anne Tyler e adaptado e dirigido por Lawrence Kasdan, esse é o mote inicial de O Turista Acidental. Macon é metódico e vem de uma família igualmente metódica. Sua vida vira de cabeça para baixo quando uma tragédia familiar modifica completamente sua vida e motiva a separação de sua esposa, Sarah (Kathleen Turner), que não entende a aparente indiferença do marido. Um pequeno acidente doméstico faz com que ele conheça Muriel Pritchett (Geena Davis, no papel que lhe rendeu um Oscar de atriz coadjuvante). Kasdan, que iniciou a carreira como roteirista, sabe muito bem como estruturar uma história e faz isso com maestria neste tocante drama que tem seus bons momentos de “respiro” de humor, seja com a figura extrovertida de Muriel ou com a excêntrica família de Macon. E o elenco é de primeira.
Um Golpe do Destino (1991)
É comum ouvirmos dizer que os médicos se sentem como deuses. Muitos deles parecem insensíveis e não costumam estabelecer qualquer tipo de relação mais próxima com os pacientes. Pode até ser verdade, mas, em alguns casos, trata-se de um mecanismo de defesa. O doutor Jack MacKee (William Hurt) se enquadra perfeitamente nos dois grupos citados: sente-se um deus e sem compaixão alguma. Tudo, porém, muda em sua vida quando ele descobre-se um paciente também. Este é o mote deste filme dirigido em 1991 por Randa Haines. O roteiro, escrito por Robert Caswell, baseia-se no livro homônimo de Ed Rosenbaum. A diretora conduz sua narrativa “transitando” em uma tênue linha. Daquelas que têm todos os elementos para cair em melodrama carregado de clichês. Haines consegue escapar das armadilhas e tem em seu elenco o suporte necessário para manter a trama nos trilhos. Um Golpe do Destino fala de mudanças e superações. No entanto, o faz de maneira convincente, sem “forçar a barra”.
Cortina de Fumaça (1995)
“Se você não puder dividir seus segredos com seus amigos, então que tipo de amigo é você?”, pergunta Auggie para Paul. Este responde: “exatamente… a vida não valeria a pena”. Cortina de Fumaça tem como cenário principal uma tabacaria. Muitos dos diálogos do filme giram em torno de cigarros e charutos. Mas isso, como o próprio título nacional já anuncia, isso é apenas uma distração. O filme, dirigido por Wayne Wang, um chinês radicado nos Estados Unidos, a partir de um roteiro do escritor nova-iorquino Paul Auster, é uma ode à amizade. Auggie Wren (Harvey Keitel), é gerente de uma tabacaria no Brooklyn, em Nova York. Seu melhor cliente é o escritor Paul Benjamin (William Hurt), alterego de Auster. Ao redor dos dois orbitam diversas outras personagens e histórias. Auggie, todos os dias, no mesmo horário, bate uma foto da esquina de sua loja. Ele faz isso há anos. Paul precisa escrever um conto de Natal para uma revista e pede ao amigo que lhe conte uma história. É difícil descrever um longa como Cortina de Fumaça. As coisas acontecem de maneira sutil e envolvente. Sem pressa, o roteiro de Auster e a direção de Wang nos conduzem pelas vidas dessas pessoas que, de início, não conhecemos. Quando o filme termina, eles se tornaram nossos melhores amigos. Diálogos inspirados e personagens bem construídas são uma combinação infalível. De cara, você já aprende como medir o peso da fumaça. E no final, ao som da bela “Innocent When You Dream”, cantada por Tom Waits, somos brindados com um belo conto de Natal. E olha que ainda toca uma das melhores versões de “Smoke Gets in Your Eyes”, na voz de Jerry Garcia. Vencedor do Urso de Prata do Festival de Berlim de 1995, Cortina de Fumaça é daqueles filmes para se ter em casa e rever e rever e rever, sempre. Em tempo: logo após as filmagens, Paul Auster dirigiu junto com Wayne Wang, a partir de improvisos dos atores e de alguns outros convidados, uma continuação chamada Sem Fôlego (1995), que é legal, mas não tem o mesmo brilho. O DVD lançado no Brasil pela Editora Europa traz os dois filmes.
A Vila (2004)
Nem sempre é bom quando um artista chama muito a atenção em seus primeiros trabalhos. Quando o cineasta americano de origem indiana M. Night Shyamalan realizou O Sexto Sentido (1999), foi apontado como gênio e por conta da grande surpresa daquele filme criou-se uma enorme expectativa em relação aos seus trabalhos seguintes. De certa forma, Shyamalan, que é um diretor de muito talento, ficou estigmatizado. Não foi diferente com A Vila, lançado cinco anos depois. Aqui, acompanhamos o dia a dia de uma pequena e isolada aldeia que vive sob a contínua ameaça de criaturas que habitam seus arredores. Existe uma espécie de pacto entre os aldeões e os seres estranhos que moram na floresta. Um dos jovens moradores da vila, Lucius Hunt (Joaquin Phoenix), decide explorar a região além da floresta e essa ação provoca uma ruptura no tênue acordo existente. Mais uma vez Shyamalan desenvolve sua história como uma parábola e faz desta história um espelho da sociedade americana. Munido de um elenco dos sonhos, o diretor-roteirista-ator (ele faz uma ponta no filme!) discute, metaforicamente, a violência urbana e questões como segurança, relações familiares e choque de gerações. Conduz sua trama com habilidade e sutileza e nos reserva boas “surpresas”, que funcionam muito bem. Principalmente se o espectador não criar expectativas grandes demais e esperar ver um novo O Sexto Sentido.
Muito mais do que girar em torno do tema “sair do armário ou não”, longa sobre adolescente gay trata sobre diferenças e como agir diante delas
Texto por Abonico R. Smith
Foto: Fox/Divulgação
Garoto do último ano da high school tem uma vida aparentemente feliz. Sua família (pais e irmã menor) transpiram aquela felicidade de comercial de margarina. Seu círculo de amigos do colégio é bastante leal e divertido. As notas do boletim não parecem incomodá-lo. Entretanto, Simon sofre em segredo por uma coisa: descobriu-se gay já há algum tempo e não sente confiança suficiente para contar isso a ninguém. Só começa a criar coragem quando aparece no blog dos alunos da escola uma série de posts, também anônimos, sobre o que é sentir atração por outros garotos e passa a trocar confidências com o incógnito autor deles.
Adaptado do romance Simon vs The Homo Sapiens Agenda, o filme Com Amor, Simon (Love, Simon, EUA, 2018 – Fox) merece um olhar muito mais apurado sobre suas entrelinhas do que necessariamente a temática LGBT que necessariamente estará atrelada a ele em todas as conversas e textos sobre a história. Mais que o fato de ser gay ou não e de escolher o melhor momento para tornar isso público às pessoas que gravitam ao seu redor no dia a dia, esta é uma história sobre diferenças e como se comportar diante da manifestação pública a respeito delas.
Este é o grande mote por trás da história de Simon (Nick Robinson), seus amigos, sua família. É o fato de se sentir deslocado quase sempre. Não é apenas o protagonista que sofre com isso. Seus amigos de escola também são assim. A BFF Leah (Katherine Langford) se sente invisível diante do garoto pelo qual ela é apaixonada. Abby (Alexandra Shipp) acabou de se mudar para a cidade por causa de problemas familiares dos quais sente vergonha e, por isso, ainda não se sente tão enturmada assim. Martin (Logan Miller) é o piadista e gozador da turma e, em determinados momentos, diz e faz o que não deve. Nick (Jorge Lendeborg Jr) é talentoso no futebol, mas o esporte não é muito popular na escola e perde de longe para o tradicional futebol americano.
E assim decorre uma trama dramática aparentemente ingênua, com muitas tiradas de humor, mas que pode ser muito útil para quem estiver assistindo. Que nem foi Juno (2007) ao falar sobre gravidez na adolescência. Pequena Miss Sunshine (2006) ao tratar de uma família disfuncional. As Vantagens de Ser Invisível sobre o sentimento de solidão após o suicídio do melhor amigo. O filme pontua os momentos de extrema dificuldade emocional de Simon ao enfrentar situações delicadas como o confronto com o machismo escancarado do pai em casa, a chantagem para manter guardado o grande segredo de sua vida, o outing involuntário, a rejeição dos amigos mais próximos pela falta de confiança, a exposição ao ridículo no colégio e sobretudo a tão temida hora de sair do armário em uma conversa cara a cara com a família.
De quebra, o espectador ainda ganha uma trilha sonora bastante descolada (assinada por Jack Antonoff, ex-namorado da atriz, diretora e roteirista Lena Dunham, que incluiu na seleção Warpaint, Kinks, Violent Femmes, 1975, Jackson 5 e mais um tantinho de sua atual banda, o Bleachers) é flodado por cenas e mais e mais cenas que relação de dependência tecnológica que os teens do século 21 possuem.
Talvez este muito item seja o detalhe temporal que mais se conecta com os nossos tempos de maior diversidade e liberdade sexual. Se pensar que há apenas meio século a homossexualidade deixou de ser crime em território britânico, ter um longa-metragem exibido em todo o mundo que fala abertamente sobre as dificuldades que ainda existem para quem ainda enfrenta uma zona nebulosa no que se refere à sua orientação sexual. Isto sim é bastante louvável. Por isso um filme como Com Amor, Simon tem extrema importância. Pode ajudar e muito a quem é como Simon e ainda não quer/pode escancarar suas intimidades com quem está ao seu redor.