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História do Rock: Buddy Holly + Ritchie Valens + Big Bopper – Parte 2

Desastre aéreo que matou três astros promissores da música jovem deixou o 3 de fevereiro de 1959 marcado como “o dia em que a música morreu”

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Buddy Holly e os Crickets

Texto por Abonico R. Smith

Fotos: Reprodução

>> Continuação da Parte 1 – para ler clique aqui

Nascido em 1930 em uma pequena cidade do Texas na divisa com a Louisiana, JP Richardson sempre foi um menino brincalhão e extrovertido envolvido com a música por gosto familiar. O que acabou refletindo cedo em suas escolhas profissionais. Acompanhou a era de ouro das big bands durante a infância e na adolescência já dava seus primeiros passos profissionais como disc-jockey. Ao voltar de um período servindo o exército, entre 1955 e 1957, retomou as atividades radiofônicas, desta vez incorporando um personagem chamado Big Bopper. O rock’n’roll já estava absorvido pela indústria cultural norte-americana e além de tocar os discos e falar ao microfone, Richardson passou também a compor algumas músicas gravadas por outros artistas.

Em maio de 1957, ele bateu o recorde de transmissão contínua no dial: ficou cinco dias, duas horas e oito minutos no ar. Tocou 1821 discos e aproveitava para tomar banho durante os intervalos de cinco minutos de blocos com notícias jornalísticas. Em 1958, gravou seu primeiro single, “Chantilly Lace”, que o projetou ao outro lado da fama: o de artista que é tocado pelos DJs das rádios. Para promover a música, apresentou-se no programa musical de TV apresentado por Dick Clark atuando como um personagem dentro de um roteiro e uma cenografia elaborada especialmente para as câmeras. Ele também propagava aos quatro cantos que filmes de curta duração seriam “o futuro da música” e que os discos passariam a ser filmados. Por conta própria, fez os vídeos de outras duas faixas, incluídas como lados B no compacto de “Chantilly Lace”. Tanto que chegou Portanto, não é exagero dizer que JP foi um precursor da estética que ficou conhecida posteriormente como videoclipe. Caso não tivesse morrido aos 28 anos de idade, poderia ter dado outras boas contribuições para a música, tanto na área da comunicação quanto como cantor e compositor. Entre os seus pertences achados no jatinho estavam uma caderneta com anotações de vinte composições, que ganharam o epíteto de “20 lost songs”.

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Big  Bopper

Nascido e criado em subúrbio latino de classe média-baixa de Los Angeles e de ascendência indígena mexicana, Richard Steven Valenzuela morreu com apenas 17. Ao completar esta idade, em maio de 1958, chamou a atenção do dono do selo Del-Fi, baseado em Hollywood, que procurava novos talentos do rock para, quem sabe, descobrir um outro Elvis Presley. Quando soube que havia um menino de um high school de Pacoima que era conhecido como “o Little Richard do vale de San Fernando”, não teve dúvidas e contratou Valenzuela. Mudou seu nome artístico para Ritchie Valens e lançou o primeiro single, com a canção autoral “Come On Let’s Go”. Na sequência, bancou um outro compacto, desta vez puxado pela balada romântica “Donna”, composta por Ritchie para sua namoradinha de colégio em um momento dor-de-cotovelo. Entretanto, a principal contribuição do astro precoce estava justamente “escondida” no lado B do disquinho em vinil.

Durante uma viagem a Tijuana, cidade mexicana mais perto da fronteira com a Costa Oeste, Valens apaixonou-se pela canção tradicional mexicana La Bamba e decidiu incorporá-la em seu repertório, com um arranjo rock’n’roll tendo o riff desenhado pelas guitarras. Bingo! Sucesso imediato e mais: a faixa tornou Valens um grande ídolo de toda a comunidade hispano-americana dos Estados Unidos, especialmente a espalhada pelo centro-sul da Califórnia. O baixista Don Tosti (do hit “Pachuco Boogie”) e o “humorista” Lalo Guerrero (“Pancho López”, uma adaptação do tema de Davy Crockett para a cultura de seu povo) já haviam popularizado anos antes o que se convencionou a chamar de gênero musical “chicano” (termo usado que denominar os descendentes de latinos na sociedade da época que, de um modo geral, servia como algo depreciativo e separatista). O garoto simpático e gorduchinho, que pulou dos assentos escolares para os palcos como um meteoro era, naquele momento, a grande aposta de um Estados Unidos que queria demonstrar a força da imigração latina, que, com o passar das décadas, viria a ser decisiva no mercado de música e entretenimento. Poderia ter tido uma carreira brilhante e, tal qual o companheiro de turnê Big Bopper, ter sido muito mais incisivo na questão do pioneirismo.

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Ritchie Valens

Curiosamente, este item também não faltava a Charles Hardin Holley, nascido em 1936 e outro texano (mas desta vez nascido para o norte do estado, na cidade de Lubbock, mais próxima do meio-oeste conservador (isto é, os estados de Oklahoma e Novo México) vindo de uma família que exercitava sua paixão pela música aprendendo e tocando instrumentos. Buddy Holly, com 16 anos de idade já fazia performances em emissoras locais de rádio e TV da região. Em 1956 começou a fazer suas primeiras gravações em estúdio, quase sempre assinado a autoria das mesmas músicas e coordenando em conjunto a produção artística. Pequeno gênio, encontrou no trio Crickets seu apoio musical e de quem nunca mais se separaria.

A união entre Holly e a formação de trio do Crickets acabaria por consolidar um formato até então nos arranjos de rock’n’roll: duas guitarras, um baixo e uma bateria. Antes era normal que houvesse piano, saxofone e violão. Depois de Buddy, as bandas de rock do mundo inteiro passariam a adotar este formato básico e nunca mais abandonado. Com influências de gospel, hillbilly rhythm’n’blues somadas às raízes caipironas texanas ainda deram a Holly um jeito original de cantar, compor e tocar denominado tex-mex.

Em apenas três anos de carreira deixou um legado de 50 canções distribuídas em três álbuns e 18 singles, como os hits “That’ll Be The Day”, “Rave On” e “Peggy Sue”. Até hoje este material permanece fresco, vivo e empolgante, inclusive sendo uma grande influência para o que se convencionou a chamar de indie rock ou rock alternativo que saudam até hoje o som cristalino de uma das guitarras e o vocal poderoso, sempre entoando versos de romantismo puro e outros sentimentos pessoas através de cativantes melodias. O visual carismático, típico de estudante nerd com cara de inteligente e óculos pretos de aro grosso preto também foi repetido posteriormente por gente como Elvis Costello e Rivers Cuomo (vocalista do Weezer). Aliás, não à tôa que um dos maiores hits do primeiro álbum do Weezer ganhou o título de “Buddy Holly”.

Fica impossível conjecturar o que mais Buddy Holly, Ritchie Valens e Big Bopper poderiam ter feito para o mundo da música caso não estivessem naquele pequeno avião destroçado logo após a decolagem no dia 3 de fevereiro de 1959. Mas fosse o que fosse que tivessem feito com certeza o rock teria sido mais rico e criativo.

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Diário de bordo: Killing Joke

Um grande fã da banda conta tudo o que viu e viveu ao lado de seus ídolos durante três dias no Brasil e na Argentina

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Texto por Guto Diaz (Secret Society)

Fotos por Edi Fortini (Edi Fortini Photography show no Brasil) e Guto Diaz (selfies no Brasil e bastidores na Argentina)

Cada data da banda não é apenas um show. Para aqueles que já tiveram a oportunidade de assistir aos ingleses ao vivo, o Killing Joke é quase uma instituição religiosa, uma congregação, uma comunhão ritualística. Ou, como eles mesmo preferem se referir as suas apresentações, “a gathering” (e a seus fãs como “the gatherers”).

A primeira vez que ouvi o termo “gathering” foi em 1994, quando tive acesso ao meu primeiro computador com internet discada. Nesta época me deparei com o mais antigo e fiel fã clube da banda, que continua em atividade. The Gathering é um mailing listdedicado exclusivamente para trocas de informações entre fãs do Killing Joke. A partir daquele momento, conheci um novo universo. Tive contato com Gatherers do mundo inteiro, Inglaterra, Estados Unidos, México, praticamente toda a Europa e também do Brasil. Neste mailing list fiz amizades que duram até hoje. A grande maioria somente virtuais, uma irmandade, que não se conhecem pessoalmente mas que compartilham a mesma admiração e respeito pelo Killing Joke.

O fã clube The Gathering sempre foi muito ativo e com integrantes muito participativos dentro do universo Killing Joke. Foram lançados através do The Gathering álbuns exclusivos para os fãs, como a coletânea dupla Unspeakable, de 1999, somente com material raro da banda nunca antes lançados; Unsignable, em 2002, somente com bandas formadas por Gatherers (minha ex-banda, Primal…, participou com a faixa “The Walk Of Ants”) e uma coletânea para arrecadar fundos para um gatherer que estava com câncer, Attack For The Benefit Of A Friend With Cancer, em 2005. Neste disco, o Primal…, participou com a faixa “Timeless Wintertime”).

Em 2007, aconteceu um fato muito triste mas também de muita união na história da banda: faleceu o baixista Paul Raven (que substituira Youth a partir de 1983). Todos os integrantes originais acabaram se encontrando no funeral pela primeira vez depois de muitos anos. Naquele encontro teve início a “nova” fase do Killing Joke. Ninguém poderia imaginar que mais de 20 anos depois eles iriam se reunir com a formação original e produzir álbuns tão significativos quanto os três últimos lançados por esse time: Absolute Dissent (2010), MMXII (2012) e Pylon (2016).

Em 2008, após a decisão de voltarem com a formação original, a banda fez uma grande turnê europeia para celebrar a reunião, tocando sempre duas datas em cada cidade. Na primeira noite eram executados na integra os dois primeiros álbuns Killing Joke (1980) e What’s THIS For…! (1981). Na segunda, Pandemonium (1994) e diversos singles e lados B.

Decidi encarar duas datas em Bruxelas nos dias 29 e 30 de setembro daquele ano, onde aconteceria uma “small gathering”. Nesta viagem, conheci pessoalmente vários gatherers, vindos de diversos pontos da Europa, como Espanha, Inglaterra, Escócia, Alemanha, França, Holanda e, claro, da Bélgica. Nessa ocasião, houve meu primeiro contato com os integrantes do Killing Joke numa festa que rolou em um pub logo após a primeira noite. Tive a honra de conhecê-los pessoalmente, tirar fotos, sentar na mesma mesa e beber junto com a banda, contar que eu tinha vindo do Brasil única e exclusivamente para vê-los pela primeira vez ao vivo. Foi memorável.

No final de 2017, eles anunciaram uma nova turnê mundial chamada Laugh At Your Peril, comemorando os 40 anos da banda e ainda divulgando o álbum Pylon. Pela primeira vez na História foram incluídas datas no México e na América do Sul. Eu nunca imaginaria que algum dia eles viriam para o Brasil. Assim que os ingressos foram colocados à venda,  fiz todo meu planejamento para assisti-los em São Paulo no Carioca Club.

Algumas semanas antes do início da turnê sul-americana recebi uma mensagem do amigo francês Stephane Frenchy Frenzy (que havia conhecido na gatheringem Bruxelas) perguntando se eu iria assistir algum outro show da turnê, além de São Paulo. Ele estaria vindo acompanhar a banda (junto com David Molyneaux, gatherer da Inglaterra) para filmar os quatro shows, agendados para final de setembro em São Paulo, Buenos Aires, Santiago e Lima. Na mesma hora decidi acompanhá-los para mais uma data e consegui agendar o mesmo voo e o mesmo hotel em que eles ficariam em Buenos Aires.

Marcamos nosso encontro para o sábado 22 de setembro em São Paulo, um dia antes do show. Fui ao encontro do Stephane no hotel em que ele estava hospedado, no bairro de Pinheiros, e saímos para almoçar. Levei-o em uma clássica churrascaria paulistana para conhecer o rodizio de carnes e também a famosa caipirinha de cachaça. Stephane adorou e enquanto estivemos lá pudemos conversar muito sobre o Killing Joke, o The Gathering, nossos vidas pessoais, trabalho, política, cultura gauchesca (sim, tentei explicar-lhe um pouco dos pampas!). Um pouco mais tarde chegaram na churrascaria, o gatherer paulista Celso Junior “N0153” (que eu conhecia há mais de vinte anos pela internet, mas nunca havia encontrado pessoalmente) e dois amigos, Marcelo e Rodrigo, também superfãs do KJ e que vieram de Brasília para assistir ao show.

Após o almoço fomos dar uma volta pela Avenida Paulista e acabamos em um bar na Augusta, onde eu havia marcado de encontrar com outro grande fã do Killing Joke,meu amigo de longa data Felipe Mattos. Conheci o Felipe há mais de quinze anos na época do Soulseek e da troca de música pela internet; ele virou um fã inveterado da minha banda na época, o Primal…, e a gente compartilhava o mesmo gosto musical por diversos grupos como Killing Joke e o Voivod. Tomamos mais uma dezena de cervejas e caipirinhas e assim terminou nossa primeira noite em São Paulo. Stephane foi embora para o hotel e eu para casa do meu primo. Marcamos de nos ver no dia seguinte logo após o almoço, David Molyneaux iria chegar pela manhã do México e iríamos todos nos encontrar em frente ao Carioca Club. Stephane e David vieram com a missão de filmar com quatro câmeras os quatro show deles na América do Sul (imagens que provavelmente serão utilizadas futuramente) e teriam de chegar mais cedo para montar o equipamento.

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São Paulo, 23 de setembro

Cheguei no Carioca Club por volta das 14h e me encontrei com Stephane e David. Ficamos em frente à casa conversando e aguardando os preparativos. Logo depois chegaram os “brazilian gatherers” (Celso Junior “N0153” e seus amigos de Brasília, mais Rodrigo e Marcelo e meu amigo Felipe Mattos). Aos poucos começaram a aparecer em frente ao Carioca, outros alguns fãs ansiosos pela chegada da banda e a tensão foi aumentando.

Enquanto isso, lá dentro, a equipe do Killing Joke já deixava tudo preparado para a passagem de som. A banda veio para essa perna da turnê com uma turma bem enxuta: Christopher (tour manager), Waynne Smart (técnico de PA), Damon Head (técnico de bateria e palco) e Diamond Dave (técnico de palco, guitarra e baixo, uma figura emblemática que já acompanha a banda em viagens há mais de 15 anos), Roi Cabaret (o tecladista de apoio) e os quatro integrantes originais (Jaz Coleman, Kevin “Geordie” Walker, “Big” Paul Ferguson e Martin “Youth” Glover).

Eram mais ou menos umas 17h quando a van estacionou em frente do Carioca Club. Jaz Coleman foi o primeiro a descer já levantando os braços e fazendo a maior festa para algumas dúzias de fãs que aguardavam ansiosos. Eles todos foram muito receptivos e atenderam com fotos e autógrafos todos que ali estavam. Neste momento já pude trocar rápidas conversas com todos. Com exceção de Jaz e Geordie, que não possuem Facebook, eu já vinha falando antecipadamente com Big Paul e Youth sobre a turnê. Jaz e Big Paul foram uma simpatia, lembraram-se de mim de dez anos atrás em Bruxelas, me chamaram pelo nome (sou conhecido no The Gathering como Diaz From Brazil).

Após atenderem os fãs, pediram licença e foram para o soundcheck. Em seguida, Stephane veio até nós e, muito gentilmente, veio nos comunicar que a banda havia nos autorizado assistir à passagem de som. Fomos eu, Felipe, Celso “N0153” e os dois amigos de Brasília. Foi a meia hora mais emocionante de nossas vidas. Apenas nós cinco assistindo à passagem de som do Killing Joke. Inacreditável! Durante o soundcheck eles tocaram “Love Like Blood”, “Bloodsport” e “In Cythera” (que acabaria não sendo tocada no show). Após o soundcheck, que foi bem rápido e eficiente, aproveitamos para comprar merchandisingda banda. Eu peguei uma camiseta oficial da turnê e um quadro pintado à mão pelo baixista Youth com um retrato estilizado do Jaz Coleman, que estava sendo vendido durante a turnê.

Então os “brazilian gatherers” se posicionaram em frente ao palco colados na grade para aguardar o início do show. Abriram as portas e aos poucos o público foi enchendo a casa – pelo que soubemos mais tarde, o público foi de cerca de 900 pessoas. Um pouco antes das 20h soltaram a intro do show. As últimas turnês tem sempre sido iniciadas com a música “Masked Ball”, de Jocelyn Pook e tema do filme Eyes Wide Shut, de Stanley Kubrick. A banda entrou no palco e o público foi ao delírio. O show começou com o grande clássico “Love Like Blood”, do álbum NightTime, de 1985. Em seguida, veio a superdançante “European Super State” (do disco MMXII) e “Autonomous Zone” (do recente Pylon).

Uma pequena pausa para respirar e eles mandaram “Eighties”, clássico absoluto, também do álbum NightTime, que ficou anos mais tarde ainda mais famosa devido a um suposto plágio do Nirvana no riff da música “Come As You Are”. O show seguiu com “New Cold War”, também de Pylon, e “Requiem”, faixa que abre o primeiro disco do Killing Joke. Esst é uma que não pode ficar de fora de nenhum show deles. Um verdadeiro marco do pós-punk, que já foi regravada por bandas como Foo Fighters e Helmet.

A banda estava afiadíssima ao vivo. Todos demonstravam extrema alegria de estarem tocando para o público sul-americano pela primeira vez. Jaz tem carisma e presença de palco impressionantes e sabe como conduzir a plateia, sempre falando algumas frases polêmicas para anunciar a música seguinte. A próxima, “Follow The Leaders”, ele anunciou citando as eleições americanas e o new world order do presidente Trump. O show continuou com a instrumental “Bloodsport”, antes da qual Jaz comentou sobre a urgência do ser humano em caçar mais sua sede de sangue e seu instinto animal.

O ponto alto do show, na minha opinião, foi a escolha de algumas músicas não comuns no repertório. Caso de “Butcher,” de Whats THIS For…!, um de meus discos prediletos do Killing Joke (lembro até hoje quando ouvi pela primeira vez esse disco, em meados dos anos 1980, na casa da Moema, antiga empresária da minha primeira banda Epidemic; a sonoridade deste disco foi responsável pelo meu amor por essa banda e mudou completamente minha percepção musical na época). Na sequência vieram mais duas totalmente inesperadas: “Loose Cannon”, do disco sem título de 2003 (em que Dave Grohl gravou as baterias), e “Labyrinth”, de Pandemonium.

É impressionante sentir o poder da banda ao vivo. O som e o timbre da guitarra de Geordie é um show à parte, pesadíssimo, melódico e com os característicos acordes dissonantes, tirados das suas duas harpas douradas, as Gibson ES295, uma de 1952 e a outra 1953, (uma semiacústica icônica que ficou famosa por ter sido utilizada por Scotty Moore nas primeiras gravações de Elvis Presley e considerada a primeira guitarra do rock’n’roll). No baixo, o seminal produtor Youth, famoso por produzir disco álbuns e singlesde artistas como Kate Bush, U2, Siouxsie & The Banshees, James, Cult, Marilyn Manson, Art Of Noise, Erasure, Orb, PM Dawn, Dido, Verve e Charlatans, bem como ter gravado três álbuns com o projeto Fireman junto com ninguém menos que Paul McCartney. Na bateria, o mais velho dos integrantes, Big Paul, entrega batidas tribais nem um pouco convencionais, com ritmos perfeitos e com uma pegada e peso espetaculares. Jaz Coleman é o maestro bastardo, que conduz a plateia ao frenesi com suas danças e movimentos que mais parecem uma marcha para o apocalipse e seus olhos arregalados e vidrados como os de um louco.

O show seguia com “Corporate Ellect” do álbum MMXII; “Asteroid”, de 2003, na qual o público cantava em uníssono o refrão; e “The Wait”, uma das mais pesadas do show (gravada pelo Metallica em 1987, para o EP Garage Days). Fechando a primeira parte, um dos primeiros singles do Killing Joke: “Pssyche”, lado B do single Wardance, de 1979. O quarteto saiu do palco muito aplaudido e o público presente no Carioca Club começou a pedir mais, com muitos gritos de Killing Joke. Logo a banda retornou ao palco para o encorecom duas músicas do primeiro álbum (“Primitive” e “Wardance”) e mais a maravilhosa “Pandemonium”, faixa-título do disco homônimo. Eles largaram seus instrumentos e vieram todos para a frente do palco para se despedir da plateia, com seus sorrisos estampados no rosto mostrando como estavam felizes pela receptividade do público brasileiro em sua estreia por aqui.

Após o show ficamos todos em completo êxtase e alegria. A apresentação superou nossas expectativas. A banda estava em ótima forma, mas cansada, como contaram mais tarde (chegou pela pela manhã, vinda direto do México). Conversamos com outros fãs que estavam ao nosso lado e ficamos discutindo o set list, os pontos altos, a performance e o peso da banda ao vivo, etc.

Logo depois que Stephane e David desmontaram os equipamentos de filmagem, eu e Felipe fomos convidados para ir ao camarim e participar da Cheese Party. Stephane é amigo de longa data da banda e a acompanha em turnê desde 1991. Sempre que o Killing Joke toca na França, ele promove no camarim a famosa Cheese Party, regada a vinhos e queijos franceses. Eu já havia visto diversas vezes fotos deste acontecimento, mas nunca imaginei que um dia iria participar dele. Entramos no backstage supereufóricos e pudemos cumprimentar e agradecer a banda pelo excelente show. Jaz serviu uma taça de vinho para a gente e ficamos ali conversando sobre a gig. Perguntaram quais músicas foram nossas preferidas na noite e comentei que havia sido “Butcher” e “Labyrinth”, mas que faltaram algumas outras (“Change” era uma que tanto eu quanto o Felipe queríamos muito ter ouvido). Aproveitei o momento de descontração e saquei da minha mochila um pôster da banda que eu havia levado, já com a intenção de conseguir autógrafos. Este pôster oficial acompanha o livro Twilight Of The Mortals, registro fotográfico sobre o Killing Joke, lançado no final de 2017 pelo fotógrafo dinamarquês e amigo pessoal da banda Mont Sherar. Consegui pegar o autógrafo de todos os quatro. O mais curioso é que nenhum deles ainda tinha visto pessoalmente esse pôster, por isso foi muito emocionante a reação deles. Geordie, sempre o mais reservado de todos, foi muito simpático e cordial. Fez comentários sobre o pôster e sobre o livro – e eu pude elogiar sua técnica única de tocar guitarra. Mostrei para Youth o seu quadro que eu havia comprado no merchandising e ele agradeceu muito. Tive uma enorme surpresa quando Big Paul veio até mim e me presenteou com uma cópia autografada de seu recém-lançado disco solo Remote Viewing, gravado em parceria com Mark Gemini Thwaite (Gary Numan, Mission, Peter Murphy). Jaz, como sempre uma figura ímpar, mostrou-se simpático e falante e soltou sua característica gargalhada.

Como tudo que é bom acaba, a banda começou a arrumar seus pertences e o tour manager veio avisar que logo mais iriam embora, pois o voo para Buenos Aires seria às três horas da madrugada e eles não teriam muito tempo para descansar. Saímos do Carioca Club e lá ainda estavam uns 50 fãs aguardando. Como era de se esperar, eles atenderam todos com muita cordialidade. Tiraram fotos, deram autógrafos e muitas risadas; uma atitude muito bacana. Ainda acompanhei Stephane e David até o hotel para ajudar a carregar os equipamentos de filmagem e depois fui embora para casa do meu primo. O próximo encontro estava marcado para as 8h30 da manhã do dia seguinte em Guarulhos. Nosso avião para Buenos Aires sairia às 10h30.

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Buenos Aires, 24 de setembro

Encontrei Stephane e David no aeroporto, fizemos o check in e embarcamos para a segunda parte de nossa aventura com o Killing Joke. Os próximos dois dias seriam emocionantes: teríamos o show na segunda e um dia inteiro livre com a banda na terça.

Chegamos em Buenos Aires às 14h30, pegamos um uber e fomos para o hotel. Deixamos nossas malas e em seguida fomos para o local do show, o pequeno e aconchegante espaço Roxy La Viola, no bairro Palermo e apenas a duas quadras de distância do nosso hotel. Ao chegarmos, encontramos com toda a equipe: Diamond Dave, Damon Head, Waynne Smart e o tour manager Christopher. Stephane e David começaram a montar os equipamentos de filmagem enquanto a equipe preparava o palco para o soundcheck.

Durante a montagem tive a oportunidade de chegar bem próximo das duas Gibson ES295 de Geordie. Como é incrível ver de perto os detalhes dessa verdadeira obra de arte. As guitarras têm mais de 65 anos cada e Geordie usa as mesmas desde 1981. Portanto, só com ele elas já estão há pelo menos 37 anos. Ambas foram utilizadas em todos os álbuns do Killing Joke desde então. Deu pra ver todos os pequenos detalhes e os desgastes das mesmas: a ferrugem que já se espalhou pelos captadores e pelas ferragens, a pintura já totalmente craquelada… Foi emocionante chegar perto destas armas de guerra, responsáveis pelo som único e característico do Killing Joke.

Tudo preparado para a passagem de som e filmagem, ficamos em frente ao Roxy aguardando a banda e aos poucos foram chegando os ansiosos fãs argentinos. Assim como em São Paulo, quando a van chegou trazendo os músicos foi a mesma festa. Eles já desceram atendendo todos que estavam em frente ao local com fotos, autógrafos, muitas risadas, altas conversas. Prestei bastante atenção na atitude da banda nesse momento e também no semblante dos fãs ao encontrarem com seus ídolos. Eles receberam todos com muito entusiasmo e cordialidade. Após atenderem os argentinos, entramos todos para o soundcheck e os testes de filmagem. Ficamos eu Stephane e David num camarote um pouco mais elevado do lado direito, bem próximo ao palco. Ali tínhamos uma posição privilegiada para assistir ao show e também para o registro das filmagens. A passagem de som foi bem rápida e tranquila: tocaram “Love Like Blood”, “SO36” (que não entrou no set de São Paulo), e novamente “In Cythera” (que só foi executada uma única vez ao vivo durante a turnê no México, mas a qual tivemos a oportunidade de ouvir ao vivo nos dois soundchecks). Passagem de som finalizada, ficamos sentados no camarote aguardando a abertura da casa. Neste momento vieram Jaz, Geordie e Big Paul e sentaram-se ali conosco. Paguei uma rodada de cerveja para todos e ficamos conversando. Como era de se esperar, eu estava com um sorriso de orelha a orelha. Jaz veio até mim e perguntou porque eu não parava de rir (por que será?). Estava praticamente vivendo um sonho acordado, acompanhando minha banda preferida e tendo esse contato mais próximo com todo o processo que envolve uma turnê, viagem, montagem, passagem de som, a espera antes de começar o show. Emocionante!

Abriram as portas do Roxy e o público começou a entrar. Eles continuaram sentados ali no camarote (apenas Youth ficara no camarim). Atenderam rapidamente mais alguns fãs para fotos e logo entraram para o backstage. Aos poucos a casa enchia e dava para sentir a emoção do público. Assim como no Brasil, era a primeira vez que o Killing Joke se apresentava na Argentina e muita gente aguardava havia anos por esse momento. Um pouco diferente de São Paulo, cuja média de público era de quarentões, em Buenos Aires a a idade aparentava ser menor. Vi vários jovens na plateia ostentando camisetas não só do Killing Joke mas também de Alien Sex Fiend, Nick Cave, Ministry, Joy Division. O local ficou abarrotado de gente. Segunda consta, o show foi sold out, atingindo a capacidade da casa, de 500 lugares.

Ansiedade aumentando, começou a intro “Masked Ball” e o público ficou eufórico. A banda entrou no palco completamente ovacionada pela plateia. O show começou com “Love Like Blood” e e o público argentino logo comprovou o porquê serem considerados um dos mais calientes das américas: todo mundo pulando e cantando junto foi de arrepiar. O set seguia praticamente igual do dia anterior em São Paulo: “European Super State”, “Autonomous Zone”, “Eighties” (nessa ninguém ficou parado; o público realmente estava de parabéns por tamanha empolgação). Consequentemente, a banda recebia essa energia do público e retribuía com uma performance eletrizante e com mais garra ainda. Teve ainda “New Cold War”, “Requiem”, “Follow The Leaders” e “Bloodsport. Novamente o ponto alto do show na minha opinião, foi “Butcher”, do álbum Whats’ THIS For…!. Esta música ao vivo é sublime. Pós-punk minimalista e pesado. O clima e a letra são de revirar o estomago. “Butcher the womb and expect her to bear”.

O show prosseguia com “Loose Cannon” (dedicada por Jaz Coleman ao “true hero” Simon Bolivar), “Labyrinth”, “Corporate Ellect”, “Asteroid”, “The Wait”. Até os quatro encerrarem a primeira parte com a melhor versão de “Pssyche” que eu ouvi na vida. Como tenho todos os discos ao vivo do Killing Joke e diversos bootlegs, posso afirmar que nunca tinha ouvido uma versão tão pesada e coesa como essa. O curioso dessa canção é que é a única na discografia da banda que tem partes distintas cantadas primeiro pelo baixista Youth (depois Jaz Coleman canta a segunda parte e ela finaliza com o baterista Big Paul). Simplesmente sensacional!

Mal a banda deixou o palco era o ouvido uníssono o público argentino gritando Killing Joke e pedindo mais. No retorno dos músicos, mais duas surpresas: a hipnotizante “SO36” (do primeiro álbum, de 1980) e “The Death And Ressurection Show”, de 2003. Ambas não haviam sido executadas em São Paulo. Em seguida, “Wardance” e “Pandemonium”, na qual Jaz já profetizava, nos anos 1990, os tempos sombrios que viriam assolar o planeta (“I can see tomorrow, I can see the world to come, I can see tomorrow, hear the pandemonium”). Novamente tenho que atestar que o público argentino foi espetacular. Não parou um minuto sequer de pular e cantar junto. Em São Paulo foi tudo bacana, mas a plateia não estava tão empolgada (dias depois fui saber através dos amigos Stephane e David, que em Santiago a recepção fora ainda mais insana do que em Buenos Aires e que a própria banda considerara o melhor show da turnê até então).

Desmontamos os equipamentos de filmagem enquanto a equipe desmontava o palco. Aproveitei para conversar com alguns argentinos sobre a crise e a falta de emprego no pais, e perguntar sobre o paro geral que aconteceria no dia seguinte (tudo iria fechar, inclusive o aeroporto, todos protestando contra o péssimo governo Macri). Pude sentir pelos comentários que lá a situação está ainda pior do que no Brasil.

Fomos até o camarim para preparar mais uma edição da Cheese Party, mas como o local era muito pequeno, ficou decidido que a festa seria no hotel onde a banda estava hospedada, o Scala, na avenida Bernardo de Irigoyen, bem no centro de Buenos Aires.

Assim como em São Paulo, após o show, a banda saiu do Roxy e atendeu todos que aguardavam lá fora, sem frescuras e extremamente sorridentes e simpáticos. Ficamos curtindo a empolgação dos fãs. A banda se despediu do público, entrou na van e foi embora. Seguimos até o nosso hotel para descarregar os equipamentos e em seguida nos dirigimos para o Scala. Chegando lá, já encontramos com o Geordie (e algumas groupies) em frente ao hotel, entornando no bico, uma garrafa de tequila. Segundo relatos da própria banda, ninguém consegue acompanhar o Geordie quando o assunto é bebida. Por isso, nem ouse tentar.

Subimos para o quarto de Jaz Coleman e lá começaram os preparativos para mais uma edição da Cheese Party. Stephane preparou uma mesa com pães, torradas e seu kitde aparatos para servir os queijos. Abrimos algumas garrafas de vinho, taças foram enchidas para todos e a festa começou. Eu não estava acreditando no que estava acontecendo: festinha priva no quarto do Jaz, com a banda e equipe. Incrível! Youth entrou no quarto e colocou um som no seu celular ligado naquelas pequenas caixinhas JBL. Todo mundo numa sintonia muito bacana. Conversei bastante com todos da banda e equipe. O tour manager perguntou de onde eu era no Brasil. Quando falei que era de Curitiba, ele comentou que já havia vindo para cá diversas vezes trazendo shows de bandas como Exodus, Destruction, Grave Digger, Testament, Incubus, entre outras. Enquanto isso, Stephane ia cortando os queijos e servindo a todos um a um, sempre comentando um pouco sobre cada queijo, um melhor que o outro. Mostrei a Jaz minha tatuagem da aranha que fiz no Peru, quando estive em Nazca em 2011. É a mesma que o vocalista tem nas costas do macacão que usa no show. Contei que, assim como ele, eu havia visitado os mais importantes sítios arqueológicos da Bolívia e Peru, como Tiwanaco, lago Titicaca, linhas de Nazca, cemitério de Chauchila, e as ruínas de Olantaytambo e Macchu Pichu. Conversamos um pouco sobre as civilizações pré-Incas e todas as maravilhas e mistérios dos Andes.

Como não era permitido fumar no quarto, descemos para a área externa do hotel e fomos acompanhados por Jaz Coleman, que queria um charuto. Ficamos ali por uma meia hora conversando sobre o show, a escolha do set list e assuntos aleatórios, Ele comentou que a banda vai fazer mais uma turnê em 2019 e pretendem voltar para a América do Sul porque estavam adorando a receptividade dos fãs.

Subimos novamente ao quarto para mais uma rodada de queijos e vinhos e mais conversa e diversão. Aos poucos o vinho e os queijos foram acabando e o pessoal dispersando, cada um para seu quarto. Já eram quase 3 horas da manhã e decidimos também ir embora para nosso hotel para descansar. O dia tinha sido intenso e teríamos uma terça-feira inteira pra curtir com a banda. Nos despedimos e marcamos de encontrá-los no hotel na manhã do dia seguinte para tomarmos café juntos. Chamamos um uber e fomos embora para o nosso hotel. Demorei pelo menos uma hora para conseguir relaxar e pegar no sono. As imagens dos acontecimentos daquele dia ficavam constantemente passando pela minha cabeça como um filme. Eu estava eufórico e muito feliz, mas precisava descansar. E o dia seguinte seria ainda mais emocionante.

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Buenos Aires, 25 de setembro

Acordamos, nos encontramos no lobby do hotel, e fomos direto para o Scala. Era terça-feira em Buenos Aires, dia do paro geral. Estava tudo fechado, parecia feriado. Chegamos no Scala e fomos para a área do café. Estavam lá Big Paul e Diamond Dave e um pouco depois chegaram Jaz, Geordie e Roi. Youth não apareceu. Ficamos mais de uma hora tomando café juntos e conversando os assuntos mais variados possíveis: política, trabalhos, projetos futuros, viagens, filhos, casamentos, divórcios.

Na hora do almoço cada um foi para um lado e ficamos somente eu, Stephane, David e Jaz. Ele pediu que a gente o levasse para comer churrasco argentino. Pegamos um táxi em frente ao hotel (me sentei no banco de trás, entre Jaz e David) e pedimos que o motorista nos levasse para Puerto Madero para procurar algum lugar que estivesse aberto. Praticamente todos os restaurantes estavam fechados. Avistamos um que estava aberto e pedimos para ele nos deixar em frente. O nome do local era Rodizio. Era especializado em carnes argentinas, buffet de saladas, aperitivos e carnes servidas no rodízio. Sentei ao lado do Jaz Coleman e solicitamos a carta de vinhos, Jaz pediu que escolhêssemos o melhor Malbec que tivesse na carta, o garçom nos indicou alguns e então escolhemos o Rutini Malbec. Jaz nos contou que quando se trata de vinho ele toma somente três taças porque a quarta traz azar.

Antes de nos servirmos, ficamos ouvindo as teorias e as histórias mais absurdas que ele tem para contar. Falou muito sobre os illuminati, os Rothschild, os Rockfeller, o 11 de Setembro, UFOs e estações alienígenas no espaço, família, problemas com as antigas gravadoras e promotores da banda e o recente cancelamento do box em vinil – ele estava muito puto com os responsáveis da atual gravadora. Perguntei se estava ciente sobre a crise no Brasil e ele respondeu com muito conhecimento de causa, comentou sobre o golpe e o impeachment da presidente Dilma Rousseff, apontou as grandes corporações internacionais e principalmente os Estados Unidos de serem responsáveis por instalar essa crise no país bem como em toda América Latina. Jaz viaja um pouco nas suas teorias de conspiração, mas é uma pessoa inteligentíssima e cativa a atenção quando está falando.

Decidimos nos servir no buffet e começou o rodizio, o que eu prontamente ia traduzindo do espanhol para o inglês para eles saberem o que estavam servindo. Sinceramente, esse rodizio deixou a desejar. Nós, brasileiros, que estamos acostumados com churrascarias, conhecemos e sabemos quando uma carne está bem feita. Poucas opções de carnes estavam boas, como a picanha e a costela, mas na grande maioria, as carnes que foram servidas, estavam, como eles mesmo disseram, “chewy”, duro de mastigar. Jaz não gostou!

Finalizamos nosso almoço e fomos dar uma volta a pé por Puerto Madero. Em seguida tomamos um táxi de volta para o hotel. Lá chegando fomos para a área externa para mais uma seção de charutos com o mestre Coleman. Ele trouxe um kit portátil muito bacana, com várias opções de charutos e cortadores. Nesta hora fomos acompanhados por Diamond Dave e por Maria Ekaterina, uma garota argentina que estava no show no dia anterior e também era megafã da banda. Estava uma tarde agradabilíssima em Buenos Aires e o tempo parecia que estava suspenso. O tempo todo eu refletia sobre tudo que estava acontecendo. Estava muito emocionado de ter esse contato mais próximo e mais humano com meus maiores ídolos e compreender que, ao final do dia somos todos iguais, todos temos nossas alegrias, problemas, dilemas.

Quem acompanha o Killing Joke sabe que Jaz Coleman, além do seu trabalho com a banda, é uma conceituado maestro e arranjador. Ele toca violino, piano e instrumentos de sopro. Já gravou diversos projetos solo e paralelos à banda, como Songs From The Victorious City, (álbum de world music, gravado no Cairo com a musicista Anne Dudley, do Art Of Noise) e Oceania (disco de música tradicional maori, gravado na Nova Zelândia, onde ele vive há mais de vinte anos, em parceria com a cantora Hinewehi Mohi. Uma curiosidade deste álbum: a música “Kotahitanga” foi tema da novela Uga-Uga, exibida pela Rede Globo em 2000. Com a mesma Mohi, Jaz foi o responsável em alterar o hino nacional da Nova Zelândia do inglês para a língua maori nativa. Em 2003, ele escreveu e arranjou todas as orquestrações do álbum Harem da cantora Sarah Brightman. Escreveu e arranjou os álbuns sinfónicos Riders On The Storm: The Doors Concerto, com Nigel Kennedy; Us & Them: Symphonic Pink Floyd e Kashmir: Symphonic Led Zeppelin, ambos com a produção de Youth; e Symphonic Music Of The Rolling Stones. Produziu ainda singlese álbuns de bandas como Mission, Shirad, Cechomor, Zilch, Nitzer Ebb e Front Line Assembly, além de ter lançado, em 2003, um livro superbacana chamado Letters From Cythera, que vinha acompanhado do sua mais recente obra solo orquestrada, The Island – Symphony No.2, gravada pela orquestra filarmônica de Auckland.

O próximo projeto do vocalista, previsto para o final deste ano, é o disco The Great Invocation – A Killing Joke Symphony, integralmente escrito e arranjado por Jaz Coleman e gravado pela Filarmônica de São Petersburgo na Rússia. Enquanto estávamos conversando, ele entrou nesse assunto e falou um pouco sobre o novo álbum. Contou que já havia finalizado as mixagens e masterizações e faltavam somente alguns últimos detalhes para o lançamento. De repente, ele se levantou e convidou todos que estavam ali na mesa para subirem no seu quarto para ouvir as gravações. Então lá fomos nós para mais uma aventura: eu, Stephane, David, Diamond Dave e Maria. Sentamos todos na antessala do quarto de Jaz e ele ligou o celular nas caixinhas JBL para dar início à audição, em primeira mão, do “Symphonic Killing Joke. Ficamos os seis em completo silêncio ouvindo o novo álbum, ninguém sequer respirava direito. Jaz ficou praticamente o tempo todo com os olhos fechados movimentando as mãos no ar, regendo a orquestra imaginária enquanto rolavam as músicas. Em alguns momentos ele abria os olhos e chamava nossa atenção para que atentássemos a algum detalhe da música ou alguma mudança mais drástica. A experiência foi muito emocionante. Ficamos uma hora e meia (que é a duração do álbum) juntos com o criador, ouvindo sua obra mais recente. Em tempos de era digital, na qual os discos costumam vazar na internet, é mais do que normal ouvir algo antes do seu lançamento. Mas ouvir pela primeira vez uma obra ao lado de quem criou e escreveu foi uma das coisas mais fantásticas que já me aconteceu.

Após a audição ficamos todos muito emocionados e com lágrimas nos olhos, tamanha a beleza e sutileza da obra. Elogiamos muito o trabalho, fizemos nossos comentários. Jaz perguntou a cada um de nós qual música tínhamos gostado mais e o porquê. Eu fiquei muito impressionado com as versões de “Raven King”, “Intravenous” e “Adorations”, que foram as que mais me marcaram nesta primeira audição. Disse a ele que fora o momento mais incrível que já tinha acontecido na minha vida e que nunca mais iria esquecer aquele dia e toda vez que eu ouvisse o álbum dali em diante sempre iria lembrar desta tarde memorável ao lado de pessoas maravilhosas.

Descemos novamente para a área externa do hotel para mais alguns cafés, cigarros e charutos e continuamos a conversar sobre o álbum sinfónico. Jaz comentou que pretende lançar outros no futuro e que até já começou a escrever alguns arranjos. Nos contou também sobre como foi difícil a escolha das músicas num repertório tão extenso, o processo de escrever as partituras, as escolhas de instrumentos para cada parte e sobre sua estadia na Rússia durante as gravações com a Filarmônica de São Petersburgo

Já estava começando a anoitecer quando fomos todos para o restaurante do hotel, pedimos algumas cervejas e continuamos a conversar com Jaz. Ele contou que pretende em 2019 realizar um evento especial para os gatherers. A ideia são acampamentos em locais sagrados nos Andes, onde acontecerão visitas guiadas, leituras, música, cerimonias ritualísticas. Uma verdadeira celebração entre os gatherers!

Aos poucos foram aparecendo o restante dos integrantes da banda e equipe e todos decidiram jantar ali mesmo no hotel. Dei várias dicas de lugares para se visitar em Santiago. Falei que tinham que visitar o Cerro Bella Vista para ter uma visão privilegiada da cidade de Santiago. Também sugeri que almoçassem no mercado central de Santiago, especializado em frutos do mar, para provar o delicioso King Crab e o Ceviche. O local vale a visita pois tem uma arquitetura muito bonita,  e o projeto foi desenhado por Gustave Eiffel. Espero que eles tenham tido a oportunidade de ir, já que na manhã seguinte se dirigiriam para Santiago e, assim como em Buenos Aires, teriam um dia livre na cidade.

Após o jantar, Jaz Coleman se despediu e foi para o seu quarto. Fomos então até o lobby do hotel e ficamos tomando rum e conversando bem descontraidamente com Big Paul e Diamond Dave, um pouco depois se juntaram a nós Damon Head e Waynne Smart. Todos foram muito amáveis conosco. Chegou nossa hora de nos despedir e irmos embora. Foi muito emocionante receber um abraço carinhoso de todos, banda e equipe, me desejando boa viagem, dizendo que eu era um cara muito legal e que esperavam me encontrar na próxima turnê. Big Paul me perguntou qual seria a primeira coisa que eu faria ao chegar no Brasil e eu lhe disse que seria ver minha filhinha Kali, pois eu estava com muitas saudades dela. Fomos então embora para nosso hotel. Na manhã seguinte nós também nos despediríamos: Stephane e David seguiriam a banda em Santiago e Lima, eu retornaria ao Brasil.

De todas as pessoas as que mais tenho que agradecer por esses três dias foram esses figuras, Stephane e David, dois seres extremamente cordiais, inteligentes, engraçados e muito companheiros. Apesar de nunca termos nos conhecido pessoalmente e da barreira da língua, parecia que já nos conhecíamos havia muitos anos. Os dois eram uma comédia. O tempo todo faziam piadinhas entre eles (a richa antiga entre Inglaterra e França!), tirando selfies fazendo caretas, rindo que nem palhaços – tanto é que eu os apelidei de Inspetor Clouseau e Mr Bean, de tão engraçados que eram. Ao nos despedirmos no aeroporto de Buenos Aires na quarta-feira pela manhã, ambos me convidaram para visita-los no exterior, quando eu quiser as portas estarão abertas. São esse tipo de amizade que só o Killing Joke consegue proporcionar entre os “gatherers”. Eu nunca esquecerei os momentos que passamos juntos. Foi graças a eles também que tive o acesso e contato tão próximo com a minha banda preferida.

E assim acabou minha aventura com o Killing Joke. Retornei para o Brasil e já no avião comecei a planejar escrever esse relato da viagem. Foram três dias muito intensos ao lado de pessoas bacanas e da melhor banda do mundo. All hail the almighty Joke!

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Music

Tropicália 50 anos

Cinquenta curiosidades para celebrar o meio século de lançamento do disco-manifesto do movimento que revolucionou a música brasileira

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Texto por Abonico R. Smith

Fotos: Reprodução

Neste mês de julho de 2018 comemora-se meio século do lançamento de Tropicália ou Panis Et Circencis, o álbum-manifesto do coletivo de artistas que participou do movimento estético-sonoro que revolucionou a música popular brasileira no decorrer dos doze meses de 1968. Para marcar a data, o MONDO BACANA publica uma lista com cinquenta curiosidades a respeito desse disco e de toda a efervescência tropicalista no ano que agitou as artes, a cultura e a juventude não só no Brasil como em outras partes do planeta.

>> Apesar do álbum Tropicália ou Panis Et Circencis ter sido lançado em julho de 1968, o marco zero do movimento ocorreu no final do ano anterior. Mais precisamente quando Gilberto Gil e Caetano Veloso defenderam, respectivamente, as músicas “Domingo no Parque” e “Alegria, Alegria” nas duas últimas eliminatórias do Festival de Música Brasileira, promovido pela TV Record em São Paulo, ocorridas em 7 e 14 de outubro de 1967. Gil e Caetano foram dois dez autores que escolherem interpretar a própria canção. O primeiro foi acompanhado pelos Mutantes. O segundo, pelos argentinos do Beat Boys. Na final, realizada na noite de 21 de outubro, a música de Gil foi premiada com o segundo lugar e o melhor arranjo. A de Caetano ficou em quarto.

>> Gil e Caetano foram cirúrgicos para realizaram o seu plano de renovação da música nacional. Desanimados com o marasmo da manutenção da tradição no meio dos cantores e compositores, eles decidiram romper com o violão e o tom manso da bossa nova e outros brasileirismos ao incluir a linguagem vigente das guitarras e bandas do rock que rolava na Europa e Estados Unidos. Uma das propostas do movimento que queriam lançar era promover misturas sonoras sem barreiras geográficas e ousar ao promover o resgate de ritmos e gêneros deixados de lado na MPB dos anos 1960, como o bolero, o baião, a capoeira e a marchinha carnavalesca. “Domingo no Parque” e “Alegria, Alegria” se encaixavam nestes dois últimos exemplos. Para ganhar maior exposição, escolheram “lançar” a novidade utilizando o meio de comunicação mais popular da época, a televisão. Ambos foram bastante vaiados por boa parcela do público, ligado tanto ao movimento universitário de esquerda, afeito às canções de protesto que pipocaram no Brasil nos primeiros anos da ditadura militar, quanto os mais purista e tradicionalistas. O público em casa, porém, reagiu de forma diferente. Com a projeção do festival anual da Record, “Alegria, Alegria” vendeu a marca de mais cem mil compactos nas semanas posteriores à final daquela edição. Caetano passou a ganhar convites para se apresentar em diversas capitais brasileiras e ascendeu rapidamente à condição de popstar, tendo visto  inclusive seu casamento com a atriz e jornalista Dedé Gadelha transformado em evento social pela imprensa e acompanhado por uma multidão em Salvador.

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Gilberto Gil (1967)

>> O impacto de Gil e Caetano neste festival aliou vestuário e música. Para começar eles subiram ao palco esnobando toda a tradição masculina de cantar de modo comportadinho, atrás do microfone, vestindo fraque ou um traje preto mais social. Caetano, por exemplo, subiu ao palco da final do evento de terno xadrez e blusa de gola rolê laranja, tendo o acompanhamento dos músicos do Beat Boys vestindo rosa. Gil, por sua vez, foi na eliminatória de sapato sem meia e boné, camisa social de manga curta em tom bem mais claro. Já os Mutantes estavam bem espalhafatosos. Sergio usava capa preta e calça jeans. Arnaldo, um paletó esporte com gravata. Rita, uma bata branca, cabelo ruivo preso e um pequeno coração desenhado na bochecha. Outro escândalo foi o uso do efeito fuzz por um dos guitarristas dos Beat Boys para tocar o riff que começa já na introdução do arranjo e se repete logo após o refrão. Este pedal foi feito para sujar o som do instrumento e estava muito em voga no rock daquele época. Jimi Hendrix e Keith Richards eram adeptos deste recurso.

>> O empresário Guilherme Araújo, que representava Caetano, Gil, Gal Costa e os Mutantes, não se restringia apenas a funções executivas na administração das carreiras. Dava pitacos em composições, vestuário, performances e, acima de tudo, era bastante ágil no meio-de-campo com a imprensa, plantando notas, reportagens e entrevistas nos principais veículos do eixo Rio-São Paulo. Este detalhe ajudou bastante na popularização do Tropicalismo.

>> No final de 1967, Caetano havia composto uma canção, ainda não batizada, no qual ele exaltava, através de versos com bastante força imagética, e cultura e da História brasileira. Aviões, caminhões e chapadões; o planalto central, a bossa nova, Machado de Assis, a praia de Ipanema, Carmen Miranda, “A Banda” de Chico Buarque, a mulata, o sertão, a mata, o Nordeste, a Bahia, a roça, a violência urbana e a Jovem Guarda de Roberto Carlos: a letra era repleta de alegorias e citações. Luiz Carlos Barreto, produtor de cinema e fotografo do filme Terra em Transe (um dos favoritos de Caetano na época) sugeriu ao amigo e autor que desse à canção o nome de uma obra do artista plástico Hélio Oiticica, então exposta no Museu de Arte Moderna do Rio de Janeiro. Tropicália, a obra de Oiticica, consistia em uma instalação com um ambiente formado por duas tendas penetráveis, com areia e brita no chão, um cenário tropical formado por araras e vasos de plantas e, no final do percurso, já quase às escuras, um aparelho de televisão ligado. Batizada provisoriamente como “Tropicália”, apesar do contragosto inicial por dar uma ideia de algo mais “exótico” e menos universal, a canção ficou com este nome, segundo o compositor baiano, por falta de uma outra sugestão melhor.

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Caetano Veloso (1967)

>> “Tropicália”, a música, foi gravada no final de 1967 junto com outras novas obras de Caetano, para aproveitar a esteira do sucesso no Festival da Record e as vendagens do compacto “Alegria, Alegria”. O maestro Rogério Duprat, o mesmo que bolara para Gil o arranjo de “Domingo no Parque”, mandou ligar o som do microfone no estúdio, para começar a gravação. O percussionista Dirceu, como teste, passou a narrar o episódio da descoberta do Brasil. “Quando Pero Vaz de Caminha descobriu que as terras brasileiras eram férteis e verdejantes, escreveu uma carta ao rei. Tudo que nela se planta, tudo cresce e floresce”, soltou. E emendou, em tom de gozação, “e o Gauss da época gravou”, referindo-se ao técnico de áudio Rogério Gauss. Este trecho, feito no mais puro improviso, foi incorporado como a abertura do arranjo, com a adição de sons tropicais. Estava pronto o grande manifesto do movimento bolado por Caetano e Gil. O álbum, primeiro solo de Caetano, já que o anterior havia sido dividido com Gal Costa, foi lançado pela gravadora Phillips (depois PolyGram e hoje Universal) logo nos primeiros dias de janeiro de 1968. A produção era assinada por Manoel Barenbein e a capa pelo artista gráfico baiano Rogério Duarte. Outras faixas de destaque deste disco foram “Superbacana” e a caribenha “Soy Loco Por Ti, América”, composta em português e espanhol por Gil e Capinan no dia em que foi anunciada a morte do líder revolucionário Che Guevara, em outubro de 1967.

>> Hélio Oiticica, em um ensaio também intitulado Tropicália, escrito em março de 1968, disse que sua intenção ao criar a homônima obra exposta no MAM carioca, era abordar o mito da miscigenação, “Somos negros, índios, brancos, tudo ao mesmo tempo. Nossa cultura nada tem a ver com a europeia, apesar de estar até hoje a ela submetida: só o negro e o índio não capitularam a ela. Quem não tiver a consciência disso que caia fora. Para a criação de uma verdadeira cultura brasileira, característica e forte, expressiva ao menos, essa herança maldita europeia e americana terá de ser absorvida, antropofagicamente, pela negra e índia de nossa terra, que na verdade são as únicas significativas, pois a maioria dos produtos da arte brasileira é híbrida, intelectualizada ao extremo, vazia de um significado próprio.”

>> Vale a pena lembrar também que Caetano escreveu os versos da música “Tropicália” dias depois de assistir à montagem antropofágica e repleta de desbunde de O Rei da Vela, do Grupo Oficina, dirigido por José Celso Martinez Corrêa. A encenação baseou-se no original de Oswald de Andrade, escrita em 1933 e publicada quatro anos depois. A única obra teatral do clássico integrante do movimento modernista brasileiro nunca havia sido apresentada publicamente antes, por ser considerada inviável para tal. Seus personagens retratam um cenário de decadência e degradação, estando envolvidos em casas de falcatruas, exploração, falta de moralidade e sexualidade alvoraçada.

>> Muitas das ideias do Movimento Antropofágico escritas por Oswald de Andarde três décadas antes norteavam a filosofia do grupo de José Celso. Duas frases, segundo o diretor, em uma entrevista da época, duas das frases de Oswald que mais determinavam as atitudes do Oficina eram “pela unificação de todas as revoltas numa direção só” e “pela contribuição milionária de todos os erros”.

>> Além das ligações com a literatura, o teatro e o Cinema Novo brasileiro, a Tropicália também manteve, por conta de suas letras, fortes laços com os papas do movimento da poesia concreta no país, Décio Pignatari e os irmãos Haroldo e Augusto de Campos.  A simpatia entre os lados era nutrida por ambas as partes.

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Mutantes (1968)

>> Se o disco de 1968 de Caetano chegou às lojas a toque de caixa, o de Gil, também o segundo da carreira, demorou quatro meses mais. Também com as assinaturas de Duprat, Barenbein e Duarte em suas respectivas funções técnicas. Os Mutantes serviram como a banda de apoio para todas as faixas. A capa de Duarte trazia três fotos de Gil (em poses de roupas de imortal da Academia Brasileira de Letras, um militar cheio de condecorações a la Sgt Pepper’s e um debochado piloto segurando apenas o volante de seu automóvel) entre grafismos em verde, amarelo e vermelho. Entre as dez faixas está a regravação de “Procissão” com um tempero um pouco mais pop dado por Rita Lee e os irmãos Arnaldo e Sérgio Dias Baptista.

>> Em junho foi a vez da Phillips soltar o álbum de estreia dos Mutantes, também sob a batuta da dupla Barenbein e Duprat. Para a música de abertura, “Panis Et Circencis”, composta de presente para a banda por Caetano e Gil, o maestro e os músicos simularam um efeito curioso e até então inédito no rock mundial: o de parecer que alguém tropeçou no fio do toca-discos e desligou o aparelho da tomada. No mesmo arranjo, em complemento com o verso da letras que fala sobre “as pessoas na sala de jantar”, Mutantes, Rogério, técnicos e presentes no estúdio simularam uma mesa na hora da hora da refeição, com muita conversa e barulho de talheres, copos e pratos. Outros destaques são a versão do trio para “Baby”, de Caetano Veloso, e uma faixa inédita também composta de presente para o grupo por Jorge Ben, outro dos empresariados por Guilherme Araújo na época. Em seu livro Uma Autobiografia, Rita Lee conta que foi até a casa do amigo pedir uma música para o disco. Ele, que havia passado a noite com uma garota em sua casa, abriu a porta, sentou-se ao violão e compôs em poucos minutos o samba-rock “Minha Menina”. Na faixa “Le Premier Bonheur Du Jour” (regravação de uma música da francesa Françoise Hardy de 1963), Rita Lee entrou no estúdio com uma bomba de Flit para simular o som do chimbau. O Flit era um inseticida popular na época. Usado com a ajuda de um vaporizador primitivo, anterior ao aerosol).

>> Afinal, o nome do movimento é Tropicália ou Tropicalismo? “Tropicália”, a música de Caetano Veloso, transformou-se em manifesto de toda a história, emprestando seu nome para definir toda a turma que se juntou em torno das ideias revolucionárias dos dois baianos. Porém o segundo batismo, com o acréscimo do sufixo “ismo” acabou sendo adotado popularmente por conta do jornalista Nelson Motta, que através da coluna sobre música que escrevia no jornal Última Hora. Tudo surgiu numa roda de conversa em uma mesa de bar, quando Motta se divertia com os amigos Luiz Carlos Barreto e os cineastas Glauber Rocha, Cacá Diegues e Gustavo Dahl. Ao concluir um cenário inovador estava se formando nas artes brasileiras, a turma começou a bolar um conjunto de ideias, figurinos, celebrações e comportamentos que embasariam o dia-a-dia da revolução. Nelsinho reproduziu toda esta nova filosofia em detalhes em seu textos sob o título de “A cruzada tropicalista”, publicado no dia 5 de fevereiro de 1968.

>> A coluna de Nelson Motta foi o estopim que faltava para chancelar o movimento no inconsciente coletivo, enquanto a popularidade dos artistas aumentava a passos largos em todo o país. Enquanto isso o modo tropicalista de ser contagiou o Rio de Janeiro, com o surgimento de blocos carnavalescos de rua, supostos cantores ligados ao movimento e ainda o interesse da indústria têxtil em produzir roupas e peças de vestuário ligadas ao movimento (a Rhodia passou a patrocinar turnês nacionais e programas de TV com os principais ícones, enquanto anunciava o batismo de sua coleção de 1968 como Tropicália, com muitas estampas de bananas e outros signos ligados à brasilidade). Todo este hype provocou uma ideia na Phillips: encomendar um disco-coletivo do movimento aos seus criadores, Gil e Caetano, e com a participação de seus principais vértices na música, nos vocais e nas letras.

>> Ilustrando a cartilha tropicalista de Motta em sua coluna estava a foto do cantor Vicente Celestino, não a de Gil, Caetano, Gal ou Mutantes. Nos últimos anos andava com a carreira – de quase duzentos discos gravados desde 1915 – em baixa, por conta de ser considerado cafona o conjunto de seu vozeirão de tenor e as letras trágicas dos boleros que gravava. Caetano Veloso, fã assumido das canções populares eternizadas pelo rádio brasileiro nas décadas anteriores, foi quem trouxe Celestino para o movimento. Gravou uma releitura “Coração Materno” para o disco-coletivo que a Phillips viria a lançar em julho. No dia 23 de agosto, o cantor – que também era ator – seria um dos participantes e homenageados do programa de TV (ao lado de Aracy de Almeida, Dalva de Oliveira e as irmãs Dircinha e Linda Batista) que os tropicalistas iriam gravar em São Paulo. Nos ensaios, horas antes, discutiu de modo áspero com Gil, por não concordar com algumas das ideias mais ousadas do baiano e foi de volta para descansar um pouco no quarto do hotel onde estava hospedado em sua estadia na cidade. Entretanto, morreu minutos depois de um ataque do coração, no mesmo quarto desse hotel, aos 74 anos de idade.

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Nara Leão (1968)

>> Outra figura importante que gravitava em torno da turma tropicalista era Nara Leão. Durante uma viagem à Bahia em 1964, ela viria a conhecer dois dos irmãos Viana Teles Veloso, Caetano e Maria Bethânia. Ao retornar, quando adoeceu por um tempo e não pode se apresentar no espetáculo Opinião, considerado um dos símbolos do protesto artístico contra a ditadura militar. Indicou Bethânia para ocupar provisoriamente o seu lugar, num ato que lançou em definitivo a carreira nacional da baiana. Nara, nos anos 1960, pautava a carreira sem se importar em se fixar a rótulos ou limitações musicais. Era considerada a musa da bossa nova desde a adolescência mas expandiu seu talento cantando música de protesto e subindo os morros cariocas para trazer o samba ao cenário artístico da Zona Sul carioca. Nara e Caetano se recusaram a participar da tal passeata contra a presença do imperialismo norte-americano na música brasileira, promovida em 1967 e que também ficou conhecida como a tal manifestação “contra a guitarra elétrica”. Ambos ficaram na sacada do Hotel Danúbio, em São Paulo, vendo o “desfile” comandado por Elis Regina e Jair Rodrigues (apresentadores de O Fino da Bossa), com a presença de MPB4, Dori Caymmi, Edu Lobo, Geraldo Vandré e, por incrível que pareça, Gilberto Gil. Ele fora convencido pela amiga Elis a estar junto em um evento que fora criado pelo dono e fundador da Record, Paulo Machado de Carvalho, como forma de fazer um grande factoide que chamasse a atenção da imprensa e da população para os festivais e programas musicais de emissora. Gil, por sua vez, também tinha interesse em continuar sendo figurinha carimbada na grade musical da Record.

>> Maria Bethânia também tinha um posicionamento de carreira parecido com o de Nara, o de não querer ficar marcada com apenas um rótulo ou gênero musical. Por isso, apesar de sempre dar palpites e opiniões nos bastidores, nunca quis aparecer como uma cantora ligada à Tropicália. Deste modo, não aparecia em shows e programas de TV que reunia a turma ligada ao movimento. Também não participou, pelo mesmo motivo, do disco-coletivo bolado pela Phillips.

>> As gravações para o disco-coletivo da Tropicália ocorreram ao longo do mês de maio de 1968. O projeto foi coordenado por Caetano, que também selecionou o repertório e concebeu quem ficaria com o quê e quantas faixas. Entre os autores das canções (algumas inéditas) estavam ele próprio, Gil, Tom Zé e mais os letristas Capinan e Torquato Neto. Quatro baianos e o último nascido em Teresina, no Piauí, mas radicado dos 16 aos 18 anos de idade em Salvador, onde conhecera os outros e fez os últimos anos de colégio.

>> Apesar de dar título ao disco, a canção “Tropicália” não estava presente no repertório. Entretanto, o tom de manifesto estava presente em outras letras, como “Geleia Geral” (parceria de Gil e Torquato cujo nome foi “emprestado” por um expressão cunhada por Décio Pignatari), “Miserere Nobis”, “Panis Et Circencis” e, sobretudo, “Parque Industrial”. Esta canção, de autoria de Tom Zé e com os vocais divididos pelo autor com Gal, Gil e Caetano . Em sua canção – que também viria a ser gravada apenas por ele em seu primeiro álbum solo – Tom Zé colocava nos versos bandeirolas, céu de anil e o rótulo made in Brazil no refrão para lá de grudento.

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Rogério Duprat (1968)

>> Batizado Tropicalia ou Panis Et Circencis, o disco-manifesto coletivo é inteiro cheio de citações. O maestro Rogério Duprat exerceu a criatividade para fazer pequenas inserções incidentais dentro dos arranjos. “Geleia Geral”, cantada por Gil, ganhou trechos da ópera O Guarany, de Carlos Gomes, e de duas canções pop internacionais (“All The Way”, gravada com sucesso por Frank Sinatra em 1957, e “Pata Pata”, então hit recente de Miriam Makeba). Em “Parque Industrial”, Duprat colocou frases do “Hino Nacional Brasileiro” com um trecho do jingle publicitário do analgésico Melhoral. “Geleia Geral”, além da frase-título de Pignatari, traz também a repetição literal de uma frase do Manifesto Antropofágico de Oswald de Andrade (“A alegria é a prova dos nove”).

>> “Lindoneia” foi composta por Gil e Caetano a pedidos de Nara Leão, para ela gravá-la neste disco. A cantora ficou tão impressionada por um quadro do pintor Rubens Gerchman, chamado Lindoneia ou a Gioconda do Subúrbio, que  pediu uma canção para contar a história da personagem do quadro. Caetano, então, esboçou uma letra repleta de policiais, sangue e cachorros atropelados. O que acaba contrastando com o ritmo de bolero e a suave voz de Nara narrando melodicamente tudo isso.

>> Apesar de ter sido lançada um mês antes no álbum de estreia dos Mutantes, a gravação de “Panis Et Circencis” também foi incluída no Lado A do vinil. Ajudou a popularizar o álbum-manifesto, já que os Mutantes – presentes aqui em cinco faixas no total – transformaram-se em estrelas do movimento por terem obras autorais e ainda serem banda de apoio de apresentações ao vivo e gravações de Caetano e, sobretudo, Gil. Os dois, autores desta faixa, aproveitaram para incluir uma lembrança da vida pré-fama e pré-Tropicália. Quando morou no Rio de Janeiro depois de vir da Bahia, Caetano Veloso passou um tempo alugando um quarto/apartamento no Solar da Fossa, um casarão colonial situado no bairro de Botafogo, que abrigou temporariamente muitos artistas e intelectuais vindos de diversas patês do país e mesmo de outros bairros mais distantes do Rio de Janeiro. O sambista Paulinho da Viola foi um destes e, por morar em frente à porta de Caetano, foi um dos primeiros privilegiados a ouvir a recente composição de “Alegria, Alegria”. As tais “folhas de sonho plantadas no jardim do Solar” da letra referem-se à maconha consumida livremente na região externa da construção, demolida em 1972 e em cujo terreno hoje está situado o shopping center Rio Sul.

>> A grafia da canção dos Mutantes que aparece no álbum está errada. A expressão correta em latim é “Panis Et Circenses”. Também existe a variação “Panem Et Circenses”. Em português, a expressão significa “pão e circo”.

>> Escrita por Capinan, a letra da faixa de abertura “Miserere Nobis” também se utiliza de uma expressão em latim em seu título. Em português, a frase significa “tende piedade de nós”. Esta é um trecho da oração Agnus Dei (Cordeiro de Deus). Nas entrelinhas, é uma prece para que o Brasil conseguisse se salvar sem maiores sofrimentos pela etapa da ditadura militar iniciada em 31 de março de 1964. O final, entretanto, é bem explícito. “Bê-rê-a, Bra/ Zê-i-lê, zil/ Fê-u, fu/ Zê-i-lê, zil/ Cê-a, Cá/ Nê-agá-a-o,til, não).

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Torquato Neto (1968)

>> “Coração Materno” é uma das três regravações do álbum. Nela, a interpretação suave de Caetano sobre o arranjo de cordas bolado por Duprat disfarça um pouco da tragédia da letra, que narra a história de um camponês que assassina a própria mãe somente para provar o quão verdadeira é a sua paixão por uma mulher. Ao lado de Gil, o baiano também é o intérprete da versão em português de “Três Caravelas”, feita por Braguinha e gravada aqui com escancarado molho musical caribenho. A última faixa do disco é “Hino ao Senhor do Bonfim”, obra cívica e religiosa, composta em 1923 em louvação à famosa Igreja do Senhor do Bonfim, monumento histórico, turístico e devocional de Salvador. Além de Gil e Caetano, participam da faixa os Mutantes e Gal Costa.

>> A mesma quadra de artistas gravou a faixa imediatamente anterior, “Bat Macumba”. Neste experimento visual e sonoro, Gil e Caetano fazem uma poesia concreta com a frase “Bat Macumba ê ê, Bat Macumba obá”. Primeiro vão eliminando uma sílaba final por vez da frase até restar o mínimo dela (o fonema “ba”). Em seguida, fazem o mesmo, agora acrescentando a sílaba final até formar de novo a frase completa. Apenas um detalhe: na hora de falar “batma”, a letra sugere uma pequena modificação para “batman”. Nesta expressão, a dupla reúne um pouco da essência da Tropicália, que era unir a cultura popular brasileira ao melhor das referências sugadas do exterior, no melhor estilo antropofágico dos modernistas dos anos 1930. Assim a cultura afrorreligiosa de grande força no estado natal dos compositores se mistura ao mais cultuado super-herói dos quadrinhos exportados pelo “imperialismo” norte-americano.

>> “Enquanto Seu Lobo Não Vem” traz, pela primeira vez, Rita Lee cantando sem a presença dos irmãos Dias Baptista, ao lado de apenas Gil e Caetano. Na letra, uma esperta comparação entre o carnaval carioca (especialmente o desfile da escola de samba Estação Primeira de Mangueira) com os clarins de uma banda militar. Aqui as entrelinhas dirigidas ao golpe de 1964 e a interferência norte-americana na soberania brasileira também podem ser identificadas, ainda mais em relação ao perigo à espreita que a frase do título explicita – em uma clara citação ao clássico conto de fadas Chapeuzinho Vermelho.

>> “Mamãe, Coragem” é a única faixa solo de Gal Costa no disco. Parceria de Caetano com o letrista e poeta Torquato Neto, os versos fazem referências à vida e a família do piauiense. Mas também pode servir de metáfora para o despertar de um novo tempo e a aceitação de algo nunca mais acontecer ou alguém nunca mais poderá estar junto. Também cai como uma luva para os tempos bicudos e de extrema repressão governamental que a juventude brasileira estava começando a viver naquele ano de 1968.

>> “Baby”, de Caetano Veloso, aparece aqui em sua segunda gravação oficial (a primeira fora lançada um mês antes, no disco dos Mutantes; a terceira seria lançada em 1969 no primeiro álbum solo de Gal Costa). Abrindo o lado B do vinil, Caetano e Gal voltam a fazer dupla de vocais, como fizeram em várias faixas do álbum Domingo, de 1967. É basicamente uma canção objetivamente pop, construída por uma base de acordes maiores. A letra, aparentemente ingênua, faz uma lista de necessidades diárias de um jovem de classe média e morador de uma grande metrópole brasileira naquela década de 1960.

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Tom Zé (1968)

>> A foto da capa do disco, que reúne todas cabeças pensantes da Tropicália não teve um conceito pensado muito antes. Caetano, Gil, Gal, Tom Zé, Mutantes, Torquato Neto e Rogério Duprat fizeram tudo como um happening, prática um tanto vanguardista para artistas populares brasileiros da época. Duprat conhecia o fotografo Olivier Perroy, que na época fazia trabalhos para a Editora Abril, situada também em São Paulo. A sessão foi marcada para a residência de Perroy, uma casa próxima à Avenida Brigadeiro Faria Lima, na altura do Esporte Clube Pinheiros. O local interno escolhido foi o jardim de inverno. Rita Lee e Guilherme Azevedo palpitaram nas roupas, com predominância das cores verde e amarelo Para a composição de um cenário tropicalista foram feitas algumas bananeiras de papel crepom, mas os artefatos acabaram descartados na hora dos cliques. O prazo curto para a realização das fotos impediu a ida a SP de Nara Leão e Capinan, que moravam no Rio. Os dois, então, acabaram representados por retratos emoldurados (o do letrista remetia ao dia da sua formatura escolar, na Bahia). Tom Zé segura uma velha valise para parecer que havia acabado de chegar do Nordeste (por sugestão de Araújo, que detonou o terno então usado pelo artista para ir até o local). Ele e mais os três Mutantes aparecem ao fundo, estando os irmãos a segurar seus instrumentos de cordas. No meio, em um banco, estão sentados Caetano (quase desaparecendo atrás do retrato de Nara), Gal e Torquato. Gil está bem à frente, sentado no chão, com a foto de Capinan ainda menino. À esquerda, também no banco, está Rogério Duprat na pose mais curiosa e aberta a interpretações de todas. No melhor estilo Marcel Duchamp, ele segura um grande penico, encontrado dias antes na casa de uma tia, como se fosse uma xicara de chá.

>> Duprat foi algo como o maestro oficial dos tropicalistas, o George Martin desta turma, aquele que procurava transpor para as gravações as ideias mais malucas e aparentemente impossíveis de serem concretizadas. Tinha menos de 40 anos de idade na época. Nascido em 1932, no Rio de Janeiro, ele teve sua iniciação musical quase por acaso, aprendendo a tocar “de ouvido violão, cavaquinho e gaita harmônica. Na adolescência iniciou sua formação erudita. Em 1956, com apenas 24 anos, foi membro fundador da Orquestra de Câmara de São Paulo. Também foi para Alemanha para estudar com o professor Karlheinz Stockhausen, um dos maiores nomes da música contemporânea do Século 20. Neste período teve entre seus colegas de classe o norte-americano Frank Zappa. De volta ao Brasil, em 1963 tornou-se um dos pioneiros da música eletrônica no país. Ao lado do amigo e também maestro Damiano Cozella, usou um computador IBM 1620 da Escola Politécnica da USP para compor uma peça intitulada Klavibm II. Lecionou na Universidade de Brasília, de onde saiu em 1964 por causa da intervenção do governo militar na instituição. Mudou-se para São Paulo. Indicado aos tropicalistas pelo também amigo e maestro Julio Medaglia, Duprat dizia não gostar de música. Pelo menos a convencional. Achava tudo um grande tédio e não via brilho em repetições de fórmulas. No auge da popularidade da Tropicália, ele reuniu experientes músicos de orquestras (mais cantoras da noite, o produtor Barenbein e os próprios Mutantes) e lançou para a Phillips o álbum A Banda Tropicalista do Duprat, misturando rock e instrumentos clássicos e fazendo verões desbundadas de grades clássicos pop e da música brasileira. O disco foi um fracasso de vendas e atualmente o vinil é peça rara e disputada a tapas por colecionadores. Na década de 1970, Duprat trabalhou com o grupo progressivo O Terço, o cantor e compositor Walter Franco e o grupo vocal de disco music Frenéticas. Ao mesmo tempo, compôs diversas trilhas sonoras de filmes nacionais e jingles publicitários. Gradativamente foi se afastando do meio musical para viver de forma reclusa em seu sítio na cidade de Itapecirica da Serra, na região metropolitana de São Paulo. Faleceu em 36 de outubro de 2006, por complicações do mal de Alzheimer e um câncer na bexiga.

>> Assinado por Caetano Veloso e Torquato Neto, o texto da contracapa de Tropicália ou Panis Et Circencis descreve uma espécie de roteiro do movimento, transformando em personagens os próprios tropicalistas. Com ironia, deboche e um certo nonsense, a dupla citava Chacrinha (“estou aqui para confundir e não para explicar”), que fora um grande padrinho dos Tropicalistas abrindo bastante espaço em seu programa semanal na Globo. Tirava sarro dos puristas (será que o Câmara Cascudo vai pensar que nós estamos querendo dizer que bumba meu boi e iê-iê-iê são a mesma dança?) e do lado artístico da música (“como receberão a notícia de que um disco é feito para vender?”). Por fim, homenageava João Gilberto camuflando um recado mandado recentemente pelo mestre da bossa nova a Caetano, durante um encontro com Augusto de Campos nos Estados Unidos (“diga que vou ficar olhando pra ele”).

>> Outra contribuição de Hélio Oiticica para a Tropicália foi a popularização de seus parangolés como um objeto indumentário. Parangolés são um misto de roupas, capas, bandeiras e estandartes que permitem mobilidade do corpo e dos braços quando vestidos, ou sugerem movimento quando carregados em um happening. Por serem de cores fortes, o objeto ganha mais dinamismo quando portado. Por vezes tb carregam fotografias ou palavras reproduzidas. Caetano Veloso, por exemplo, ostentou por várias vezes parangolés em shows, apresentações na TV e fotografias.

>> A partir de meados de 1968 o clima no Brasil começou a ficar mais explosivo e hostil. Com recrudescimento da violência militar contra os estudantes e manifestantes contrário, os ânimos também começaram a se exaltar nas práticas e atitudes comuns do dia a dia. Isso também os tropicalistas ao longo dos meses. Na noite de 6 de junho, em um debate organizado pelos estudantes da FAU (Faculdade de Arquitetura e Urbanismo), a recepção de muitos dos estudantes aos presentes (Caetano, Gil, Augusto de Campos e Décio Pignatari) foi cerceamento, confronto e uma quase violência física. Além das muitas vaias e de quase não conseguirem expor as suas ideias, foram jogadas muitas bananas e bombinhas.

>> Na mesma semana do tumulto ocorrido na FAU, Caetano e Gil enfrentavam outras dificuldades nos bastidores. O acordo entre a Rhodia e a TV Globo para a produção de especiais musicais com os tropicalistas começava a dar os primeiros sinais de que iria ruir. O primeiro destes programas estava previsto para ir ao em 30 de junho, sob o título Vida, Paixão e Banana do Tropicalismo. Os letristas e poetas Capinam e Torquato Neto assinariam o roteiro e Martinez Corrêa era o nome escalado para a direção. Mas um racha entre o empresário Guilherme Araújo e o diretor de eventos da empresa, Livio Rangan pôs tudo a perder. Zé Celso foi imediatamente afastado da direção do show-desfile e tudo acabou sendo cancelado. Gil e Caetano, entretanto, foram mantidos como artistas contratados da Rhodia para o Momento 68, considerado o evento ao vivo mais caro já realizado no país até então, com temporadas em Rio e São Paulo mais passagens por outras capitais brasileiras e cidades do exterior como Montevidéu (Uruguai), Buenos Aires (Argentina) e Lisboa (Portugal). A ficha técnica reunia textos de Millôr Fernandes; direção musical de Rogério Duprat; coreografias de Lennie Dale, Ismael Guizer e Renée Guimal; diversas modelos, cantores (Gil, Caetano, Eliana Pittman), atores (Walmor Chagas, Raul Cortez) e colagens de fenômenos sociais e culturais do momento retratados em vinte esquetes (alguns com os nomes de “Pop Art”, “A Vamp dos Anos 30”, “Juventude Pra Frente”, “Sex Strip”, “Bahia-iá-iá” e, lógico, “Tropicália”) Contudo, os dois tropicalistas se sentiram bastante incomodados ao se verem ali, nos palcos, como um retrato caricatural e afetado do próprio tropicalismo, uma paródia de si mesmos. O estopim do rompimento de contrato com a Rhodia ocorreu apos a gravação ao vivo de novo especial para a TV, realizado em agosto. Rangan não gostou do resultado, queria editar o resultado final, Caetano e Gil se revoltaram, não concordaram com a medida e acabaram não embarcando para a Argentina junto com o resto da trupe do Momento 68. A briga foi parar na imprensa, através de declarações de Araújo e Caetano acusando a empresa têxtil de manipulação e interesse capitalista em cima dos próprios artistas. Resultado: o quarto cancelamento do programa da Globo em dois meses.

>> Com a cabeça quente por causa desses últimos acontecimentos bastante confusos, Caetano tentou prosseguir a carreira compondo uma música inédita para inscrever em um festival do segundo semestre. Guilherme mostro a ele uma revista Manchete com uma reportagem sobre a radicalização do movimento estudantil em Paris. Em uma fotos, uma pichação na parede dizia “é proibido proibir”. Seu empresário achou a frase ótima e convenceu o relutante compositor a fazer uma letra com ela. A contragosto, o baiano compôs rapidamente a nova canção utilizando o slogan dos jovens franceses como refrão e título. Araújo inscreveu a música no terceiro Festival Internacional da Canção, programado para setembro. Por não concordar com a ideia de repetir um único dizer em um refrão inteiro e considerar o resultado final um tanto primário, o autor teve uma ideia: transformar a apresentação ao vivo, agora ao lado dos Mutantes, em um happening que misturava dança e poemas recitados no meio do arranjo. Gil, por sua vez, “trocou de banda de apoio com o amigo” e escalou os Beat Boys para acompanhá-lo em “Questão de Ordem”, uma criação mais antiga e com moldes mais tradicionais agora subvertida em psicodelia, com canto falados, gemidos, gritos e uma grande inspiração musical de Jimi Hendrix. Ambas as composições foram classificadas para as duas eliminatórias dos dias 12 e 14.

>> Mal sabiam Caetano e Gil que a panela de pressão estava prestes a explodir em cima dele. O primeiro experimentou no dia 12 a ira do público paulistano presente ao Tuca (Teatro da Universidade Católica) quando começou a apresentação de “É Proibido Proibir”. O figurino era assinado pela mulher Dedé e a marchand paulista Regina Boni. Duprat usava uma roupa espacial. Ele entrou em cena com camisa verde limão, colete prateado, muitas pulseiras de metal e um enorme colar feito de dentes de animais. Arnaldo e Sérgio vestiam capas alaranjas enquanto a cor do vestido de Rita era rosa. Logo após a longa e perturbadora introdução atonal criada pelo maestro, vieram os primeiros gritos de “Fora!” e “Bicha!”. As vaias aumentaram na mesma proporção que os ovos e tomates atirados ao palco. Quando o bailarino Johnny Dandurand, um hippie americano que veio ao Brasil para escapar do serviço militar em seu país, surgiu em cena uivando e berrando sons incompreensíveis, o tom de reação da plateia aumentou. Caetano, puto da vida, proferiu um discurso-sabão a todos os presentes, virou-se de costas para cantar e passou a simular gestos coreográficas que emulavam uma relação sexual. Na verdade boa parte dos universitários que ali estavam eram solidários torcia para Geraldo Vandré, que, sempre um severo crítico das guitarras e da Tropicália, ameaçou retirar sua música “Pra Não Dizer Que Não Falei das Flores” (famosa pelos seus apenas dois acordes ao violão, o pseudotítulo “Caminhando e Cantando” e o refrão esquerda-brasileira-forever “Vem vamos embora que esperar não é saber/ Quem sabe faz a hora, não espera acontecer”) do festival em protesto ao happening concebido pelo baiano. No dia 14 de setembro, Gil experimento reação violenta bem semelhante à da performance de Caetano, inclusive com a mesma quantidade de ovos e tomates. O júri, do qual participava  o jornalista-fanfarrão Nelson Motta (que não havia gostado da proposta de ambos), desqualificou as duas canções na mesma noite das eliminatórias.

>> A gravação ao vivo da experiência turbulenta de Caetano no TUCA acabou sendo lançada posteriormente em um compacto, graças ao então presidente da Phillips, o franco-marroquino André Midani, que, no dia seguinte à confusão, encarregou o produtor Manoel Barenbein de obter junto à Rede Globo a íntegra do áudio da performance. Três semanas depois, o disco estava nas lojas, juntando o fonograma registrado em estúdio ao tumulto daquela primeira eliminatória no TUCA. Eternizava-se, então, na Historia da música brasileira, o famoso discurso bradado com raiva por Caetano no meio da canção, enquanto os Mutantes emendavam um longo instrumental repleto de improviso e solos da guitarra de Serginho. “Mas é isso que é a juventude que diz que quer tomar o poder? Vocês têm coragem de aplaudir, este ano, uma música, um tipo de música que vocês não teriam coragem de aplaudir no ano passado! São a mesma juventude que vão sempre, sempre, matar amanhã o velhote inimigo que morreu ontem! Vocês não estão entendendo nada, nada, nada, absolutamente nada. Hoje não tem Fernando Pessoa. Eu hoje vim dizer aqui, que quem teve coragem de assumir a estrutura de festival, não com o medo que o senhor Chico de Assis pediu, mas com a coragem, quem teve essa coragem de assumir essa estrutura e fazê‑la explodir foi Gilberto Gil e fui eu. Não foi ninguém, foi Gilberto Gil e fui eu! Vocês estão por fora! Vocês não dão pra entender. Mas que juventude é essa? Que juventude é essa? Vocês jamais conterão ninguém. Vocês são iguais sabem a quem? São iguais sabem a quem? Tem som no microfone? Vocês são iguais sabem a quem? Àqueles que foram na Roda Viva e espancaram os atores! Vocês não diferem em nada deles, vocês não diferem em nada. E por falar nisso, viva Cacilda Becker! Viva Cacilda Becker! Eu tinha me comprometido a dar esse viva aqui, não tem nada a ver com vocês. O problema é o seguinte: vocês estão querendo policiar a música brasileira. O Maranhão apresentou, este ano, uma música com arranjo de charleston. Sabem o que foi? Foi a Gabriela do ano passado, que ele não teve coragem de, no ano passado, apresentar por ser americana. Mas eu e Gil já abrimos o caminho. O que é que vocês querem? Eu vim aqui para acabar com isso! Eu quero dizer ao júri: me desclassifique. Eu não tenho nada a ver com isso. Nada a ver com isso. Gilberto Gil. Gilberto Gil está comigo, para nós acabarmos com o festival e com toda a imbecilidade que reina no Brasil. Acabar com tudo isso de uma vez. Nós só entramos no festival pra isso. Não é Gil? Não fingimos. Não fingimos aqui que desconhecemos o que seja festival, não. Ninguém nunca me ouviu falar assim. Entendeu? Eu só queria dizer isso, baby. Sabe como é? Nós, eu e ele, tivemos coragem de entrar em todas as estruturas e sair de todas. E vocês? Se vocês forem… se vocês, em política, forem como são em estética, estamos feitos! Me desclassifiquem junto com o Gil! junto com ele, tá entendendo? E quanto a vocês… O júri é muito simpático, mas é incompetente. Deus está solto! Fora do tom, sem melodia. Como é júri? Não acertaram? Qualificaram a melodia de Gilberto Gil? Ficaram por fora. Gil fundiu a cuca de vocês, hein? É assim que eu quero ver. Chega!”

>>  A agressão a artistas não partia somente de gente ligada politicamente à esquerda. A extrema direita também contribuiu para manchar de vergonha e falta de respeito duas páginas do calendário de 1968. Estudantes, policiais, facções ultraconservadoras ligadas à Igreja Católica (como a Opus Dei e a Tradição, Família e Propriedade) e intelectuais favoráveis ao regime ditatorial formaram uma organização paramilitar chamada CCC (Comando de Caça aos Comunistas), que inclusive recebia treinamento do exército brasileiro. Surgido em 1963, o CCC perseguia diversas classes (inclusive a artística), fazendo denúncias e inclusive atacando fisicamente pessoas e entidades que se opunham ao governo golpista nacional. Na noite de 18 de julho, vinte integrantes invadiram o Teatro Ruth Escobar, em São Paulo, onde estava sendo apresentada a peça Roda Viva, de autoria de Chico Buarque e dirigida por José Celso Martinez Corrêa. Cenários e camarins foram destruídos e os atores (no elenco estavam Marilia Pera, Antônio Pedro e Paulo César Pereio) espancados brutalmente. A montagem, considerada um símbolo de resistência contra a ditadura, sofreu em setembro um novo ato de violência em Porto Alegre, onde também foi censurada sob os rótulos de “degradante” e “subversiva”. Segundo o censor responsável pela avaliação, a primeira incursão de Chico no texto dramatúrgico não respeitava “a formação moral do espectador” e feria de maneira contundente “todos os princípios de ensinamento moral e religioso herdado dos antepassados”. Em 2 de dezembro, houve também um atentado à bomba ao Teatro Opinião, no Rio de Janeiro.

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Gal Costa (1968)

>>  Tom Zé, ainda não muito conhecido antes do lançamento do álbum-manifesto, venceu a quarta edição do Festival de Música Popular Brasileira, da Record, em outubro de 1968 – um ano depois da revolução tropicalista ser catapultada à popularidade com as performances explosivas de Gil e Caetano na mesma emissora de televisão. “São São Paulo”, escolhida pelo júri como a melhor música daquele ano, encabeçou a lista das doze faixas de seu primeiro álbum, Grande Liquidação, lançado no finalzinho do ano. O mesmo disco trazia uma versão só dele de “Parque Industrial”, cantada em coro pelos tropicalistas em Tropicália ou Panis Et Circensis. A faixa “Namorinho de Portão”, no ano seguinte, foi gravada por Gal Costa em seu primeiro álbum solo. Já outra composição de Tom Zé, “2001”, feita em parceria com Rita Lee que misturava o rock com a cultura caipira brasileira e a então corrida espacial feita entre russos e norte-americanos, beliscou o quarto prêmio no mesmo festival, com a interpretação dos Mutantes. A faixa acabou registrada pela banda em seu segundo álbum, também em 1969.

>>  Mesmo não tendo participado como intérpretes do Festival da Record por conta dos inúmeros compromissos profissionais surgidos durante o ano, Caetano e Gil não ficaram de fora do evento. Inscreveram “Divino, Maravilhoso” (um recado claro para as pessoas ficarem espertas quanto à violência desenfreada aos opositores do regime militar) e escalaram Gal Costa para cantá-la sob o acompanhamento dos Beat Boys. Premiada com a terceira colocação, a música foi a mola propulsora da carreira de Gal, que naquela altura já estava em estúdio, gravando seu primeiro álbum solo para ser lançado depois da virada do ano. Além desta, outras quatro faixas contavam com a autoria de Caetano: “Não Identificado”, “Lost In The Paradise”, “Saudosismo” e “Baby”. Gil contribui com o arranjo de “Sebastiana” e “Namorinho de Portão” e ainda com a parceria com Torquato Neto em “A Coisa Mais Linda que Existe”.  Duprat construiu o arranjo de seis canções e o guitarrista Lanny Gordin, que acompanhava Gal em sua banda, outras três. O restante do repertório foi montado com faixas compostas por Jorge Ben (“Deus é o Amor” e “Que Pena”) e a dupla Roberto e Erasmo (“Vou Recomeçar” e “Se Você Pensa”).

>>  Apesar de ligado aos artistas da Tropicália, José Carlos Capinan foi um letrista que, na somatória de suas obras, esteve mais ligados à turma mais tradicionalista da MPB, que tanto combatia as revoluções propostas pelo combo baiano-paulista. Por sua vez, Torquato Neto estava mais ligado à contracultura dos anos 1960 e, por também trabalhar como jornalista cultural, agia como defensor de manifestações artísticas de vanguarda, como a poesia concreta e o Cinema Marginal, pós-cinema novo. Com o surgimento do AI-5 em dezembro de 1960, optou por um exílio espontâneo em Londres, cidade também escolhida por Gil e Caetano após sua expulsão do Brasil. Um dia após o seu aniversário de 28 anos, em novembro de 1972, Torquato trancou-se  no banheiro e matou-se por inalação de gás.

>>  O programa dos Tropicalistas na Globo, que seria patrocinado pela Rhodia, não decolou em meados de 1968. No fim foi a Tupi quem acabou levando a turma revolucionária para a telinha. Em outubro estreou Divino, Maravilhoso, com Caetano, Gil, Gal, Mutantes e outros artistas convidados (Jorge Ben, Nara Leão, Jards Macalé, Beat Boys e outros). Nos estúdios da Tupi, eles tentavam reproduzir em performances montadas para a TV todo o clima de liberdade, renovação e ousadia dos últimos doze meses, com o qual haviam tanto revolucionado a música brasileira como colecionado polêmicas e inimigos. Em uma cena, Caetano Veloso aparecia preso em uma jaula, comendo bananas e plantando bananeira. Sob a direção de Antonio Abujamra e Fernando Faro, o programa semanal acabou contestado pela audiência do estado de São Paulo, sobretudo em algumas cidades do interior, que, chocadas com o nível de transgressão e vanguarda no aparelho eletrodoméstico mais popular das casa de família, organizaram abaixo-assinados pedindo a retirada imediata da atração da grade da emissora. Entretanto, a iniciativa não durou. Estendeu-se até e a antevéspera do Natal do mesmo ano.

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Gil e Caetano no exílio, em Londres (1970)

>>  No dia 13 de dezembro de 1968, o regime militar implantou o AI-5, o quinto dos dezessete grandes decretos impostou pela ditadura após o golpe de estado de 31 de março de 1964. Emitido pelo presidente Artur da Costa e Silva, este foi o mais repressivo e severo de todos os chamados Atos Institucionais. Resultou na perda de mandatos de parlamentares contrários aos militares, intervenções ordenadas por Brasília em estados e municípios e a suspensão de quaisquer garantias constitucionais, o que resultou na adoção da tortura como instrumento frequentemente utilizado pelo Estado.

>> Na antevéspera do Natal foi ao ar o último programa Divino, Maravilhoso. Nele, Caetano foi até o fim nas raias da provocação cantando a clássica marchinha da época “Boas Festas” (“Anoiteceu/ O sino gemeu/ A gente ficou/ Feliz a rezar/ (…) Já faz tempo que eu pedi/ Mas o meu Papai Noel não vem/ Com certeza já morreu/ Ou então felicidade é brinquedo que não tem”) com um revólver o tempo todo com um revólver apontado para a própria cabeça. Happening inspirado na brutalidade do filme Terra em Transe mas que lhe custaria caro (e a Gil também) dias depois, com a prisão de ambos efetuada por militares do Rio de Janeiro, a mando do regime ditatorial. Prova de que, assim como as mais recentes ações tropicalistas, Divino, Maravilhoso nasceu já como uma laranja mecânica, uma bomba-relógio prestes a estourar a qualquer momento naquele momento cada vez mais tenso do país.

>> Depois de dois meses de cárcere em quartéis Rio de Janeiro, os dois foram libertados logo após o carnaval de 1969 com ordens explícitas de retornar a Salvador e nunca mais sair de lá. Eles deveriam também se retirar do cenário artístico e não realizar mais qualquer atividade pública. A prisão domiciliar servia para “calar” dois dos mais ativos artistas brasileiros daquele ano. Assim eles não serviriam de exemplo de incitação e rebeldia para a juventude, mesmo não tendo qualquer ligação com organizações ou partidos políticos.

>> Cinco meses apos a prisão no Rio de Janeiro, a dupla baiana estava de volta à cidade. Desta vez para ir ao aeroporto e pegar um voo sem volta rumo a Londres, com escala em Lisboa. Com a permissão dos militares, eles trocaram a prisão domiciliar e a proibição do exercício de atividades artísticas pelo exílio na capital da Inglaterra junto às esposas, as irmãs Sandra e Dedé Gadelha. Antes disso, porém, em Salvador, Gil e Caetano aproveitaram o longo tempo ocioso para gravar músicas para os seus próximos álbuns. No de Caetano predominava a melancolia, já que o artista começava ali a dar pequenos sinais da depressão que lhe tomaria conta durante boa parte do tempo vivido fora do país. Contudo, a canção de maior destaque foi o frevo “Atrás do Trio Elétrico”, que, de certa maneira, já previa as mudanças significativas que viriam a ocorrer na música popular feita pelos artistas baianos das décadas de 1970 e 1980. Já o disco de Gil traria a música que se tornaria mais conhecida de toda a fase inicial de sua carreira, “Aquele Abraço”. Na verdade este era o bordão utilizado pelo comediante Lilico em um popular programa de humor da TV da época. Gil não conhecia o programa, mas enquanto este preso no bairro do Realengo, ouvia sempre a saudação dirigida a ele por um dos militares do quartel. Na letra, Gil faz referência a outro ícone da TV, Chacrinha, que abraçou a causa tropicalista e levou várias os artistas a seu programa. Também há citações à cultura e geografia carioca (Banda de Ipanema, Portela, Flamengo, Realengo, favela e a própria cidade, que fora a capital federal antes da criação de Brasília e, entre 1960 e 1975 também era o estado da Guanabara.

>> O avião que levou os dois casais à Europa partiu no dia 27 de julho de 1969 do aeroporto do Galeão, no Rio de Janeiro. Na véspera, em entrevista publicada pela edição carioca do jornal Última Hora, Caetano fazia um pequeno balanço do ano tropicalista. “Sei que o movimento que a gente começou está influenciando meio mundo. Mais dia, menos dia, era inevitável que também se começasse a utilizar uma linguagem nova. Isso demonstra que estávamos certos e o que fazíamos, aquela confusão toda, era um acontecimento natural no processo musical brasileiro. Quanto ao Tropicalismo, ainda não posso falar muita coisa. É claro que ele mantém raízes. O fato é que Gal Costa se tornou a mais importante cantora brasileira a partir dele e eu acho que isso já compensa. Se o Tropicalismo passou, eu não sei. Mas acho que, de certo modo, ele continua. E do modo certo, com Gal.”

>> Em Londres, enquanto Caetano mostrava uma fisionomia abatida e certa apatia para conhecer coisas novas exceto os filmes em cartaz nos cinemas, Gil era o seu oposto: estava maravilhado com a experimentação de novas drogas (ácidos, mescalina, haxixe) além do habitual baseado diária, devorava a bíblia psicodélica Politics Of Ecstasis, livro escrit por Timothy Leary, e consumia muita música local, indo do rock à musica de origens africana e caribenha. Esta interação com muitos músicos locais rendeu várias participações especiais em seus álbuns subsequentes, de tons mais experimentais e nem tão ligados à nova música pop brasileira que havia acabado de ajudar a criar. A depressão de Caetano se refletiu no modus operandi de compor e ele passou a fazer letras em inglês. Uma delas, a balada “London, London”, reflete bem a depressão desta fase. Gil voltou a morar no Brasil no início de 1972. Caetano já havia chegado um pouco antes, em agosto de 1971. Não foram mais incomodados pelos militares, mas também, por vontade própria, levaram a carreira a outros rumos durante os anos 1970, afastando-se de polêmicas artísticas, ousadias de vanguarda e até mesmo letras de tons politizados. Foram bastante cobrados por esta guinada, mas nem deram bola para os mais críticos e se consolidaram como os maiores cantores populares de sua geração. Nas décadas seguintes, a Tropicália foi “descoberta” no exterior e passou a ser objetos de culto entre famosos músicos de origem alternativa, como David Byrne (Talking Heads), Kurt Cobain (Nirvana), Sonic Youth, Beck, Sean Lennon, Stuart Murdoch (Belle and Sebastian) e Devendra Banhart.

Music, Videos

Clipe: Belle and Sebastian – I’m Your Pilot

Artista: Belle and Sebastian

Música: I’m Your Pilot

Álbum: How To Solve Our Human Problems EP 2 (2018)

Por que assistir: O vocalista Stuart Murdoch compôs esta música inspirado pelo nascimento de seu primeiro filho. Os versos são inspirados pelo eterno clássico da literatura infantil O Pequeno Príncipe, particularmente o trecho da história em que o protagonista – um aviador assim como o autor, o poeta, escritor e militar francês Antonie de Saint-Exupéry – se perde no deserto do Saara, com sua aeronave caída e quebrada. Até hoje muito se discute se esta parte do livro representa a realidade do personagem que dá nome do livro ou se é mera alegoria de uma alucinação sua. Para Murdoch, o trecho do “se perder no Saara” está diretamente ligado à sensação de conforto e alívio que vem a ele ao ver seu filho em casa quando retorna de longas e confusas viagens e turnês, quando tudo parece que a vida fica sem rumo. O clipe, também idealizado por Murdoch, faz algumas referências ao avião do Pequeno Príncipe, mas possui outra inspiração ainda maior. Ele quis tornar a experiência do vídeo de mostrar algo bastante íntimo e pessoal. Então foi juntado um elenco de pessoas comuns, dos mais diversos tipos, para reproduzir o famosos screen tests realizados por Andy Warhol na Factory para os seus filmes nos anos 1960 (daí a fotografia em preto e branco). Todas as pessoas que aparecem no clipe ficaram livres para fazer o que quisessem a partir do momento em que a câmera estivesse ligada, focalizando em variados ângulos e planos todos os seus gestos e expressões faciais.

Texto por Abonico R. Smith