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O Juízo

Thriller psicológico brasileiro desperdiça ótimos nomes em seu pequeno elenco com sérias lacunas em sua linguagem

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Texto por Leonardo Andreiko

Foto: Paris Filmes/Divulgação

Nos últimos anos, o terror brasileiro tem ganhado projeção nos circuitos de festivais mundo afora. Junta-se ao coro um já estabelecido diretor, Andrucha Waddington, responsável por alguns documentários sobre artistas da MPB mais diversas colaborações com Fernanda Torres, sua esposa, e Fernanda Montenegro, sua sogra. Em O Juízo (Brasil, 2019 – Paris Filmes), estas parcerias se repetem.

O roteiro, segundo assinado por Torres em sua carreira, gira em torno de uma família que recém se mudou para a Casa Grande herdada por Augusto (Felipe Camargo). Além dele, Tereza (Carol Castro) e seu filho Marinho (Joaquim Torres Waddington) devem adaptar-se à nova casa, sem luz e isolada da cidade mais próxima. No entanto, a família é ameaçada pelos espíritos de um escravo (Criolo) e sua filha (Kênia Bárbara), assassinados por um antepassado de Augusto (por problemas temporais da narrativa não fica claro se é seu avô, constantemente citado ao longo do filme, ou alguma geração anterior). Aqui, Andrucha e Torres desenham um thriller psicológico, claramente inspirados em clássicos de Stephen King, como O Iluminado e Cemitério Maldito, porém sem sucesso.

Este é, sem dúvidas, um filme problemático. Não necessariamente em seu tema, mas em seus aspectos mais técnicos, desde a direção e o roteiro à atuação do pequeno elenco que compõe o longa. A integração desses problemas, no entanto, dificulta uma análise fragmentada destes aspectos.

Explico. O Juízo abre desenhando perguntas que jamais são respondidas. A principal delas, que está presente em todo filme, é “quem são esses personagens?”. A segunda, de igual importância, é “por que estes personagens estão se mudando para esta casa, sem luz e completamente isolada de sua aparente vida anterior?”.  Nenhuma dessas questões é satisfatoriamente solucionada, o que prejudica a imersão do espectador na história. Como vamos nos importar com o que ocorre com personagens que mal conhecemos, muito menos entendemos o porquê de estarem nessa situação? As tentativas, propostas pelo roteiro, são insuficientes, mas a direção parece estar igualmente despreocupada com a imersão do público. Há, aqui, a ausência de elementos fundamentais do cinema, uma fundação para a construção do filme.

Waddington tenta estabelecer suspense, principalmente por meio de imagens estilizadas (estilo não falta nesse filme!), porém nos distancia de seus personagens, já que não há uma conexão primordial ao funcionamento de qualquer filme (a saber: entre personagens e espectador). Ainda, não há uma definição espacial-geográfica. Como exemplo, não conhecemos pontos fundamentais da estrada que liga a cidade à casa ou até mesmo os ambientes internos desta casa. A magnitude opressora da arquitetura do Brasil escravocrata é minimizada pelo não-estabelecimento dessa magnitude. Da mesma forma, pontos importantes ao suspense não são elucidados. Surgem elementos de cena aqui e ali e o arco da loucura gradual de Augusto, o único na trama, é pouco explorado pela direção.

Outro ponto fraco é a condução do elenco que conta com nomes de peso, como Fernanda Montenegro e Lima Duarte. Ela é restrita a uma dicção novelesca – aquela que preocupa-se em verbalizar cada sílaba com perfeição, distante da língua falada – e esta destitui cada personagem de uma ferramenta importante de sua construção, a fonética particular a cada pessoa. Com exceção dos dois veteraníssimos atores citados acima, que cumprem um bom trabalho, na medida do possível, o elenco do longa sofre mais com esse imobilismo. Destacam-se Criolo e Joaquim Torres Waddington. Ambos ainda têm uma carreira curta dentro do cinema mas fazem personagens unidimensionais e monótonos. Carol Castro, que ganha uma importância cada vez maior com o andar do filme, visivelmente entrega uma Tereza profunda, porém sua atuação é amputada pelo conjunto da obra.

Ainda, como dito anteriormente, O Juízo é bastante estilizado, com planos muito bonitos e, em questão de iluminação, muito inventivos. A fotografia de Azul Serra é, por vezes, escura demais, mas manipula as sombras do longa com competência, flertando, ao mesmo tempo, com o chiaroscuro (forte contraste entre o claro e o escuro, marca registrada do cinema noir) e a iluminação com luz natural.

O Juízo é um filme de suspense que é ineficaz. Dá a impressão de que seus criadores compreendem o material – que pode ser interessante – com clareza e profundidade, porém foram incapazes de transmitir tal densidade ao produto final, que sofre com lacunas seríssimas em sua linguagem. Deixa no espectador a estranha sensação de que a parte mais importante da história está faltando.

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Hellboy

Reboot do herói levado inicialmente aos cinemas pelo diretor Guillermo Del Toro derrapa em diversos tons

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Texto por Leonardo Andreiko

Foto: Imagem Filmes/Divulgação

O diretor mexicano Guillermo Del Toro, há 15 anos atrás, iniciou uma obra que desencadearia numa ruptura com o estúdio que o contratou e, após a frustrada expectativa de um novo filme, um reboot. Ron Pearlman é substituído por David Harbour no papel que dá nome à saga, John Hurt por Ian McShane e o icônico Abe Sapien de Doug Jones foi esquecido. Surge, então, o mais recente Hellboy (EUA/Reio Unido/Bulgária, 2019 – Imagem Filmes).

Não seria terrível um novo Hellboy sem seu idealizador original. Poderia, até, trocar Ron Pearlman por um ator mais jovem. Numa era pós-Stranger Things e de MCU, nasce um Frankenstein demoníaco de comédia, horror e jornada do velho herói. Dirigido por Neil Marshall, este Hellboy de 2019 tenta tudo e consegue, de fato, muito pouco. O diretor parece pouco investido em desenvolver uma linguagem concisa para o filme e acaba derrapando em diversos tons, incapaz de manter coesão narrativa ao longo da trama. Cada flashback tem sua estética e ritmo, enquanto o tempo presente é fortemente inconstante e muitas vezes caricato. É impossível não se lembrar de Jar Jar Binks e sua comédia corporal em cena segundos depois de uma grande tragédia.

A trama se inicia com um flashback extenso, narrado com obviedade. Repete-se a preguiçosa tentativa de contar-nos que Rei Arthur empunhou a Excalibur enquanto vemos… Rei Arthur empunhando a Excalibur! Adiante, acompanhamos Hellboy em sua missão na Inglaterra, indo ao auxílio do tradicional Clube Osiris. No entanto, o convite se torna uma enrascada – o protagonista é o causador premonitório do fim do mundo, motivo pelo qual o grupo britânico quer matá-lo. Somente com essa ameaça obliterada entramos de fato na trama principal do filme, desenvolvida desde o flashback. Hellboy deve impedir o retorno da maléfica bruxa Nimue, a Rainha de Sangue, que deseja instaurar o caos no mundo com sua praga. Ainda assim, o roteiro de Andrew Cosby insiste em atirar seu espectador para um conflito rasamente desenvolvido entre o protagonista e seu pai, o Professor Broom de Ian McShane, e uma sequência morosa e desnecessária com mais uma vilã, Baba Yaga, interpretada por Emma Tate e Troy James (voz e corpo, respectivamente).

Os personagens são, graças ao roteiro, unidimensionais ou puramente entregas de informações para o desenvolvimento da história, como é o caso de Baba Yaga. David Harbour interpreta, de modo eficiente, uma versão diferente do demônio, focando em sua imaturidade adolescente ainda que esta não seja explicitada no universo do filme, mas lhe falta carisma. Ian McShane cria um tutor desinteressante e desinteressado, cuja função é expositiva. Alice Monaghan (Sasha Lane) é uma estranha amiga/par romântico de Hellboy, por mais que ele a tenha resgatado de fadas quando bebê e a visto crescer.

Além de arrastado, o longa é inconstante em seus efeitos visuais, apresentando ora boas animações e texturas, ora figuras escabrosas e mal finalizadas. Há uma memorável cena de luta, inventiva e dinâmica, entre Hellboy e gigantes, porém ela é a única de todo o filme. A trilha sonora é extremamente ineficaz, utilizando ostensivamente hinos do rock do século 20 mesclados com aleatórios fortes riffs distorcidos.

Hellboy derrapa em todos seus aspectos, incapaz de desenvolver seus personagens, universo e cativar seu público – seja por ação, horror (no terceiro ato) ou por comédia, onde falha em completude. Uma tentativa desesperada de bilheteria fácil, aposto na completa frustração da produtora em alavancar uma sequência, desejo explícito em toda a história. É preciso um ótimo filme para o prenúncio de uma boa continuação. Estamos longe disso neste “primeiro” e, espero, mais ainda do segundo.

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John Wick 3: Parabellum

Terceiro capítulo da saga quadrinesca protagonizada por Keanu Reeves entedia mesmo com as ótimas cenas de ação

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Texto por Leonardo Andreiko

Foto: Paris Filmes/Divulgação

Um Duro de Matar com cenas de ação melhores. Foi assim que descreveram a série John Wick para mim, semanas antes de assistir a Parabellum, a terceira narrativa do universo quadrinesco estrelado por Keanu Reeves. A saga chega com fôlego em seu novo capítulo, mantendo-se firme na bilheteria dos dois predecessores.

Desta vez, a trama de Derek Kolstad, roteirizada com mais três colaboradores, revolve em torno da tentativa de fuga de Wick, excomunicado e com uma recompensa multimilionária em sua cabeça, requisitando a ajuda de Winston (Ian McShane) e seu hotel – que entra em choque com a Alta Cúpula. A princípio, uma preguiçosa desculpa para cenas de ação ininterruptas. E é, de fato. Por mais que quatro pessoas tenham trabalhado no roteiro, ele soa incompleto ao longo do filme, sem coesão entre suas sequências, simples e confuso (por mais paradoxal isso soe!) demais.

O ponto alto de John Wick 3: Parabellum (John Wick: Chapter 3 – Parabellum, EUA, 2019 – Paris Filmes), no entanto, funciona bem. As sequências de ação são muito bem gravadas – um ótimo trabalho do diretor Chad Stahelski, que trabalhou como dublê antes de assumir o controle de John Wick (2014). A inventividade da ação é seu estrelato, capaz de manter o espectador focado. Até certo ponto, pois Stahelski ainda deixa sua inexperiência latente, oscilando muito quando não dirige tiros, socos, pontapés e cachorros (que estrelam uma das melhores cenas de Parabellum). Ainda mais, o longa força tantas cenas de ação sem progressão narrativa entre si que se torna fortemente maçante. Além de muitas, todas são longas, sem verossimilhança. Afinal, é comum um dublê lutar, estocado com facas, como se estivesse 100%.

Desta forma, sem amparo do roteiro, o elenco não trabalha bem. Por mais denso o universo, seus personagens são rasos e unidimensionais. McShane não empolga, tal como a vilã de Parabellum, a Adjudicadora, interpretada por Asia Kate Dillon. Laurence Fishburne e Lance Reddick reprisam seus papeis com eficiência, enquanto Mark Dacascos interpreta o vilão físico (aquele que o protagonista deve derrotar em uma longa cena de ação, clímax do filme), Zeros, tão raso quanto os demais. Reeves, estrela do filme, apresenta carisma e entrega similares às que mostrou em Cópias – De Volta a Vida. Isto é, nada.

O design de som é ineficiente, cuja trilha sonora parece uma coletânea de temp score. Um grande problema é a plasticidade repetitiva do foley (camada de som digital que compreende interações, passos e roupas), em especial de seus socos e chutes. A fotografia, no entanto, é brilhante. Além de harmonizar muito bem com a direção nas cenas de ação, o trabalho de Dan Lautsten, que fez A Colina Escarlate e A Forma da Água, ambos dirigidos por Guillermo Del Toro, é incrivelmente inventiva, brincando com reflexos, paletas fortes e muita mobilidade de câmera.

Mais um filme puramente escapista, John Wick – Capítulo 3: Parabellum é entediante e escancara seus diversos problemas. Ainda assim, suas dinâmicas lutas são um prato cheio para fãs do gênero, consolidando-se no nicho que ocupa com maestria cinematográfica. Mérito maior de Lautsten que de Stahelski.